Manapság az EDM mindenhol jelen van.

A legnagyobb zenei fesztiválokon, mint az Electric Daisy Carnival vagy a Tomorrowland, a kedvenc helyi bárodban, házibulikon és a legtöbb rádióállomáson hallhatod. A Spotify-on található zenék majdnem egynegyedét EDM-nek címkézik, és a 16 és 19 év közötti hallgatók 23%-a hallgatja.

A vicces az, hogy az EDM nem is egy műfaj! Ez egy gyűjtőfogalom, amely számos olyan különböző stílust foglal magában, amelyek annyira különböznek egymástól, hogy némelyikben alig van valami közös.

Mindazonáltal a 2010-es évek elejétől kezdve az EDM forradalom végérvényesen megváltoztatta a tánckultúrát és a popzenét, a jó öreg elektronikus zenét az egekbe repítette, és fényt derített a DJ-k és klubok vibráló ökoszisztémájára, amely az új mozgalom határait feszegeti.

Ma elemezzük, mi is az EDM, hogyan indult és merre tart, és meghatározzuk a legnépszerűbb alműfajokat. A cikket egy olyan résszel zárjuk, amely arról szól, hogyan készíthetsz EDM-et a DAW (digitális audio munkaállomás) segítségével, így ha ez az, amit keresel, akkor ugorj egyenesen a Getting Started with EDM Production szakaszhoz.

Az EDM meghatározása

Az EDM az Electronic Dance Music rövidítése, és ez nagyjából meg is magyarázza, hogy mire utal ez az összefoglaló kifejezés: elektronikusan szintetizált hangszerekkel készített zenékről van szó, amelyeket arra terveztek, hogy az embereket táncra késztessék a fülbemászó ritmusok és dallamok segítségével.

Az elektronikus hangszerek lehetnek analógok és digitálisak is, ahogyan a mintavételezés és a hangszerkesztés audiofolyamatai is. Amit fontos megjegyezni, hogy az "EDM" kifejezés magában foglal mindent, ami táncra készül.

Az elektronikus zene, amely még tágabb gyűjtőfogalom, olyan zenei műfajokat foglal magában, mint az elektroakusztikus, a drone és az ambient zene, amelyek nem táncolható műfajok, de mégis elektronikus eszközökkel, vagy analóg és elektronikus elemek kombinációjával készülnek.

Vissza az EDM-hez. Tekintettel az ebbe a kategóriába tartozó műfajok sokféleségére, nehéz közös elemeket találni mindegyik között, de itt van néhány:

• Mindegyiknek van ritmikus lüktetése, olyan tempóban, amely 60 BPM (Dub) és 180 vagy még több (Drum and Bass) között lehet.
• A dalok általában könnyen hallgathatóak és emlékezetesek, fülbemászó dallamokkal és energizáló hangulattal.
• Minden hangszerre és hangra rengeteg effekt és feldolgozás kerül alkalmazásra.
• Gyakori minták és előre felvett anyagok használata.
• Ez egy olyan zene, amelyet arra terveztek, hogy fesztiválokon és bulikon játszva felpezsdítse a hallgatókat.

Minden más opcionális, és minden műfajnak megvan a saját hangzásjegye, ami megkülönbözteti a többitől, ami az EDM-et olyan élénk és kreatív ökoszisztémává teszi a producerek számára.

Az EDM idővonala

Akár hiszed, akár nem, az EDM gyökerei a Musique Concrète-ben gyökereznek, amely a zeneszerzésnek egy olyan formája, amely az 1920-as években kezdődött, és az előre felvett hangok keverésén és módosításán alapul.

Ez volt az az időszak, amikor a zeneszerzők először próbáltak többrétegű hangok felhasználásával zenét alkotni, és ezeket egy összefüggő hangzásvilágot létrehozni. Ennek a művészeti formának nagyszerű példája John Cage munkássága.

Ahogy a technológia fejlődött, úgy fejlődött az elektronikus kísérletezés is. A nagyobb teljesítményű elektronikus generátorok az 1950-es évek Németországában az Elektronische Musik megszületéséhez vezettek, egy tisztán elektronikus zenei mozgalomhoz, amelyet a nagy Karlheinz Stockhausen vezetett.

