Het mixen van jazzmuziek is een unieke uitdaging die ons terugbrengt naar de wortels van een van de meest duurzame genres in de muziekgeschiedenis. In tegenstelling tot veel hedendaagse stijlen die voortdurend evolueren met de technologische vooruitgang, heeft jazz de afgelopen decennia opmerkelijk genoeg zijn authentieke geluid behouden.

Het ware kenmerk van een ervaren engineer komt naar voren in zijn of haar benadering van het mixen van een jazzplaat, waar de essentie van live performance vrij spel heeft en subtiele dynamiek behouden moet blijven in plaats van opnieuw uitgevonden. Als je iemand bent die gewend is om pop, rock, hiphop of elektronische muziek te mixen, kan het moeilijk zijn om af te wijken van wat je op dit moment begrijpt als mix engineer.

Het mixen van jazz vereist een meer genuanceerde aanpak, van het vastleggen van het spontane samenspel tussen instrumenten tot het respecteren van de akoestische ruimte die het geluid definieert. Vandaag verkennen we 13 bewezen tips en technieken voor het mixen van jazz en onderzoeken we hoe het omarmen van deze unieke benaderingen je een betere geluidstechnicus kan maken!

1. Houd dingen natuurlijk

Jazzmuziek is lange tijd diep verankerd geweest in de clubs en de speakeasy scene. Zelfs vandaag de dag draagt het de essentie met zich mee van de natuurlijke akoestische ruimtes waar het voor het eerst weerklonk.

Deze band met de omgeving is niet alleen historisch, maar ook een belangrijk aspect van het geluid en de aantrekkingskracht van het genre. De live, spontane en interactieve optredens die typisch zijn voor jazz gedijen goed in deze akoestische settings! We willen de nuances horen van de nagalm van de ruimte en de interactie tussen de muzikanten in de band, zelfs als het technisch niet "perfect" is.

In overeenstemming met de traditie worden de meeste jazzinstrumenten bespeeld in hun pure, onversterkte vorm, of het nu gaat om een staande bas, saxofoon of piano. Als geluidstechnicus die met jazz werkt, is het een uitdaging om die natuurlijke authenticiteit te behouden. Als je de opnamesessie leidt, betekent dit ook dat je zorgvuldig moet nadenken over de plaatsing van de microfoons in de ruimte.

Tenzij de artiest je specifiek vraagt om je aan iets experimenteels te wagen, moet je primaire doel zijn om het gevoel van de kamer met de muzikanten na te bootsen.

2. Doe het rustig aan met compressie

De emotie in jazz zit in de dynamiek, dus voorzichtig zijn met compressie is de sleutel.

Het inherente dynamische bereik van jazz - van de zachtste borstelklap op een snare tot de volle knal van een bombastische kopersectie - vertelt een verhaal. De spanning en ontlading is alles, en daarom is overcompressie een van de grootste fouten die mixtechnici kunnen maken.

Het laatste wat je wilt is de muziek beroven van haar levensader en de eb en vloed eruit rukken.

Als je compressie gebruikt in jazz, heb dan een duidelijk en expliciet doel voor ogen. Je kunt bijvoorbeeld een compressor gebruiken op een contrabas met een lichte aanslag om de niveaus tussen pizzicato-noten en strijkpassages gelijk te maken, zodat beide mooi in de mix zitten.

Op een piano kan compressie worden toegepast om de pieken van agressievere staccatopassages zachtjes te temperen, terwijl de expressieve volumeveranderingen van zachtere, meer lyrische passages behouden blijven.

3. Gebruik tapeverzadiging

Sommige van de beste jazzplaten zijn opgenomen op tape, dus of je het nu weet of niet, het geluid en de verzadiging die je ervan krijgt is iets wat je gewend bent te horen.

Bandverzadiging is een van mijn favoriete soorten verzadiging om te gebruiken in een mix, vooral als je warmte, karakter en samenhang wilt. Zelfs als het subtiel wordt gebruikt, kan het een behoorlijke impact hebben. Naast de harmonischen die je krijgt van verzadiging, krijg je ook een lichte compressie die digitale opnames vaak missen.

Als je tapeverzadiging gebruikt op de master, doe dat dan met een lichte hand. Het doel is om de hele mix een samenhangende warmte en volheid te geven zonder afbreuk te doen aan de helderheid en het dynamische bereik. Sommigen noemen dat "lijm".

