היופי בלמידה כיצד לערבב מוזיקה הוא שאתה יכול להמציא נוסחה ייחודית משלך: חתימה קולית שתזהה אותך כאמן או מהנדס שמע ותעזור לך ליצור לוח קוליות שיגרום לך להתבלט. אבל לפני כל זה, ישנם כללים מסוימים בערבוב אודיו שלמרות שלא נקבעים באבן, בהחלט יעזרו לכם להשיג צליל מקצועי יותר.
כמה טיפים נועדו לעזור לך לייעל את זרימת העבודה שלך, ואחרים כדי להבטיח שהמוזיקה שלך תישמע נהדר בכל מערכות ההפעלה. המשותף לכל ההמלצות הללו הוא שהן פועלות כבדיקת מציאות בזמן שאתה מערבב, מנחות אותך כשאתה מבצע התאמות ועוזרות לך לקבל החלטות מודעות, בין אם אתה עובד על המוזיקה שלך או יצירות של אמנים אחרים.
לכל מהנדס סאונד יהיו תיאוריות משלו לגבי מה חשוב ומה לא בעת ערבוב אודיו, אך למטה תמצאו מה שלדעתי הם הכללים שיש לעקוב אחריהם כשאתה רוצה ליצור מיקס מקצועי, ללא קשר לסגנון, ז'אנר וניסיון שלך.
הבנת הז'אנר
אם אתה מערבב מוזיקה משלך, הייתי מניח שאתה מכיר את ז'אנר המוזיקה שאתה מפיק. עם זאת, הדברים עשויים להיות שונים אם אתה מהנדס שמע שעובד עם אמנים מרובים בז'אנרים.
מטאל, היפ הופ, פופ, מוסיקה קלאסית: לכל ז'אנר יש כללים משלו וצליל צפוי. אולי תחליט לא לעקוב אחריהם בעיוורון, אבל אתה צריך לפחות להיות מודע אליהם. סולו של גיטרה יישמע שונה לחלוטין בין אם זה חלק משיר פופ, נשמה, דיסקו או כבד מטאל; אותו דבר לגבי כל אלמנט אחר בשיר, מתופים ועד שירה וסינתזים.
עם רוק ומטאל, איזון רמות על פני טווח הביניים יכול להיות משימה ארוכה ותובענית; במוזיקת פופ, הווקאל הראשי הוא בדרך כלל האלמנט החשוב ביותר; בהיפ הופ ובטכנו, תוף הבעיטה צריך להיות הכוח המניע העיקרי של הקצב שלך. נוכל להמשיך לדון לנצח כיצד לכל ז'אנר יש חתימות ייחודיות משלו, אבל זה תלוי בך להבין ולזהות מה חיוני בתמהיל שלך ולשפר אותו בהתאם.
המטרה הסופית היא תמיד ליצור צליל מלוכד שתואם את מה שהקהל רואה, והמיקס הסופי שתשלח למהנדס המאסטרינג אמור כבר לכלול את המאפיינים של הז'אנר עליו אתה עובד.
ארגון מיקס
ארגון זרימת העבודה שלך בעת ערבוב פירושו שתוכל לחסוך זמן, להשיג תוצאות עקביות וליצור צליל מוכר שתוכל להתאים למספר פרויקטים מבלי להתחיל מאפס בכל פעם.
ישנן מספר דרכים להכין את הפגישה שלך, וחלק מהנפוצות ביותר כוללות קיבוץ, קידוד צבעים, שמות לרצועות, שימוש בתיקיות מסלולים ושימוש באוטובוסים.
אם תקבץ רצועות דומות יחד, כגון קטעי מיתרים ותופים, יהיה קל יותר לבצע התאמות לרמות ולאפקטים של רצועות אלה. זוהי גם דרך מצוינת לדמיין את הפרויקט שלך ולראות מסלולים נפרדים כחלק מאלמנט ייחודי.
שימוש בקידוד צבע יכול לשנות את המשחק בעבודה על פרויקטים גדולים: אתה יכול להשתמש בו כדי להבדיל בין אלמנטים בתמהיל שלך ויכול לעזור באיתור רצועות בקלות. לדוגמה, אתה יכול להשתמש בצבע אחד לסינט, אחר לגיטרה ואחר לשירה. שוב, זה ייתן לך ייצוג חזותי של המתרחש במבט חטוף, וזה חיוני אם אתה מהנדס סאונד שעובד על פרויקטים מרובים.