(Németország az elektronikus kísérletezés fenomenális olvasztótégelyévé vált, amely évtizedeken át egyedülálló elektronikus műfajokat hívott életre a Kosmische Musiktól az Electropopon át a Berlin Technóig. Berlin a mai napig az egyik kihagyhatatlan zenei célpont az EDM rajongók számára).

Az 1960-as évek végén és az 1970-es években a moduláris szintetizátorok (Robert Moog első kereskedelmi szintetizátora 1964-ben jelent meg) és a dobgépek népszerűségének növekedése az elektronikus hangok szélesebb körű felfedezéséhez vezetett.

A diszkózene, a négy a padlón ütemekkel és addiktív basszusokkal, a modern EDM előfutára, és Giorgio Moroder és Donna Summer révén ért el világsikert. Az elektropop, amelynek legnépszerűbb előadói a Kraftwerk és a Yellow Magic Orchestra voltak, az 1970-es évek közepére szintén világsikert aratott.

Lényeges megemlíteni a dub zene és a hangrendszer kultúra hatását is, amely Jamaikából indult el ez idő tájt, és amely fellobbantotta a remix kultúrát, valamint elősegítette a DJ-pultok és keverőpultok kreatív eszközként való használatát.

Az 1980-as évek elején mindezek az elemek két városban, Chicagóban és Detroitban találkoztak és keveredtek, ahol megszületett a house és a techno zene.

A Chicago House zene a diszkó egy elektronikusabb formában történő újragondolása, 4/4-es ritmusokkal, dobgépekkel, elérhető dallamokkal, mély basszusvonalakkal és fokozott szinkópákkal.

A detroiti techno zene futurisztikusabb, súlyosabb ütemekkel és a house-nál absztraktabb hangulattal. Hajlamosabb az összetettebb ütemes ritmusokra is.

A 90-es évektől kezdve az elektronikus zenei ökoszisztémában világszerte új elágazások kezdtek kialakulni.

Éveken át a trance zene lett a mainstream elektronikus zene hajtóereje, míg a rave-orientáltabb műfajok, mint a jungle és a Drum and Bass népszerűvé váltak az Egyesült Királyságban és az európai klubkultúrában. A francia Daft Punk duó az elektronikus, dance és diszkó zene egyedi keverékét hívta életre, amely globális jelenséggé tette őket.

A 21. században a DAW-k népszerűsítése forradalmasította az elektronikus zenei produkciót, lehetővé téve számtalan művész számára, hogy kísérletezzenek a zenei produkcióval anélkül, hogy hozzáférnének a csúcskategóriás zenei berendezésekhez vagy hangstúdiókhoz.

Ez elvezet minket a következő fejezethez: a legnépszerűbb EDM műfajok.

Az EDM műfajok áttekintése

Az EDM kategórián belül végtelen számú műfaj és alműfaj létezik, és ezek mindegyikének elemzése meghaladja e cikk kereteit. Fontos azonban megérteni a legnépszerűbb EDM stílusok közötti különbségeket, és azt, hogy hogyan kell megközelítened a produkciót attól függően, hogy melyik műfajra szeretnél koncentrálni.

Ebben a részben a múlt és a jelen legnépszerűbb elektronikus tánczenei műfajainak listáját találod ábécé sorrendben. Az egyszerűség és a rend kedvéért minden egyes műfaj esetében felvázoltam a főbb hangzásbeli jellemzőket, a szokásos tempót és a legnépszerűbb előadókat, akik meghatározták a műfajt.

Acid Techno

Az 1980-as évek végétől és az egész 90-es években az Acid Techno volt a rave-ek és az underground klubok nagy divatja. A Roland TB-303 szintetizátor túlvilági hangjai ihlették, ismétlődő ütemekkel, minimalista textúrákkal és 140 BPM körüli tempóval. Nézd meg Aphex Twin, Richie Hawtin és Chris Liberator zenéit, hogy képet kapj.

Basszus

A basszuszene egy széles stílus, amely olyan műfajokat foglal magában, mint a Dubstep, a Drum and Bass, a Trap és alapvetően bármi, ami erőteljes mélyhanggal rendelkezik. A basszuszene általában nehéz basszusvonalakkal rendelkezik, amelyek az angol soundsystem és garage kultúrából merítettek ihletet. Skream és Benga a műfaj úttörői.

