"Ne söylediğiniz değil, nasıl söylediğiniz önemlidir" sözünü hiç duydunuz mu? Bu prensibi müzik enstrümanlarının ifadesine de uygulayabiliriz: ne çaldığınız değil, nasıl çaldığınız önemlidir. Bu ve bilinçli ses seçimi, enstrümantasyon kavramının ardındaki temel ilkelerdir.

Müzikte enstrümantasyon, yazılı bir kompozisyona hayat ve duygu katar, bu da ister şarkıcı, ister yapımcı, ister enstrümantalist olun, müzisyen olmanın önemli bir parçasıdır. Aşağıda, enstrümantasyonun nasıl çalıştığını açıklayacak ve dinleyicilerinizin ilgisini çekmek için sanatınıza gelişmiş bir ifade kazandırmak üzere bu klasik teknikleri nasıl kullanabileceğinizi paylaşacağız.

Müzikte Enstrümantasyonun Tanımlanması

Enstrümantasyon, şarkının ana fikrini desteklemek için tasarlanmış bir müzik parçasındaki sonik dokuların ve enstrümanların belirli bir kombinasyonunu ifade eder. En basit haliyle enstrümantasyon, bir yapımcı veya bestecinin bir kompozisyon için özel enstrüman seçimini ifade eder.

Ses ve enstrüman seçimine ek olarak, enstrümantasyon farklı unsurların nasıl ifade edildiğinden de bahsedebilir: Örneğin, vibrato ile çalınan bir elektro gitar, temiz çalınan bir gitardan tamamen farklı bir his yaratır. Farklı enstrümanlar aynı zamanda farklı frekans aralıklarına girer, bu nedenle enstrümantasyon büyük ölçüde birden fazla sonik unsur arasındaki ses spektral dengesine bağlıdır.

Esasen enstrümantasyon, bir şarkının melodisini destekleyen dengeli, uyumlu bir miks üretme nihai hedefiyle enstrümanları seçmek ve ifade edildikleri yoğunluğu belirlemektir:

‍

Enstrümantasyon Neden Önemlidir?

Enstrümantasyonu düşündüğünüzde aklınıza hemen orkestra müziği gelebilir. Bir bestecinin, bas sesin birinci kemanlarda çalınan melodiden 5 kat daha güçlü olduğu bir parça yazdığını hayal edebiliyor musunuz? Muhtemelen bu parçanın dengesiz bir his yaratacağını ve müziğin ana melodisini takip etmeyi zorlaştıracağını tahmin edebilirsiniz.

Enstrümantasyonun ardındaki ilkeler bize şarkının ana fikrini onurlandıran dengeli, uyumlu bir müzik inşa etmek için bir çerçeve sunar. Çoğu şarkı davul, bassline ve her şeyi bir araya getiren melodiye indirgenebilir. Enstrümantasyonu melodiyi desteklemek için tasarlanmış seçimler olarak düşünürsek ve melodiye baskın çıkmazsak, çok iyi durumdayız demektir.

Enstrümantasyonun Bileşenleri

Peki, harika enstrümantasyon nasıl oluşturulur? İşte her müzisyenin dikkate alması gereken enstrümantasyonun ana bileşenleri:

Ses Seçimi

Enstrümantasyonun en büyük bileşeni ses seçimidir. Bu sadece sevdiğiniz bireysel bileşenleri seçmekle ilgili değildir; ses seçimi, belirli enstrümanların frekans spektrumunda nerede yer aldığına dair bir ön koşul bilgisine sahip olmak (endişelenmeyin, bunu aşağıda ele alacağız) ve bu bilgiyi kompozisyonunuza ne getireceğinizi bilgilendirmek için kullanmaktır.

Bazı ödünler vermeniz gerekebilir, çünkü bir şeyin tek başına kulağa hoş gelmesi, müziğinizin geri kalanıyla birlikte kulağa hoş geleceği anlamına gelmez. Eğer melodi fikrini desteklemiyorsa, gitmesi gerekir.

Doku

Doku, bir sesin ne kadar pürüzsüz, pürüzlü, dalgalı veya sürekli hissedilebileceğini ifade eder. Bunlar daha öznel terimler olsa da, önemli olan çeşitli enstrümanların farklı dokularının bir kompozisyonda icra edildiğinde birbirleriyle nasıl etkileşime gireceğini düşünmektir.

Dinamikler

Dinamikler, bir şeyin ne kadar yüksek veya yumuşak olduğunu, özellikle de bir şarkıda yüksekliğin ve yumuşaklığın zaman içinde nasıl değiştiğiyle ilgili olarak konuşur.

Artikülasyon

Artikülasyon, enstrümantal veya vokal parçaların ifade edilme şekliyle ilgilidir. Örneğin, bir vokal sert ünsüzlerle veya yumuşak ünsüzlerle söylenebilir, bu sadece seçilen artikülasyon meselesidir.

Tını

Tını, enstrümantal parçaların ifade edildiği tonu tanımlar.

Menzil

Aralık, frekans spektrumunun en düşük unsurları ile en yüksek unsurları arasındaki mesafeyi ifade eder. Enstrümantasyonunuz parçanızın aralığını ve dolayısıyla hayranlarınızın dinleme deneyimini etkileyecektir.

