Eğer elektronik müzikle yeni tanışıyorsanız, keşfetmeniz gereken çok geniş bir dünya var demektir. Sayısız plugin, synth ve sürekli gelişen prodüksiyon stilleri yelpazesi ile elektronik müzikteki olasılıklar neredeyse sınırsızdır.

Elbette, elektronik müziği bu kadar çeşitli kılan kaynak bolluğu, yeni başlayanlar için adım atmayı biraz göz korkutucu hale getirebilir. Konuyla ilgili YouTube videoları, makaleler ve çevrimiçi kurslardan oluşan bir evren varken nereden başlayacaksınız?

İşte tam da bu yüzden buradayız. Bu rehberde, sentezin temellerinden prodüksiyon yazılımı ve donanımının labirentine kadar elektronik müzik yapmanın temellerini inceleyeceğiz. İster dans pistine hazır tekno, ister ambient ses manzaraları ya da ikisinin arasında bir şey üretmek isteyin, becerilerinizi geliştirmeniz için size ilham vereceğini umduğum bir dizi görüş ve ipucum var!

Elektronik Müzik Nedir?

Elektronik müzik, en geniş anlamıyla, tipik bir türün kapsamının çok ötesine geçiyor. Gerçekten de müzik yaratma ve tüketme şeklimizi tamamen değiştiren bir yöntem.

Gitar, yaylı çalgılar, piyano, canlı davul ve perküsyon gibi akustik enstrümanların doğal seslerine dayanan organik müziğin aksine, elektronik müzik genellikle sentezlenmiş ses ve dokulardan oluşur.

Kalbinde analog synthesizer'lar ve on yıllar boyunca popülaritesi artan elektrikli orglar ve davul makineleri gibi diğer elektronik enstrümanlar yer alır.

Elbette günümüzde elektronik müzik, eski analog donanımlarda bulunan dokunsal düğmeler ve elektronik kablo ve devre sistemlerinden, bilgisayarların ve dijital yazılım enstrümanlarının şık arayüzlerine doğru evrilmiştir.

Çoğu elektronik müzik yapımcısı, DAW'lardan ve onların sonsuz ses ve efekt paletinden yararlanarak büyük ölçüde bilgisayarlara dayanıyor. Bu değişimi, müzik üretiminin demokratikleşmesi olarak düşünmeyi seviyorum, çünkü bir bilgisayarı ve yaratıcı bir kenarı olan herkes için erişilebilir hale getirdi.

Elektronik müzik başlangıçta bir yeraltı hareketi olmasına rağmen (70'lerin sonunda Chicago'da house müziğin doğuşunu ya da 60'ların sonunda Almanya'da synth'ler, sequencer'lar ve teyp döngüleri içeren deneysel rock'ın bir alt türü olan Krautrock'ın ortaya çıkışını düşünün), artık poptan hip-hop'a kadar her şeyi etkileyerek ana akım kültüre nüfuz etmiştir.

Bonobo, Tycho ve Four Tet gibi birçok çağdaş elektronik müzik prodüktörünün akustik öğeleri parçalarına nasıl dahil ettiğini görmek oldukça etkileyici. Bu, bir yandan yenilikçiliğin sınırlarını zorlarken bir yandan da geçmişe saygı göstermek için zengin, dokulu bir ses yaratan daha yeni bir füzyon.

Elektronik müzik prodüksiyonu o kadar geniş bir şemsiye ki, tek bir tanıma indirgemek zor (en önemli ayrıntılardan bazılarını atlamamak için koca bir kitap yazmam gerekirdi). Yine de, elektronik müzik prodüktörü olmak isteyen biriyseniz, yönünüzü bulmanız için başlamanız gereken iyi yerler olduğunu düşünüyorum.

Olmazsa Olmaz Yazılım ve Araçlar

Elektronik müzik yapma yolunda ilerlerken, yol boyunca edinmek isteyeceğiniz birkaç araç var. Bu listedeki her bir ekipman, dijital stüdyonuzun kalbi olan DAW'dan sesinize benzersiz bir parmak izi kazandıran donanım synth'lerine ve davul makinelerine kadar üretim sürecinde benzersiz bir rol oynar.

Bu araçların her birinin elektronik müzik prodüksiyonunuzu nasıl geliştirebileceğini biraz daha derinlemesine inceleyelim.

Dijital Ses İş İstasyonu (DAW)

Her elektronik müzik yapımcısının kurulumunun merkezinde Dijital Ses İş İstasyonu (DAW) yer alır.

DAW'ınız sizin birincil aracınız olacak. Tüm yaratıcı fikirlerinizin hayata geçtiği merkezdir. Bir DAW ile müziğinizi kaydedebilir, düzenleyebilir, miksleyebilir ve mastering yapabilirsiniz. Esasen, istediğiniz gibi elektronik müzik yapmak için kapsamlı bir ortama sahipsiniz.

Şimdi, her yapımcının kendi favori DAW'ı olsa da, elektronik müzik yapmak için diğerlerinden daha iyi olan bazılarının olduğuna inanmaya başladım:

• Ableton Live: Özellikle sezgisel oturum görünümü nedeniyle on yıldır Ableton Live'ın büyük bir hayranıyım. Ayrıca canlı performanslar ve MIDI sıralama yetenekleri için birçok elektronik müzik yapımcısının favorisidir.
• FL Studio: Kullanıcı dostu arayüzü ve güçlü desen tabanlı sıralamasıyla FL Studio, çok sayıda yerleşik synth ve efekt ile başlamak isteyen elektronik müzik yapımcıları için bir başka ağır top.
• Logic Pro: Apple'ın Logic Pro'su en kapsamlı prodüksiyon paketlerinden bir diğeridir ve çoğu Apple ürünü gibi şık ve kullanımı kolaydır. Ayrıca, başlamanız için kapsamlı bir ses ve döngü kitaplığına sahip olursunuz.
• Propellerhead Reason: Sonsuz şekillerde birbirine bağlanabilen synth'ler, örnekleyiciler ve efektlerden oluşan kaliteli sanal rafı ile Reason, müzik prodüksiyonuna en benzersiz ve deneysel yaklaşımı sunuyor olabilir.