Big Room House

A fesztiválbarát hangzás megtestesítője, a Big Room House jelenleg a legnagyobb EDM műfaj a klubszcénában. A 2010-es évek elején vált népszerűvé, Martin Garrix, Hardwell, Nicky Romero és Afrojack pedig gyorsan a műfaj legjobb képviselőivé váltak. Stílusként nagyon könnyű azonosítani: masszív dropok, egyszerű dallamok és 128 BPM körüli tempó.

Bitpop

A chiptune elemeket a popzenével ötvöző Bitpop az elektronikus zene olyan műfaja, amely a régebbi (8 vagy 16 bites) számítógépek hangchipjeit használja, és ezeket modern berendezésekkel és énekkel kombinálja. Nosztalgikus hangulata van, a tempó 100 és 140 BPM között mozog. Hallgassa meg az Anamanaguchi és a Slagsmålsklubben című számokat.

Breakbeat Hardcore

A Breakbeat Hardcore a breakbeat ritmusokat ötvözi a rave zene galvanizáló érzésével. A 90-es években alakult ki az Egyesült Királyságban, és általában 145-155 BPM körüli vagy annál magasabb, gyors tempójú, súlyos basszusokkal és mintavételezett vokális horgokkal jellemezhető. A Prodigy, különösen a korai albumai a legjobb példái ennek a stílusnak.

Deep House

A Deep House magával ragadó hangulatú, fülbemászó basszusokkal, perkusszív elemekkel, jazzes akkordokkal és 120-125 BPM körüli tempóval. Duke Dumont, Robin Schulz és Maya Jane Coles mind nagyszerű előadók, akiket érdemes megnézned, ha érdekel a műfaj.

Mély techno

A Deep House-zal ellentétben a Deep Techno gazdagabb textúrákkal és hipnotikusabb áramlással rendelkezik. A tempója egyenletes, nagyjából 120-125 BPM, és gyakran tartalmaz ambient hangzásvilágot. Donato Dozzy és Deepchord a legjobbak a játékban, véleményem szerint.

Downtempo

A downtempo az ambient és a chillout zene elemeit ötvözi, hogy nyugodt légkört teremtsen. Általában lassú, 60-90 BPM-es tempójú, hogy fokozza a műfaj által közvetített nyugtató, introspektív hangulatot. Nézd meg Bonobo-t, hogy ötletet kapj.

Drum and Bass

A drum and bass az 1990-es évek elején indult az Egyesült Királyságban, és manapság nagy visszatérésnek örvend. A tempó 160-180 BPM körül van, gyors breakbeateket, barlangszerű basszusvonalakat és bonyolult ritmusokat tartalmaz, amelyeket a jazz dobolás szteroidokon ihletett. Ajánlom a Chase & Status, a Pendulum, a Sub Focus, a Goldie és a Noisia hallgatását.

Dub techno

A dub techno mély hangzása magába forduló, magával ragadó dub hangulattal rendelkezik, ami miatt világszerte az underground klubok egyik főszereplője. Tempója 110 és 120 BPM között mozog. Az olyan művészek, mint Basic Channel és Deepchord a műfaj úttörői.

Dubstep

A dubstep volt a 2000-es évek közepének műfaja, amely súlyos basszusdropjaival és szinkópás ritmusaival minden más mainstream műfajra hatással volt, a heavy metáltól a popig. Tempója 140 BPM körüli, és sötét, merengő hangulata van. A műfaj elég változatos lehet, de kétségtelen, hogy Burial olyan hangzásjegyet hozott létre, amely meghatározta a műfajt, ezért nézd meg a diszkográfiáját, ha többet szeretnél megtudni a stílusról.

Electro House

Az Electro House a 2000-es évek elején vált népszerűvé, a house zene és az elektro ihlette hangzások keverékével, súlyos basszusokkal és 125 és 135 BPM közötti tempóval. Deadmau5 és David Guetta tette mainstreamé a műfajt annak idején.

Electro Swing

A vintage swing zene és a modern elektronikus ütemek érdekes fúziója, az Electro Swing meglehetősen egyedi megközelítést kínál a modern EDM-hez, 110-130 BPM körüli up-tempo ritmusokkal és a rézfúvós minták erőteljes használatával. Nézd meg Parov Stelart és hatalmas produkcióját, hogy megtapasztald a műfajt a legjobban.

