Repetiția în muzică se află la baza producției muzicale și este adesea forța motrice a melodiilor captivante care ne rămân în minte pe termen nelimitat. Este un fenomen fascinant care îi conectează pe toți oamenii: o atracție atavică față de structurile melodice și ritmice care ne conectează cumva pe toți de la începutul timpurilor.

Acest lucru este posibil datorită modelelor. Indiferent dacă sunt melodice sau ritmice, modelele din muzică sunt secvențe sonore care pot crea un efect hipnotizant asupra ascultătorului, cufundându-l într-un peisaj sonor definit prin repetiție și evoluție.

Dar ce sunt mai exact modelele muzicale, groove-urile și ritmurile? Deși acestea ar putea fi concepte pe care le considerați de la sine înțelese (cu toții batem din picioare atunci când auzim un ritm plăcut sau fredonăm o melodie care ne place), există o structură clară în spatele dorinței irezistibile de a dansa pe un cântec, și tocmai despre asta vom discuta astăzi.

Acest articol își propune să explice adevărata natură a modelelor muzicale și cum le puteți utiliza pentru a vă îmbunătăți producția muzicală. Fie că tocmai v-ați început călătoria în compoziția muzicală sau pur și simplu doriți să înțelegeți mai bine teoria muzicii, vom acoperi totul aici.

Definiții ale modelelor ritmice și melodice

Probabil ați auzit definițiile de mai jos de mai multe ori în cariera dumneavoastră școlară, dar merită să reîmprospătăm aceste idei înainte de a aprofunda modul în care putem folosi modelele pentru a ne transforma procesul de creație muzicală.

Modele de ritm

Pe scurt, un ritm este o secvență repetată de sunet sau mișcare, cu tăcere între sunetele care formează ritmul. Tăcerea este la fel de importantă ca și sunetele care formează ritmul, deoarece dă un sens de mișcare secvenței de sunete.

Modelele ritmice pot evolua, alterna, se pot opri și reîncepe; rezultatul este o mișcare ritmică complexă care împinge un cântec înainte. Ele pot fi simple sau complexe, lungi sau scurte, dar toate au un scop: să fie fundamentul unui cântec pe care ascultătorii îl pot urmări, iar muzicienii îl pot dezvolta.

Model melodic

Modelele melodice, sau modelele tonale, sunt secvențe de note muzicale aranjate în ritmuri care sunt antrenante și repetabile în timp. Ele reprezintă aspectul cantabil al unei piese, un "cârlig" pe care ascultătorii și-l pot aminti. Ele sunt o parte esențială a muzicii populare.

Aceste motive pot varia ușor de fiecare dată când sunt interpretate pentru a atrage ascultătorul și a diversifica piesa. Ele reprezintă un aspect crucial pentru crearea unui motiv, un scurt pasaj ritmic sau melodic repetat și dezvoltat de-a lungul unei piese, devenind fundamentul sau cea mai importantă parte a unei compoziții muzicale.

Ce face ca modelele muzicale să fie... modele?

Deci, cum interacționează și cum se îmbină toate aceste note între ele? Cum știu dacă o secțiune ritmică este coerentă și groovy? Ca majoritatea lucrurilor din teoria muzicii, nu există limite clare cu privire la ceea ce se poate și ceea ce nu se poate face cu notele. Când vine vorba de tipare, este vorba despre definirea structurii compoziției noastre și apoi despre construirea pe baza acesteia.

Pe scurt, modelele ritmice sunt create prin combinarea notelor care au durate și accente diferite, formând un groove sau un vibe unic. Modelele melodice, pe de altă parte, sunt secvențe de note care se repetă la aceeași înălțime sau la înălțimi diferite, creând motive sau teme în cadrul unei compoziții.

Un model este o combinație de mai mulți factori care îl fac unic, fiecare element jucând un rol în definirea sa: o ușoară variație a unui element sau a celuilalt poate da viață unei stări de spirit sau unei atmosfere complete.

În sensul cel mai larg, un model necesită următoarele elemente:

Repetiția

Cel mai fundamental aspect al unui model este repetiția. Poate fi o serie de note, ritmuri, acorduri sau chiar o progresie care se repetă de-a lungul unei piese. Important este ca acesta să fie recunoscut și memorabil pentru ascultător.

Predictibilitate

Modelele dau un sentiment de previzibilitate cântecului tău, ceea ce este fundamental dacă vrei ca oamenii să se bucure de el. De obicei, ascultătorii se așteaptă ca modelul să continue sau să revină odată ce a fost stabilit, dar puteți, de asemenea, să schimbați modelul original pentru a crea tensiune, ușurare sau surpriză.

Consistență

Într-un model ritmic, consecvența poate fi în durata notelor și a pauzelor; într-un model melodic, poate fi în intervalele dintre note. Dacă un model este fundamentul cântecului dumneavoastră, consecvența acestuia vă va ajuta să dezvoltați piesa și să-i adăugați varietate, menținând în același timp o bază solidă.

