Beste yapmak genellikle sınırları genişletmekle ilgilidir. Ancak, sınırlar tamamen ortadan kalktığında, bestecilik neye dönüşür? Başka bir deyişle: bestecilerin eserleri müzik olarak görülmeyi bırakabilir mi?

Çünkü Oxford Sözlüğü operayı " tamamen melodik ritmik güçlerin anlatı unsurlarıyla iç içe geçtiği bir müzikal drama biçimi" olarak tanımlar. Bu, örneğin Schoenberg'in "Pierrot Lunaire "i için geçerli görünmüyor. Tamam; o zaman buna "melodram" demeye devam edebilir miyiz? :)

Önsöz

Beste yapmak her sanatçı için son derece kişisel ve yaratıcı bir süreçtir. Her sanatçının bireyselliğini ve sanatsal vizyonunu yansıtan kendine özgü bir tarzı vardır.

Yaratıcı süreci başlatırken sanatçı, uyumlu bir bütün oluşturmak için çeşitli unsurları nasıl harmanlayacağını dikkatle düşünür. Sanatçı, kompozisyon tarzı aracılığıyla kendi estetiğini ve bakış açısını izleyiciye aktarır.

Bir sanatçının kompozisyon tarzı, kişisel gelişimini ve değişen etkilerini yansıtarak zaman içinde evrim geçirebilir. Daha doğrusu; sanat eserlerini ortaya çıkaran, stil ve kompozisyonun birleşimidir. Ve her eser, sanatçının ruhundan bir parça ve dünyanın yorumlaması için benzersiz bir mesaj taşır.

İyi müzik bestecileri, düşüncelerini ve deneyimlerini müzikal başyapıtlara dönüştürme konusunda her zaman eşsiz bir yeteneğe sahip olmuşlardır. Günümüzde modern besteciler müzikal ifadenin sınırlarını zorlamaya devam ediyor.

Batı müziği bir anlamda tonal bir merkez tarafından tanımlanmıştır. Atonalitede, besteciler kendilerini belirli bir anahtar içinde çalışmanın kısıtlamalarından ve bununla birlikte gelen beklentilerden kurtarırlar.

Geleneksel tonal armoninin hiyerarşilerini göz ardı ederek kromatik gamın on iki notasını da eşit şekilde kullanabilirler.

Atonalitede tanımlanmış bir anahtarın olmaması, benzersiz ve yenilikçi kompozisyonların önünü açmıştır.

Klasik Müzik

Klasik batı müziğinin tanımlanmış bir tonalitesi vardır (veya modülasyonlar meydana gelirse/geldiğinde ton merkezleri ).

Güçlü bir tonal merkez hemen hemen her klasik kompozisyonda bulunabilir. Örneğin, Beethoven'ın son derece popüler 9. Senfonisi'nde Re minör anahtarı bir "çapa" görevi görür.

Bu örnek, bestecilerin tonal merkez kavramını müzikal bütünlük ve çözünürlük hissi yaratmak için nasıl kullandıklarını göstermektedir. Bu, kromatik dizinin klasik müzikte temel bir unsur olmadığı anlamına gelmez. Aslında, tam tersi!

Klasik kompozisyonda kromatik gamın kullanımı, zengin ve etkileyici bir müzikal renk paleti sunar. Seçenek havuzunu derinleştirerek, klasik eserlerde karmaşık armonilere ve yüklü pasajlara olanak tanır.

İşlevsel Akorlar

Diyatonik skala hakkındaki makalemizde de belirtildiği gibi, akorun ne olduğu kavramı çağlar boyunca evrim geçirmiştir. Tonal müzik bunu daha katı ve yapısal olarak tanımlar.

Akor işlevselliği kavramı, ilerlemeler ve armonik kadanslar aracılığıyla tanımlanan akorların karşılıklı ilişkileriyle yakından ilgilidir.

Bununla birlikte, tek bir akor da işlevsel olabilir ve bir melodinin temelini oluşturan yapıyı sağlayabilir. Yani her şey bestecinin yeteneklerine ve niyetine bağlıdır.

Yetenekli yazarlar, farklı müzikal bağlamlar varsayarak tek bir akor aracılığıyla çok çeşitli ruh halleri yaratabilirler. Kendini bir akor aracılığıyla ifade etmeyi öğrenmek, müzikal sanatçılığa doğru atılmış çok önemli bir adımdır!