Future Bass

A Future Bass melegebb hangulatú és felemelőbb hangzású, mint a műfajok, amelyek inspirálták, leginkább a dubstep és a trap. A 2010-es évek közepén vált népszerűvé, tempója 130 és 175 BPM között mozog. Flume és Illenium népszerűsítette a műfajt az elmúlt évtizedben, bár a Future Bass a 2020-as években mintha veszített volna lendületéből.

Glitch

A glitch zene digitális torzítást, zavarokat és váratlan hangokat használ, hogy kísérleti hangzásvilágot hozzon létre, amelyet általában elektronikus ihletésű beat kísér. Olyan művészek, mint az Autechre, az Apparat és Tim Hecker mind a műfaj nagyszerű képviselői.

Hardstyle

A Hollandiában, Belgiumban és Olaszországban rendkívül népszerű Hardstyle egy kemény, arcba vágó műfaj, torzított rúgásokkal és lendületes dallamokkal. A tempó általában 140-150 BPM körül mozog. A Headhunterz és Showtek a világ leghíresebb fesztiváljain adták elő a műfajt.

Ipari

Az ipari zene rendkívül változatos lehet, az ambienttől a metálzenéig és a kettő között bármi lehet, de mindig találsz egy disztópikus hangulatot, ami valahogy összeköti a műfajt annak minden változatában. A Nine Inch Nails és a Front 242 a műfaj legismertebb képviselői.

Lo-Fi

Alacsony hangminőség, lágy ütemek, környezeti zajok és egy laza, 60-90 BPM körüli tempó a lo-fi sikeres receptje, egy olyan műfajé, amely az elmúlt évtizedben rendkívül népszerűvé vált, különösen azért, mert tökéletes a tanuláshoz és a relaxációhoz. Az olyan művészek, mint Nujabes és Jinsang úttörők voltak ebben a műfajban nyugtató, nosztalgikus számaikkal.

Minimal Techno

A minimal techno a techno lecsupaszított változata, ismétlődő ütemekkel, minimalista elemekkel és 120 és 130 BPM közötti tempóval, amely az 1990-es évek elején vált népszerűvé. Richie Hawtin, Robert Hood, Ricardo Villalobos és Mika Vainio a legnagyobb producerek közé tartoznak, akik felfedezték ezt a hipnotikus műfajt.

Progresszív ház

A progresszív house a house zene trance ihlette stílusa, dallamos struktúrákkal, euforikus dropokkal és általában 125-130 BPM körüli tempóval. Ugyanakkor a felemelő trance-hez képest összetettebb struktúrát mutat, bonyolult ritmikai rétegekkel vagy dallammintákkal. Nézd meg Eric Prydz, deadmau5, Swedish House Mafia és Lane 8 zenéit.

Trance

A trance zene tiszta eufória, hangokba fordítva. A magával ragadó dallamokkal és a magával ragadó tempóval (akár 150 BPM), valamint a felpezsdítő felépítéssel és elengedésekkel a műfaj a 90-es években vált népszerűvé, és azóta sem hagyta el a táncparkettet. Javaslom, hogy kezdd el felfedezni a műfajt a mesterektől: Armin van Buuren, Paul van Dyk és Tiesto.

UK Garázs

A UK Garage az 1990-es években indult az Egyesült Királyságban, mint a szinkópált, 2-step ritmusok keveréke dance és R&B elemekkel. A műfaj nagyrészt a jungle mozgalom által inspirált, de a hétköznapi hallgatók számára is könnyebben elérhető műfaj népszerűsége világszerte gyorsan nőtt, és számos alműfajra ágazott szét, a bassline, a future garage, a grime és a dubstep műfajoktól kezdve. El-b és Groove Chronicles a műfaj legjobb felfedezői közé tartoznak.

Vaporwave

A Vaporwave egy lenyűgöző mikroműfaj, amely a retro esztétikát szürreális érzéssel ötvözi. Általában lelassított, 60-90 BPM körüli tempójú mintákat tartalmaz, amelyek a 80-as és 90-es évek popkultúráját idézik, valamint reklámzenéket és liftzenéket a letűnt korszakokból. Az évek során a műfajt eszközként használták a modern techno-kultúra leleplezésére (és kritizálására). Ha érdekel az EDM-nek ez a rejtett szeglete, mindenképpen nézd meg a Telepath és a Saint Pepsi zenéit.

