Η σύνθεση είναι συχνά η διεύρυνση των ορίων. Αλλά, όταν τα όρια είναι εντελώς εκτός παραθύρου, τι γίνεται η σύνθεση; Με άλλα λόγια: μπορούν τα έργα των συνθετών να πάψουν ποτέ να θεωρούνται... μουσική;

Επειδή, το λεξικό της Οξφόρδης ορίζει την όπερα ως "μια μορφή μουσικού δράματος όπου αμιγώς μελωδικές ρυθμικές δυνάμεις διαπλέκονται με αφηγηματικά στοιχεία". Αυτό δεν φαίνεται να ισχύει για το "Pierrot Lunaire" του Σένμπεργκ, για παράδειγμα. Εντάξει- μπορούμε να συνεχίσουμε να το αποκαλούμε "μελόδραμα" τότε; :)

Πρόλογος

Η σύνθεση είναι μια βαθιά προσωπική και δημιουργική διαδικασία για κάθε καλλιτέχνη. Κάθε καλλιτέχνης έχει το μοναδικό του στυλ, το οποίο αντανακλά την ατομικότητα και το καλλιτεχνικό του όραμα.

Κατά την έναρξη της δημιουργικής διαδικασίας, ο καλλιτέχνης εξετάζει προσεκτικά πώς να συνδυάσει διάφορα στοιχεία για να δημιουργήσει ένα συνεκτικό σύνολο. Μέσω του στυλ σύνθεσης, ο καλλιτέχνης μεταφέρει την αισθητική και τις προοπτικές του στο κοινό.

Το στυλ σύνθεσης ενός καλλιτέχνη μπορεί να εξελίσσεται με την πάροδο του χρόνου, αντανακλώντας την προσωπική του ανάπτυξη και τις μεταβαλλόμενες επιρροές του. Ή μάλλον, είναι η συγχώνευση του ύφους και της σύνθεσης που αναδεικνύει τα έργα τέχνης. Και κάθε έργο μεταφέρει ένα κομμάτι της ψυχής του καλλιτέχνη και ένα μοναδικό μήνυμα για να το ερμηνεύσει ο κόσμος.

Οι καλοί μουσικοσυνθέτες είχαν πάντα τη μοναδική ικανότητα να μετατρέπουν τις σκέψεις και τις εμπειρίες τους σε μουσικά αριστουργήματα. Σήμερα, οι σύγχρονοι συνθέτες συνεχίζουν να διευρύνουν τα όρια της μουσικής έκφρασης.

Η δυτική μουσική καθορίστηκε, κατά μία έννοια, από ένα τονικό κέντρο. Στην ατονικότητα, οι συνθέτες απελευθερώνονται από τους περιορισμούς της εργασίας σε ένα συγκεκριμένο κλειδί και τις προσδοκίες που το συνοδεύουν.

Μπορούν να χρησιμοποιούν εξίσου και τις δώδεκα νότες της χρωματικής κλίμακας, αγνοώντας τις ιεραρχίες της παραδοσιακής τονικής αρμονίας.

Αυτή η έλλειψη ενός καθορισμένου κλειδιού στην ατονικότητα άνοιξε το δρόμο για μοναδικές και καινοτόμες συνθέσεις.

Κλασική μουσική

Η κλασική δυτική μουσική έχει μια καθορισμένη τονικότητα (ή τονικά κέντρα, αν/όταν συμβαίνουν διαφοροποιήσεις).

Ένα ισχυρό τονικό κέντρο μπορεί να βρεθεί σχεδόν σε κάθε κλασική σύνθεση. Για παράδειγμα, στην υπερ-δημοφιλή Συμφωνία αρ. 9 του Μπετόβεν, το κλειδί της ρε ελάσσονος χρησιμεύει ως "άγκυρα".

Αυτό το παράδειγμα δείχνει πώς οι συνθέτες χρησιμοποιούν την έννοια του τονικού κέντρου για να δημιουργήσουν μουσική συνοχή και αίσθηση λύσης. Αυτό δεν σημαίνει ότι η χρωματική κλίμακα δεν αποτελεί θεμελιώδες στοιχείο της κλασικής μουσικής. Στην πραγματικότητα, είναι ακριβώς το αντίθετο!

Στην κλασική σύνθεση, η χρήση της χρωματικής κλίμακας εισάγει μια πλούσια και εκφραστική παλέτα μουσικών χρωμάτων. Εμβαθύνει τη δεξαμενή επιλογών, επιτρέποντας περίπλοκες αρμονίες και φορτισμένα περάσματα στα κλασικά έργα.