בכמה DAWs אתה יכול ליצור תיקיות מסלול, וזו דרך לקבץ רצועות יחד בצורה היררכית, וזה יכול לעזור לך לשמור על רכיבי המיקס שלך מסודרים ומסודרים.
לבסוף, אל תשכח את החשיבות של אוטובוסי מיקס, הערוצים הווירטואליים המאפשרים לך לקבץ מספר רצועות יחד ולהחיל עליהם אפקטים באופן קולקטיבי. השימוש בהם לא רק יחסוך לך כמות עצומה של זמן אלא גם ישפיע לטובה על עקביות התמהיל שלך.
מסלולי הפניה
זה אולי ההיבט המכריע ביותר כאשר אתה רוצה לייצר תערובת באיכות טובה. בחירת מסלול התייחסות שאינו תואם רק את הז'אנר עליו אתה עובד אלא גם לרצונות הלקוח שלך, הטעם שלך והכלים העומדים לרשותך אינה משימה טריוויאלית, אך עדיין הכרחית.
כאשר עובדים עם לקוח על תמהיל מוסיקה, תמיד כדאי לבקש מהם שירים קודמים כהפניה, מה שיעניק לך מושג ברור יותר על סוג האיזון שהם מחפשים בתמהיל שלהם. על ידי ידיעה בדיוק מה אתה או הלקוחות שלך מחפשים, אתה יכול ליצור תערובת שתואמת את מה שהם מדמיינים.
הקדישו זמן לחקור את הז'אנר, האמנים והמוזיקה הרלוונטיים כדי לחסוך זמן בתהליך הערבוב. אתה לא צריך לגרום למיקס שלך להישמע כמו של כולם, אבל זה תרגול טוב לדעת למה הקהל רגיל לפני שמתחילים בתהליך הערבוב.
איפה להתחיל
כשמגיע הזמן להתחיל לערבב, אולי אתה תוהה עם איזה כלי נגינה אתה צריך להתמודד קודם. שוב, אין תשובה חד משמעית לשאלה זו, אבל ככלל אצבע, אני ממליץ לך להתחיל עם הבס והתופים.
זה הבסיס האיתן של השיר שלך, ואיזונו יעזור לך לקבל החלטות מושכלות לגבי היכן האלמנטים העיקריים של המיקס שלך (גיטרות, סינתז, שירה) צריכים לשבת.
בנוסף, תופים מקיפים את כל ספקטרום התדרים, מה שיכול לתת לך "תצוגה מקדימה" של האופן שבו התדרים מתנהגים בתמהיל שלך.
אם אתה מתחיל עם התופים, אז האפשרות הטובה ביותר היא להתמקד תחילה במלכודת ולבעיט בתוף. המלכודת צריכה להיות אחד האלמנטים הקולניים ביותר בתמהיל שלך: זה עמוד השדרה של המסלול שלך, והוא מגדיר את החריץ שלו: כל אלמנט אחר בתופים צריך להסתובב סביבו.
תוף הבעיטה חשוב כמעט לא פחות. זה צריך להיות רועש, אבל לא יותר מדי, מכיוון שהוא עלול להאפיל על המעברים של המלכודת או על המכשירים המובילים.
כל השאר (טומים, מצלתיים, כלי הקשה) יבוא אחרי מלכודת ובעיטה. אתה צריך לתת להם את המרחב המתאים בתערובת שלך, לוודא שהם נשמעים בבירור מבלי להאיר את מה שמנחה את החריץ בתערובת שלך.
כשאתה עובר לאלמנטים האחרים בתמהיל שלך, התמקד כיצד תוכל לשפר את עומק המיקס ולכוונן את כל כלי הנגינה המעורבים. ככל שתוסיף יותר אלמנטים לתערובת שלך, כך תהליך האיזון ידרוש התאמות קלות כדי להישמע טוב. זה אולי מרגיש מהמם בהתחלה, אבל עם הזמן זה יהפוך לתהליך מהנה ומרתק, ותתחיל לראות את החתימה הקולית הייחודית שלך בכל רצועה שתערבב.