Kezdő lépések az EDM gyártással

Lehet, hogy az első számod nem hangzik világsikernek, de az első lépések megtétele az EDM zenei produkció világában nem olyan nehéz. Vannak bizonyos szoftverek és pluginek, amelyekre szükséged van, de ezek után már csak gyakorolni, gyakorolni és gyakorolni kell!

Az alábbiakban azt találod, hogy szerintem mi a legjobb megközelítés az EDM zene készítésénél. Minden műfaj más és más, de amennyire én tudom, ez egy olyan struktúra, amely jól működik az összes stílusban, amely az elektronikus tánczene kategóriába tartozik.

Válassza ki a DAW-t

Napokig beszélgethetnénk arról, hogy melyik DAW-t érdemes választani, de próbáljuk meg leegyszerűsíteni a dolgot.

A legtöbb, ha nem az összes professzionális DAW megfelel az EDM-produceri igényeidnek, különösen, ha kezdő vagy. Ha a GarageBand az egyetlen, amid van, vagy amit megengedhetsz magadnak (ingyenes), akkor használd azt. Ha nem használsz Apple termékeket, válaszd a Cakewalkot (szintén ingyenes, de Windowsra).

Ha egy kicsit többet tudsz befektetni, és szeretnéd megtanulni, hogyan kell professzionálisan zeneszámokat készíteni, akkor két kivételes DAW-t ajánlok EDM producerek számára: Ableton Live és FL Studio.

Az Ableton Live a legnépszerűbb DAW, és az ikonikus looping rendszernek köszönhetően fenomenális, ha EDM produkcióról van szó. Az FL Studio egy másik nagyszerű lehetőség az elektronikus zenei producerek számára, professzionális hangkönyvtárral és szuper intuitív dobgéppel és MIDI billentyűzettel.

Ez azt jelenti, hogy bármelyik DAW-nek is álljon rendelkezésére, elegendő eszközzel és hanggal kell rendelkeznie egy alapvető EDM track létrehozásához. Mint alább látni fogod, én nem használok sem Ableton Live-t, sem FL Studio-t, de így is képes vagyok EDM tracket készíteni a semmiből. Tehát ne koncentrálj túlságosan az eszközre, hanem inkább arra, hogy hogyan tudod létrehozni a tökéletes EDM produkciós munkafolyamatot a választott DAW-odon.

Ismétlem, bármilyen DAW jó lehet, ha ismered a működését. Szánj időt arra, hogy kipróbálj néhány különböző munkaállomást (a legtöbbjük ingyenesen kipróbálható), és nézd meg, melyik felel meg legjobban a munkafolyamatodnak.

Mielőtt elkezdenénk, hadd tisztázzam, hogy az elektronikus zenei produkcióban nincs aranyszabály. Ráadásul például a hip-hop és a techno producerek munkafolyamata drámaian eltérő lehet.

Ez azt jelenti, hogy remélem, értéket találsz az alább bemutatott munkafolyamatban, de lehet, hogy teljesen másképp állsz hozzá a zenei produkcióhoz, és mégis kivételes zenét adsz ki.

Tempó és dobpergés

A dobverés az, amivel kezdeni akarsz, és a négy a padlón a legjobb megoldás.

Válassza ki a pálya sebességét a műfaj alapján, amelyen dolgozik. Ha egy klasszikus dance vagy tech-house dalt készítesz, válassz 126 és 132 BPM között.

Ebben az útmutatóban a Studio One-t használom DAW-ként:

A projekt megfelelő tempójának beállítása a kezdés előtt több okból is fontos, de leginkább azért, mert hallani akarod, hogyan szólnak a mintáid abban a sebességben, amelyben a pálya véglegesítve lesz. Lehet, hogy van egy énekmintád, amely 126 BPM-en remekül hangzik, de 132 BPM-en rendkívül mesterkélt, ezért bölcsen válaszd meg a tempót, és győződj meg róla, hogy a megfelelő mintákat választod a pályádhoz.