Οι λειτουργικές χορδές

Όπως σημειώθηκε στο άρθρο μας για τη διατονική κλίμακα, η έννοια του τι συνιστά μια συγχορδία εξελίχθηκε με την πάροδο των αιώνων. Η τονική μουσική την ορίζει πιο αυστηρά και δομικά.

Η έννοια της λειτουργικότητας της συγχορδίας συνδέεται στενά με τις αμοιβαίες σχέσεις των συγχορδιών, όπως αυτές ορίζονται μέσω των ακολουθιών και των αρμονικών καδενισμών.

Ωστόσο, μια απλή συγχορδία μπορεί επίσης να είναι λειτουργική και να παρέχει δομή που να στηρίζει μια μελωδία. Έτσι, όλα εξαρτώνται από τις ικανότητες και τις προθέσεις του συνθέτη.

Οι έμπειροι δημιουργοί μπορούν να δημιουργήσουν μια μεγάλη ποικιλία διαθέσεων μέσω μιας και μόνο συγχορδίας, υποθέτοντας διαφορετικά μουσικά πλαίσια. Το να μάθει κανείς να εκφράζεται μέσα από μια συγχορδία είναι πράγματι ένα σημαντικό βήμα προς τη μουσική καλλιτεχνία!

Πέρα από τον κλασικισμό

Στις αρχές του εικοστού αιώνα, οι Αλεξάντερ Σκριάμπιν και Ιγκόρ Στραβίνσκι άρχισαν να περιγράφουν μουσική με μια απόκλιση από την παραδοσιακή διατονική κλίμακα.

Τα εξπρεσιονιστικά τους έργα αγκάλιασαν τον εκφραστικό χρωματισμό, χρησιμοποιώντας αρμονίες, κλίμακες και συγχορδίες που εγκατέλειπαν σχεδόν κάθε συμβατική τονικότητα.

Όταν ακούτε τις συνθέσεις τους, μπορείτε να εκτιμήσετε πόσο αριστοτεχνικοί ήταν. Οι φορτισμένες χορδές και οι μελωδίες τους προκαλούσαν τις προσδοκίες του ακροατή.

Το ξεκίνημα

Καθώς τα πράγματα εξελίσσονταν περαιτέρω, καινοτόμες ιδέες αμφισβήτησαν τους τελευταίους εναπομείναντες περιορισμούς της λειτουργικής αρμονίας.

Αυτή η απόκλιση από την παραδοσιακή προσέγγιση έχει προκαλέσει διαδοχικές συγχορδίες που είναι δυσαρμονικές και αποσυνδεδεμένες, όπως παρατηρείται από την οπτική γωνία της συμβατικής δομής των συγχορδιών.

Ο Άρνολντ Σένμπεργκ εισήγαγε την ατονικότητα και πολλές άλλες πειραματικές τεχνικές, διευρύνοντας ακόμη περισσότερο τα όρια. Το "ύφος του Σένμπεργκ" ήταν τόσο πρωτοποριακό εκείνη την εποχή, που ορισμένοι δεν το θεωρούσαν καν μουσική, καθιστώντας τις προσπάθειές του παράδειγμα αρχετυπικής αλλαγής παραδείγματος.

Η ελεύθερη ατονικότητα του επέμενε στην πλήρη εγκατάλειψη των παραδοσιακών αρμονικών εννοιών, χωρίς να είναι αυστηρός ως προς το τι ακριβώς τις συνιστά. Αυτό εγείρει το ερώτημα: επικεντρώνεται ένας ατονικός συνθέτης στο να σπάσει απλώς όλους τους παραδοσιακούς κανόνες;

Αισθητική της ατονικότητας

Σε αντίθεση με τη δημοφιλή πεποίθηση, η ατονικότητα δεν είναι "αντι-τονικότητα". Είναι ένα σύνολο ανεξάρτητων αρχών. Ενώ οι αρμονικές καδένες είναι "απαγορευμένες", οι ατονικοί συνθέτες δεν βασίζουν την αισθητική τους στο πόσο μη τονική είναι ένα μουσικό κομμάτι.

Η απουσία ενός παραδοσιακού τονικού κέντρου είναι πράγματι ένα καθοριστικό χαρακτηριστικό ενός ατονικού έργου. Και ναι: σε ένα ατονικό έργο, ο συνθέτης αποφεύγει σκόπιμα να καθορίσει ένα βασικό κλειδί, οδηγώντας σε μια δυναμική εκδήλωση διαφόρων δομών συγχορδιών.