Her DAW masaya benzersiz bir şey getiriyor, ancak hangisinin ihtiyaçlarınızı en iyi şekilde desteklediğine gelince, bu tamamen özneldir. Hangisinin iş akışınıza en doğal şekilde entegre olduğunu görmek için hepsini denemenizi tavsiye ederim.

Ses Kütüphaneleri ve Örnek Paketleri

Sırada, elektronik müziğin yapı taşları olan ses kütüphaneleri ve sample paketleri var. İster çıtır çıtır davul loop'ları, ister yakıcı synth lead'leri ya da kesip yeniden pitch'leyebileceğiniz eski usul bir R&B vokali arıyor olun, bu kaynaklara erişiminizin olması önemlidir.

Geçtiğimiz birkaç yıl içinde Splice 'ın büyük bir hayranı oldum (elektronik müzik üreten pek çok kişi gibi). Aboneliğe dayalı modeliyle, geniş, türleri kapsayan bir sample ve loop koleksiyonu için takas edebileceğiniz krediler alıyorsunuz.

Eğer tam paketleri indirmeyi seven biriyseniz, Loopmasters 'a göz atmanızı tavsiye ederim. Ayrıca vintage davul makinesi örneklerinden çağdaş synth'lere kadar çeşitli türlerde çok çeşitli yüksek kaliteli paketler sunuyorlar.

Native Instruments Komplete 'den de bahsetmezsem ihmalkarlık etmiş olurum. Kendi başına bir sample paketi olmasa da Komplete, genel müzik prodüksiyonu için harika olan sonsuz bir enstrüman, efekt ve ses kütüphanesi sunuyor.

Ses kütüphanelerinizi ve örnek paketlerinizi DAW'ınızda kullanmak istiyorsanız, bunları çalmanıza veya farklı şekillerde (zaman uzatma, perde değiştirme vb.) manipüle etmenize olanak tanıyan bir tür araç isteyeceksiniz. Neyse ki, çoğu DAW bu amaç için yerleşik örnekleyiciler ve davul makineleri ile birlikte gelir.

Örneğin, Ableton Live'ın Sampler ve Drum Rack 'ının her ikisi de güçlü örnekleme ve ritm oluşturma yetenekleri sağlar ve her biri kapsamlı modülasyon ve düzenleme seçeneklerine sahiptir.

Logic Pro'daysanız, çeşitli örnek formatlarını içe aktarmak ve oynatmak için harika olan Quick Sampler 'ı kullanabilirsiniz. Ayrıca oldukça ayrıntılı düzenleme ve özelleştirme ile birlikte gelir.

Elbette, son derece özelleştirilebilir bir örnekleyicinin yanı sıra devasa bir ses kitaplığı ve üçüncü taraf genişletmeleri olan NI'nin Kontakt 'ı veya çeşitli kaynaklardan müzik örneklemeyi ve hızlı kesme, zaman germe ve perde değiştirme araçlarını kullanmayı kolaylaştıran Serato Sample gibi üçüncü taraf seçenekleri de vardır.

Eklentiler ve Sanal Enstrümanlar

İşte işin eğlenceli kısmı.

Eklentiler ve sanal enstrümanlar elektronik müzik üretim sürecinin temel bileşenleridir. Binlerce farklı efekt eklentisi ve VST bulunduğundan, bu gerçekten sonsuza kadar keşfedebileceğiniz bir kara deliktir. Şu anda yapabileceğiniz en iyi şeyin farklı kategorilerde birkaç tane edinmek ve onları olabildiğince iyi tanımak olduğunu söyleyebilirim.

İşte dikkat etmeniz gereken birkaç tür:

• Synth Eklentileri: Sentez kullanarak elektronik sesler oluşturun (analog bir synth'de olduğu gibi), benzersiz lead'ler, baslar, pad'ler vb. oluşturmak için harikadır.
• Efekt Eklentileri: EQ, sıkıştırma, reverb, gecikme, distorsiyon, modülasyon ve daha fazlası gibi efektlerle sesleri geliştirin veya değiştirin.
• Örnekleyici Eklentileri: Dijital kayıtları veya örnekleri oynatın veya değiştirin.
• Davul Makinesi Eklentileri: Davul makinelerini veya örnekleyicileri taklit edin, vuruşları ve ritimleri çalmak veya çizmek için harika.
• Sequencer Eklentileri: Müzik düzenleme ve sıralama için idealdir. Bunlar genellikle gelişmiş kalıp ve döngü oluşturma özellikleriyle birlikte gelir.

Dediğim gibi, farklı geliştiricilerin eklentilerini ve sanal enstrümanlarını keşfetmek için onlarca yıl harcayabilirsiniz ve bir elektronik müzik yapımcısı için olmazsa olmaz bir VST, bir başkası için fiyasko olabilir. Araştırma yapmak ve size en uygun olanları bulmak size kalmış. En sevdiğiniz sanatçıların neler kullandığını öğrenmek için Equipboard gibi siteleri bile keşfedebilirsiniz.

