Compoziția este adesea despre extinderea limitelor. Dar, atunci când limitele sunt complet depășite, ce devine compoziția? Cu alte cuvinte: pot operele compozitorilor să nu mai fie considerate vreodată... muzică?

Pentru că Dicționarul Oxford definește opera ca fiind "o formă de dramă muzicală în care forțele ritmice pur melodice se împletesc cu elemente narative". Acest lucru nu pare să se aplice la "Pierrot Lunaire" a lui Schoenberg, de exemplu. OK; putem continua să o numim "melodramă" atunci? :)

Prefață

Compoziția este un proces profund personal și creativ pentru orice artist. Fiecare artist are stilul său unic, care îi reflectă individualitatea și viziunea artistică.

Atunci când inițiază procesul de creație, artistul analizează cu atenție cum să îmbine diferite elemente pentru a crea un întreg coerent. Prin stilul său de compoziție, artistul transmite publicului estetica și perspectivele sale.

Stilul de compoziție al unui artist poate evolua în timp, reflectând dezvoltarea sa personală și influențele în schimbare. Sau, mai degrabă, fuziunea dintre stil și compoziție este cea care generează operele de artă. Și fiecare lucrare poartă o parte din sufletul artistului și un mesaj unic pe care lumea îl poate interpreta.

Compozitorii de muzică bună au avut întotdeauna capacitatea unică de a-și transforma gândurile și experiențele în capodopere muzicale. Astăzi, compozitorii moderni continuă să depășească limitele expresiei muzicale.

Muzica occidentală a fost, într-un fel, definită de un centru tonal. În atonalitate, compozitorii se eliberează de constrângerile de a lucra într-o anumită tonalitate și de așteptările care vin odată cu aceasta.

Ei pot folosi toate cele douăsprezece note ale scalei cromatice în mod egal, fără a ține cont de ierarhiile armoniei tonale tradiționale.

Această lipsă a unei tonalități definite în atonalitate a deschis calea pentru compoziții unice și inovatoare.

Muzică clasică

Muzica clasică occidentală are o tonalitate definită (sau centre tonale, dacă/în cazul în care apar modulații).

Un centru tonal puternic poate fi găsit în aproape orice compoziție clasică. De exemplu, în hiperpopulara Simfonie nr. 9 a lui Beethoven, tonalitatea re minor servește drept "ancoră".

Acest exemplu ilustrează modul în care compozitorii folosesc conceptul de centru tonal pentru a crea coeziune muzicală și un sentiment de rezolvare. Asta nu înseamnă că scara cromatică nu este un element fundamental în muzica clasică. De fapt, este chiar opusul!

În compoziția clasică, utilizarea scalei cromatice introduce o paletă bogată și expresivă de culori muzicale. Ea adâncește bazinul de opțiuni, permițând armonii complicate și pasaje încărcate în lucrările clasice.

Acordurile funcționale

După cum am menționat în articolul nostru despre scara diatonică, noțiunea de acord a evoluat de-a lungul timpului. Muzica tonală o definește mai strict și mai structural.

Conceptul de funcționalitate a acordurilor este strâns legat de relațiile reciproce ale acordurilor, definite prin progresii și cadențe armonice.

Cu toate acestea, un singur acord poate fi, de asemenea, funcțional și poate oferi structura care stă la baza unei melodii. Deci, totul depinde de abilitățile și intențiile compozitorului.

Autorii pricepuți pot crea o mare varietate de stări de spirit prin intermediul unui singur acord, presupunând contexte muzicale diferite. A învăța să te exprimi prin intermediul unui acord este într-adevăr un pas crucial spre arta muzicală!

Dincolo de clasicism

La începutul secolului al XX-lea, oameni precum Alexander Scriabin și Igor Stravinsky au început să descrie muzica îndepărtându-se de scara diatonică tradițională.

Lucrările lor expresioniste au îmbrățișat cromatismul expresiv, folosind armonii, scale și acorduri care au abandonat tonalitatea convențională.

Când le asculți compozițiile, îți dai seama de măiestria lor. Progresia acordurilor și melodiile lor încărcate provocau așteptările ascultătorului.

Începutul

Pe măsură ce lucrurile au evoluat, ideile inovatoare au contestat ultimele constrângeri ale armoniei funcționale.

Această abatere de la abordarea tradițională a făcut ca acordurile succesive să fie disonante și deconectate, așa cum se observă din perspectiva structurii convenționale a acordurilor.

Arnold Schoenberg a introdus atonalitatea și multe alte tehnici experimentale, împingând limitele și mai departe. "Stilul Schoenberg" era atât de avangardist la acea vreme, încât unii nici măcar nu îl considerau muzică, făcând din eforturile sale un exemplu arhetipal de schimbare de paradigmă.

Atonalitatea sa liberă a insistat ca conceptele armonice tradiționale să fie complet abandonate, fără a fi strict în ceea ce privește ceea ce le constituie exact. Aceasta ridică întrebarea: se concentrează un compozitor atonal doar pe încălcarea tuturor regulilor tradiționale?

Estetica atonalității

Contrar credinței populare, atonalitatea nu este despre "anti-tonalitate". Este un set de principii independente. În timp ce cadențele armonice sunt "interzise", compozitorii atonali nu își bazează estetica pe cât de non-tonală este o piesă muzicală.

Absența unui centru tonal tradițional este într-adevăr o caracteristică definitorie a unei piese atonale. Și da: într-o lucrare atonală, compozitorul evită în mod deliberat stabilirea unei tonalități de bază, ceea ce conduce la o manifestare dinamică a diferitelor structuri de acorduri.

