Kuriant dažnai tenka plėsti ribas. Tačiau kas tampa komponavimu, kai ribos visiškai išbraukiamos iš lango? Kitaip tariant, ar kompozitorių kūriniai kada nors nustos būti laikomi... muzika?

Oksfordo žodyne opera apibrėžiama kaip " muzikinės dramos forma, kurioje grynai melodinės ritminės jėgos persipina su pasakojimo elementais". Atrodo, kad tai netaikoma, pavyzdžiui, Šenbergo "Pierrot Lunaire". Gerai; ar galime ir toliau vadinti ją "melodrama"? :)

Įžanga

Komponavimas yra labai asmeniškas ir kūrybiškas procesas kiekvienam menininkui. Kiekvienas menininkas turi unikalų stilių, kuris atspindi jo individualumą ir meninę viziją.

Pradėdamas kūrybinį procesą, menininkas atidžiai svarsto, kaip sujungti įvairius elementus, kad būtų sukurta darni visuma. Kompozicijos stiliumi menininkas perteikia žiūrovams savo estetiką ir požiūrį.

Laikui bėgant menininko kompozicijos stilius gali keistis, atspindėdamas jo asmeninį augimą ir kintančią įtaką. Tiksliau tariant, būtent stiliaus ir kompozicijos sintezė sukuria meno kūrinius. Kiekvienas kūrinys neša dalelę menininko sielos ir unikalią žinutę, kurią pasaulis gali interpretuoti.

Geri muzikos kūrėjai visada turėjo unikalų gebėjimą savo mintis ir patirtį paversti muzikos šedevrais. Šiandien šiuolaikiniai kompozitoriai ir toliau plečia muzikos išraiškos ribas.

Vakarų muziką tam tikra prasme apibrėžė tonacinis centras. Atonalume kompozitoriai išsilaisvina nuo suvaržymų dirbti tam tikroje tonacijoje ir su ja susijusių lūkesčių.

Jie gali vienodai naudoti visas dvylika chromatinės skalės natų, nepaisydami tradicinės tonų harmonijos hierarchijos.

Šis apibrėžtos tonacijos nebuvimas atonalume atvėrė kelią unikalioms ir novatoriškoms kompozicijoms.

Klasikinė muzika

Klasikinė Vakarų muzika turi apibrėžtą tonaciją (arba tonacinius centrus, jei ir (arba) kai vyksta moduliacijos).

Stiprų tonacinį centrą galima rasti beveik bet kurioje klasikinėje kompozicijoje. Pavyzdžiui, itin populiarioje L. van Beethoveno 9-ojoje simfonijoje d-moll tonacija atlieka "inkaro" funkciją.

Šis pavyzdys parodo, kaip kompozitoriai naudoja tonalaus centro sąvoką, kad sukurtų muzikinę sanglaudą ir sprendimo jausmą. Tai nereiškia, kad chromatinė skalė nėra esminis klasikinės muzikos elementas. Tiesą sakant, yra priešingai!

Klasikinėje kompozicijoje chromatinės gamos naudojimas suteikia turtingą ir išraiškingą muzikinių spalvų paletę. Ji pagilina pasirinkimo galimybes, todėl klasikiniuose kūriniuose galima kurti sudėtingas harmonijas ir įtemptus pasažus.

Funkciniai akordai

Kaip jau minėjome straipsnyje apie diatoninę skalę, sąvoka, kas yra akordas, amžiams bėgant keitėsi. Toninėje muzikoje jis apibrėžiamas griežčiau ir struktūriškiau.

Akordo funkcionalumo sąvoka glaudžiai susijusi su akordų tarpusavio ryšiais, kurie apibrėžiami per progresijas ir harmonines kadencijas.

Tačiau vienas akordas taip pat gali būti funkcinis ir suteikti melodijai pagrindą sudarančią struktūrą. Taigi viskas priklauso nuo kompozitoriaus įgūdžių ir ketinimų.

Įgudę autoriai gali sukurti daugybę nuotaikų vienu akordu, pasirinkdami skirtingus muzikinius kontekstus. Išmokti išreikšti save per akordą iš tiesų yra labai svarbus žingsnis muzikinio meistriškumo link!

Už klasicizmo ribų

XX a. pradžioje Aleksandras Skriabinas ir Igoris Stravinskis pradėjo aprašinėti muziką, nukrypdami nuo tradicinės diatoninės skalės.