Ancak, madem buradasınız, size efekt eklentileriyle başlayarak çoğu parçamda kullandığım favori önerilerimden bazılarını vereceğim:

• FabFilter Pro-Q 3: FabFilter'ın bu inanılmaz çok yönlü ve kullanıcı dostu EQ'su olmadan tek bir miks bile geçmez. Cerrahi ve dinamik EQ için harikadır ve frekans spektrumuna genel bir bakış sağlayan güzel bir arayüze sahiptir.
• Valhalla VintageVerb: Muhtemelen en sık kullandığım reverb eklentisi, özellikle herhangi bir parçaya derinlik ve alan eklemek için gür, vintage esintili reverbler istediğimde.
• Soundtoys EchoBoy: Daha çok yönlü bir delay eklentisi düşünemiyorum. Tüm elektronik müzik türlerine hitap edecek kadar çeşitli, zengin, analog tınılı bir delay efektleri paketi elde edersiniz.
• iZotope Ozone: Mastering için Ozone, EQ ve sıkıştırmadan stereo görüntüleme ve sınırlamaya kadar cilalı, profesyonel ses veren bir sonlandırma için ihtiyacınız olan her şeyi içerir.
• Xfer Records LFOTool: Harekete ihtiyaç duyan bir parçam varsa, genellikle tremolo, auto-pan, trance-gate, side-chain kompresör simülasyonu ve dubstep tipi yalpalama efektlerini minimum çabayla eklemenin kolay bir yolunu sağlayan Xfer Records'un LFO Tool'una bakarım.
• FabFilter Saturn 2: En sevdiğim FabFilter eklentilerinden bir diğeri olan Saturn 2, parçalarınızın sıcaklığa veya kumlara ihtiyaç duyduğu zamanlar için harika olan çok çeşitli distorsiyon, doygunluk ve amfi modelleme efektlerine sahiptir.

Sanal enstrümanlar açısından, özellikle her şeyden önce çok yönlülük istiyorsanız, incelemenizi tavsiye edeceğim birkaç tane var:

• Xfer Records Serum: Elektronik müzik üretiminde en iyi yazılım enstrümanlarından biri olan bu wavetable synthesizer, piyasadaki en yüksek kalitede ses ve en esnek ses tasarım yeteneklerinden bazılarını sunar.
• Native Instruments Massive X: Massive, dubstep sahneye çıktığında elektronik müzik prodüksiyonunda bir temel haline geldi ve NI, Massive X ile zarfı daha da ileri götürdü.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2, devasa ses kütüphanesi ve sonsuz sentez stilleri ile piyasadaki en çok yönlü yazılım enstrümanlarından biri olabilir. Keyscape, modellenmiş piyanolar ve klavyeler için eşit derecede oyun değiştiricidir.
• Native Instruments Battery 4: Bugünlerde ana davul ve perküsyon örnekleyicim Battery 4. Sadece her türlü elektronik müzik türü için büyük bir kit ve örnek kütüphanesine sahip olmakla kalmıyor, aynı zamanda kendi örneklerinizi yüklediğinizde derin düzenleme ve kolay oynatma özellikleri de sunuyor.
• Arturia V Collection: Doğru modellenmiş vintage synthesizer ve klavyeler Arturia ile oyunun adıdır. Analog donanıma erişiminiz yoksa, bu koleksiyon parçalarınıza klasik tonlar eklemek için mükemmeldir.
• Spitfire Audio LABS: Yakın zamanda LABS'ı keşfetmeye başladım ve çıkardıkları her yayını seviyorum. Müziğinize benzersiz dokular eklemek için mükemmel olan, yaylılardan vokallere ve deneysel seslere kadar değişen yüksek kaliteli, ücretsiz enstrümanlar serisi sürekli büyüyor.

Elektronik müzik yaratmaya devam ettikçe, belirli eklentilere ve sanal enstrümanlara aşık olacak ve onlardan vazgeçeceksiniz, ancak ufukta her zaman heyecan verici bir şey olduğu için keşfetmeye ve yeni sürümleri takip etmeye devam etmenizi tavsiye ederim.

MIDI Klavye veya Kontrol Cihazı

"Müzik Enstrümanı Dijital Arayüzü" anlamına gelen MIDI, elektronik müziğin dilidir.

Elektronik müzik aletlerinin, bilgisayarların ve diğer ekipmanların birbirleriyle iletişim kurmasını, kontrol etmesini ve senkronize olmasını sağlayan teknik bir standarttır. Farklı dijital müzik ekipmanlarının birbirleriyle etkileşime girmesine yardımcı olmak için kullanıyoruz. Nasıl çalıştığı hakkında daha fazla bilgi için MIDI kılavuzumuza göz atın.

Şimdi, DAW'ınızda farenizi veya bilgisayar klavyenizi kullanarak MIDI notaları çizebilseniz de, bir MIDI klavye veya kontrol cihazına sahip olmak çok daha dokunsal ve etkileyici bir deneyim sağlar. Bir klavye veya kontrol cihazı ile melodileri, davul ritimlerini çalabilir ve DAW'ınızdaki sentezleyicileri gerçek zamanlı olarak kontrol edebilirsiniz, bu da size anında geri bildirim ve elektronik müzik üretmek için daha sezgisel bir yol sunar.

Benim için, müzik yaratmak için kullanabileceğim bir donanım parçasına sahip olmak, dijital sürece insan dokunuşunu geri getiriyor.

Çeşitli ihtiyaçlara ve bütçelere hitap eden birkaç MIDI klavye ve kontrol cihazına göz atmanızı tavsiye ederim:

• Akai MPK Mini MkIII: Eğer aradığınız kompakt ve uygun fiyatlı ise, bu kontrolör mükemmeldir. Fiyatı yeni başlayanlar için yutması kolaydır ve 25 mini tuşlu arayüz, sınırlı stüdyo alanı olanlar için harikadır. Ayrıca, daha fazla çok yönlülük için atanabilir pedler ve düğmeler elde edersiniz!
• Novation Launchkey Serisi: Ableton Live ile tasarlanmış olmasına rağmen, Launchkey serisi herhangi bir DAW için çalışabilir. Elektronik müzik üretmenin tüm yönlerini kontrol etmek için tam boyutlu tuşlar, pedler, düğmeler ve faderler sunar.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential, özellikler ve uygun fiyat arasında güzel bir denge kuruyor ve Arturia'nın yazılım enstrüman koleksiyonu ile entegrasyon için mükemmel. Tuş yatağı harika bir his veriyor ve daha uygulamalı bir deneyim için çok sayıda DAW kontrolü var.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Serisi: Native Instruments'ın yazılımını sık kullanıyorsanız, entegrasyon için daha iyi bir seçenek yoktur. S-Serisi klavyeler, aftertouch özellikli yüksek kaliteli tuş yataklarının yanı sıra piyasadaki en sezgisel tarama ve parametre kontrol sistemlerinden birini sunar.
• ROLI Seaboard Block: Bu klavye MIDI kontrolör pazarının yüz karasıdır, ancak geleneksel klavye çalmanın ötesini keşfetmek istiyorsanız, Seaboard'ın etkileyici çalma yüzeyi, dokunmanın beş boyutunu başka hiçbir klavyenin eşleşmediği bir şekilde yakalar.

