Componeren gaat vaak over het verleggen van grenzen. Maar wat wordt componeren als de grenzen helemaal zijn opgeheven? Met andere woorden: kunnen de werken van componisten ooit ophouden beschouwd te worden als... muziek?

Want de Oxford Dictionary definieert opera als "een vorm van muzikaal drama waar puur melodische ritmische krachten verweven zijn met verhalende elementen". Dit lijkt niet te gelden voor bijvoorbeeld Schönbergs "Pierrot Lunaire". OK; kunnen we het dan een "melodrama" blijven noemen? :)

Voorwoord

Componeren is voor elke artiest een zeer persoonlijk en creatief proces. Elke artiest heeft zijn eigen unieke stijl, die zijn individualiteit en artistieke visie weerspiegelt.

Bij het begin van het creatieve proces bedenkt de kunstenaar zorgvuldig hoe hij verschillende elementen kan mengen tot een samenhangend geheel. Door middel van de compositiestijl brengt de kunstenaar zijn of haar esthetiek en perspectieven over op het publiek.

De compositiestijl van een kunstenaar kan zich in de loop der tijd ontwikkelen en weerspiegelt zijn persoonlijke groei en veranderende invloeden. Of beter gezegd: het is de samensmelting van stijl en compositie die kunstwerken voortbrengt. En elk werk draagt een stukje van de ziel van de kunstenaar en een unieke boodschap voor de wereld om te interpreteren.

Goede muziekcomponisten hebben altijd het unieke vermogen gehad om hun gedachten en ervaringen om te zetten in muzikale meesterwerken. Vandaag de dag blijven moderne componisten de grenzen van muzikale expressie verleggen.

Westerse muziek werd in zekere zin gedefinieerd door een tonaal centrum. In atonaliteit bevrijden componisten zichzelf van de beperkingen van het werken binnen een bepaalde toonsoort en de verwachtingen die daarmee gepaard gaan.

Ze mogen alle twaalf noten van de chromatische toonladder gelijkelijk gebruiken, zonder rekening te houden met de hiërarchieën van de traditionele tonale harmonie.

Dit gebrek aan een gedefinieerde toonsoort in de atonaliteit maakte de weg vrij voor unieke en innovatieve composities.

Klassieke muziek

Klassieke westerse muziek heeft een gedefinieerde tonaliteit (of tonale centra, als/waar modulaties voorkomen).

Een sterk tonaal centrum is te vinden in vrijwel elke klassieke compositie. In Beethovens hyperpopulaire Symfonie nr. 9 bijvoorbeeld dient de toonsoort D mineur als "anker".

Dit voorbeeld illustreert hoe componisten het concept van een tonaal centrum gebruiken om muzikale samenhang en een gevoel van resolutie te creëren. Dat wil niet zeggen dat de chromatische toonladder geen fundamenteel element is in klassieke muziek. Integendeel!

In klassieke compositie introduceert het gebruik van de chromatische toonladder een rijk en expressief palet aan muzikale kleuren. Het verdiept de mogelijkheden, waardoor ingewikkelde harmonieën en geladen passages in klassieke werken mogelijk worden.

De functionele akkoorden

Zoals vermeld in ons artikel over de diatonische toonladder, is de notie van wat een akkoord is door de eeuwen heen geëvolueerd. Tonale muziek definieert het strikter en structureler.

Het concept van akkoordfunctionaliteit is nauw verbonden met de onderlinge relaties tussen de akkoorden, zoals gedefinieerd door progressies en harmonische cadensen.

Een enkel akkoord kan echter ook functioneel zijn en structuur bieden die een melodie ondersteunt. Het hangt dus allemaal af van de vaardigheden en bedoelingen van de componist.

Bekwame auteurs kunnen een grote verscheidenheid aan stemmingen creëren via één enkel akkoord, uitgaande van verschillende muzikale contexten. Jezelf leren uitdrukken via een akkoord is een cruciale stap naar muzikaal kunstenaarschap!