Ezután koncentrálj a rúgásra, amely az EDM számod alapja. A DAW-odban adj hozzá egy új mono sávot, válassz egy neked tetsző kick-dob hangot a könyvtáradból (a legtöbb DAW rendelkezik valamilyen beépített könyvtárral, és ha a tiéd nem, akkor rengeteg ingyenes könyvtár található az interneten).

Ezután másolja be a kickdob hangját az új sávba, és adjon hozzá egy kicket az első ütem minden üteméhez. Ezután egyszerűen jelölje ki az egész szakaszt, és duplikálja olyan hosszúra, amilyen hosszúra szeretné a sávját.

Ha jól csináltad, az EDM-sávodnak így kell kinéznie:

Az olyan DAW-k, mint a fent említett Ableton Live és FL Studio intuitív looping rendszerekkel és zongoratekercsekkel rendelkeznek, amelyekkel a beat-készítés sétagalopp. De általánosságban elmondható, hogy ha a tempó megfelelő, és minden ütemhez hozzáadsz egy kickdobot, akkor hallani fogod a jól ismert pumpáló tánczenei hangzást.

Most pedig koncentráljunk a kisdobra, ami a dalodat előreviszi.

Az EDM snares általában a kickdrummal együtt játszik a negyedhangokon, vagy gyorsabb ritmusokat játszik, ahogy a drop-szekcióhoz vezetnek. Íme egy példa arra, hogyan néz ki egy alap dob/snare ütem:

Az EDM-dalok sokféle formában és formában léteznek, és nem minden klubzene négyes a padlón. Mégis ez egy nagyszerű kiindulópont, ha az első EDM-dallamodat készíted.

Ha mintákat használ, győződjön meg róla, hogy az ütemek tökéletesen szinkronban vannak-e, és ellenőrizze a hangerőszinteket, amikor a kick és a snare dob egyszerre szólal meg. Könnyen torz hangzást kaphatsz, mivel a legtöbb EDM hangot úgy tervezték, hogy a lehető leghangosabb legyen.

Bassline

Még ha már van is egy dallam a fejedben, mindig jó gyakorlat a basszusvonalból kiindulni, mivel ez lesz a híd az akkordok és ritmusok között, amelyek meghatározzák a dalodat.

Azt javaslom, hogy eleinte tartsd egyszerűnek a dolgot. A későbbiekben mindig lehet jobban tagolt, de egyelőre hozzon létre valami groove-os és fülbemászó dolgot.

Amikor a basszusgitárról van szó, fontos megtalálni a tökéletes egyensúlyt a groove és a finomság között. Egyes műfajokban, mint például a minimál techno, a basszus lehet a dalod fő eleme, de általában a ritmus és a dallam között kell lennie a ragasztónak, mélységet adva mindkettőnek anélkül, hogy háttérbe szorítaná őket.

Hi Hat és Crash cintányérok

Az ikonikus hangmérnök, Steve Albini a hi-hatot "igazán sátáni hangszernek" nevezte, mert úgy tűnik, hogy mindig úton van a dobok felvételekor. Ez lehet, hogy így van az indie rockzenében, de ha EDM-ről van szó, a gondosan kidolgozott hi-hat szekció gyakran az, ami galvanizálóvá tesz egy számot.

Használj zárt és nyitott hi-hat hangok kombinációját, amelyek magas hangú elemekkel töltik meg a ritmusszekciót, ügyelve arra, hogy a hi-hat kiegészítse a meglévő ütemet és fokozza a groove-ot.

Egyes számok jól működnek minimális hi-hattal, míg mások teljesebbnek érzik magukat, ha a hi-hat állandóan jelen van. A kick és a snare dobokkal ellentétben a hi-hat használatával végtelenül kreatív lehetsz.

A hi-hat esetében nincs egyféle megoldás. Az egyetlen dolog, amit szem előtt kell tartanod, hogy kövesse a dalod többi elemének ritmusát, és változatossá tegye a dobokat az akcentusok és a groove-os effektek révén.

Ehhez a példához egy olyan dobloopot használtam, amit egy korábbi számhoz készítettem, de az ötletet meg kell értened:

Dallam és akkordmenet

Most, hogy az EDM számod alapja a helyén van, itt az ideje, hogy akkordokkal és dallamokkal gazdagítsd.