Klasisizmin Ötesinde

Yirminci yüzyılın başlarında Alexander Scriabin ve Igor Stravinsky gibi isimler müziği geleneksel diyatonik skaladan farklı bir şekilde tanımlamaya başladılar.

Dışavurumcu eserleri, geleneksel tonaliteyi tamamen terk eden armoniler, gamlar ve akorlar kullanarak dışavurumcu kromatizmi benimsedi.

Bestelerini dinlediğinizde, ne kadar usta olduklarını takdir edebilirsiniz. Yüklü akor ilerleyişleri ve melodileri dinleyicinin beklentilerine meydan okuyordu.

Başlangıç

İşler daha da geliştikçe, yenilikçi fikirler işlevsel uyumun kalan son kısıtlamalarına meydan okudu.

Geleneksel yaklaşımdan bu ayrılış, geleneksel akor yapısı perspektifinden bakıldığında, birbirini izleyen akorların uyumsuz ve kopuk olmasına neden olmuştur.

Arnold Schoenberg, sınırları daha da zorlayarak atonalite ve diğer birçok deneysel tekniği tanıttı. "Schoenberg tarzı" o dönemde o kadar avangarttı ki, bazıları bunu müzik olarak bile görmüyordu, bu da onun çabalarını arketipik bir paradigma değişiminin örneği haline getiriyordu.

Onun özgür atonalitesi, geleneksel armonik kavramların tamamen terk edilmesinde ısrar etmiş, ancak bunları tam olarak neyin oluşturduğu konusunda katı olmamıştır. Bu da şu soruyu gündeme getiriyor: Atonal bir besteci sadece tüm geleneksel kuralları yıkmaya mı odaklanır?

Atonalite Estetiği

Yaygın inanışın aksine, atonalite "anti-tonalite" ile ilgili değildir. Bağımsız ilkeler bütünüdür. Armonik kadanslar "yasak" olsa da, atonal besteciler estetiklerini bir müzik parçasının ne kadar tonal olmadığına dayandırmazlar.

Geleneksel bir tonal merkezin yokluğu gerçekten de atonal bir parçanın tanımlayıcı bir özelliğidir. Ve evet: atonal bir eserde, besteci kasıtlı olarak bir ana anahtar oluşturmaktan kaçınır ve bu da çeşitli akor yapılarının dinamik bir tezahürüne yol açar.

Bu ilkeler, daha sonra İkinci Viyana Okulu olarak bilinen akımın doğmasına yol açmıştır. Arnold Schoenberg, estetik noktalarını daha önce göstermek için Pierrot Lunaire'i yazdı ve öğrencileri Alban Berg ve Anton Webern onu takip ederek piyano parçaları ve hatta süitler yazmaya başladılar.

Özellikle piyano parçaları, müzikal odağın tamamen farklı olduğunu gösteriyordu. Sağ el, melodiyi ya da majör kadansların geçiş notalarını çalarken "uçmuyordu". Bunun yerine, parçalar daha çok perde sınıfları ve yapıyla ilgiliydi, çünkü majör tuşları emekliye ayırıyorlardı.

Evet, atonal müzikte virtüözite (ya da daha doğrusu hüner) daha az önemli hale gelir. Webern ve Berg, öğretmenlerinin sunduklarını geliştirmeye devam ederek daha ileri stilistik gelişmelere yol açtılar.

Apex Yılları

Seri müzik, serbest atonal müzikten önemli bir ayrışma olarak ortaya çıkmıştır. Bir kompozisyon boyunca melodik diziyi ve birbirini takip eden akorları belirleyen on iki ton tekniğine veya ton sırasına dayanır.

Daha sonra "Serialism" olarak adlandırılan ilgili kompozisyon tekniği, İkinci Viyana Okulu'nun çalışmalarıyla önem kazandı. Bestecilerin bu çabası çığır açan atonal eserlerin yaratılmasına yol açtı.

Schoenberg'in gözde öğrencileri (yukarıda bahsi geçen Alban Berg ve Anton Webern) Serialism hareketinin ön saflarında yer aldılar.

Kompozisyonlarını düzenlemek için titiz matematiksel yapılar kullanmaya başladılar. Atonal eserleri, amaçlarına ulaşmak için genellikle yukarıda bahsedilen on iki tonlu dizileri kullandı.

Bu sistem, kromatik skaladaki 12 tonun tamamının kullanılmasını gerektiriyordu, ancak tek bir oktavdan değil ve kesinlikle (geleneksel olarak tanımlandığı gibi) tonal bir melodiye benzemiyordu. Zorluğu daha da arttırmak için, "sıra "nın ton tekrarları olmadan geliştirilmesi gerekmektedir.

