Mixarea muzicii jazz reprezintă o provocare unică, care ne întoarce la rădăcinile unuia dintre cele mai durabile genuri din istoria muzicii. Spre deosebire de multe stiluri contemporane care evoluează continuu odată cu progresele tehnologice, jazzul și-a păstrat în mod remarcabil sunetul autentic în ultimele decenii.

Adevăratul semn al unui inginer priceput strălucește în abordarea sa de a mixa un disc de jazz, unde esența interpretării live domnește liber, iar dinamica subtilă trebuie păstrată, mai degrabă decât reinventată. Dacă sunteți cineva obișnuit să mixați muzică pop, rock, hip-hop sau electronică, poate fi dificil să vă abateți de la ceea ce înțelegeți în prezent ca inginer de mixaj.

Mixarea jazzului necesită o abordare mai nuanțată, de la captarea interacțiunii spontane dintre instrumente la respectarea spațiului acustic care îi definește sunetul. Astăzi, vom explora 13 sfaturi și tehnici dovedite pentru mixarea jazzului și vom analiza modul în care îmbrățișarea acestor abordări unice vă poate face un inginer audio mai bun!

1. Păstrați lucrurile naturale

Muzica de jazz a fost mult timp adânc înrădăcinată în cluburi și în scena speakeasy. Chiar și în zilele noastre, ea poartă cu sine esența spațiilor acustice naturale în care a răsunat pentru prima dată.

Această legătură cu mediul nu este doar istorică, ci și un aspect semnificativ al sunetului și atractivității genului. Spectacolele live, spontane și interactive, care sunt tipice jazz-ului, prosperă în aceste medii acustice! Vrem să auzim nuanțele de reverberație ale camerei și interacțiunea dintre muzicienii din formație, chiar dacă nu este "perfect" din punct de vedere tehnic.

În conformitate cu tradiția, majoritatea instrumentelor de jazz sunt cântate în forma lor pură, neamplificată, fie că este vorba de bas vertical, saxofon sau pian. Ca inginer de mixaj care lucrează cu jazz-ul, provocarea este de a menține această autenticitate naturală. Dacă sunteți responsabil de sesiunea de înregistrare, acest lucru înseamnă, de asemenea, să analizați cu atenție amplasarea microfoanelor în cameră.

Cu excepția cazului în care artistul îți spune în mod expres să te aventurezi și să încerci ceva experimental, scopul tău principal ar trebui să fie să reproduci senzația de a fi în cameră cu muzicienii.

2. Ușor cu compresia

Emoția în jazz constă în dinamică, așa că este esențial să fii blând cu compresia.

Gama dinamică inerentă a jazz-ului - de la cea mai moale lovitură de perie pe un snare până la explozia completă a unei secțiuni de alămuri bombastice - spune o poveste. Tensiunea și eliberarea sunt totul, motiv pentru care una dintre cele mai mari greșeli pe care le pot face inginerii de mixaj este supracompresia.

Ultimul lucru pe care doriți să îl faceți este să furați muzica din sângele ei vital și să rupeți fluxul și refluxul din ea.

Atunci când utilizați compresia în jazz, aveți un scop clar și explicit. De exemplu, ați putea folosi un compresor pe un contrabas cu o atingere ușoară pentru a egala nivelurile între notele pizzicato și pasajele cu arcuș, astfel încât ambele să stea bine în mixaj.

La un pian, compresia poate fi aplicată pentru a domoli ușor vârfurile pasajelor staccato mai agresive, păstrând în același timp variațiile de volum expresive ale secțiunilor mai blânde, mai lirice.

3. Utilizați saturația benzii

Unele dintre cele mai bune înregistrări de jazz au fost înregistrate pe bandă, așa că, fie că știi sau nu, sunetul și saturația pe care le obții de pe aceasta sunt ceva cu care ești obișnuit să le auzi.

Saturația de bandă este unul dintre tipurile mele preferate de saturație pentru a fi utilizate într-un mixaj, în special atunci când doriți căldură, caracter și coeziune. Chiar și atunci când este folosită subtil, poate avea un impact destul de puternic. Dincolo de armonicele pe care le obțineți din saturație, obțineți și o ușoară compresie care lipsește adesea înregistrărilor digitale.

Atunci când utilizați saturarea benzii pe master, abordați-o cu ușurință. Scopul este de a impregna întregul mixaj cu o căldură și o plinătate coerentă, fără a compromite claritatea și gama dinamică. Unii ar putea numi asta "lipici".