Ismétlem, semmi sincs kőbe vésve, de azt javaslom, hogy az alábbi szempontokra összpontosítson, mégpedig az alábbi sorrendben:

1) Bassline, amit már megbeszéltünk

2) Akkordok

3) Melody

4) Ének (ha van)

Így a dalod hangzásvilágát az alapoktól kezdve hozod létre, és jó eséllyel könnyebb lesz egységes dallamot alkotni.

Mondanom sem kell, hogy az akkordmenet és a zenei skálák alapvető ismerete sokat segít. Az EDM számok általában nem bonyolult számok kompozíciós szempontból, de mégis szükség van némi zeneiségre ahhoz, hogy tisztességesen szóljanak.

Lehet, hogy egy ikonikus dallamot úgy kelthet életre, hogy csak véletlenszerűen játszik a MIDI-billentyűzeten, de a különböző billentyűk közötti kapcsolat megértése segíthet változatosságot és mélységet adni a kompozícióinak, és jobban hasonlíthat a globális slágerekre, amelyeket megpróbál utánozni.

Az én számomhoz hozzáadtam néhány szintetizátor dallamot, hogy gazdagítsam a hangzást:

Dal szerkezete

Talán észrevetted, hogy sok EDM szám hasonló mintát követ, amikor a dalszerkezetről van szó.

Ez részben azért van, mert a producerek egy ismerős elrendezéssel akarják azonnal felkelteni a hallgató figyelmét, de van egy másik fontos tényező is, amit figyelembe kell venned, ha azt szeretnéd, hogy a dalodat a klubokban játsszák: "DJ-barátnak" kell tenned.

Két szám keverésekor a DJ-knek időre van szükségük ahhoz, hogy a dalokat összemossák, mielőtt a következő számra váltanának, ami azt jelenti, hogy a dalokat lassan kell kezdeni, akár csak a ritmussal, és fokozatosan kell bevezetni a többi hangszerkezetet.

Ugyanez vonatkozik a dal befejezésére is. Ökölszabály, hogy egy percig építsük fel a dalt az elején, és egy másik percig csupaszítsunk le mindent, amíg csak az ütem marad, ez jó gyakorlat.

A dalok két változatát is közzéteheted, ahogyan azt sok producer teszi. Erre utalnak a "Radio Edit" vagy "Extended Version" kifejezések, amikor ezeket látod egy dal címében.

Nincsenek aranyszabályok arra vonatkozóan, hogy mi legyen az intro és az outro között, de kétségtelen, hogy a build-up és a drop minden EDM műfajban döntő szerepet játszik.

A felépítés egy crescendo: a dalok egy olyan pillanata, amikor lendületet veszel és felkészíted a közönséget arra, ami következik, ami a drop. Általában a build-up tartalmaz egy dobrészt a kick nélkül és néhány dallamos részt, és a várakozás érzését sugározza, ami minden EDM műfajban közös.

A drop a dal legenergikusabb része, ahol hirtelen változik a dallam, a basszusvonal vagy a ritmus, és ahol az ütős elemek és a mély hangok felpörgetik a közönséget.

A dal dinamikusabbá tétele érdekében váltogassa a nagy energiájú pillanatokat csendesebb részekkel, más néven "break"-ekkel vagy "breakbeats"-ekkel. Ezek a dal azon pillanatai, amikor kevesebb történik, akár csak a dallam, akár csak a ritmusszekció, hogy mozgást adjanak a dalnak, és bevonják a hallgatót.

Rétegek

Az előző részekben láthattad, hogyan hoztam létre egy dal alapszerkezetét. Az a dallam messze nem hangzik késznek, még akkor sem, ha van egy ütem, egy basszusvonal, egy alapdallam, meg minden. Hogy miért?

Ha már megvan a dalod vázlata, itt az ideje, hogy finomítsd azt további ütős és dallamos elemek hozzáadásával, keverd össze az összes elemet, adj mélységet és textúrát minden használt hangnak.

Ebben rejlik egy producer egyedisége: abban a képességében, hogy egyedi hangzást tud létrehozni, és úgy keveri össze a különböző elemeket, ahogyan más zenei producer nem teszi.