Jų ekspresionistiniuose kūriniuose vyravo ekspresyvus chromatizmas, buvo naudojamos harmonijos, gamos ir akordai, kurie visiškai atsisakė tradicinės tonacijos.

Išgirdę jų kompozicijas galite įvertinti, kokie meistriški jie buvo. Jų įtemptos akordų eigos ir melodijos kėlė iššūkį klausytojų lūkesčiams.

Pradžia

Toliau tobulėjant, novatoriškos idėjos metė iššūkį paskutiniams funkcinės darnos apribojimams.

Dėl šio nukrypimo nuo tradicinio požiūrio vienas po kito einantys akordai tapo disonansiški ir nesusiję, vertinant iš tradicinės akordų struktūros perspektyvos.

Arnoldas Šenbergas įvedė atonalumą ir daugybę kitų eksperimentinių technikų, taip dar labiau išplėsdamas ribas. Šenbergo stilius tuo metu buvo toks avangardinis, kad kai kas jo net nelaikė muzika, todėl jo pastangos tapo archetipinės paradigmos kaitos pavyzdžiu.

Jo laisvasis atonalumas reikalavo visiškai atsisakyti tradicinių harmonijos sąvokų, tačiau griežtai nenustatinėjo, kas tiksliai jas sudaro. Kyla klausimas: ar atonalus kompozitorius susitelkia tik į visų tradicinių taisyklių laužymą?

Atonalumo estetika

Priešingai populiariam įsitikinimui, atonalumas nėra "antitonalumas". Tai nepriklausomų principų rinkinys. Nors harmoninės kadencijos yra "uždraustos", atonalūs kompozitoriai savo estetikos negrindžia tuo, kiek netonalus yra muzikos kūrinys.

Tradicinio toninio centro nebuvimas iš tiesų yra būdingas atonalaus kūrinio bruožas. Ir taip: atonaliame kūrinyje kompozitorius sąmoningai vengia nustatyti pagrindinę tonaciją, todėl dinamiškai pasireiškia įvairios akordų struktūros.

Šie principai davė pradžią tam, kas vėliau buvo pavadinta Antrąja Vienos mokykla. Arnoldas Šenbergas parašė "Pierrot Lunaire", kad parodytų savo estetines nuostatas, o jo mokiniai Albanas Bergas ir Antonas Webernas pradėjo rašyti fortepijonines pjeses ir net siuitas.

Ypač jų fortepijoniniai kūriniai parodė, kad muzikinis dėmesys buvo visiškai kitoks. Dešinioji ranka "neskraidė" grodama melodiją ar mažorinių kadencijų praeinančias natas. Pjesėse veikiau buvo daugiau kalbama apie garso aukščio klases ir struktūrą, nes jie siuntė pagrindinius klavišus į pensiją.

Taip, atonalioje muzikoje virtuoziškumas (tiksliau: vikrumas) tampa mažiau svarbus. Webernas ir Bergas toliau plėtojo tai, ką suteikė jų mokytojas, ir tai lėmė tolesnę stilistinę raidą.

"Apex" metai

Serijinė muzika atsirado kaip reikšmingas atotrūkis nuo laisvosios atonaliosios muzikos kaip tokios. Ji remiasi dvylikos tonų technika arba tonų eile, kuri lemia melodinę seką ir nuoseklius akordus visoje kompozicijoje.

Atitinkama komponavimo technika, tuomet pavadinta "serializmu", išpopuliarėjo Antrosios Vienos mokyklos kūriniuose. Kompozitorių postūmis paskatino sukurti novatoriškus atonalius kūrinius.

Mėgstamiausi Šenbergo mokiniai (minėtieji Albanas Bergas ir Antonas Webernas) buvo serializmo judėjimo priešakyje.

Jie pradėjo naudoti griežtas matematines struktūras savo kompozicijoms organizuoti. Atonaliuose kūriniuose jie dažnai naudojo minėtas dvylikos tonų eilutes, kad pasiektų savo tikslą.

Ši sistema reikalavo, kad būtų naudojami visi 12 chromatinės skalės tonų, tačiau ne iš vienos oktavos ir griežtai be jokio panašumo į toninę melodiją (kaip ji tradiciškai apibrėžiama). Dar didesnis iššūkis, kad "eilutė" turi būti kuriama be tonų pasikartojimų.