Unele dintre pluginurile mele preferate de saturare a benzii includ Universal Audio Ampex ATR-102, care oferă o reprezentare meticulos modelată a mașinii clasice cu bandă, și Waves J37, care a fost inspirat de mașina utilizată pentru a înregistra multe dintre cele mai bune albume din anii 1960.

4. Găsiți spațiu din timp

Este esențial să găsiți spațiu în mixajul brut încă de la început, mai ales în muzica jazz. Înainte de a apela la un egalizator, luați în considerare panoramarea și nivelurile ca instrumente principale pentru a crea spațiu și profunzime. Ideea este ca fiecare element să se încadreze în mod natural în câmpul stereo, astfel încât să nu fie nevoie să apelați la un EQ prea dur.

Amplasați și reglați nivelurile pentru a pregăti scena astfel încât fiecare instrument să strălucească în propriul său spațiu. De exemplu, se poate face o panoramare ușor descentrată a secțiunii ritmice pentru a reflecta plasarea lor fizică într-un cadru live, cu contrabasul ușor la stânga și pianul la dreapta. Tobele pot fi panoramate în funcție de perspectiva ascultătorului, plasând hi-hat-ul ușor într-o parte și tomurile răspândite în câmpul stereo, pentru a vă oferi o reprezentare mai realistă.

5. Lasă tobele să decidă

Unul dintre principiile mele călăuzitoare pentru mixarea jazz-ului este "lasă tobele să decidă". În opinia mea, caracteristicile sonore și dinamica tobelor dau tonul pentru restul mixajului.

Să luăm în considerare două abordări extrem de contrastante ale mixării tobelor în jazz.

Într-un scenariu, tobele ar putea avea un snare moale, periat și un kick drum discret, moale, pentru a completa vibrația clasică, relaxată, de lounge afumat. Această configurație necesită ca basul, pianul și claxoanele să fie mixate într-un mod care să reflecte această subtilitate.

Pe de altă parte, un mixaj axat pe o piesă de bebop plină de energie ar putea avea un snare cu un crack ascuțit și pronunțat și un kick drum care este deopotrivă strâns și proeminent. Acest sunet de tobă ar impune, de asemenea, o abordare mult mai agresivă și dinamică a mixajului pentru restul instrumentelor.

Să luăm ca exemplu sunetul nuanțat al tobelor lui Paul Motian pe piesa lui Bill Evans "Sunday at the Village Vanguard", unde pensula sa nu numai că creează o atmosferă contemplativă, dar dictează și un mixaj în care fiecare instrument respiră și interacționează. De cealaltă parte a spectrului, avem energia explozivă a lui Art Blakey pe piesa "Moanin", care arată cum o baterie puternică și centrală poate forța ceilalți muzicieni să se intensifice.

6. Pregătiți-vă pentru ciudățeniile mixării unei trupe live

Una dintre cele mai unice provocări ale mixării jazz-ului este să știi cum să mixezi o formație live, ceea ce reprezintă o mentalitate diferită față de cea pe care o aplici de obicei la mixarea muzicii pop.

Multe înregistrări de jazz captează magia unei sesiuni live. Așezați un grup de muzicieni de jazz într-o cameră, înconjurați-i cu o constelație de microfoane și apăsați butonul de înregistrare. Deși aceasta ar putea fi cea mai bună modalitate de a surprinde interacțiunea spontană și energia unei performanțe live, ea introduce, de asemenea, complexități cum ar fi sângerarea și problemele de fază.

Bleed este sunetul de la un instrument care este preluat de microfonul altui instrument. Cu toate acestea, în muzica de jazz, în loc să vedeți bleed-ul ca pe o problemă, îl puteți accepta ca pe o oportunitate de a adăuga profunzime și realism mixajului dvs.

Microfoanele de cameră, de exemplu, sunt inestimabile în acest context. Un inginer de înregistrare le va folosi pentru a capta sunetul colectiv al ansamblului din aceeași cameră, ceea ce conferă mixajului un sentiment de unitate care este dificil de reprodus cu piese izolate. Cheia aici este să fiți atenți la problemele de fază dintre aceste surse microfonate.