Enkele van mijn favoriete tapeverzadigingsplugins zijn de Universal Audio Ampex ATR-102, die een nauwkeurig gemodelleerde weergave van de klassieke bandmachine biedt, en de Waves J37, die is geïnspireerd op de machine die werd gebruikt om veel van de beste albums uit de jaren zestig op te nemen.

4. Zoek al vroeg naar ruimte

Al in een vroeg stadium ruimte vinden in je ruwe mix is cruciaal, vooral bij jazzmuziek. Voordat je naar een EQ grijpt, moet je panning en levels beschouwen als je belangrijkste hulpmiddelen om ruimte en diepte te creëren. Het idee is om elk element op een natuurlijke manier in het stereoveld te laten passen zodat je later geen zware EQ nodig hebt.

Pan en pas de niveaus aan om elk instrument in zijn eigen ruimte te laten schitteren. Je kunt bijvoorbeeld de ritmesectie iets uit het midden pannen om hun fysieke plaatsing in een live-setting te weerspiegelen, met de contrabas iets naar links en de piano naar rechts. Drums kunnen worden gescand op basis van het perspectief van de luisteraar, waarbij de hi-hat iets naar één kant wordt geplaatst en de toms verspreid over het stereoveld, voor een realistischere weergave.

5. Laat de trommels beslissen

Een van mijn leidende principes bij het mixen van jazz is "laat de drums beslissen". In mijn ogen zetten de geluidskarakteristieken en dynamiek van de drums de toon voor de rest van de mix.

Laten we eens kijken naar twee sterk contrasterende benaderingen van het mixen van drums in jazz.

In één scenario hebben de drums een zachte, geborstelde snare en een ingetogen, zachte kickdrum als aanvulling op de klassieke, relaxte, rokerige loungesfeer. Deze opstelling vereist dat de bas, piano en blazers worden gemixt op een manier die deze subtiliteit weerspiegelt.

Aan de andere kant zou een mix die gericht is op een high-energy beboptrack een snare kunnen hebben met een scherpe, geprononceerde crack en een kickdrum die zowel strak als prominent is. Dat drumgeluid zou ook een veel agressievere en dynamischere mixaanpak vereisen voor de rest van de instrumenten.

Neem bijvoorbeeld het genuanceerde drumgeluid van Paul Motian op "Sunday at the Village Vanguard" van Bill Evans, waar zijn penseelwerk niet alleen een contemplatieve stemming creëert, maar ook een mix dicteert waarin elk instrument ademt en op elkaar inwerkt. Aan de andere kant van het spectrum hebben we de explosieve energie van Art Blakey op "Moanin", dat laat horen hoe krachtig, front-and-center drummen de andere muzikanten kan dwingen om een tandje bij te zetten.

6. Voorbereiden op de eigenaardigheden van het mixen van een live band

Een van de meest unieke uitdagingen van het mixen van jazz is weten hoe je een live band moet mixen, wat een andere mindset is dan wat je normaal toepast op het mixen van popmuziek.

Veel jazzopnames vangen de magie van een live sessie. Je stopt een stel jazzmuzikanten in een kamer, omringt ze met een constellatie microfoons en drukt op opnemen. Hoewel dit misschien nog steeds de beste manier is om het spontane samenspel en de energie van een live optreden vast te leggen, introduceert het ook complexiteiten zoals afloop en faseproblemen.

Afloop is het geluid van een instrument dat wordt opgepikt door de microfoon van een ander instrument. In jazzmuziek moet je bleed echter niet zien als een probleem, maar als een kans om diepte en realisme toe te voegen aan je mix.

Kamermicrofoons zijn bijvoorbeeld van onschatbare waarde in deze context. Een opnametechnicus gebruikt ze om het collectieve geluid van het ensemble in dezelfde ruimte vast te leggen, wat de mix een gevoel van eenheid geeft dat moeilijk te reproduceren is met geïsoleerde tracks. De sleutel is hier om op te letten voor faseproblemen tussen deze gemicte bronnen.

Luister naar de faserelaties tussen microfoons, vooral die dicht bij elkaar staan of dezelfde bron opvangen. Het omkeren van de fase van een microfoon kan vaak fase-annulering oplossen en een dun geluid versterken. Je kunt ook strategisch te werk gaan met gating en volumeautomatisering om de impact van bleed op kritieke momenten te minimaliseren.

