Dacă sunteți la început de drum cu muzica electronică, atunci aveți o lume vastă de explorat. Cu nenumărate plugin-uri, sintetizatoare și o gamă în continuă evoluție de stiluri de producție, posibilitățile muzicii electronice sunt aproape nelimitate.

Desigur, abundența de resurse care face ca muzica electronică să fie atât de variată o poate face, de asemenea, oarecum descurajantă pentru începători. De unde să începi când există un univers de videoclipuri pe YouTube, articole și cursuri online în jurul acestui subiect?

Acesta este exact motivul pentru care suntem aici. În acest ghid, vom analiza elementele esențiale ale realizării muzicii electronice, de la elementele de bază ale sintezei până la labirintul software-ului și hardware-ului de producție. Fie că doriți să produceți techno pentru ringul de dans, peisaje sonore ambientale sau orice altceva între acestea, am o serie de idei și sfaturi care sper să vă inspire să vă perfecționați abilitățile!

Ce este muzica electronică?

Muzica electronică, în sensul său cel mai larg, depășește cu mult sfera unui gen tipic. Este cu adevărat o metodă care a schimbat complet modul în care creăm și consumăm muzică.

Spre deosebire de muzica organică, care se bazează pe sunetele naturale ale instrumentelor acustice, cum ar fi chitarele, corzile, pianele și tobele și percuția live, muzica electronică este adesea compusă din sunete și texturi sintetizate.

În centrul său se află sintetizatoarele analogice și alte instrumente electronice, cum ar fi orgile electrice și mașinile de tobe, care au crescut în popularitate de-a lungul deceniilor.

Desigur, muzica electronică din zilele noastre a evoluat de la utilizarea butoanelor tactile și a sistemelor electronice de fire și circuite găsite în hardware-ul analogic vechi la interfețele elegante ale computerelor și instrumentelor software digitale.

Majoritatea producătorilor de muzică electronică se bazează foarte mult pe computere, folosind DAW-urile și paleta lor infinită de sunete și efecte. Îmi place să mă gândesc la această schimbare ca la democratizarea producției muzicale, deoarece a făcut-o accesibilă oricui are un computer și un spirit creativ.

Deși muzica electronică a fost inițial o mișcare underground (gândiți-vă la nașterea muzicii house în Chicago la sfârșitul anilor '70 sau la introducerea Krautrock în Germania la sfârșitul anilor '60, care a fost un subgen al rock-ului experimental care a implicat sintetizatoare, secvențiatoare și bucle de bandă), ea a pătruns acum în cultura mainstream, influențând totul, de la pop la hip-hop.

Este destul de fascinant să vezi cât de mulți producători contemporani de muzică electronică introduc elemente acustice în piesele lor, cum ar fi Bonobo, Tycho și Four Tet. Este un fel de fuziune mai nouă, care creează un sunet bogat și texturat pentru a aduce un omagiu trecutului, împingând în același timp liniile de inovație.

Producția de muzică electronică este o umbrelă atât de vastă încât este dificil de redus la o singură definiție (ar trebui să scriu o carte întreagă dacă aș vrea să nu omit unele dintre cele mai importante detalii). Cu toate acestea, dacă sunteți o persoană care dorește să devină producător de muzică electronică, am impresia că există locuri bune de unde să începeți pentru a vă orienta corect.

Software și instrumente obligatorii

Pe măsură ce vă aventurați în realizarea de muzică electronică, există câteva instrumente pe care veți dori să le achiziționați pe parcurs. Fiecare echipament de pe această listă joacă un rol unic în procesul de producție, de la DAW, care este inima studioului dvs. digital, la sintetizatoare hardware și mașini de tobe, care dau sunetului dvs. o amprentă unică.

Haideți să ne scufundăm puțin mai adânc în modul în care fiecare dintre aceste instrumente vă poate îmbunătăți producția de muzică electronică.

Stație de lucru audio digitală (DAW)

În centrul configurației fiecărui producător de muzică electronică se află stația de lucru audio digitală (DAW).

DAW-ul dvs. va fi instrumentul dvs. principal. Este punctul central în care toate ideile tale creative prind viață. Cu un DAW, vă puteți înregistra, edita, mixa și masteriza muzica. În esență, dispuneți de un mediu complet pentru a crea muzică electronică după bunul plac.

Acum, în timp ce fiecare producător are propriul DAW preferat, am ajuns să cred că există unele care sunt pur și simplu mai bune pentru a face muzică electronică decât altele, inclusiv:

• Ableton Live: Am fost un mare fan al Ableton Live timp de un deceniu, în special datorită vizualizării sale intuitive a sesiunii. Este, de asemenea, un favorit pentru mulți producători de muzică electronică pentru performanțele live și capacitățile de secvențiere MIDI.
• FL Studio: Cu interfața sa ușor de utilizat și secvențierea puternică pe bază de modele, FL Studio este un alt produs important pentru producătorii de muzică electronică care doresc să înceapă cu o gamă masivă de sintetizatoare și efecte încorporate.
• Logic Pro: Logic Pro de la Apple este una dintre cele mai complete suite de producție și, ca majoritatea produselor Apple, este elegantă și ușor de utilizat. În plus, beneficiați de o bibliotecă extinsă de sunete și bucle pentru a începe.
• Propellerhead Reason: Cu rack-ul său virtual de calitate de sintetizatoare, samplers și efecte care pot fi interconectate în moduri infinite, Reason oferă ceea ce ar putea fi cea mai unică și experimentală abordare a producției muzicale.