Ascultați relațiile de fază dintre microfoane, în special cele apropiate unul de celălalt sau care captează aceeași sursă. Inversarea fazei unui microfon poate rezolva adesea anularea fazei și poate îmbunătăți un sunet slab. De asemenea, puteți folosi în mod strategic gating-ul și automatizarea volumului pentru a minimiza impactul sângerării în momentele critice.

7. Procesarea în paralel

Procesarea paralelă este una dintre tehnicile mele preferate în general, deși atunci când mixez jazz, este esențială.

Prin conectarea efectelor precum compresia, reverberația sau întârzierea la canalele paralele, puteți amesteca semnalul procesat cu piesele originale, neprocesate, și puteți spori anumite aspecte sonore fără a copleși sunetul natural general al mixului.

Într-un mixaj de jazz, voi folosi adesea compresia paralelă pe tobe, trimițând pistele de tobe către un bus cu compresie puternică și apoi mixând din nou acestea cu tobele originale, neprocesate. În final, veți obține un sunet de tobe mult mai puternic și mai coerent, care păstrează în continuare subtilitatea și dinamica esențiale pentru jazz.

Reverberația paralelă este excelentă în același mod. De exemplu, aș putea trimite o piesă de saxofon sau trompetă către un autobuz dedicat reverberației pentru a crea o senzație de spațiu ambiant fără a o face să sune îndepărtat sau spălăcit. Desigur, cu excepția cazului în care muzicianul solicită acest lucru, cel mai bine este să folosiți efecte spațiale subtile precum reverb și delay.

8. Profitați de automatizarea volumului

Automatizarea volumului domnește suprem asupra compresiei atunci când mixați muzică jazz. În loc să auziți câteva vârfuri și să căutați un compresor pentru a le controla, puteți utiliza automatizarea volumului pentru a le reduce pentru un control mai precis și natural.

Compresia, chiar și atunci când este aplicată relativ ușor, poate distruge viața unui moment solo spontan. Pe de altă parte, automatizarea volumului vă permite să îmbunătățiți sau să diminuați anumite părți ale interpretării, după cum este necesar, oferindu-vă controlul necesar pentru a vă asigura că fiecare nuanță este auzită exact așa cum a fost intenționată.

9. Fii subtil cu efectele

Modul în care folosiți efectele pe albumul dvs. de jazz poate influența cât de "atemporal" sună acesta.

Anumite înregistrări, cum ar fi cele din epoca jazz fusion din anii '70, cu basul lor caracteristic încărcat cu phaser, sau înregistrările rock din anii '80, caracterizate prin utilizarea intensă a reverberațiilor gated, pot suna clar învechite din cauza efectelor predominante ale epocii lor.

Desigur, producătorii și inginerii au crezut, probabil, că sunt inovatori la acea vreme și, deși au fost, de asemenea, ancorează aceste înregistrări într-o anumită perioadă, ceea ce poate limita atractivitatea lor pentru viitorii ascultători.

Cheia pentru a preveni ca un disc să sune învechit este să servești mai presus de toate nevoile muzicii. Lăsați înregistrarea în sine să dicteze dacă ar trebui sau nu folosite efecte. De exemplu, un disc de jazz care își propune să capteze vibrația acustică, live, a unui album Blue Note din anii 1960 ar beneficia de efecte minime.

Pe de altă parte, un proiect modern de jazz fusion, precum Electric Masada sau James Blood Ulmer, ar putea încorpora cu plăcere efecte ezoterice precum delay-uri și fazere pentru a ieși din normele genului. Diferența este că aceste efecte ar face parte din sunet, constituind o declarație artistică, mai degrabă decât un efect ieftin pe parcurs.

10. Găsiți reverberația potrivită

În loc să vă bazați pe efecte grele bazate pe timp atunci când mixați jazz, recomand adesea să vă orientați mai mult către setările de reverberație ambientală sau de cameră. Aceste tipuri de reverberații sunt concepute pentru a emula acustica naturală a unui spațiu, oferind o senzație de aer și dimensiune care sporește senzația de live a înregistrării fără a diminua muzicalitatea.

Scopul este de a face trupa să simtă că cântă împreună în același spațiu, chiar dacă piesele au fost înregistrate separat. Reverberațiile ambientale și de cameră pot umple subtil golurile dintre instrumente, unindu-le într-o scenă sonoră coerentă care reflectă experiența unui club de jazz live sau a unei săli de concerte.

Atunci când selectați o reverberație pentru un mixaj de jazz, luați în considerare setările care oferă o senzație realistă de spațiu cu un timp de decădere relativ scurt.