7. Parallel verwerken

Parallel processing is een van mijn favoriete technieken in het algemeen, maar bij het mixen van jazz is het essentieel.

Door effecten zoals compressie, reverb of delay naar parallelle kanalen te bussen, kun je het bewerkte signaal mengen met de originele, onbewerkte tracks en bepaalde geluidsaspecten versterken zonder het algehele natuurlijke geluid van de mix te overweldigen.

In een jazzmix gebruik ik vaak parallelle compressie op drums, waarbij ik de drumsporen naar een bus met zware compressie stuur en deze vervolgens weer inmix met de originele, onbewerkte drums. Uiteindelijk krijg je een veel punchier en meer samenhangend drumgeluid dat toch de subtiliteit en dynamiek behoudt die essentieel is voor jazz.

Parallelle nagalm is op dezelfde manier geweldig. Ik kan bijvoorbeeld een saxofoon- of trompetspoor naar een speciale galmbus sturen om een gevoel van omgevingsruimte te creëren zonder dat het afstandelijk of uitgewassen klinkt. Tenzij de muzikant erom vraagt, kun je natuurlijk het beste subtiel te werk gaan met ruimtelijke effecten zoals reverb en delay.

8. Profiteer van volumeautomatisering

Bij het mixen van jazzmuziek is volumeautomatisering belangrijker dan compressie. In plaats van een paar pieken te horen en naar een compressor te grijpen om ze te controleren, kun je volumeautomatisering gebruiken om ze te verlagen voor een preciezere, natuurlijke controle.

Compressie kan, zelfs als het relatief licht wordt toegepast, het leven uit een spontaan solomoment knijpen. Aan de andere kant kun je met volumeautomatisering bepaalde delen van het optreden naar wens versterken of verzachten, zodat JIJ de controle hebt om ervoor te zorgen dat elke nuance precies zo wordt gehoord als bedoeld.

9. Wees subtiel met effecten

De manier waarop je effecten gebruikt op je jazzalbum kan beïnvloeden hoe "tijdloos" het klinkt.

Bepaalde platen, zoals die uit het jazzfusiontijdperk van de jaren 70 met hun kenmerkende met phaser beladen bas, of de rockplaten uit de jaren 80 die worden gekenmerkt door het zware gebruik van gated reverbs, kunnen duidelijk gedateerd klinken door de heersende effecten uit die tijd.

Natuurlijk dachten de producers en technici toen waarschijnlijk dat ze vernieuwend bezig waren, en hoewel dat ook zo was, verankert het die platen ook aan een specifieke periode, wat hun aantrekkingskracht voor toekomstige luisteraars kan beperken.

De sleutel om te voorkomen dat een plaat gedateerd gaat klinken, is om vooral de behoeften van de muziek te dienen. Laat de plaat zelf bepalen of je wel of geen effecten moet gebruiken. Een jazzplaat die bijvoorbeeld de live, akoestische sfeer van een Blue Note-album uit de jaren 60 wil weergeven, heeft baat bij minimale effecten.

Aan de andere kant zou een modern jazzfusionproject, zoals Electric Masada of James Blood Ulmer, graag esoterische effecten als vertragingen en phasers gebruiken om buiten de normen van het genre te treden. Het verschil is dat deze effecten deel uitmaken van het geluid en een artistiek statement maken in plaats van een goedkoop effect achteraf.

10. Vind de juiste nagalm

In plaats van te vertrouwen op zware tijdgebaseerde effecten bij het mixen van jazz, raad ik vaak aan om meer te neigen naar ambient of kamergalm instellingen. Dit soort nagalmeffecten zijn ontworpen om de natuurlijke akoestiek van een ruimte na te bootsen, waardoor een gevoel van lucht en dimensie ontstaat dat het live-gevoel van de opname versterkt zonder afbreuk te doen aan de muzikaliteit.

Het doel is om de band het gevoel te geven dat ze samen in dezelfde ruimte optreden, ook al zijn de tracks afzonderlijk opgenomen. Omgevings- en ruimtereverbs kunnen de gaten tussen de instrumenten subtiel opvullen en ze samenbrengen in een samenhangend geluidsbeeld dat de ervaring van een live jazzclub of concertzaal weerspiegelt.