Sonuç olarak, atonal müzik icracı için de çok zorlayıcı hale geldi, özellikle de vokal bölümü içeren atonal parçalar. İşlevsel armonik referansların yokluğu nedeniyle, daha az deneyimli vokalistlerin genellikle özel egzersizler yapmaları ve hatta kendi bölümlerini ezbere öğrenmeleri gerekiyordu.

Serialism'in etkisi çağdaş klasik müzik dünyası üzerinde kalıcı bir etki bıraktı. Atonal parçalar, kompozisyonda daha fazla deney yapılmasının önünü açtı.

Viyana'lı Olmayanlar

Atonal müziğin Viyana'yla - ya da genel olarak sadece Batı'yla - ilgili olduğu sonucuna varmak hata olur.

Sergei Prokofiev bu kavramları bağımsız olarak araştırdı ve özellikle geleneksel opera yapısına meydan okuyan eserler yarattı. Scriabin ve Stravinsky tarafından kurulan temeller üzerine inşa etmeye devam etti.

Besteleri, Alban Berg'in Wozzeck Operası 'nda olduğu gibi, melodiler ve ritimler daha fazla bağımsızlık ve karmaşıklık kazandıkça birincil yapısal unsurun çözülmesine tanık oldu.

İronik bir şekilde, serbest atonalite hem başlangıç hem de son olarak kabul edilebilir, çünkü atonalite Serialistlerden önce ve sonra daha az katıydı.

Buna karşı çıkılabilir, ancak Prokofiev, Shostakovich ve hatta Rachmaninov'un müziğinin bazı yönleri veya bölümleri bir şekilde "serbest atonal "dir.

Caz

En azından Charlie Parker'dan bu yana ve kesinlikle ondan sonra, kelimenin tam anlamıyla her caz müzisyeni ton merkezlerini nasıl genişletecekleri, deyim yerindeyse "tuşları nasıl yeniden tanımlayacakları" konusunda takıntılıydı. Bu da cool cazın ve özellikle de modal cazın doğmasına yol açtı.

Bir süre sonra Herbie Hancock, yenilikçi ruhunun kaçınılmaz bir sonucu olarak çağdaş klasik müzik ve caz türlerinin füzyonunu keşfetti. Ritmi melodinin ayrılmaz bir ortağı olarak ele aldı ve çığır açan besteler yarattı.

Melodik ritmik gerilimlerle yapılan bu deneyler, 20. yüzyılda yeni müziğin gelişiminin en önemli belirleyicilerinden biri oldu.

Aftermath

Atonal müzik tonal müziğin ya da işlevsel armoninin sonunu getirmedi. Aksine, kavramları, akorları ve bir tonal merkezi neyin tanımladığını, bir akoru neyin oluşturduğunu vb. yeniden tanımladı.

Günümüzde Tonal Müzik

Çağdaş işlevsel armoni kulağa... şey... zenginleştirilmiş (en hafif tabirle) gibi geliyor. Estetik, hem atonal müziğin perde sınıflarına hem de tonal bir merkeze izin verir.

Günümüzün tonal müziği de atonal müzik içerebilir ve içermektedir. Ya da belki atonal müziğin "benzerlikleri" ya da belki atonal müziğin bakış açıları ve etkileri. Ve bu çok doğal, çünkü müzik müziktir ve anahtar bestecilerin fikirlerindedir.

Günümüzün Atonal Müziği?

Aynı şekilde: atonal müzik atonal müziktir. Ve her ne kadar bu şekilde adlandırılmasa da ( "çağdaş atonal müzik" olarak) çağdaş atonal müzik vardır.

Arnold Schoenberg ve öncesindeki tüm ekoller günümüz ekollerinden çok farklıdır. "Pierrot Lunaire" günümüzün atonal müziğiyle karşılaştırılamaz. Ama yine de Penderecki'nin "Hiroşima Kurbanlarına Threnody "si ile de karşılaştırılamaz ve bu Schoenberg'in ölümünden sadece on yıl sonra ortaya çıkmıştır...

Önemli olan Schoenberg'in atonal müziğinin müzik dünyasına yeni fikirler getirmiş olmasıdır. Özellikle film müziği ya da tiyatro alanında işe yarayan önemli fikirler. Ve evet: bugün herkes Schoenberg'in eserlerinin müzik olduğu ve her zaman müzik olacağı konusunda hemfikir!