Menggubah sering kali adalah tentang memperluas batas-batas. Namun, apabila batasannya sudah tidak ada lagi, apa jadinya komposisi itu? Dengan kata lain: apakah karya para komposer bisa berhenti dianggap sebagai... musik?

Sebab, Kamus Oxford mendefinisikan opera sebagai " bentuk drama musikal di mana kekuatan ritme melodi murni terjalin dengan elemen naratif". Hal ini tampaknya tidak berlaku untuk "Pierrot Lunaire" karya Schoenberg, misalnya. Baiklah, bisakah kita terus menyebutnya sebagai "melodrama"? :)

Kata Pengantar

Menggubah adalah proses yang sangat pribadi dan kreatif bagi setiap seniman. Setiap seniman memiliki gaya yang unik, yang mencerminkan individualitas dan visi artistik mereka.

Ketika memulai proses kreatif, sang seniman mempertimbangkan dengan cermat cara memadukan berbagai elemen untuk menciptakan keseluruhan yang kohesif. Melalui gaya komposisi mereka, sang seniman menyampaikan estetika dan perspektif mereka kepada penonton.

Gaya komposisi seorang seniman bisa berkembang seiring waktu, mencerminkan pertumbuhan pribadi mereka dan pengaruh yang berubah. Atau lebih tepatnya; perpaduan antara gaya dan komposisi yang menghasilkan karya seni. Dan setiap karya membawa sepotong jiwa seniman dan pesan unik untuk ditafsirkan oleh dunia.

Komposer musik yang baik selalu memiliki kemampuan unik untuk mengubah pemikiran dan pengalaman mereka menjadi mahakarya musik. Saat ini, para komposer modern terus mendorong batas-batas ekspresi musik.

Musik Barat, dalam arti tertentu, ditentukan oleh pusat nada. Dalam atonalitas, komposer membebaskan diri mereka dari batasan untuk bekerja dalam kunci tertentu dan ekspektasi yang menyertainya.

Mereka dapat menggunakan kedua belas nada dari skala kromatik secara merata, tanpa menghiraukan hirarki harmoni nada tradisional.

Kurangnya kunci yang ditentukan dalam atonalitas ini membuka jalan bagi komposisi yang unik dan inovatif.

Musik Klasik

Musik barat klasik memiliki nada suara yang ditentukan (atau pusat nada, jika/ketika terjadi modulasi).

Pusat nada yang kuat dapat ditemukan di hampir semua komposisi klasik. Sebagai contoh, dalam Simfoni No. 9 yang sangat populer dari Beethoven, kunci D minor berfungsi sebagai "jangkar".

Contoh ini mengilustrasikan bagaimana para komposer menggunakan konsep pusat nada untuk menciptakan kohesi musik dan rasa resolusi. Bukan berarti, bahwa tangga nada kromatik bukan merupakan elemen fundamental dalam musik klasik. Bahkan, justru sebaliknya!

Dalam komposisi klasik, penggunaan tangga nada kromatik memperkenalkan palet warna musik yang kaya dan ekspresif. Hal ini memperdalam kumpulan pilihan, memungkinkan harmoni yang rumit dan bagian yang penuh muatan dalam karya klasik.

Akord Fungsional

Seperti yang disebutkan dalam artikel kami tentang skala diatonis, gagasan tentang apa yang disebut sebagai akor telah berevolusi selama berabad-abad. Musik tonal mendefinisikannya secara lebih ketat dan terstruktur.

Konsep fungsionalitas akor berkaitan erat dengan hubungan timbal balik akor, seperti yang didefinisikan melalui progresi dan irama harmonik.

Namun, sebuah akor tunggal juga dapat berfungsi dan memberikan struktur yang menopang melodi. Jadi, semuanya tergantung pada keterampilan dan niat komposer.

Penulis yang terampil dapat menciptakan berbagai macam suasana hati melalui satu akor, dengan mengasumsikan konteks musik yang berbeda. Belajar mengekspresikan diri melalui sebuah akor adalah langkah penting menuju seni musik!

Melampaui Klasisisme

Pada awal abad ke-20, orang-orang seperti Alexander Scriabin dan Igor Stravinsky mulai mendeskripsikan musik dengan meninggalkan skala diatonis tradisional.