Als je een reverb kiest voor een jazzmix, overweeg dan instellingen die een realistisch gevoel van ruimte bieden met een relatief korte vervaltijd.

11. Pas op voor de luidheidsoorlogen

Ik weet zeker dat we op dit moment allemaal genoeg hebben gehoord over de "Loudness Wars". Dat betekent echter niet dat er niet nog steeds een trend is naar steeds agressievere masteringpraktijken gericht op het zo luid mogelijk maken van muziek.

Het punt is dat dit streven naar maximale luidheid niet strookt met het ethos van jazz. Jazzmixen gedijen op de eb en vloed van intensiteit, de rustige momenten net zo expressief als de luide.

Bij het voorbereiden van een jazzmix voor mastering en eventueel streamen of uitzenden moet speciale aandacht worden besteed aan het behoud van de dynamische integriteit. Een jazzmix te hard in de limiter of codec duwen kan ongewenste vervorming of artefacten introduceren. Bekkens zijn vaak het slachtoffer van deze agressieve behandeling.

Als een van de meest vitale elementen in jazzmuziek dragen bekkens aanzienlijk bij aan het gevoel en de sfeer van een track. Als ze echter te beperkt zijn, krijg je een mix die beperkt en kunstmatig aanvoelt. Dit is waarschijnlijk een van de redenen waarom we niet veel zware bekkens horen in popmuziek. Ze zijn het niet eens met een zware mastering.

In plaats van te streven naar maximale luidheid om je mix te laten opvallen tegen andere op streamingplatforms, is het beter om het dynamische bereik te omarmen in plaats van dat de streamingalgor's je master naar beneden duwen als een loudness penalty.

12. Hardware EQ's gebruiken

De EQ kan een aanzienlijke invloed hebben op hoe je uiteindelijke mix klinkt.

Kiezen voor meer conservatieve, klassieke hardware EQ's of hun plugin emulaties kan die zoete laag van analoge rijkdom en subtiliteit toevoegen die prachtig werkt in jazz. Ze zijn lang niet zo precies, maar daar gaat het juist om. We willen dat onze EQ keuzes muzikaal zijn, niet chirurgisch.

De Pultec EQP-1A is een van mijn absolute favorieten voor het mixen van jazzplaten. Hij heeft de unieke eigenschap om tegelijkertijd dezelfde frequentie te snijden en te versterken, wat diepte en presence kan toevoegen aan bijvoorbeeld een staande bas.

Neve 1073-emulaties zijn ook geweldig als je vocalen wilt verzoeten en toch een organisch gevoel wilt behouden.

13. Referentie Andere Mixen

Referencing is van onschatbare waarde voor elke mixing engineer, ongeacht het genre waarmee je werkt. Gelukkig hebben we bij jazz tientallen jaren aan sonische benchmarks om ons door het mixproces te leiden.

Kies een professioneel gemixt en gemasterd jazznummer dat overeenkomsten heeft met het jouwe en analyseer het nauwkeurig om inzicht te krijgen in hoe je instrumenten balanceert, dynamiek beheert en effecten toepast op een manier die de emotionele impact en helderheid van de muziek versterkt.

Na urenlang mixen kan het moeilijk zijn om een fris perspectief te behouden. Met referencing heb je het juiste perspectief voor je om je beslissingen op elk moment te controleren en ervoor te zorgen dat je op het juiste spoor zit.

Het uiteindelijke resultaat

Vergeleken met andere muziekgenres kan jazzmuziek behoorlijk moeilijk te mixen zijn. Je hebt de moeilijkheid van het mixen van akoestische instrumenten in een live-opname en de onmogelijkheid om fouten te verbergen achter effecten zoals compressie en galm.

Daarom is het zo belangrijk om alles goed te doen tijdens het opnameproces. Elke grote jazzmixer zal je vertellen dat legendarische jazzplaten niet voortkomen uit het mixproces, maar uit de spelers, de compositie en de opname. Als je het eenmaal in handen hebt, is het je enige taak om de luisterervaring te verbeteren.

Mogen deze tips je inspireren om te mixen met de gevoeligheid en flow die jazz vereist, zodat elke track die je aanraakt swingt, groovet en resoneert voor toekomstige generaties!