Het classicisme voorbij

In het begin van de twintigste eeuw begonnen mensen als Alexander Scriabin en Igor Stravinsky muziek te beschrijven die afweek van de traditionele diatonische toonladder.

Hun expressionistische werken omarmden expressieve chromatiek, gebruikmakend van harmonieën, toonladders en akkoorden die de conventionele tonaliteit vrijwel geheel achter zich lieten.

Als je hun composities hoort, kun je zien hoe meesterlijk ze waren. Hun geladen akkoordenschema's en melodieën daagden de verwachtingen van de luisteraar uit.

De start

Naarmate de dingen zich verder ontwikkelden, daagden innovatieve ideeën de laatst overgebleven beperkingen van functionele harmonie uit.

Deze afwijking van de traditionele aanpak heeft ervoor gezorgd dat opeenvolgende akkoorden dissonant zijn en los van elkaar staan, zoals waargenomen vanuit het perspectief van de conventionele akkoordenstructuur.

Arnold Schönberg introduceerde atonaliteit en vele andere experimentele technieken en verlegde de grenzen nog verder. De "Schönberg-stijl" was destijds zo avant-gardistisch dat sommigen het niet eens als muziek beschouwden, waardoor zijn inspanningen een voorbeeld zijn van een archetypische paradigmaverschuiving.

Zijn vrije atonaliteit stond erop dat traditionele harmonische concepten volledig werden losgelaten, zonder strikt te zijn over wat ze precies inhielden. Dit roept de vraag op: richt een atonale componist zich op het breken van alle traditionele regels?

Esthetiek van atonaliteit

In tegenstelling tot wat vaak wordt gedacht, gaat atonaliteit niet over "anti-tonaliteit". Het is een verzameling onafhankelijke principes. Hoewel harmonische cadensen "verboden" zijn, baseren atonale componisten hun esthetiek niet op hoe niet-tonaal een muziekstuk is.

De afwezigheid van een traditioneel tonaal centrum is inderdaad een bepalend kenmerk van een atonaal werk. En ja: in een atonaal werk vermijdt de componist opzettelijk het vastleggen van een thuissleutel, wat leidt tot een dynamische manifestatie van verschillende akkoordstructuren.

Uit deze principes ontstond wat later bekend werd als de Tweede Weense School. Arnold Schönberg schreef Pierrot Lunaire om zijn esthetische punten eerder te demonstreren, en zijn studenten Alban Berg en Anton Webern volgden en begonnen pianostukken en zelfs suites te schrijven.

Vooral hun pianostukken lieten zien dat de muzikale focus heel anders was. De rechterhand "vloog" niet tijdens het spelen van de melodie of de passerende noten van de grote cadensen. De stukken gingen meer over toonhoogteklassen en structuur, terwijl ze de grote toetsen met pensioen stuurden.

Ja, in atonale muziek wordt virtuositeit (of liever: behendigheid) minder belangrijk. Webern en Berg bouwden voort op wat hun leraar hen gaf, wat leidde tot verdere stilistische ontwikkelingen.

Apex Jaren

Seriële muziek ontstond als een belangrijk verschil met de vrije atonale muziek als zodanig. Het is gebaseerd op een twaalftoonstechniek of toonrij, die de melodische opeenvolging en opeenvolgende akkoorden in een compositie bepaalt.

De bijbehorende compositietechniek, die toen "serialisme" werd genoemd, kreeg bekendheid door het werk van de Tweede Weense School. De drang van de componisten leidde tot de creatie van baanbrekende atonale werken.

De favoriete leerlingen van Schönberg (de eerder genoemde Alban Berg en Anton Webern) liepen voorop in de beweging van het serialisme.

Ze begonnen strenge wiskundige structuren te gebruiken om hun composities te organiseren. Hun atonale werken maakten vaak gebruik van de eerder genoemde twaalftoonsrijen om hun doel te bereiken.

Dit systeem vereiste dat alle 12 tonen uit de chromatische toonladder werden gebruikt, maar niet uit één octaaf en strikt zonder enige gelijkenis met een tonale melodie (zoals traditioneel gedefinieerd). Om de uitdaging nog groter te maken, moet de "rij" worden ontwikkeld zonder toonherhalingen.