Aceste principii au dat naștere la ceea ce mai târziu a fost cunoscut sub numele de A doua școală vieneză. Arnold Schoenberg a scris Pierrot Lunaire pentru a-și demonstra punctele estetice mai devreme, iar elevii săi Alban Berg și Anton Webern i-au urmat, începând să scrie piese pentru pian și chiar suite.

Piesele lor pentru pian, în special, au arătat că accentul muzical era complet diferit. Mâna dreaptă nu "zbura" în timp ce interpreta melodia sau notele de trecere ale cadențelor majore. Mai degrabă, piesele se refereau mai mult la clasele de înălțime și la structură, deoarece trimiteau clapele majore în retragere.

Da, în muzica atonală, virtuozitatea (sau mai degrabă: dexteritatea) devine mai puțin importantă. Webern și Berg au continuat să se bazeze pe ceea ce le-a oferit profesorul lor, ceea ce a condus la noi evoluții stilistice.

Apex Ani

Muzica serială a apărut ca o îndepărtare semnificativă de muzica atonală liberă ca atare. Ea se bazează pe tehnica celor douăsprezece tonuri sau a rândurilor de tonuri, care determină secvența melodică și acordurile succesive de-a lungul unei compoziții.

Tehnica de compoziție corespunzătoare, denumită atunci "Serialism", a câștigat proeminență prin lucrările celei de-a doua școli vieneze. Impulsul compozitorilor a dus la crearea unor lucrări atonale revoluționare.

Elevii preferați ai lui Schoenberg (Alban Berg și Anton Webern, menționați mai sus) au fost în fruntea mișcării Serialismului.

Ei au început să folosească structuri matematice riguroase pentru a-și organiza compozițiile. Lucrările lor atonale foloseau adesea rândurile de douăsprezece tonuri menționate mai sus pentru a-și atinge scopul.

Acest sistem presupunea utilizarea tuturor celor 12 tonuri din scara cromatică, dar nu dintr-o singură octavă și strict fără nicio asemănare cu o melodie tonală (așa cum este definită în mod tradițional). Pentru a spori provocarea, "rândul" trebuie să fie dezvoltat fără repetiții de tonuri.

În consecință, muzica atonală a devenit foarte dificilă și pentru interpret, în special piesele atonale cu o parte vocală. Din cauza absenței unei referințe armonice funcționale, vocaliștii mai puțin experimentați trebuiau adesea să facă exerciții speciale și chiar să își învețe partea pe de rost.

Influența Serialismului a lăsat un impact de durată asupra lumii muzicii clasice contemporane. Piesele atonale au deschis calea pentru alte experimente în compoziție.

Non-Vienezii

Ar fi o greșeală să ajungem la concluzia că muzica atonală este legată de Viena - sau doar de Occident în general, de altfel.

Serghei Prokofiev a explorat aceste concepte în mod independent, creând lucrări care contestau în special structura convențională a operei. El a continuat să construiască pe bazele stabilite de Scriabin și Stravinski.

Compozițiile sale, la fel ca opera Wozzeck a lui Alban Berg, au cunoscut disoluția elementului structural primar, pe măsură ce melodiile și ritmurile dobândeau mai multă independență și complexitate.

În mod ironic, atonalitatea liberă poate fi considerată atât începutul, cât și sfârșitul, pur și simplu pentru că atonalitatea a fost mai puțin strictă înainte și după serialiști.

Am putea fi de altă părere, dar anumite aspecte sau fragmente din muzica lui Prokofiev, Șostakovici sau chiar Rachmaninov sunt într-un fel "atonale libere".

Jazz

Cel puțin de la Charlie Parker, și cu siguranță după el, fiecare muzician de jazz a fost obsedat de modul în care să extindă centrele tonale; cum să "redefinească clapele", dacă doriți. Acest lucru a dat naștere jazzului cool și jazzului modal în special.

Ceva mai târziu, Herbie Hancock a explorat fuziunea dintre muzica clasică contemporană și genurile de jazz - o consecință inevitabilă a spiritului său inovator. El a tratat ritmul ca pe un partener inseparabil al melodiei, creând compoziții revoluționare.

Aceste experimente cu tensiuni melodico-ritmice au devenit unul dintre factorii determinanți ai dezvoltării muzicii noi în secolul XX.

Urmările

Muzica atonală nu a adus sfârșitul muzicii tonale sau al armoniei funcționale. Mai degrabă, a redefinit conceptele, acordurile și ceea ce definește un centru tonal, ceea ce constituie un acord etc.

Muzica tonală astăzi

Armonia funcțională contemporană sună... ei bine... îmbogățită (ca să nu spun mai mult). Estetica permite atât clasele de înălțimi ale muzicii atonale, cât și un centru tonal.

Muzica tonală de astăzi poate conține - și conține - și muzică atonală. Sau poate "asemănări" cu muzica atonală, sau poate sclipiri și influențe ale muzicii atonale. Și este firesc, pentru că muzica este muzică, iar cheia este în ideile compozitorilor.

Muzica atonală de astăzi?

În aceeași ordine de idei: muzica atonală este muzică atonală. Și muzica atonală contemporană există, deși nu o veți găsi denumită ca atare (ca "muzică atonală contemporană" ).

Arnold Schoenberg și orice școală anterioară sunt foarte diferite de școlile de astăzi. "Pierrot Lunaire" nu este comparabilă cu muzica atonală de astăzi. Dar, din nou, nu era comparabilă nici cu "Threnody to the Victims of Hiroshima" a lui Penderecki, care a apărut la doar un deceniu după moartea lui Schoenberg...

Ceea ce contează este că muzica atonală a lui Schoenberg a adus idei noi în lumea muzicii. Idei cheie, utile mai ales în muzica pentru film sau în sfera teatrală. Și da: astăzi toată lumea este de acord că lucrările lui Schoenberg au fost - și vor fi întotdeauna - muzică!