Yine, bunlar benim favorilerimden sadece bazıları, ancak ister taşınabilirlik ve uygun fiyat ister çok yönlülük ve derin yazılım entegrasyonuna öncelik verin, masaya benzersiz bir şey getiren çok sayıda başka MIDI klavye ve kontrol cihazı var.

Mümkünse farklı olanları deneyin ve iş akışınıza en iyi neyin uyduğunu görün.

Davul Makineleri ve Samplerlar

Davul makineleri ve örnekleyicilerin günümüzde elektronik müzik üretmek için "olmazsa olmazlar" olduğunu düşünmesem de, başlangıcından bu yana elektronik müzik üretiminin bel kemiği oldukları için tanınmaları gereken önemli araçlardır.

Bu enstrümanların tarihi derindir ve ikonik modellerin çoğu tüm türlerin sesini şekillendirmiştir. Örneğin, 80'lerin başında çıkan Roland TR-808, hip-hop ile eş anlamlı hale geldi. Afrika Bambaataa'nın "Planet Rock" şarkısını dinlediğinizde bu davul makinesinin yıldızlığa yükselişinin ilk örneklerinden birini duyabilirsiniz.

Benzer şekilde, bir sampler ve sequencer kombinasyonu olan Akai MPC, prodüktörlerin beat yapma yöntemlerinde devrim yarattı. J Dilla, MPC'yi kullanarak elektronik müzik yapma şeklimizi değiştiren efsanevi bir beatmaker'ın en iyi örneklerinden biridir.

Sanal muadillerine kıyasla donanım davul makineleri ve örnekleyiciler kullanmanın güzelliği, dokunsal deneyim ve analog ses elde etmenizdir. Diğer pek çok prodüktör gibi ben de düğmeler, pad'ler ve fader'larla fiziksel etkileşimi çok daha ilham verici buluyorum.

Ayrıca, donanımın benzersiz sonik özellikleri ve sınırlamaları o anki yaratıcılığı teşvik edebilir, Tabii ki, canlı performans yönü de var ve donanımın daha güvenilir ve görsel olarak ilgi çekici bir set oluşturduğuna şüphe yok.

Koleksiyonunuzu oluşturmaya başlamak için en sevdiğiniz sanatçıların ve prodüktörlerin neler kullandığına kesinlikle bakmanız gerekse de, burada kendimi sık sık başkalarına tavsiye ederken bulduğum favori davul makinelerimden ve örnekleyicilerimden birkaçı var:

• Roland TR-8S: Çoğu prodüktör gibiyseniz ve orijinal bir TR-08 için harcayacak binlerce dolarınız yoksa, TR-8S'e bakmanızı tavsiye ederim. Bu nispeten yeni Roland sürümü, sample çalma özelliklerine sahip klasik TR serisi davul sesleri sunarak onu canlı performans ve stüdyo çalışmaları için çok yönlü bir araç haline getiriyor.
• Elektron Digitakt: Hareket halindeki prodüktörler için bu kompakt davul makinesi ve sampler benim favori tercihlerimden biri. Son derece güçlü sıralama yeteneklerine ve tonlarca yerleşik ses tasarım aracına sahiptir.
• Akai MPC Live II: Efsanevi MPC iş akışı ve bağımsız esneklik için, dahili hoparlörleri ve şarj edilebilir pili sayesinde MPC Live II, hareket halindeyken prodüksiyon için mükemmeldir.
• Korg Volca Sample: Bu uygun fiyatlı ve kompakt sample sequencer, tonlarca karaciğer performans gücü sağladığı ve gerçek zamanlı groove yapımı için tonlarca özellik ve bağlantı seçeneğine sahip olduğu için yeni başlayanlar için mükemmeldir.
• Dave Smith Instruments Tempest: Yıllar boyunca tartışmalardan payını almış olsa da, Dave Smith ve Roger Linn'in bu ortak davul makinesi, güçlü analog davul makinesi sesini elde etmek için en sevdiğim seçeneklerden biri.

Donanım büyük bir geri dönüş yapıyor, bu yüzden elektronik müzik prodüksiyonu öğrenen herkes alet çantasının bu tarafını da keşfetmeli. Çok büyük bir bütçeniz olmasa bile, dışarıda hala pek çok seçenek var!

Ses Arayüzü

Elektronik müzik prodüksiyonunu dizüstü bilgisayarınızdan başka bir şey kullanmadan da öğrenebilirsiniz, ancak elektronik müzik prodüksiyon kurulumunuzu ciddiye almak ve enstrümanlarınız, mikrofonlarınız ve bilgisayarınız arasında bir köprü kurmak istiyorsanız, bir ses arabirimine ihtiyacınız olacaktır.

Kısacası, bir ses arabirimi analog sinyalleri DAW'ınızın işleyebileceği dijital ses verilerine dönüştürür ve bunun tersini yapar. Dönüştürmenin ötesinde, bir ses arabirimi çoğu bilgisayarın dahili ses giriş ve çıkışlarına kıyasla kayıtlarınızın ses kalitesini önemli ölçüde artırabilir ve mikrofon preampları, gecikmesiz kayıt için doğrudan izleme ve çeşitli ses kaynaklarını ve dış donanımları bağlamak için çoklu giriş ve çıkışlar gibi temel özellikler sağlayabilir.