Karışım

Karışım veya denge, kompozisyonunuzdaki bir sonik seslendirme ile diğeri arasındaki oranı ifade eder. Harika enstrümantasyon, bir şarkının farklı unsurları arasında tutarlı bir karışım oluşturur.

Enstrümantasyon ve orkestrasyon arasındaki fark nedir?

Enstrümantasyon ve orkestra müziği birbirine çok benzer, her ikisi de bir kompozisyon bağlamında belirli ses ve enstrüman seçimini ifade eder. Bununla birlikte, orkestrasyon biraz daha spesifik bir terimdir ve genellikle canlı bir ortamda orkestra müziği oluştururken ses seçimini ifade eder.

Buna karşılık, enstrümantasyon daha geniş bir üretim ve kompozisyon küratörlüğü yöntemlerini içeren daha geniş bir terimdir.

Örneğin, dijital ses iş istasyonunuzda belirli sentezleyicileri ve davul parçalarını seçmenin bir tür enstrümantasyon olduğunu söyleyebilirsiniz. Oysa orkestrasyonda da birden fazla enstrümanla çalışıyor olursunuz, ancak canlı bir ortamda, örneğin bir yaylı çalgılar dörtlüsü için ses dengesini bulmak gibi.

Farklı Sesler Frekans Spektrumunun Neresine Düşer?

Dengeli bir müzik parçası oluşturmak için, enstrümanların ve seslerin frekans spektrumunda genel olarak nerede yer aldığına dair temel bir anlayışa sahip olmanız gerekir.

Neden?

Aksi takdirde, belirli bölümlerde aşırıya kaçmak kolaydır ve bu da kötü enstrümantasyonla sonuçlanır. Burada referans olarak enstrümanların frekans spektrumunda nereye düşmesini bekleyebileceğinizi görebilirsiniz:

Davullar

Davullar frekans spektrumu kapsamı açısından şaşırtıcı derecede çok yönlüdür. Kick davullar en düşük seviyededir ve gümbürtüleri 60-80 Hz'de bir yerde durur. Snare ve tomlar öncelikle frekans spektrumunun ortasında yer alırken, hi-hat ve zillerin parlaklığı frekans spektrumunun üst ucuna, 5 kHz+'a kadar uzanır.

Dizeler

Yaylı çalgılar frekans spektrumunun orta aralığını kapsar, ancak bazı yaylı çalgıların daha aşağı veya daha yukarı uzanan unsurları vardır. Bas gitarlar ve dik baslar frekans spektrumunun alt ucundaki gürültünün bir kısmını kapsarken, kemanlar ve mandolinler üst frekans aralığına uzanarak üst orta aralık olan 2,5 kHz - 5 kHz arasındaki bazı frekansları kapsar.

Elektro bas, spektrumun orta aralığında hala önemli bir yer kaplarken, alt uç frekansların bir kısmını üstlenebilir.

Vokaller

Bireysel ses aralıkları değişiklik gösterebilir, ancak şarkıcının erkek veya kadın olmasına bağlı olarak genellikle 200 Hz ila 15 Hz civarında olmasını bekleyebilirsiniz. Erkek sesleri 100 Hz ila 8 kHz arasında bir frekans aralığını kapsayabilir. Kadın sesleri çok daha yüksek frekansları kapsayabilir, ancak frekans spektrumunun ortasına daha yakın başlarlar, 350 Hz ila 17 kHz arasında değişir.

Piyano, Klavye ve Sentezleyiciler

Bu cihazların tümü, frekans spektrumunun çoğunu kapsamalarına olanak tanıyan aralık açısından inanılmaz derecede çok yönlüdür. Tüm ultra düşük alt frekansları veya 5 kHz civarında başlayan ekstra yüksek frekansları kapsamayacaklardır.

Bununla birlikte, orijinal piyano aralığı, klavyeler veya sentezleyiciler gibi elektronik enstrümanlardan daha sınırlıdır. Sadece bu seslerin geniş kapsamlı olduğunu ve bu nedenle dikkatli kullanılması gerektiğini unutmayın.

Orkestra Enstrümanları Frekans Spektrumunda Nereye Düşer?

Orkestra şefi olma hayalleriniz varsa, orkestrasyon belirli enstrümanların frekans spektrumunda nereye düştüğünü anlamakla başlar. Canlı müzik ortamında mükemmel bir denge oluşturabilmek için aşağıdaki enstrümanların nerede durduğunu öğrenin:

Kontrbas

Kontrbas, orkestra içindeki gürültüyü ve zengin alt frekansları elde ettiğiniz yerdir. Bu enstrümanlar 40 - 300 Hz arasında alt uç için temel oluşturur.

Çello

Viyolonsel kontrbasın üzerinde yer alır ve 1 kHz'e kadar alçak ve düşük orta frekanslar ekler. Çeşitli akorların tonik tonlarının ana hatlarını çizerek melodiyi destekleyebilir.

Flüt

Parlak, bazen tiz sesiyle bilinen flüt, orta aralıkta durur, ancak yaklaşık 4 kHz'e kadar daha yüksek orta seslere uzanabilir.