Als gevolg hiervan werd atonale muziek ook erg uitdagend voor de uitvoerder, vooral atonale stukken met een vocale partij. Door het ontbreken van functionele harmonische referenties moesten minder ervaren vocalisten vaak speciale oefeningen maken en zelfs hun partij uit het hoofd leren.

De invloed van het serialisme liet een blijvende impact achter op de wereld van de hedendaagse klassieke muziek. De atonale stukken maakten de weg vrij voor verdere experimenten in compositie.

De niet-Weners

Het zou een vergissing zijn om tot de conclusie te komen dat atonale muziek gerelateerd is aan Wenen - of alleen het westen in het algemeen, wat dat betreft.

Sergej Prokofjev verkende deze concepten onafhankelijk en creëerde werken die vooral de conventionele operastructuur uitdaagden. Hij bouwde verder op de fundamenten die Scriabin en Stravinsky hadden gelegd.

In zijn composities, net als in Alban Bergs Opera Wozzeck, verdween het primaire structurele element, terwijl melodieën en ritmes onafhankelijker en complexer werden.

Ironisch genoeg kan de vrije atonaliteit beschouwd worden als zowel het begin als het einde, simpelweg omdat atonaliteit minder strikt was voor en na de serialisten.

Daar zou je anders over kunnen denken, maar bepaalde aspecten of fragmenten van de muziek van Prokofjev, Sjostakovitsj of zelfs Rachmaninov zijn in zekere zin "vrij atonaal".

Jazz

Ten minste sinds Charlie Parker, en zeker na hem, was letterlijk elke jazzmuzikant geobsedeerd door hoe de tooncentra uit te breiden; hoe de toonaarden te "herdefiniëren" als je wilt. Dit gaf geboorte aan cool jazz en modale jazz in het bijzonder.

Iets later verkende Herbie Hancock de fusie van hedendaagse klassieke muziek en jazzgenres - een onvermijdelijk gevolg van zijn innovatieve geest. Hij behandelde ritme als een onafscheidelijke partner van melodie en creëerde baanbrekende composities.

Deze experimenten met melodische ritmische spanningen werden een van de belangrijkste determinanten van de ontwikkeling van nieuwe muziek in de 20e eeuw.

Nasleep

Atonale muziek maakte geen einde aan tonale muziek of functionele harmonie. Het herdefinieerde eerder de concepten, de akkoorden en wat een tonaal centrum definieert, wat een akkoord is enz.

Tonale muziek vandaag

Hedendaagse functionele harmonie klinkt... wel... verrijkt (om het zacht uit te drukken). Esthetiek laat zowel de toonhoogteklassen van atonale muziek als een tonaal centrum toe.

De tonale muziek van vandaag kan - en doet - ook atonale muziek bevatten. Of misschien "gelijkenissen" van atonale muziek, of misschien glimpen en invloeden van atonale muziek. En dat is ook logisch, want muziek is muziek en de sleutel ligt in de ideeën van de componisten.

Atonale muziek van nu?

Om dezelfde reden: atonale muziek is atonale muziek. En hedendaagse atonale muziek bestaat, maar je zult het niet als zodanig benoemd vinden (als "hedendaagse atonale muziek" ).

Arnold Schönberg en elke school daarvoor zijn heel anders dan de scholen van vandaag. "Pierrot Lunaire" is niet te vergelijken met de atonale muziek van vandaag. Maar aan de andere kant: het was ook niet te vergelijken met Penderecki's "Threnody to the Victims of Hiroshima", en dat kwam pas een decennium na Schönbergs dood...

Waar het om gaat is dat de atonale muziek van Schönberg nieuwe ideeën in de muziekwereld bracht. Belangrijke ideeën, vooral nuttig in de muziek voor film of het theater. En ja: vandaag de dag is iedereen het erover eens dat de werken van Schönberg muziek waren - en dat altijd zullen blijven!