11. Feriți-vă de războiul sonorității

Sunt sigur că, în acest moment, ne-am săturat cu toții să auzim despre "Războiul sonorității". Cu toate acestea, nu înseamnă că nu suntem încă pe o tendință spre practici de masterizare din ce în ce mai agresive, menite să facă muzica cât mai tare posibil.

Chestia este că această căutare a intensității maxime nu se aliniază cu etica jazzului. Mixajele de jazz se dezvoltă pe baza fluxului și refluxului intensității, momentele liniștite fiind la fel de expresive ca și cele puternice.

Atunci când se pregătește un mixaj de jazz pentru masterizare și eventual streaming sau difuzare, trebuie să se acorde o atenție deosebită păstrării integrității dinamice. Introducerea unui mixaj de jazz prea puternic în limitator sau codec poate introduce distorsiuni sau artefacte nedorite. Cymbalurile sunt adesea cele mai afectate de acest tratament agresiv.

Fiind unul dintre cele mai vitale elemente ale muzicii jazz, țambalele contribuie semnificativ la senzația și atmosfera unei piese. Cu toate acestea, atunci când sunt excesiv de limitate, se obține un mixaj care pare constrâns și artificial. Acesta este probabil unul dintre motivele pentru care nu auzim multe țambale grele în muzica pop. Acestea nu sunt de acord cu masterizarea cu mână grea.

În loc să insistați pentru o intensitate sonoră maximă pentru a vă ajuta mixajul să reziste în fața altor platforme de streaming, este mai bine să îmbrățișați gama dinamică în loc ca algoritmii de streaming să vă împingă masterul în jos ca o penalizare de intensitate sonoră.

12. Utilizați egalizatoare hardware

EQ-ul poate influența semnificativ modul în care sună mixajul final.

Optarea pentru EQ-uri hardware clasice mai conservatoare sau emulările lor de plugin-uri poate adăuga acel strat dulce de bogăție analogică și subtilitate care funcționează minunat în jazz. Nu sunt nici pe departe la fel de precise, deși asta este și ideea. Vrem ca alegerile noastre de egalizare să fie muzicale, nu chirurgicale.

Pultec EQP-1A este unul dintre preferatele mele absolute pentru mixarea înregistrărilor de jazz. Are capacitatea unică de a tăia și amplifica simultan aceeași frecvență, ceea ce poate adăuga atât profunzime, cât și prezență unui bas vertical, de exemplu.

Emulațiile Neve 1073 sunt, de asemenea, excelente atunci când doriți să îndulciți vocile, menținând în același timp o senzație organică.

13. Referință la alte mixaje

Referința este o practică inestimabilă pentru orice inginer de mixaj, indiferent de genul la care lucrați. Din fericire, în cazul jazz-ului, avem zeci de ani de repere sonore care să ne ghideze în procesul de mixare.

Alegeți o piesă de jazz mixată și masterizată profesional, care prezintă similitudini cu piesa dvs. și analizați-o îndeaproape pentru a obține informații despre cum să echilibrați instrumentele, să gestionați dinamica și să aplicați efecte într-un mod care să sporească impactul emoțional și claritatea muzicii.

După ce mixați ore în șir, poate fi greu să vă păstrați o perspectivă proaspătă. Cu ajutorul referințelor, aveți perspectiva corectă în fața dvs. pentru a vă verifica deciziile în orice moment și pentru a vă asigura că sunteți pe drumul cel bun.

Rezultatul final

Comparativ cu alte genuri muzicale, muzica jazz poate fi destul de dificil de mixat. Aveți dificultatea de a mixa instrumente acustice într-o înregistrare live și incapacitatea de a ascunde defectele în spatele unor efecte precum compresia și reverberația.

Acesta este motivul pentru care este atât de important să faci lucrurile bine în timpul procesului de înregistrare. Orice mare mixer de jazz vă va spune că înregistrările legendare de jazz nu provin din procesul de mixare, ci din jucători, compoziție și înregistrare. Odată ce este în mâinile tale, singura ta sarcină este să îmbunătățești experiența de ascultare.

Fie ca aceste sfaturi să vă inspire să mixați cu sensibilitatea și fluiditatea pe care le cere jazz-ul, astfel încât fiecare piesă pe care o atingeți să se balanseze, să cânte și să rezoneze pentru generațiile viitoare!