Kemanlar

Kemanlar genellikle melodiyi tutar ve delici, net dokuları nedeniyle bir karışımda öne çıkar. Bu parlak, yüksek tonlar için 200 Hz'den 10 kHz'e veya daha yükseğe kadar yayılabilirler.

Piyano

Yukarıda açıklanan modern üretimde olduğu gibi, piyano neredeyse tüm frekans spektrumunu kapsayabilmesi açısından özeldir.

Klarnet

Bu sıcak ahşap enstrümanlar orta aralıkta, 100 Hz - 2 kHz civarında yer alır.

Obua

Obua, orkestra içinde ilginç bir doku sağlayan burun benzeri tonuyla bilinir. Obua 250 Hz - 4 kHz civarında dinlenir, öncelikle orta aralıkta yaşar.

Boynuzlar

Kornolar oldukça geniş bir aralığa sahip olma eğilimindedir, ancak frekans spektrumunun üst orta aralığını en güçlü şekilde işgal ederler. Kornolar oldukça etkileyicidir ve çok küstahça çalındığında dengenizi kolayca bozabilir, bu nedenle dikkatli olun.

Davullar

DAW'ınızdaki davullara benzer şekilde, orkestral davul öğeleri birlikte çalındığında tüm spektrumu kaplar, bazı öğeler diğerlerinden daha yüksek veya daha düşük aralıkları kaplar. Aynı aralıklar yukarıda açıklandığı gibi kick, trampet ve ziller için de geçerlidir. Timpani, 50 - 400 Hz civarında alt ve orta frekanslarda yer alma eğilimindedir.

Şarkılarınızda Modern Enstrümantasyonu Nasıl Kullanabilirsiniz?

Kendinizi klasik müzik yönetirken veya geleneksel enstrümanları kullanırken görmeseniz bile, enstrümantasyon derslerini modern müzik yapma ortamına taşıyabiliriz. İşte enstrümantasyon ilkelerini dijital ses iş istasyonunuza nasıl taşıyabileceğiniz:

Ses Seçimi ve Tasarımı

Tıpkı orkestra müziğinde veya canlı müzik enstrümanlarında olduğu gibi, seçtiğiniz VST'ler, enstrümanlar ve hatta örnekler nihai kompozisyonunuz üzerinde büyük bir etkiye sahiptir. Melodik fikrinizi en iyi temsil eden sese öncelik verin ve ardından bunun etrafında şekillendirin. Ana fikrinizin dışındaki tüm sesler, bu ilk sesin önüne geçmek için değil, onu vurgulamak için seçilmelidir.

Ses Katmanlama

Aynı sesi üst üste koymayı veya farklı seslerle çalmayı, benzer parçaları birkaç oktav boyunca çalmayı deneyebilirsiniz. Katmanları üst üste koymak tek tek parçaların daha geniş ve sağlam hissetmesine yardımcı olabilir ve miksinizin daha uyumlu hissetmesini sağlayabilir. Sadece aşırıya kaçmamaya dikkat edin: melodiniz her zaman gösterinin yıldızı olarak kalmalıdır.

Otomasyon

Otomasyon, dinleyiciniz için daha dinamik bir deneyim oluşturarak canlı bir müzik aletini nasıl deneyimleyebileceğinize daha çok benzeyen bir deneyim yaratır. Şarkılarınızda daha gerçekçi bir performans ifadesi programlamak için ses seviyesi, filtre ve enstrümanınızın bireysel bileşenleri gibi parametreleri zaman içinde otomatikleştirmeyi deneyin.

Hız ve Diğer İfade Parametreleri

Müziği icra etmek ve kaydetmek yerine yazılım yoluyla üretmenin getirdiği zorluk, bir performansın "insani" bir ses çıkarmasını sağlayan bazı kusurlu yönlerini kaybedebilmenizdir.

Bunun bir örneği, notaların ifade edildiği hızı veya yoğunluğu değiştirmek olabilir. Bir enstrümantalist bir şarkıda bir bölüm icra ettiğinde, genellikle MIDI parçalarında varsayılan bu olsa da, genellikle her notayı eşit şekilde çalmazlar. Daha az robotik bir his yaratmak için ifade parametrelerini rastgele hale getirmek ve ayarlamak için zaman ayırın.

Enstrümantasyon Müziğe Hayat Veriyor

Enstrümantasyon, bestenizin her bir bileşeninin sonik karakterini anlamak ve bir sesin diğerini tamamen bastırmadığı dengeli bir parça oluşturmak amacıyla bunları buna göre seçmek anlamına gelir. Seçtiğiniz seslere işlenen ifade, parçanızın genel duygusunu kesinlikle değiştirebilir ve enstrümantasyonu güçlü, dinamik bir araç haline getirir.

Umarım bu kılavuz enstrümantasyon sanatında ustalaşmanızı kolaylaştırmıştır. İster besteci, ister yapımcı, ister enstrümantalist olun, enstrümantasyonla dengeli, iyi ifade edilmiş kompozisyonlar oluşturmanın keyfini çıkarın.