Αυτές οι αρχές γέννησαν αυτό που αργότερα έγινε γνωστό ως Δεύτερη Βιεννέζικη Σχολή. Ο Arnold Schoenberg έγραψε το Pierrot Lunaire για να καταδείξει νωρίτερα τα αισθητικά του σημεία, και οι μαθητές του Alban Berg και Anton Webern ακολούθησαν, αρχίζοντας να γράφουν κομμάτια για πιάνο και ακόμη και σουίτες.

Τα κομμάτια τους για πιάνο, ειδικότερα, έδειξαν ότι η μουσική εστίαση ήταν εντελώς διαφορετική. Το δεξί χέρι δεν "πετούσε" ενώ έπαιζε τη μελωδία ή τις περαστικές νότες των μεγάλων καδενισμών. Αντίθετα, τα κομμάτια αφορούσαν περισσότερο τις τάξεις των τόνων και τη δομή, καθώς έστελναν τα μείζονα πλήκτρα σε απόσυρση.

Ναι, στην ατονική μουσική, η δεξιοτεχνία (ή μάλλον: η επιδεξιότητα) γίνεται λιγότερο σημαντική. Ο Βέμπερν και ο Μπεργκ συνέχισαν να χτίζουν πάνω σε αυτό που παρείχε ο δάσκαλός τους, οδηγώντας σε περαιτέρω υφολογικές εξελίξεις.

Apex Years

Η σειριακή μουσική εμφανίστηκε ως μια σημαντική απόκλιση από την ελεύθερη ατονική μουσική ως τέτοια. Βασίζεται σε μια δωδεκατονική τεχνική ή τονική σειρά, η οποία καθορίζει τη μελωδική ακολουθία και τις διαδοχικές συγχορδίες σε όλη τη διάρκεια μιας σύνθεσης.

Η αντίστοιχη συνθετική τεχνική, που τότε ονομάστηκε "σειριαλισμός", έγινε γνωστή μέσα από τα έργα της Δεύτερης Βιεννέζικης Σχολής. Η ώθηση των συνθετών οδήγησε στη δημιουργία πρωτοποριακών ατονικών έργων.

Οι αγαπημένοι μαθητές του Σένμπεργκ (οι προαναφερθέντες Άλμπαν Μπεργκ και Άντον Βέμπερν) πρωτοστάτησαν στο κίνημα του σειριαλισμού.

Άρχισαν να χρησιμοποιούν αυστηρές μαθηματικές δομές για να οργανώνουν τις συνθέσεις τους. Τα ατονικά τους έργα χρησιμοποιούσαν συχνά τις προαναφερθείσες δωδεκάτονες σειρές για να επιτύχουν τον στόχο τους.

Το σύστημα αυτό απαιτούσε να χρησιμοποιούνται και οι 12 τόνοι της χρωματικής κλίμακας, αλλά όχι από μία μόνο οκτάβα και αυστηρά χωρίς καμία ομοιότητα με τονική μελωδία (όπως παραδοσιακά ορίζεται). Για να προστεθεί στην πρόκληση, η "σειρά" πρέπει να αναπτυχθεί χωρίς επαναλήψεις τόνων.

Κατά συνέπεια, η ατονική μουσική έγινε πολύ δύσκολη και για τον εκτελεστή, ειδικά τα ατονικά κομμάτια που περιλαμβάνουν φωνητικό μέρος. Λόγω της απουσίας λειτουργικής αρμονικής αναφοράς, οι λιγότερο έμπειροι τραγουδιστές έπρεπε συχνά να κάνουν ειδικές ασκήσεις και να μάθουν ακόμη και το μέρος τους απ' έξω.

Η επιρροή του σειριαλισμού άφησε μόνιμο αντίκτυπο στον κόσμο της σύγχρονης κλασικής μουσικής. Τα ατονικά κομμάτια άνοιξαν το δρόμο για περαιτέρω πειραματισμούς στη σύνθεση.

Οι μη Βιεννέζοι

Θα ήταν λάθος να καταλήξει κανείς στο συμπέρασμα ότι η ατονική μουσική σχετίζεται με τη Βιέννη - ή μόνο με τη Δύση γενικά, για το θέμα αυτό.

Ο Σεργκέι Προκόφιεφ εξερεύνησε αυτές τις έννοιες ανεξάρτητα, δημιουργώντας έργα που αμφισβήτησαν ιδιαίτερα τη συμβατική δομή της όπερας. Συνέχισε να χτίζει πάνω στα θεμέλια που είχαν θέσει ο Σκριάμπιν και ο Στραβίνσκι.