כרכים ראשונים, אפקטים לאחר (תערובות סטטיות)
התערובת הסטטית צריכה להיות הצעד הראשון שלך בתהליך הערבוב. כאשר נעשה נכון, זה ייתן לך תערובת גסה שתקל בהרבה על השגת דבק תערובת באמצעות אפקטים שלאחר הייצור.
נסה להשיג תערובת מאוזנת באמצעות מפדרי עוצמת הקול ובקרות הפאן בלבד ללא עזרה של עיבוד דינמי, אפקטים או אוטומציה. איזון בסיסי זה יעזור לך ליצור איזון ותמונת סטריאו גסה ברצועה שלך, שתוכל לשפר בעזרת אפקטים בהמשך.
התחל על ידי הגדרת כל רמות עוצמת הקול לאפס ואז הכניס לאט לאט כל רצועה לתערובת בזה אחר זה. התאם את מפגשי עוצמת הקול כדי להבטיח שכל אלמנט יושב היטב בתערובת, תוך התמקדות באופן שבו הם מתקשרים זה עם זה. השתמש בפאנינג כדי למקם אלמנטים בשדה הסטריאו, תוך מתן לכל אחד מרחב משלו תוך הימנעות ממיסוך תדרים.
המיקס הסטטי הסופי אמור להישמע כמו גרסה גולמית של האלבום שתשחרר: כל הכרכים צריכים להיות מאוזנים לחלוטין, ולכל מכשיר צריך להיות מרחב משלו על במה הקול.
רוב הסיכויים שתצטרך לבצע התאמות ברגע שתתחיל ליישם EQs, פדרים ודחיסה. עם זאת, תערובת בסיסית זו תהיה נקודת התחלה מכרעת להתחיל לפסל את הצליל שלך באמצעות אפקטים.
תשכחו מכפתור "סולו"
ערבוב עוסק בהשגת איזון והרמוניה בין כל האלמנטים במסלול, כך שלא צריך להפתיע שתצוגה הוליסטית בעת עבודה על מסלול תביא את התוצאות הטובות ביותר לחיים.
התאמות תדרים שנעשו במצב סולו עלולות לגרום לתמהיל שלך לאבד בהירות: שינויים EQ שנעשו בצורה כזו עלולים לגרום לרצועה "לפלוש" למרחב התדרים של אחר, או הגדרות דחיסה שנראו אידיאליות לבדן עלולות לפגוע בדינמיקה של המיקס.
שוב, ההמלצה שלי היא להשתמש בהתאמות עוצמת הקול והפנינג ככלים העיקריים לפתרון בעיות תמהיל ושיפור האיזון הדינמי. הסרת רעש או התאמות EQ קלות עשויות לדרוש סולו, אך קחו בחשבון חריגים אלה, ולא את הכלל.
השארת מרווח ראש
מרווח ראש הוא המרווח בין רמות השיא של אות שמע לבין הגבול המקסימלי של מערכת דיגיטלית.
שטח זה מגן מפני גזירה אך גם מגדיר את איכות ומרקם הצליל שלך, במיוחד בעת שימוש בתוספים. הסיבה לכך היא שתוספים דיגיטליים מגיבים אחרת בהתאם לרמות הקלט: רמות קלט נמוכות יותר מביאות בדרך כלל לאינטראקציה דינמית מגיבה יותר בתוך התוסף ויישום שקוף ויעיל יותר של האפקט.
לבסוף, על ידי מספיק מרווח ראש, תמנע גזירה וחפצים לא רצויים של עיוות דיגיטלי ותשפר את הדינמיות של המסלול. ככלל אצבע, עליך להשאיר בין 3 ל- 6dB מרווח ראש בעת ערבוב.
האזנה שקטה
כאשר אנו מאזינים למוזיקה בעוצמות נמוכות, האוזניים שלנו פחות רגישות לשפל ולשיאים קיצוניים של ספקטרום התדרים. ככל שנפח ההפעלה עולה, אנו מתחילים לשמוע תדרים גבוהים ונמוכים באופן שווה. נסה להאזן לשיר פופ בעוצמה נמוכה מאוד: האם שמת לב שאתה עדיין יכול לשמוע את השירה בבירור, אבל קו הבס בקושי נשמע?
