Pernahkah Anda mendengar ungkapan, 'yang penting bukanlah apa yang Anda katakan, tetapi bagaimana Anda mengatakannya'? Kita bisa menerapkan prinsip ini pada ekspresi alat musik: bukan apa yang Anda mainkan, tetapi bagaimana Anda memainkannya. Hal ini dan pemilihan suara yang disengaja adalah prinsip dasar di balik konsep instrumentasi.

Instrumentasi dalam musik menghidupkan dan menghidupkan emosi pada komposisi tertulis, menjadikannya bagian penting dalam menjadi seorang musisi, baik Anda seorang penyanyi, produser, atau instrumentalis. Di bawah ini, kami akan menjelaskan cara kerja instrumentasi dan berbagi bagaimana Anda dapat menggunakan teknik klasik ini untuk memberikan ekspresi yang lebih baik pada karya seni Anda untuk menarik perhatian pendengar.

Mendefinisikan Instrumentasi dalam Musik

Instrumentasi mengacu pada kombinasi tertentu dari tekstur sonik dan instrumen dalam sebuah karya musik, yang dirancang untuk mendukung ide utama lagu. Dalam bentuk yang paling sederhana, instrumentasi mengacu pada pilihan instrumen tertentu dari produser atau komposer untuk sebuah komposisi.

Selain pemilihan suara dan instrumen, instrumentasi juga dapat menunjukkan bagaimana elemen yang berbeda diekspresikan: Sebagai contoh, gitar elektrik yang dimainkan dengan vibrato menciptakan perasaan yang sama sekali berbeda dengan gitar yang dimainkan dengan bersih. Instrumen yang berbeda juga berada dalam rentang frekuensi yang berbeda, sehingga instrumentasi sangat bergantung pada keseimbangan spektral audio di beberapa elemen sonik.

Pada dasarnya, instrumentasi adalah memilih instrumen dan menentukan intensitas yang diekspresikan dengan tujuan akhir untuk menghasilkan perpaduan yang seimbang dan kohesif yang mendukung melodi lagu:

‍

Mengapa Instrumentasi Penting?

Ketika Anda berpikir tentang instrumentasi, pikiran Anda mungkin langsung tertuju pada musik orkestra. Dapatkah Anda bayangkan jika seorang komposer menulis sebuah karya di mana suara bass 5x lebih kuat daripada melodi yang dimainkan pada biola pertama? Anda mungkin dapat menebak bahwa karya ini akan terasa tidak seimbang, sehingga sulit untuk mengikuti melodi utama musik.

Prinsip-prinsip di balik instrumentasi memberi kita kerangka kerja untuk membangun musik yang seimbang dan kohesif yang menghormati ide utama lagu. Sebagian besar lagu dapat disaring menjadi drum, bassline, dan melodi yang menyatukan semuanya. Jika kita menganggap instrumentasi sebagai pilihan yang dirancang untuk mendukung melodi, dan tidak mengalahkannya, kita berada dalam kondisi yang sangat baik.

Bahan-bahan Instrumentasi

Jadi, bagaimana instrumentasi yang hebat diciptakan? Berikut ini adalah komponen utama instrumentasi yang harus dipertimbangkan oleh setiap musisi:

Pemilihan Suara

Komponen terbesar dari instrumentasi adalah pemilihan suara. Ini bukan hanya tentang memilih komponen individual yang Anda sukai; pemilihan suara bermuara pada pengetahuan prasyarat tentang di mana instrumen tertentu berada di spektrum frekuensi (jangan khawatir, kita akan membahasnya di bawah), dan menggunakan pengetahuan tersebut untuk menginformasikan apa yang Anda bawa ke dalam komposisi Anda.

Anda mungkin harus membuat kompromi tertentu, karena hanya karena sesuatu terdengar bagus dengan sendirinya, bukan berarti akan terdengar bagus dengan musik Anda yang lain. Jika tidak mendukung ide melodi, maka harus dibuang.

Tekstur

Tekstur menunjukkan seberapa halus, kasar, bergelombang, atau kontinu suara yang mungkin terasa. Meskipun ini adalah istilah yang lebih subjektif, kuncinya adalah mempertimbangkan bagaimana tekstur yang berbeda dari berbagai instrumen akan berinteraksi satu sama lain ketika ditampilkan dalam sebuah komposisi.

Dinamika

Dinamika menunjukkan seberapa keras atau lembutnya sesuatu, khususnya dalam kaitannya dengan bagaimana kenyaringan dan kelembutan bergeser dari waktu ke waktu dalam sebuah lagu.

Artikulasi

Artikulasi berbicara tentang cara pengucapan bagian instrumental atau vokal. Sebagai contoh, vokal dapat dinyanyikan dengan konsonan keras atau konsonan lembut, ini hanya masalah artikulasi yang dipilih.

Timbre

Timbre menggambarkan nada yang digunakan untuk mengekspresikan bagian instrumental.

Jangkauan

Jangkauan berbicara tentang jarak antara elemen terendah dari spektrum frekuensi dan yang tertinggi. Instrumentasi Anda akan memengaruhi jangkauan track Anda dan, oleh karena itu, pengalaman mendengarkan bagi para penggemar Anda.