Todėl atonalioji muzika, ypač atonaliosios muzikos kūriniai su vokaline partija, tapo labai sudėtinga ir atlikėjams. Kadangi nebuvo funkcinių harmoninių nuorodų, mažiau patyrusiems vokalistams dažnai tekdavo daryti specialias pratybas ir net mokytis savo partiją atmintinai.

Serializmo įtaka paliko ilgalaikį poveikį šiuolaikinės klasikinės muzikos pasauliui. Atonalūs kūriniai atvėrė kelią tolesniems kompoziciniams eksperimentams.

Nevenesiečiai

Būtų klaidinga daryti išvadą, kad atonalioji muzika susijusi su Viena - arba apskritai tik su Vakarais.

Sergejus Prokofjevas savarankiškai tyrinėjo šias koncepcijas, kurdamas kūrinius, kurie ypač kvestionavo įprastą operos struktūrą. Jis toliau plėtojo Skriabino ir Stravinskio sukurtus pagrindus.

Jo kompozicijose, panašiai kaip Albano Bergo operoje " Wozzeck ", ištirpo pagrindinis struktūrinis elementas, nes melodijos ir ritmai tapo savarankiškesni ir sudėtingesni.

Ironiška, bet laisvąjį atonalumą galima laikyti ir pradžia, ir pabaiga vien todėl, kad prieš ir po serialistų atonalumas buvo ne toks griežtas.

Galima nesutikti, bet tam tikri Prokofjevo, Šostakovičiaus ar net Rachmaninovo muzikos aspektai ar ištraukos tam tikra prasme yra "laisvai atonalios".

Džiazas

Bent jau nuo Charlie Parkerio laikų, o po jo - tikrai, kiekvienas džiazo muzikantas buvo tiesiog apsėstas klausimo, kaip išplėsti toninius centrus, kaip "iš naujo apibrėžti tonacijas", jei norite. Taip atsirado cool džiazas ir ypač modalinis džiazas.

Kiek vėliau Herbie Hancockas ėmėsi šiuolaikinės klasikinės muzikos ir džiazo žanrų sintezės - tai neišvengiama jo novatoriškos dvasios pasekmė. Ritmą jis traktavo kaip neatsiejamą melodijos partnerį ir kūrė novatoriškas kompozicijas.

Šie eksperimentai su melodine ritmine įtampa tapo vienu iš svarbiausių XX a. naujosios muzikos raidos veiksnių.

Pasekmės

Atonalioji muzika nenutraukė tonaliosios muzikos ar funkcinės harmonijos. Veikiau ji iš naujo apibrėžė sąvokas, akordus ir tai, kas apibrėžia tonacinį centrą, kas yra akordas ir pan.

Toninė muzika šiandien

Šiuolaikinė funkcinė harmonija skamba... na... praturtinta (švelniai tariant). Estetika leidžia naudoti ir atonalios muzikos aukščio klases, ir tonacinį centrą.

Šiandieninėje tonalioje muzikoje taip pat gali skambėti - ir skamba - atonali muzika. Arba galbūt atonaliosios muzikos "panašumai", o gal atonaliosios muzikos žvilgsniai ir įtaka. Ir tai natūralu, nes muzika yra muzika, o raktas slypi kompozitorių idėjose.

Šiandieninė atonalinė muzika?

Dėl tos pačios priežasties atonali muzika yra atonali muzika. Ir šiuolaikinė atonali muzika egzistuoja , nors ir nerasite jos taip pavadintos (kaip "šiuolaikinė atonali muzika" ).

Arnoldas Šenbergas ir bet kuri ankstesnė mokykla labai skiriasi nuo dabartinių mokyklų. "Pierrot Lunaire" negalima lyginti su šiandienine atonaliąja muzika. Bet iš kitos pusės: jos negalima lyginti ir su Pendereckio "Trenodija Hirosimos aukoms", o ji buvo sukurta praėjus vos dešimtmečiui po Schoenbergo mirties...

Svarbu tai, kad Schoenbergo atonalioji muzika į muzikos pasaulį atnešė naujų idėjų. Pagrindinių idėjų, ypač naudingų kino ar teatro muzikai. Ir taip: šiandien visi sutinka, kad Šenbergo kūriniai buvo - ir visada bus - muzika!