Ses arabirimleri her şekil ve boyutta olabilir, ancak nereden başlayacağınızdan emin değilseniz, işte farklı bütçeler için birkaç seçenek:

• Bütçe Dostu :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3. Nesil): Yüksek kaliteli preamp'lara ve dayanıklı bir yapıya sahip bir arayüz isteyen yeni başlayanlar için en iyi önerilerden biri.
  • Behringer U-PHORIA UM2: Evde kayıt yapmaya başlamak için gereken tüm temel bilgileri sağlayan son derece uygun fiyatlı bir seçenek.
• Orta Sınıf :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Kusursuz ses kalitesi ve gerçek zamanlı UAD işleme, prodüksiyon oyununuzu hızlandırmak istiyorsanız mükemmel.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Birden fazla giriş/çıkış ve düşük gecikme süresi ile özellikler ve fiyat arasında iyi bir denge sunar.
• Üst Düzey :
  • RME Fireface UCX: Güvenilirliği, olağanüstü ses kalitesi ve düşük gecikme süresi ile bilinir, küçük, profesyonel stüdyolar için uygundur.
  • Apollo x4 by Universal Audio: Dört Unison preamp, UAD-2 Quad Core işleme ve üstün dönüştürme ile UAD donanımının en iyisini elde edersiniz.

Sizin için doğru ses arabirimi, özel ihtiyaçlarınıza bağlı olacaktır.

Örneğin, aynı anda birden fazla mikrofon kaydediyorsanız, çok sayıda giriş ve çıkışa sahip olmanız gerekir. Bununla birlikte, çok fazla hareket halindeyseniz, taşınabilirlik en büyük satış noktası olabilir. Ne olursa olsun, müziğinizin kalitesini yükseltmek istiyorsanız bir ses arabirimine yatırım yapmanız şarttır.

Kulaklıklar veya Stüdyo Monitörleri

Kendi müziğinizi yapmaya başladığınızda, onu tekrar dinleyebileceğiniz bir şeye ihtiyacınız olacak.

Karar vermeniz gereken ilk şeylerden biri kulaklıklara mı yoksa stüdyo monitörlerine mi yatırım yapacağınızdır. Her biri müzik prodüksiyonu sürecinde benzersiz bir amaca hizmet eder ve gerçekte her ikisine de sahip olmak en iyi seçenektir.

Stüdyo monitörleri, bir oda içindeki sesin daha doğru bir temsilini sağlayarak müziğinizin gerçek dünya ortamlarında nasıl tercüme edileceğini anlamanıza olanak tanır. Ayrıca miksinize uzamsal ve boyutsal bir bakış açısı sunarak kaydırma, derinlik ve stereo görüntüleme hakkında bilinçli kararlar vermenize yardımcı olurlar.

Öte yandan kulaklıklar detay ve izolasyon sunar. Bir miksteki düşük seviyeli gürültü veya tıklama ve patlamalar gibi hoparlörlerde gözden kaçabilecek ince nüansları tanımlamak için harikadırlar. Kulaklıklar ayrıca gece geç saatlerde yapılan oturumlar için veya hoparlörlerden doğru bir şekilde izleme yapamayacağınız işlenmemiş alanlarda çalışıyorsanız çok önemlidir.

Her iki aracın da elinizin altında olması, miksinizin farklı dinleme ortamlarında nasıl ses çıkardığını görmenize yardımcı olabileceğinden son derece faydalıdır, böylece müziğinizin çok çeşitli çalma sistemlerinde harika ses çıkardığını bilirsiniz.

İşte her biri için birkaç tavsiyem:

Kulaklık Önerileri:

• Bütçe: Audio-Technica ATH-M40x - Uygun fiyata mükemmel ses kalitesi ve dayanıklılık.
• Orta Aralık: Beyerdynamic DT 770 PRO - Detaylı, dengeli sesi ve rahatlığıyla tanınır. Bunları uzun miks seanslarında kullanmayı seviyorum.
• Üst Düzey: Sennheiser HD 650 - Olağanüstü doğal ses doğruluğu ve doğru bas tepkisi için en üst düzey açık arkalı stüdyo kulaklıkları.

Stüdyo Monitörü Önerileri:

• Bütçe: Presonus Eris E3.5 - Süper kompakt ve uygun fiyatlı, ancak küçük ev stüdyoları için net ve doğru bir ses profili sunar.
• Orta Aralık: Yamaha HS5 - Özellikle işlenmemiş odalarda miks yaparken düz bir tepki ve mükemmel ses üretimi için mükemmeldir.
• Üst Düzey: Adam Audio A7X - Hassas bas tepkisi ve ayrıntılı üst frekanslar isteyen profesyonel müzik yapımcıları ve mühendisler için idealdir.

Elektronik müzik üretmeye başladığımda, stüdyo kurulumumu yükseltmeden önce yaklaşık bir yıl boyunca kulaklıklarla çalıştım, bu nedenle stüdyo monitörleri şu anda ses prodüksiyonu bütçenizde yoksa, bu konuda çok fazla endişelenmezdim. Sadece perspektifinizi korumak ve kulaklarınızın yorulmasını önlemek için sadece kulaklıkla dinliyorsanız sık sık ara verdiğinizden emin olun.

Elektronik Müzik Nasıl Yapılır

Elektronik müzik üretimi çok geniş bir alandır. Bu makaleyi okuyarak bu sanatta ustalaşacağınıza dair size kesinlikle söz veremem, ancak son on yılda elektronik müzik üretme deneyimim hakkında size biraz fikir verebileceğimi ve bunu kendi yolculuğunuzda ilham kaynağı olarak kullanabileceğinizi umuyorum.