Karya-karya ekspresionis mereka merangkul kromatisme ekspresif, menggunakan harmoni, tangga nada, dan akord yang semuanya meninggalkan tonalitas konvensional.

Ketika Anda mendengar komposisi mereka, Anda bisa menghargai betapa hebatnya mereka. Progresi akor dan melodi mereka yang penuh semangat menantang ekspektasi pendengarnya.

Mulai

Seiring dengan perkembangan selanjutnya, ide-ide inovatif menantang kendala terakhir yang tersisa yaitu keselarasan fungsional.

Penyimpangan dari pendekatan tradisional ini telah menyebabkan akor yang berurutan menjadi disonan dan terputus, seperti yang diamati dari sudut pandang struktur akor konvensional.

Arnold Schoenberg memperkenalkan atonalitas dan banyak teknik eksperimental lainnya, yang mendorong batas-batasnya lebih jauh lagi. "Gaya Schoenberg" sangat avant-garde pada saat itu, sehingga beberapa orang bahkan tidak menganggapnya sebagai musik, menjadikan usahanya sebagai contoh pergeseran paradigma dasar.

Atonalitasnya yang bebas bersikeras bahwa konsep harmonik tradisional sepenuhnya ditinggalkan, tanpa bersikap tegas mengenai apa yang sebenarnya membentuknya. Hal ini menimbulkan pertanyaan: apakah seorang komposer atonal hanya berfokus pada melanggar semua aturan tradisional?

Estetika Atonalitas

Berlawanan dengan kepercayaan umum, atonalitas bukanlah tentang "anti-tonalitas". Ini adalah seperangkat prinsip independen. Meskipun irama harmonik "dilarang", komposer atonal tidak mendasarkan estetika mereka pada seberapa non-tonal sebuah karya musik.

Ketiadaan pusat nada tradisional memang merupakan ciri khas karya atonal. Dan ya: dalam karya atonal, komposer sengaja menghindari penetapan kunci pokok, yang mengarah ke manifestasi dinamis dari berbagai struktur akor.

Prinsip-prinsip ini melahirkan apa yang kemudian dikenal sebagai Sekolah Wina Kedua. Arnold Schoenberg menulis Pierrot Lunaire untuk menunjukkan poin-poin estetikanya lebih awal, dan murid-muridnya, Alban Berg dan Anton Webern, mengikuti, mulai menulis karya-karya piano dan bahkan suite.

Permainan piano mereka khususnya, menunjukkan bahwa fokus musiknya sangat berbeda. Tangan kanan tidak "terbang" saat memainkan melodi atau nada-nada yang lewat dari irama utama. Sebaliknya, karya-karya mereka lebih banyak tentang kelas nada dan struktur, karena mereka membuat tuts-tuts mayor menjadi pensiun.

Ya, dalam musik atonal, virtuositas (atau lebih tepatnya: ketangkasan) menjadi kurang penting. Webern dan Berg terus mengembangkan apa yang diberikan oleh guru mereka, yang mengarah pada perkembangan gaya yang lebih jauh.

Tahun Puncak

Musik serial muncul sebagai penyimpangan yang signifikan dari musik atonal bebas. Musik ini mengandalkan teknik dua belas nada atau deretan nada, yang menentukan urutan melodi dan akor berurutan di seluruh komposisi.

Teknik komposisi yang sesuai, yang kemudian dijuluki "Serialisme", menjadi terkenal melalui karya-karya Sekolah Wina Kedua. Dorongan para komposer menghasilkan karya-karya atonal yang inovatif.

Murid-murid favorit Schoenberg (Alban Berg dan Anton Webern yang telah disebutkan di atas) berada di garis depan gerakan Serialisme.

Mereka mulai menggunakan struktur matematika yang ketat untuk mengatur komposisi mereka. Karya-karya atonal mereka sering menggunakan barisan dua belas nada yang disebutkan di atas untuk mencapai tujuan mereka.

Sistem ini mengharuskan semua 12 nada dari tangga nada kromatik digunakan, tetapi tidak dari satu oktaf dan secara ketat tanpa kemiripan dengan melodi nada (seperti yang didefinisikan secara tradisional). Untuk menambah tantangan, "barisan" perlu dikembangkan tanpa pengulangan nada.