A dalok finomhangolása a publikálás előtt alapvető fontosságú, és kétségtelenül feldobja a dallamokat, így professzionálisabbnak és kreatívabbnak hangzik.

A hangerő beállítása és a pásztázás itt döntő szerepet játszik. A dal minden elemének tisztán kell hallhatónak lennie, és meghatározott helyet kell kapnia a hangzásvilágban. Az ütköző hangszerek csak zavart okoznak, és kellemetlenné teszik a dalt.

Hallgasd meg a dalodat különböző fejhallgatókkal vagy hangszórókkal, hogy a lehető legtöbb lejátszó rendszeren jól szóljon. Ez a folyamat segít leegyszerűsíteni az utómunka folyamatát is, amiről mindjárt beszélünk.

Pluginok, effektek, hangkönyvtárak

A legtöbb DAW-hez tartozik egy hangok és effektek könyvtára, amelyekkel elindulhatsz a zenei produkció világában. A művészi pályafutásod fontos része lesz, hogy meggyőződj arról, hogy az igényeidnek megfelelő hangokat és effekteket használod, valamint megtanulod, hogyan használd ezeket a hangokat és effekteket a lehető legjobban.

Az én ajánlásom az, hogy kezdje el azzal, ami a DAW-ban van. Ne töltse meg a könyvtárát olyan pluginekkel és effektekkel, amelyeket soha nem fog használni, hanem inkább koncentráljon arra, hogy elsajátítsa azt a néhány eszközt, amivel rendelkezik, és csak akkor frissítsen, amikor úgy érzi, hogy erre szükség van.

Lehet, hogy csábító lehet letölteni az összes ingyenes könyvtárat, amit az interneten talál, de higgye el, ez negatív hatással lesz a munkafolyamatára. Ha több száz kickdobod van, a végén minden döntésedet megkérdőjelezed majd, miközben felépíted a beatedet.

A nagy zenei producerek a 2000-es évek elejéig a ma elérhető effektek és hangok töredékéhez fértek hozzá, mégis képesek voltak időtlen dallamokat életre kelteni. Nem azt mondom, hogy vegyél egy tekercselt magnószalagot, és teljesen analóg módon folytasd a zenei produkciót, de azt javaslom, hogy a kreatív munkafolyamatok maximalizálása érdekében csökkentsd a könyvtáradat a minimumra.

Véglegesítse a pályát

Egy EDM-sáv keverése és masteringje elsőre ijesztő lehet, de ha jól csinálod, ez a két utómunka-folyamat fokozza a dalod szépségét, és segít a lehető legjobb módon kapcsolódni a közönségedhez.

Nem fogok túl mélyen belemerülni a zenekeverés és a mastering fogalmaiba, de elmagyarázom ezeket a folyamatokat, és hogy mit várhatsz el mindegyiktől.

A keverés azt jelenti, hogy a dal minden elemét összekeverjük, hogy a dal egésze egységes és következetes legyen, ahol minden hangszernek helye van a hangzásvilágban, és az eredmény kellemes hallgatási élményt nyújt.

A mastering segít elérni az iparági szabványt a hangerő tekintetében, miközben feljavítja a zeneszám bizonyos elemeit, hogy jobban megfeleljen a zenei műfajnak. Ez a zenei produkció utolsó szakasza, ahol a közzététel előtt az utolsó simításokat végzi el a dalodon.

Hacsak nem csak szórakozásból készítesz zenét, mindkét folyamat alapvető fontosságú, ha azt szeretnéd, hogy a dalaidat a közönséged értékelje és megossza veled. Bár a saját szerkesztésedet és az utómunka folyamatát magad is elvégezheted, vannak profi hangmérnökök, akik igazán ragyogóvá tudják tenni a zeneszámodat, ezért érdemes megfontolni egy keverő- vagy masteringmérnök felbérlését, ha azt szeretnéd, hogy a zeneszámod sikeres legyen.

Végső gondolatok

És ez minden, amit az elektronikus tánczenéről tudok.

Remélem, hogy ez az útmutató segít megérteni és mélyebben felfedezni a műfajt, és ha ezek az első lépéseid az EDM zenei produkció világában, sok sikert kívánok, és remélem, hogy hallani fogom a dallamaidat az Ultra Music Festivalon!