Müzik yaratma sürecini üç aşamada düşünmeyi seviyorum:

1. Fikirler: İlk aşamada, ilk fikirlerinizi çizer, sesler ve kalıplarla denemeler yapar ve beğendiğiniz diğer sanatçılardan fikir veya ilham toplarsınız.
2. Düzenleme: Fikirlerinizi belirledikten sonra, bunları tutarlı bir akış halinde yapılandırabilir ve dinleyiciyi baştan sona bir yolculuğa çıkaracak bir parça oluşturabilirsiniz.
3. İyileştirme: Bu, parçanızı cilalayacağınız ve tüm öğelerin birbirine güzelce oturduğundan emin olacağınız miks ve mastering aşamasıdır.

Her üreticinin bu aşamalar boyunca kendine özgü bir yol izlediğini unutmamak gerekir.

Bazıları akılda kalıcı bir melodiyle başlayıp bunun etrafında şekillenirken, diğerleri birkaç sample parçalayıp MPC'de harika bir sekans oluşturabilir. Diğerleri ise geleneksel yaklaşımı benimseyip standart pop aranjman yapısını kullanarak bir şarkıyı sıfırdan inşa edebilir; önce davul, sonra bas, sonra gitar ve bu şekilde devam edebilir.

Elektronik müzik üretiminin güzelliği bu yaklaşım çeşitliliğinde yatıyor.

Benim için en iyi olan yöntemi paylaşmak üzereyken, herkese uyan tek bir süreç olmadığını unutmayın. Her şey yaratıcılığınızı ateşleyen ve fikirlerinizin özgürce akmasını sağlayan iş akışını bulmakla ilgili.

Sesinizi Bulmak

Elektronik müzik yapmayı ilk öğrendiğinizde, en zor kısım sesinizi bulmak olabilir.

"Elektronik müzik" şemsiye terimi altında pek çok alt tür vardır ve her birinin kendine özgü ses, ritim ve yapı paleti vardır. İşte birkaçını saymak gerekirse popüler alt türlerden bazıları:

• Ev
• Tekno
• Dubstep
• IDM (Akıllı Dans Müziği)
• EDM (Elektronik Dans Müziği)
• Trance
• Davul ve Bas
• Geleceğin Basları

Yeni bir prodüktör olarak, bu çeşitlilik içinde kendi sound'unuzu keşfetmenin anahtarının keşif ve deneysellik olduğunu düşünüyorum.

Sadece bir dinleyici olarak değil, bir öğrenci olarak da farklı alt türlere derinlemesine bir dalış yapın. Farklı tarzlardan esinlenerek kısa parçalar veya beat'ler oluşturun ve neyin sizde yankı uyandırdığını ve yaratıcılığınızı harekete geçirdiğini görün. Yeni bakış açıları sunabilecek ve kendi başınıza düşünmediğiniz yönlere ilham verebilecek diğer yapımcılarla işbirliği yapmayı da deneyebilirsiniz.

Bu yaklaşım aktif dinleme gerektirir. Her bir alt türün nüanslarını anlamak için en güçlü araçlardan biridir. Bir parçayı dinlediğinizde, onu incelemeye çalışın: tempo ve davul kalıplarından synth seçimlerine ve düzenlemenin yapısına kadar sesini tanımlayan temel unsurları belirleyin. Gerilim ve serbest bırakmanın nasıl işlendiğine, parçanın zaman içinde nasıl geliştiğine ve hangi duyguların veya atmosferlerin uyandırıldığına dikkat edin.

Bugüne kadar, dinlemeye analitik bir yaklaşım getirmek, bir şarkı hakkında daha fazla bilgi edinmenin en sevdiğim yollarından biri oldu.

Temel Groove'u Elde Etmek

Elektronik müziğin kalbinde, genellikle davul ve perküsyondan elde ettiğimiz groove yatar.

BPM (Beats Per Minute), alt türün tanımlanmasında kritik bir rol oynar ve her zaman deney yapabilmenize rağmen, çoğu dinleyicinin belirli elektronik müzik türlerini dinlediklerinde beklentileri vardır.

Örneğin, tekno tipik olarak 120 ila 135 BPM arasında değişir ve zeminde dört vuruşlu bir davul modeline sahipken, geleneksel house müzik genellikle daha duygusal ve canlandırıcı titreşimlerdir, biraz daha funki ve groovier davul modeliyle 120 ila 130 B PM arasında değişir.

Ağır bas ve senkoplu groove'larıyla bilinen Dubstep, tipik olarak 140 BPM civarında seyreder ve bu da o ikonik, ağır yarım zamanlı davul kalıpları için biraz alan yaratır.

Drum and bass, daha yoğun ve kaotik enerji sağlayan hızlandırılmış breakbeat ritimleri kullanarak bunu neredeyse 160-180 BPM 'de daha da ileri götürür.

Elbette, daha akıcı ve gelişen bir doku için geleneksel davul vuruşlarından kaçınan ambient elektronik müziğimiz de var. Bazen, hiç davul bile yoktur. Bunun yerine, daha atmosferik bir manzara yaratmaya odaklanıyor.

Bu alt türlerin tipik tempolarını ve davul kalıplarını bilmek, parçalarınızı tür geleneklerine uygun hale getirmenize yardımcı olabilir. Elbette, dediğim gibi, benzersiz sesinizi bulmak için tempo ve ritimle denemeler yapmaktan korkmayın!

Ritminizi Hazırlamak

Her zaman davulla başlamanın elektronik müzik üretimi için sağlam bir strateji olduğunu düşünmüşümdür.

Ritim bölümü, bir parçanın temposu ve enerjisi için temel oluşturabilir ve diğer öğelerin içine kilitlenebileceği bir groove oluşturabilir. Bunu önce parçanızın omurgasını oluşturmak olarak düşünün.

Elektronik şarkılar birinden diğerine büyük ölçüde değişebilse de, çoğu davul groove'unun temel bileşenleri kick, trampet veya clap, hi-hat'ler ve biraz lezzet ve doku katabilen ek perküsyonlardır.