Akibatnya, musik atonal juga menjadi sangat menantang bagi pemainnya, terutama musik atonal yang menampilkan bagian vokal. Karena tidak adanya referensi harmonik yang fungsional, vokalis yang kurang berpengalaman sering kali perlu melakukan latihan khusus dan bahkan mempelajari bagian mereka dengan hati.

Pengaruh Serialisme meninggalkan dampak yang abadi pada dunia musik klasik kontemporer. Karya-karya atonal membuka jalan untuk eksperimen lebih lanjut dalam komposisi.

Orang Non-Viennese

Adalah suatu kesalahan untuk menyimpulkan bahwa musik atonal berhubungan dengan Wina - atau hanya di barat secara umum, dalam hal ini.

Sergei Prokofiev mengeksplorasi konsep-konsep ini secara independen, menciptakan karya-karya yang secara khusus menantang struktur opera konvensional. Dia terus membangun di atas fondasi yang dibangun oleh Scriabin dan Stravinsky.

Komposisinya, seperti Opera Wozzeck karya Alban Berg, melihat pembubaran elemen struktural utama, karena melodi dan ritme mendapatkan lebih banyak kebebasan dan kompleksitas.

Ironisnya, atonalitas bebas dapat dianggap sebagai awal dan akhir, hanya karena atonalitas tidak terlalu ketat sebelum dan sesudah Serialis.

Orang mungkin akan berbeda pendapat, tetapi aspek-aspek tertentu atau cuplikan musik Prokofiev, Shostakovich, atau bahkan Rachmaninov memiliki cara yang "bebas atonal".

Jazz

Setidaknya sejak Charlie Parker, dan tentu saja setelahnya, secara harfiah setiap musisi jazz terobsesi dengan cara memperluas pusat-pusat nada; bagaimana "mendefinisikan ulang kunci" jika Anda mau. Hal ini melahirkan jazz yang keren dan jazz modal pada khususnya.

Beberapa waktu kemudian, Herbie Hancock menjelajahi perpaduan musik klasik kontemporer dan genre jazz - sebuah konsekuensi yang tak terelakkan dari semangat inovasinya. Dia memperlakukan ritme sebagai mitra yang tak terpisahkan dari melodi, menciptakan komposisi yang inovatif.

Eksperimen dengan ketegangan ritme melodi ini menjadi salah satu penentu utama perkembangan musik baru di abad ke-20.

Akibat

Musik atonal tidak mengakhiri musik tonal atau harmoni fungsional. Sebaliknya, musik ini mendefinisikan ulang konsep, akor dan apa yang mendefinisikan pusat nada, apa yang merupakan akor, dll.

Musik Nada Hari Ini

Harmoni fungsional kontemporer terdengar... yah... diperkaya (untuk sedikitnya). Estetika memungkinkan adanya kelas nada musik atonal dan pusat nada.

Musik tonal saat ini dapat - dan memang - menampilkan musik atonal juga. Atau mungkin "kemiripan" musik atonal, atau mungkin sekilas dan pengaruh musik atonal. Dan itu wajar saja, karena musik adalah musik, dan kuncinya ada pada ide para komposer.

Musik Atonal Masa Kini?

Dengan cara yang sama: musik atonal adalah musik atonal. Dan musik atonal kontemporer memang ada, meskipun Anda tidak akan menemukannya dinamai seperti itu (seperti "musik atonal kontemporer" ).

Arnold Schoenberg dan aliran sebelumnya sangat berbeda dengan aliran masa kini. "Pierrot Lunaire" tidak sebanding dengan musik atonal masa kini. Tapi sekali lagi: itu juga tidak sebanding dengan "Threnody to the Victims of Hiroshima" dari Penderecki, dan itu muncul hanya satu dekade setelah kematian Schoenberg...

Yang penting adalah bahwa musik atonal Schoenberg membawa ide-ide baru ke dunia musik. Ide-ide kunci, terutama yang berguna dalam musik untuk film atau bidang teater. Dan ya: hari ini semua orang setuju bahwa karya-karya Schoenberg adalah - dan akan selalu menjadi - musik!