Recunoaștere

Când este o melodie sau un ritm captivant? Atunci când iese în evidență față de restul cântecului suficient de mult încât să fie percepută ca un punct culminant, ceva în jurul căruia gravitează sau pe care se bazează cântecul.

Aceste caracteristici sunt fundamentale atât pentru modelele tonale, cât și pentru cele ritmice: cu cât un model este mai recognoscibil și mai coerent, cu atât piesa devine mai captivantă pentru audiență. Diferența dintre un model de succes și unul care nu rezonează cu ascultătorii constă în capacitatea sa de a fi simplu, dar unic. Nu este deloc ușor să creați un astfel de model memorabil, dar în secțiunea următoare vom afla mai multe despre cum să creați unul singur.

Cum să folosiți modelele pentru a face muzică

Acum că știți ce definește un model, este timpul să ne murdărim mâinile și să înțelegem cum să creăm un model muzical solid. Pentru a crea muzică cu modele, va trebui să utilizați secvențe ritmice, melodice și armonice pentru a crea o structură solidă pentru piesa dvs.

Utilizarea modelelor ritmice

Un model ritmic este coloana vertebrală a unei piese. Este sufletul groove-ului, așa că trebuie să ofere un ritm consistent pe care ceilalți muzicieni îl pot urma.

Pe scurt, un ritm este definit de tempo, bătaie, metru, accentuare, subdiviziune, sincopă și pauze:

Tempo-ul este viteza cu care se mișcă muzica.

Bătaia este unitatea de bază a timpului.

Meter pune împreună bătăile în seturi regulate.

Accentuarea accentuează anumite bătăi sau note.

Subdiviziunea împarte terenurile în unități mai mici.

Sincopa mișcă accentele pentru a crea surpriză.

Suporturile îmbunătățesc forma și senzația unui ritm.

Dacă semnificația acestor elemente îți este clară, ești gata să le folosești pentru a crea groove-uri diferite. O ușoară variație a fiecăreia dintre aceste caracteristici definitorii poate da viață unui beat complet diferit, așa că luați-le pe rând și vedeți cum vă pot revoluționa ritmul. Fie că sunteți baterist sau producător de beat-uri, odată ce vă familiarizați cu factorii care definesc ritmul, veți putea transforma tiparele ritmice obișnuite în groove-uri unice și vă veți duce meseria la nivelul următor.

Utilizarea modelelor melodice

Modelele melodice sunt secvențe recunoscute și memorabile de note dintr-un cântec. Aceste elemente muzicale pot fi repetate și variate de-a lungul unei piese: puteți schimba tonalitatea, ritmul sau chiar armonia, atât timp cât modelul de bază rămâne identificabil.

Modelele melodice pot lua diverse forme și pot fi utilizate în multe moduri:

Progresii armonice: O secvență de acorduri repetate de-a lungul unei secțiuni muzicale, cum ar fi popularul I-IV-V-I din blues. Ritmul armonic vă poate ajuta să aduceți la viață progresii puternice și ușor de recunoscut.

Variații: Modificarea ritmului, a melodiei sau a armoniei pentru a atrage atenția ascultătorului. De obicei, este o tehnică utilizată după ce modelul a fost deja stabilit și este recognoscibil de către ascultător.

Structură: De exemplu, structura vers și refren a multor melodii pop se bazează pe modele repetate atât în versuri, cât și în muzică. Aceste modele îi ajută pe ascultători să înțeleagă și să-și amintească melodia.

Improvizație: Un model poate fi baza pentru muzica improvizată, ceva pe care muzicienii se pot baza și pe care pot construi.

Compoziție: Modelele pot fi un instrument de structurare a ideilor. Melodiile noi pot începe cu un model simplu și apoi evoluează, adăugând straturi de alte modele peste cel original.

Teoria muzicii în spatele modelelor ritmice și melodice

Fie că lucrați la un model ritmic sau muzical, înțelegerea sistemului de notație muzicală este fundamentală și vă poate ajuta să vă extindeți considerabil abilitățile. Acesta constă dintr-o serie de simboluri care reprezintă diferite durate ale notelor și pauze, organizate în cadrul unei semne de timp, "structura" care definește câte bătăi sunt într-o măsură și ce valoare a notei este dată de o bătaie.

Această structură permite muzicienilor să înțeleagă sincronizarea și ritmul muzicii chiar dacă nu au compus ei înșiși piesa, oferindu-le toate informațiile necesare pentru a recrea viziunea creativă a compozitorului original.

Metrul, care reprezintă modul în care bătăile sunt grupate, poate fi simplu sau complex și poate adăuga straturi de textură ritmică unei piese. Bătăile pot fi, de asemenea, împărțite în părți mai mici, o practică care poate fi utilă, în special în genurile în care sincopa sau modelele ritmice neobișnuite sunt comune, cum ar fi așa-numitele genuri progresive sau chiar în muzica clasică.

Modelele melodice, pe de altă parte, sunt definite în principal de înălțimea notelor (determinată de poziția lor pe partitură), de tonalitate și de cheia utilizată.