Blend

Perpaduan atau keseimbangan berbicara tentang rasio antara satu suara sonik dan suara lainnya dalam komposisi Anda. Instrumentasi yang hebat menghasilkan perpaduan yang konsisten di seluruh elemen lagu yang berbeda.

Apa perbedaan antara instrumentasi dan orkestrasi?

Instrumentasi dan musik orkestra sangat mirip, keduanya berbicara tentang suara spesifik dan pemilihan instrumen dalam konteks komposisi. Namun, orkestrasi adalah istilah yang sedikit lebih spesifik, berbicara tentang pemilihan suara ketika membangun musik orkestra, biasanya dalam pengaturan live.

Sebaliknya, instrumentasi adalah istilah yang lebih luas yang menggabungkan lebih banyak metode produksi dan kurasi komposisi.

Sebagai contoh, Anda dapat mengatakan bahwa memilih synthesizer dan bagian drum tertentu dalam workstation audio digital Anda adalah jenis instrumentasi. Sedangkan dengan orkestrasi, Anda juga akan bekerja dengan beberapa instrumen, tetapi dalam pengaturan live, seperti mencari keseimbangan suara untuk kuartet string.

Di Mana Suara yang Berbeda Berada di Spektrum Frekuensi?

Untuk membuat karya musik yang seimbang, Anda harus memiliki pemahaman dasar tentang di mana instrumen dan suara secara umum berada pada spektrum frekuensi.

Kenapa?

Jika tidak, maka akan mudah untuk melampaui batas pada bagian tertentu, sehingga menghasilkan instrumentasi yang buruk. Di sinilah Anda dapat mengharapkan instrumen berada di seluruh spektrum frekuensi untuk referensi:

Drum

Drum secara mengejutkan serbaguna dalam hal cakupan spektrum frekuensi. Kick drum adalah yang paling rendah, dengan dentuman berada di antara 60-80 Hz. Snare dan tom berada di tengah-tengah spektrum frekuensi, dengan kecemerlangan hi-hats dan simbal yang memanjang hingga ujung atas spektrum frekuensi, pada 5 kHz+.

String

Senar mencakup rentang tengah spektrum frekuensi, tetapi instrumen senar tertentu memiliki elemen yang meluas lebih rendah atau lebih tinggi. Gitar bass dan upright bass mencakup beberapa dentuman dari ujung bawah spektrum frekuensi, sementara biola dan mandolin akan meluas ke rentang frekuensi atas, mencakup beberapa frekuensi antara rentang menengah atas 2,5 kHz - 5 kHz.

Bass elektrik dapat mengambil beberapa frekuensi ujung bawah, sementara masih menempati ruang yang signifikan dalam kisaran menengah spektrum.

Vokal

Rentang vokal individu akan bervariasi, tetapi Anda bisa memperkirakan bahwa umumnya berkisar antara 200 Hz hingga 15 Hz, tergantung pada apakah penyanyinya pria atau wanita. Suara pria dapat mencakup rentang frekuensi antara 100 Hz hingga 8 kHz. Suara wanita dapat mencakup jauh lebih tinggi, meskipun mereka mulai lebih dekat ke tengah spektrum frekuensi, berkisar antara 350 Hz hingga 17 kHz.

Piano, Keyboard, dan Synthesizer

Semua instrumen ini sangat serbaguna dalam hal jangkauan, memungkinkan mereka untuk mencakup sebagian besar spektrum frekuensi. Mereka tidak akan mencakup semua sub-frekuensi ultra-rendah atau frekuensi ekstra-tinggi yang dimulai dari sekitar angka 5 kHz.

Akan tetapi, jangkauan piano asli lebih terbatas daripada instrumen elektronik seperti keyboard atau synthesizer. Perlu diingat bahwa suara ini memiliki jangkauan yang luas dan oleh karena itu, harus digunakan dengan hati-hati.

Di Mana Instrumen Orkestra Berada di Seluruh Spektrum Frekuensi?

Jika Anda memiliki cita-cita menjadi seorang konduktor, orkestrasi dimulai dengan memahami di mana letak instrumen tertentu dalam spektrum frekuensi. Biasakan diri Anda dengan letak instrumen berikut ini sehingga Anda dapat menciptakan keseimbangan yang sangat baik dalam pengaturan musik live:

Bass Ganda

Bass ganda adalah tempat Anda mendapatkan gemuruh dan frekuensi sub yang kaya di dalam orkestra. Dari 40 - 300 Hz, instrumen ini memberikan fondasi untuk frekuensi rendah.

Cello

Cello berada di atas bass ganda, menambahkan frekuensi rendah hingga menengah rendah hingga 1 kHz. Alat musik ini dapat mendukung melodi dengan menguraikan nada-nada tonik dari berbagai akor.

Seruling

Seruling, yang dikenal dengan suaranya yang cerah dan terkadang melengking, berada pada kisaran menengah, tetapi dapat meluas ke mid yang lebih tinggi hingga sekitar 4 kHz.