Kendi davul vuruşlarınızı yapmaya başladığınızda, uygulayabileceğiniz birkaç yaklaşım vardır:

• Davul Örnekleyicileri Kullanmak: Kendi davul örneklerinizi yükleyebildiğiniz ve sıfırdan MIDI groove'ları oluşturabildiğiniz için Native Instruments'ın Battery 4'ünün büyük bir hayranıyım.
• Break'leri, Loop'ları ve Örnekleri Çevirme: Breakbeat'leri ve loop'ları dilimleyebilmek eski usul bir yaklaşımdır, ancak elektronik müzik yapmanın ve yeni fikirlere ilham vermenin hala önemli bir bileşenidir.
• Referans Parçaları Dinleme: Beğendiğiniz parçalardaki davul groove'larını analiz etmek ve bunları kopyalamaya çalışmak için zaman harcamanızı öneririm. Farklı katmanlara, swing veya düz zamanlamaya ve ritmin parçanın genel hissini nasıl tamamladığına dikkat edin.

Basit bir ev ritmi oluşturmak için nasıl bir yol izleyebileceğinize bir göz atalım:

1. Bir Kick Drum ile başlayın: İdeal bir house tarzı kick bulun ve ikonik dört-on-the-floor ritmini elde etmek için ölçünün her vuruşuna (1, 2, 3, 4) yerleştirin.
2. Bir Alkış veya Trampet Ekleyin: Groove oluşturmaya başlamak için 2. ve 4. vuruşlara bir alkış veya trampet katın.
3. Hi-Hat 'leri Tanıtın: Sabit, itici bir ritim için her kick ve trampet vuruşu arasına kapalı hi-hat'ler ekleyin. Daha akıcı bir his istiyorsanız sekizlik notalar kullanabilirsiniz.
4. Perküsyon Ekleyin: Groove'larınızı renklendirmek için shaker veya tef gibi bazı perküsyon öğeleri ekleyebilirsiniz.
5. Döngülerle Deneyler Yapın: Eğer groove'larımda ek bir doku istiyorsam, genellikle loop'lu bir perküsyon veya üst loop'u doldurmak için üst üste bindiririm.

Bir ritim oluşturmak, bir formülü takip etmek kadar deney yapmakla da ilgilidir, bu nedenle yukarıdaki tüm bu unsurlarla oynayın ve bunları kendi beğeninize göre değiştirin.

Bas Çizgisi Oluşturma

Bir bas hattı döşemek, parçanızın gerçekten ivme kazanmaya başladığı yerdir. Bas, davul ritminizi tamamlamalı ve birazdan daha fazla değineceğimiz müziğinizin ritmik ve armonik unsurları arasında köprü kurmalıdır.

İşte ilginç bir bas hattı oluşturmak için basitleştirilmiş bir yaklaşım:

1. Sesinizi Seçin: Türünüze uygun bir bas sesi seçerek başlayın. Synth baslar çok yönlüdür ve kapsamlı bir şekilde şekillendirilebilirken, örneklenmiş baslar parçanıza gerçek dünya dokusu katabilir. A
2. Bir Groove Oluştur un: Davul groove'unuzu takip eden temel bir kalıpla başlayın, ardından ritim ve ilgi yaratmak için senkop veya ek notalarla denemeler yapın. Beğendiğiniz diğer elektronik parçalardaki bas hatlarını dinlemenizi ve ne tür teknikler kullandıklarını görmenizi tavsiye ederim.
3. Notalarınızı Değiştir in : Kök notadan sapmaktan korkmayın. Farklı nota seçenekleri için skalayı keşfedebilirsiniz. Müzik teorisine dayalı gamları nasıl uygulayacağınızdan emin değil misiniz? Konuyla ilgili bloglarımızdan bazılarına göz atın.
4. Alt Bas Katmanı: Basınızın alt uçta biraz daha 'oomph'a ihtiyacı varsa, altına temiz, sinüs dalgası tabanlı bir alt bas ekleyebilirsiniz. Sadece ana basınızla uyumlu ve ritmik olarak hizalı olduğundan emin olun.

Yaklaşımınız ne olursa olsun, bas çizgisinin herhangi bir elektronik müzik parçasında temel bir unsur olduğunu bilin, bu yüzden onu geliştirmek için zaman ayırın ve mükemmel oluğu bulana kadar değişiklik yapmaktan korkmayın.

Akorlarınızı Düzenleme

Ardından, parçanız için bir akor progresyonu geliştirmeye başlamak isteyeceksiniz. Akorlarınız, melodinizi ve diğer dokuları üzerine inşa edeceğiniz duygusal zemini hazırlamak için vardır. Belirli ruh hallerini uyandırma, gerilim oluşturma ve serbest bırakma ve dinleyiciyi bir anlatı boyunca yönlendirme gücüne sahiptirler.

Elbette, akorlara yaklaşımımız bir türden diğerine önemli ölçüde değişebilir. Örneğin, ambient elektronik müzikte, gür, uzun akor ilerlemeleri derinlik hissi yaratmak için iyi olabilirken, house veya teknoda, fazla armonik hareket olmadan daha basit akor vuruşları daha iyi bir seçim olabilir.

Bir müzik teorisi uzmanı olmak zorunda olmasanız da, teoriyi sağlam bir şekilde kavramak, akor sesleri ve ilerlemeleri hakkında daha bilinçli kararlar vermenize yardımcı olabilir. Müzik teorisinin güzelliği, tamamen kuralları bilmekle ilgilidir, böylece onları çiğneyebilirsiniz. Ayrıca, size müziğiniz aracılığıyla belirli duygu ve fikirleri iletme gücü verir,

Müzik teorisi hakkında daha fazla bilgi edinmek istiyorsanız, akor ilerlemeleri oluşturma kılavuzumuza göz atın.

Bir Melodi Yazmak

Peki, melodi nedir?

En basit haliyle, bir müzik parçasının ana teması veya odak noktası olarak hizmet eden bir nota dizisidir.

Parçanın dinleyicilerin en çok hatırladığı kısmıdır, yani iyi bir melodi akılda kalıcı olmalıdır. Müzik teorisi açısından bakıldığında, parçanızın armonik bağlamına da uymalıdır.