לכן, אם תערובת יכולה להשיג תחושת מלאות ובהירות בנפחים נמוכים, היא מאוזנת היטב. מצד שני, אם תמהיל נשמע מאוזן בנפחים גבוהים יותר אך מאבד בהירות ולכידות כאשר עוצמת הקול מצטמצמת, זה אומר שמשהו לא בסדר באינטראקציה של אלמנטים בתוך התמהיל.
אחרון חביב, האזנה בעוצמות נמוכות חשובה גם כאשר אתה רוצה ליצור תמהיל נהדר שעובד היטב בכל מערכות ההחזר, תוך שמירה על הטווח הדינמי וההבעה שלו.
חשיבותו של מונו
שילוב השומר על בהירות ואיזון במונו, שבו כל האלמנטים מסוכמים לערוץ בודד, הוא כזה שאינו זקוק להתאמות רמה נוספות. ההמלצה שלי היא תמיד לבדוק כיצד מיקס נשמע במונו, מכיוון שזו הדרך הטובה ביותר לזהות ולהתמודד עם בעיות תדר.
בתערובת סטריאו ניתן לפזר אלמנטים שונים ולפרוש על פני שדה הסטריאו כדי ליצור הפרדה ומרחב. עם זאת, כאשר אלמנטים אלה מתמוטטים למונו, כל בעיה עם ביטול פאזה יכולה להתגלות הרבה יותר. באותו אופן, ניתן לזהות בעיות מיסוך תדרים ביתר קלות בעת האזנה במונו.
לבסוף, שילוב שמתפקד היטב במונו עשוי להיות עקבי יותר במגוון רחב של מערכות השמעה, ממערכות אודיופיל מתקדמות ועד מכשירי רמקול יחיד, וזה בדיוק מה שאתה מחפש בעת ערבוב מוזיקה.
הכירו את הכלים הטובים ביותר, אך עבדו עם מה שיש לכם
אני יודע מניסיון שקל להיתפס ברעיון שתוספים וציוד יקרים נחוצים לסאונד מקצועי. בימינו ובעידן זה כבר לא המצב.
רוב תחנות העבודה של השמע הדיגיטלי מגיעות עם מגוון תוספים מובנים שיכולים לספק תוצאות מקצועיות; אתה יכול להתחיל ללמוד לשלוט בכלים אלה, וזה פיתרון סביר יותר מאשר קבלת מספר גדול של תוספים של צד שלישי שכנראה לעולם לא תשתמש בהם.
אני לא אומר שאתה לא צריך להיות מודע או לקבל תוספים וציוד איכותיים לפרויקטים שלך, אבל להיות אובססיבי אליהם יסיח את דעתך מההיבטים המכריעים יותר של ערבוב, שהם לחדד את הכישורים שלך, לסמוך על האוזניים שלך ולהשתמש במשאבים העומדים לרשותך כדי ליצור את התמהיל הטוב ביותר האפשרי.
מחשבות אחרונות
בהפקת שמע, שום דבר לא שקוע באבן. וזה חלק ממה שהופך אותה לחוויה כל כך מרתקת ויצירתית.
עם זאת, איזון עוצמת קול זהיר הוא מה שיכול בסופו של דבר להפוך את המיקס שלך ללהיט מוצלח: הקדיש זמן להבנת כל כלי המופיע ברצועה שלך ואת מיקומו האידיאלי על במה הקול. אל תתמקד באלמנטים בודדים אלא בחוויה הקולית בכללותה, כזו שהמאמין יכול להתחבר אליה ולהרגיש את השפעתה הרגשית.
אני לא יכול להדגיש מספיק את החשיבות של בדיקת המיקס שלך במערכות השמעה שונות כדי להבטיח שהוא ינגן כפי שאתה מדמיין אותו בכל המכשירים. שיר עשוי להישמע נהדר בסביבת אולפן ונורא במערכת השמע של המכונית שלך, ואתה לא רוצה שזה יקרה. השתמש באוזניות מקצועיות ובצגי אולפן, אך בדוק גם את המיקסים שלך באוזניות הזולות שלך: זה אמור להישמע טוב ללא קשר לאופן שבו אתה חווה את זה.
בהצלחה, והישאר יצירתי!