Στις συνθέσεις του, όπως και στην όπερα Wozzeck του Alban Berg , παρατηρήθηκε η διάλυση του πρωταρχικού δομικού στοιχείου, καθώς οι μελωδίες και οι ρυθμοί απέκτησαν μεγαλύτερη ανεξαρτησία και πολυπλοκότητα.

Κατά ειρωνεία της τύχης, η ελεύθερη ατονικότητα μπορεί να θεωρηθεί τόσο η αρχή όσο και το τέλος, απλώς και μόνο επειδή η ατονικότητα ήταν λιγότερο αυστηρή πριν και μετά τους σειριαλιστές.

Θα μπορούσε κανείς να διαφωνήσει, αλλά ορισμένες πτυχές ή αποσπάσματα της μουσικής του Προκόφιεφ, του Σοστακόβιτς ή ακόμη και του Ραχμάνινοφ είναι κατά κάποιον τρόπο "ελεύθερα ατονικά".

Τζαζ

Τουλάχιστον από την εποχή του Charlie Parker, και σίγουρα μετά από αυτόν, κυριολεκτικά κάθε μουσικός της τζαζ είχε εμμονή με το πώς να διευρύνει τα τονικά κέντρα- πώς να "επαναπροσδιορίσει τα πλήκτρα" αν θέλετε. Αυτό γέννησε την cool jazz και τη modal jazz ειδικότερα.

Λίγο αργότερα, ο Herbie Hancock εξερεύνησε τη συγχώνευση της σύγχρονης κλασικής μουσικής με τα είδη της τζαζ - αναπόφευκτη συνέπεια του καινοτόμου πνεύματός του. Αντιμετώπισε τον ρυθμό ως αδιαχώριστο συνεργάτη της μελωδίας, δημιουργώντας πρωτοποριακές συνθέσεις.

Αυτοί οι πειραματισμοί με τις μελωδικές ρυθμικές εντάσεις έγιναν ένας από τους σημαντικότερους παράγοντες για την ανάπτυξη της νέας μουσικής τον 20ό αιώνα.

Συνέπειες

Η ατονική μουσική δεν έφερε το τέλος της τονικής μουσικής ή της λειτουργικής αρμονίας. Αντίθετα, επαναπροσδιόρισε τις έννοιες, τις συγχορδίες και το τι ορίζει ένα τονικό κέντρο, τι συνιστά μια συγχορδία κ.λπ.

Τονική μουσική σήμερα

Η σύγχρονη λειτουργική αρμονία ακούγεται... καλά... εμπλουτισμένη (τουλάχιστον). Η αισθητική επιτρέπει τόσο τις τάξεις τόνων της ατονικής μουσικής όσο και ένα τονικό κέντρο.

Η τονική μουσική του σήμερα μπορεί - και το κάνει - να περιλαμβάνει και ατονική μουσική. Ή ίσως "ομοιότητες" ατονικής μουσικής, ή ίσως αναλαμπές και επιρροές ατονικής μουσικής. Και αυτό είναι φυσικό, γιατί η μουσική είναι μουσική και το κλειδί βρίσκεται στις ιδέες των συνθετών.

Ατονική μουσική του σήμερα;

Με την ίδια λογική: η ατονική μουσική είναι ατονική μουσική. Και η σύγχρονη ατονική μουσική υπάρχει, αν και δεν θα τη βρείτε να ονομάζεται έτσι (ως "σύγχρονη ατονική μουσική" ).

Ο Άρνολντ Σένμπεργκ και κάθε προηγούμενη σχολή είναι πολύ διαφορετικές από τις σημερινές σχολές. Το "Pierrot Lunaire" δεν μπορεί να συγκριθεί με τη σημερινή ατονική μουσική. Αλλά και πάλι: δεν ήταν συγκρίσιμη ούτε με την "Φρενοωδία για τα θύματα της Χιροσίμα" του Penderecki, και αυτή ήρθε μόλις μια δεκαετία μετά το θάνατο του Schoenberg...

Αυτό που έχει σημασία είναι ότι η ατονική μουσική του Σένμπεργκ έφερε νέες ιδέες στον κόσμο της μουσικής. Ιδέες-κλειδιά, ιδιαίτερα χρήσιμες στη μουσική για τον κινηματογράφο ή το θέατρο. Και ναι: σήμερα όλοι συμφωνούν ότι τα έργα του Σένμπεργκ ήταν - και θα είναι πάντα - μουσική!