Akılda kalıcı bir melodi yaratırken göz önünde bulundurulması gereken temel şeylerden biri de tekrarın gücüdür.

Tekrar eden bir motif veya cümle, parçanızı sabitlemenin ve dinleyicinize tutarlılık hissi vermenin harika bir yoludur, ancak melodiniz monoton görünebileceğinden çok fazla tekrar kullanmaktan da kaçınmalısınız.

Biraz ilham almak için güçlü melodileri olan müzikleri aktif olarak dinlemenizi tavsiye ederim.

Bu melodilerin nasıl inşa edildiğini analiz edin, akorlar ve ritimle nasıl etkileşime girdiklerini ve hareket ve duygu yaratmak için tekrar ve varyasyonu nasıl kullandıklarını not edin. Sanatçıların zamanın başlangıcından beri yaptığı gibi, siz de bu şarkılardan düpedüz intihal yapmadan ilham alabilirsiniz. Her şey bir öncekinin üzerine inşa edilmiştir.

Her Şeyi Birbirine Bağlamak

Ardından, parçanızın tüm unsurlarını birbirine bağlamanın yollarını bulmaya başlamak istersiniz.

Elektronik müzik yapı bakımından çeşitlilik gösterse de, çoğu pop tarzı elektronik parça baştan sona iniş ve çıkışları olan standart bir yapı izler.

İntrodan, hikayenin ortaya çıkmaya başladığı verse'e geçebilirsiniz. Bu, parçanın doruk noktası olarak işlev gören nakarata, kancaya veya düşüşe kadar gerilimi artırmak için ön koroya veya birikime yol açabilir.

Buradan, belirli bir synth veya vokal hattını sergilemek için bir solo bölüm veya son koro, drop veya outro'dan önce bir kontrast veya yansıma anı için bir köprü ekleyebilirsiniz.

Miksaj ve Mastering

Son olarak, post prodüksiyon sürecinin kritik aşamaları olan miks ve mastering sürecine geliyoruz. Bu noktada odaklanmanız gereken nokta, tek tek parçalardan oluşan koleksiyonunuzu yayınlanmak üzere uyumlu, cilalı bir müzik parçasına dönüştürmek olmalıdır.

Miksajda amaç, seviyeleri dengelemek, farklı enstrümanlarınızı stereo alana kaydırmak, frekans çakışmalarını gidermek için EQ uygulamak, dinamikleri eşitlemek için sıkıştırmak ve üç boyutlu derinlik yaratmak için yankı ve gecikme gibi efektler kullanmaktır.

Mastering, mikslenen parçanın cilalandığı ve dağıtım için hazırlandığı son adımdır. Bu aşamada, genel sese ince ayar yapacak, bir proje oluşturuyorsanız şarkıların albüm veya EP boyunca tutarlı olduğundan emin olacak ve müziğin çeşitli çalma sistemlerinde en iyi şekilde duyulup duyulmadığını kontrol edeceksiniz.

Bu süreçlerin her ikisi de ayrıntılı bir kulak ve sesin nasıl davrandığına dair derin bir anlayış gerektirir ve kendi parçalarınızı mikslemek ve mastering yapmak için becerilerinizi kesinlikle yeterince geliştirebilseniz de, ilk başladığınızda bu görevleri başka birinin yerine getirmesi genellikle faydalıdır, çünkü yeni bir kulak seti ve özel ekipmana sahip birine sahip olmak iyidir.

Elektronik Müzik Yapmayı Öğrenmek İçin En İyi Kaynaklar

Bu makalenin ötesinde, elektronik müzik yapmak, bolca deneme yanılma ve deneme içeren sürekli bir öğrenme sürecidir. Neyse ki, her seviyeden yapımcıya hitap eden sayısız kaynak mevcuttur:

İşte farklı kaynakların bir listesi ve bilgi ve becerilerinizi genişletmek için neden faydalı oldukları:

• Çevrimiçi Eğitimler ve Kurslar: Skillshare, Udemy ve Coursera gibi platformlar, sektör profesyonelleri tarafından verilen ve başlangıçtan ileri seviyelere kadar değişebilen elektronik müzik kursları sunmaktadır.
• YouTube Videoları: Point Blank Music School ve ADSR Music Production Tutorials gibi kanallar, müzik yapma sürecinin çeşitli yönleri hakkında görsel öğrenenler için mükemmel olan sonsuz ücretsiz eğitimler, ipuçları ve teknikler sağlar.
• Forumlar ve Çevrimiçi Topluluklar: Gearslutz, Reddit'in r/edmproduction ve KVR Audio gibi topluluklar diğer prodüktörlerle bağlantı kurmak, müzik paylaşmak, geri bildirim almak ve prodüksiyon tekniklerini tartışmak için harikadır.
• DAW'a Özel Kaynaklar: Çoğu DAW'ın resmi forumları, öğreticileri ve belgeleri vardır. Ben Ableton'ın Learning Music web sitesinin büyük bir hayranıyım, burada DAW'a özgü sayısız ipucu, püf noktası ve kılavuz var.

Blogumuz ayrıca müzik teorisini, müzik endüstrisinin nasıl işlediğini veya şarkı düzenlemesine nasıl yaklaşacağınızı öğrenirken elektronik müzik yapmak için yararlı kaynaklarla doludur.

Son Düşünceler

Elektronik müzik yapmayı öğrenmek bir gecede olacak bir şey değil.

Nihayetinde, nihai amaç size bir şeyler hissettiren bir parça yaratmaktır - gurur duyabileceğiniz bir parça. Müzik sürekli gelişmektedir, bu nedenle kendinizi bir dizi kurala bağlamanıza gerek yoktur. Bununla birlikte, yukarıdaki araçları ve bunları nasıl kullanacağınızı anlamak, elektronik müziğin engin dünyasında hem güzel hem de benzersiz bir şey yaratmanıza yardımcı olabilir.