Biola

Biola sering kali memiliki melodi dan menonjol dalam campuran karena teksturnya yang tajam dan jernih. Biola dapat menjangkau dari 200 Hz hingga 10 kHz atau lebih tinggi untuk nada-nada yang cemerlang dan tinggi.

Piano

Sama seperti produksi modern yang dijelaskan di atas, piano memiliki keistimewaan karena dapat menjangkau hampir seluruh spektrum frekuensi.

Klarinet

Instrumen kayu yang hangat ini memiliki tempat di kelas menengah, menempati sekitar 100 Hz - 2 kHz.

Oboe

Oboe dikenal karena nadanya yang seperti sengau, memberikan tekstur yang menarik dalam orkestra. Oboe berada di sekitar 250 Hz - 4 kHz, terutama berada di kisaran menengah.

Tanduk

Horn cenderung memiliki rentang yang cukup besar, meskipun paling kuat menempati kisaran menengah atas spektrum frekuensi. Horn cukup ekspresif dan dapat dengan mudah mengalahkan keseimbangan Anda apabila dimainkan secara berlebihan, jadi, lakukanlah dengan hati-hati.

Drum

Mirip dengan drum di DAW Anda, elemen drum orkestra menempati spektrum penuh ketika dimainkan bersama, dengan elemen tertentu menempati rentang yang lebih tinggi atau lebih rendah daripada yang lain. Rentang yang sama berlaku untuk tendangan, snare, dan simbal seperti yang dijelaskan di atas. Timpani cenderung berada pada frekuensi rendah hingga menengah sekitar 50 - 400 Hz.

Cara Menggunakan Instrumentasi Modern dalam Lagu Anda

Bahkan jika Anda tidak melihat diri Anda melakukan musik klasik atau menggunakan instrumen tradisional, kita masih bisa membawa pelajaran instrumentasi ke dalam lanskap pembuatan musik modern. Berikut ini adalah cara Anda dapat membawa prinsip-prinsip instrumentasi ke dalam workstation audio digital Anda:

Pemilihan dan Desain Suara

Sama seperti yang Anda lakukan dengan musik orkestra atau dengan alat musik live, VST, instrumen, dan bahkan sampel yang Anda pilih memiliki dampak yang sangat besar pada komposisi akhir Anda. Prioritaskan suara yang paling mewakili ide melodi Anda, dan kemudian kembangkan di sekelilingnya. Suara apa pun di luar ide utama Anda harus dipilih untuk menekankan, bukan menyalip, suara awal tersebut.

Pelapisan Suara

Anda dapat bereksperimen dengan menumpuk suara yang sama atau memainkan suara yang berbeda, memainkan bagian yang serupa di beberapa oktaf. Menumpuk lapisan dapat membantu setiap bagian terasa lebih luas dan kuat dan memungkinkan campuran Anda terasa lebih kohesif. Berhati-hatilah agar tidak berlebihan: melodi Anda harus selalu menjadi bintang pertunjukan.

Otomatisasi

Otomatisasi membangun lebih banyak pengalaman dinamis bagi pendengar Anda, menciptakan pengalaman yang lebih mirip dengan pengalaman Anda saat memainkan alat musik secara langsung. Bereksperimenlah dengan mengotomatiskan parameter seperti volume, filter, dan komponen individual instrumen Anda dari waktu ke waktu untuk memprogram ekspresi performa yang lebih realistis dalam lagu Anda.

Kecepatan dan Parameter Ekspresi Lainnya

Tantangan yang muncul dalam memproduksi musik melalui perangkat lunak daripada melakukan pertunjukan dan merekamnya adalah, Anda bisa kehilangan beberapa aspek yang tidak sempurna dari pertunjukan yang membuat sesuatu terdengar "manusiawi".

Salah satu contohnya adalah mengubah kecepatan, atau intensitas nada yang diekspresikan. Ketika seorang pemain instrumentalis memainkan sebuah bagian dalam sebuah lagu, mereka biasanya tidak memainkan setiap nada secara merata, meskipun hal tersebut sering kali merupakan pengaturan default yang dimasukkan ke dalam bagian MIDI. Luangkan waktu Anda untuk mengacak dan menyesuaikan parameter ekspresi untuk mengurangi kesan robotik.

Instrumentasi Menghidupkan Musik

Instrumentasi bermuara pada pemahaman karakter sonik dari masing-masing komponen komposisi Anda dan memilihnya sesuai dengan itu, dengan tujuan akhir untuk membuat karya yang seimbang di mana satu suara tidak sepenuhnya mengalahkan suara lainnya. Ekspresi yang dimasukkan ke dalam suara yang Anda pilih tentu saja dapat mengubah keseluruhan emosi karya Anda, membuat instrumentasi menjadi alat yang kuat dan dinamis.

Semoga panduan ini memudahkan Anda untuk menguasai seni instrumentasi. Nikmati pembuatan komposisi yang seimbang dan diekspresikan dengan baik dengan instrumentasi, baik Anda seorang komposer, produser, atau pemain instrumen.