Notele sunt organizate în scări, iar relația dintre aceste note (intervalele) definește mișcarea melodiei, fie că aceasta trece de la o notă adiacentă la alta sau sare peste mai multe. Această relație este cea care definește tonalitatea muzicii.

Cum să exersați realizarea modelelor melodice și ritmice

Practica face perfecțiunea, nu-i așa? Așadar, să discutăm despre modul în care un muzician își poate perfecționa arta de a crea modele melodice și ritmice.

Crearea unor modele ritmice memorabile necesită dezvoltarea unui simț solid al sincronizării și o înțelegere a diferitelor valori ale notelor și a pauzelor. În această căutare, metronomul ar trebui să devină partenerul dvs. neprețuit, iar dacă cântați la instrumente "reale", practica dvs. zilnică ar trebui să includă cu siguranță unele exerciții bazate pe metronom.

Cu timpul, începeți să experimentați cu diferite semnături temporale și învățați să simțiți ritmul distinctiv al fiecăreia. Acest lucru vă va oferi acces la modele mai complexe, inclusiv sincopă, semnături temporale ciudate și ritmuri încrucișate; toate elementele care vă pot face melodiile unice și de neuitat.

Acum, să ne concentrăm pe practica melodică. Începeți cu scările și arpegiile, care sunt elementele de bază ale oricărei melodii. Exersați în diferite tonalități și învățați cum să vă "simțiți" instrumentul. Va dura ceva timp, dar este, de asemenea, un proces extrem de satisfăcător pe termen lung.

Înțelegerea modului în care melodiile sunt construite pe baza acestora este primul pas în compoziția muzicală profesională: intervalele și proprietățile unice pe care fiecare interval le aduce unei melodii nu sunt ceva ce poți inventa pur și simplu; ele se bazează pe o structură muzicală solidă pe care trebuie să o înveți pentru a-ți dezvolta sau extinde paleta sonoră.

Odată ce ați înțeles aceste elemente de bază, este timpul să vă creați propria muzică.

Acum, ritmul și melodia ar trebui să lucreze la unison, astfel încât să se completeze reciproc. Puteți experimenta cu aplicarea unor modele ritmice diferite unei melodii definite și să vedeți cum acest proces schimbă caracterul piesei dumneavoastră. Sau faceți invers: modificarea melodiei în timp ce ritmul rămâne constant poate arăta modul în care melodia influențează vibrația emoțională a melodiei dvs.

În acest moment, improvizația devine adesea un aspect fundamental al procesului de creație muzicală. Cu toate acestea, improvizația dvs. ar trebui să se bazeze acum pe regulile clare ale compoziției muzicale, pe care le veți folosi pentru a vă crea propriul sunet caracteristic.

Nu uitați niciodată să vă înregistrați în timp ce improvizați. Habar nu aveți de câte ori eu și colegii mei de trupă am făcut un jam session uluitor de 15 minute, doar ca să aflăm că am uitat să pornim reportofonul. Impermanența face parte din orice formă de artă, așa că asigurați-vă că vă surprindeți momentele creative, în orice fel puteți.

Ascultarea prestației dvs. vă va ajuta să apreciați consecvența modelelor dvs. și vă va oferi informații cu privire la domeniile care trebuie perfecționate. În plus, încurajează ascultarea critică: să te asculți improvizând poate fi dificil, dar este crucial pentru a-ți evalua nivelul și cât de departe ești de obiectivele tale creative.

În cele din urmă, crearea modelelor nu este un proces mecanic, ci mai degrabă unul artistic: cele mai convingătoare modele nu sunt cele mai complicate, ci cele care transmit emoții și se conectează cu ascultătorii la un nivel mai profund. Învățați elementele de bază și apoi folosiți aceste cunoștințe pentru a da viață viziunii dvs. creative fără a vă gândi la cât de priceput sau tehnic sunteți.

Gânduri finale

Sper că acest ghid vă va ajuta să vă duceți abilitățile de producție muzicală la nivelul următor!

Recomandarea mea finală este să nu vă concentrați prea mult asupra teoriei muzicale, ci mai degrabă să încercați să vă familiarizați cu elementele de bază ale modelelor muzicale și apoi să le utilizați pentru a da viață viziunii dvs. artistice. Pe măsură ce vă îmbunătățiți abilitățile, veți simți nevoia să înțelegeți mai multe despre teoria muzicii și despre cum să creați modele de neuitat: când va veni acel moment, veți putea defini cunoștințele de care aveți nevoie pentru a vă perfecționa meseria și a vă simplifica procesul de creație muzicală.

Data viitoare când ascultați un cântec, petreceți ceva timp înțelegând tiparele ritmice și melodice și vedeți dacă le puteți recrea folosind instrumentele și cunoștințele pe care le aveți la dispoziție. În acest fel, vă veți extinde paleta sonoră și veți aprecia frumusețea și complexitatea muzicii pe care o iubiți.

Distracție plăcută!