Fiecare DAW aduce ceva unic, dar atunci când vine vorba de care dintre ele vă satisface cel mai bine nevoile, este complet subiectiv. Vă recomand să le încercați pe toate pentru a vedea care se integrează cel mai natural în fluxul dvs. de lucru.

Biblioteci de sunet și pachete de mostre

Apoi, avem bibliotecile de sunete și pachetele de mostre, care sunt elementele de bază ale muzicii electronice. Fie că sunteți în căutarea unor bucle de tobe crocante, a unor linii de sintetizator arzătoare sau a unei voci R&B de modă veche pe care o puteți tăia și repoziționa, este important să aveți acces la aceste resurse.

În ultimii câțiva ani, am devenit un mare fan al Splice (la fel ca mulți alții care produc muzică electronică). Cu modelul său bazat pe abonament, primiți credite pe care le puteți schimba pentru o colecție vastă de mostre și bucle, care acoperă toate genurile.

Dacă sunteți o persoană căreia îi place să descarce pachete complete, v-aș recomanda să verificați Loopmasters. Ei oferă, de asemenea, o gamă largă de pachete de înaltă calitate în diferite genuri, de la mostre de tobe de epocă la sintetizatoare contemporane.

Aș fi neglijent dacă nu aș menționa și Native Instruments Komplete. Deși nu este un pachet de mostre în sine, Komplete oferă o bibliotecă nesfârșită de instrumente, efecte și sunete, care sunt excelente pentru producția muzicală generală.

Dacă doriți să utilizați bibliotecile de sunete și pachetele de mostre în DAW, veți dori un fel de instrument care să vă permită să le redați sau să le manipulați în diferite moduri (time-stretching, pitch-shifting etc.) Din fericire, majoritatea DAW-urilor au samplers și drum machines încorporate în acest scop.

De exemplu, Sampler și Drum Rack din Ableton Live oferă capabilități puternice de eșantionare și de creare a ritmurilor, fiecare având opțiuni extinse de modulație și editare.

Dacă vă aflați în Logic Pro, puteți utiliza Quick Sampler, care este excelent pentru importul și redarea unei varietăți de formate de mostre. De asemenea, vine cu editare și personalizare destul de detaliate.

Desigur, există și opțiuni terțe, cum ar fi Kontakt de la NI, care are un sampler profund personalizabil, precum și o bibliotecă masivă de sunete și expansiuni terțe, sau Serato Sample, care facilitează eșantionarea muzicii dintr-o varietate de surse și utilizarea rapidă a instrumentelor de tăiere, întindere în timp și schimbare a înălțimii.

Plugin-uri și instrumente virtuale

Aici este partea distractivă.

Plugin-urile și instrumentele virtuale sunt componente cheie în procesul de producție a muzicii electronice. Este o gaură neagră pe care o puteți explora la nesfârșit, deoarece există mii de pluginuri cu efecte și VST-uri diferite. Aș spune că cel mai bun lucru pe care îl puteți face acum este să puneți mâna pe câteva din diferite categorii și să le cunoașteți cât mai bine.

Iată câteva tipuri de care trebuie să te ferești:

• Synth Plugins: Generați sunete electronice folosind sinteza (ca la un sintetizator analogic), excelente pentru crearea de lead-uri unice, bass-uri, pad-uri etc.
• Plugin-uri de efecte: Îmbunătățiți sau modificați sunetele cu efecte precum EQ, compresie, reverb, întârziere, distorsiune, modulație și multe altele.
• Sampler Plugins: Redarea sau manipularea înregistrărilor digitale sau a mostrelor.
• Drum Machine Plugins: Emulați mașini de tobe sau samplers, ideale pentru a reda sau a extrage bătăi și ritmuri.
• Sequencer Plugins: Ideale pentru aranjarea și secvențierea muzicii. Acestea vin adesea cu capacități avansate de creare de modele și bucle.

După cum am spus, ați putea petrece zeci de ani explorând pluginuri și instrumente virtuale de la diferiți dezvoltatori, iar ceea ce ar putea fi un VST indispensabil pentru un producător de muzică electronică ar putea fi un eșec pentru altul. Depinde de tine să faci cercetări și să le găsești pe cele care ți se potrivesc cel mai bine. Puteți chiar explora site-uri precum Equipboard pentru a afla ce folosesc artiștii dvs. preferați.

Cu toate acestea, din moment ce sunteți aici, vă voi oferi câteva dintre recomandările mele preferate pe care le folosesc în majoritatea pieselor mele, începând cu pluginurile de efecte:

• FabFilter Pro-Q 3: Nu trece niciun mix fără acest EQ incredibil de versatil și ușor de utilizat de la FabFilter. Este excelent pentru egalizarea chirurgicală și dinamică și are o interfață frumoasă care oferă o prezentare generală a spectrului de frecvențe.
• Valhalla VintageVerb: Probabil cel mai des utilizat plugin de reverberație, în special atunci când doresc reverberații luxuriante, de inspirație vintage, pentru a adăuga profunzime și spațiu oricărei piese.
• Soundtoys EchoBoy: Nu mă pot gândi la un plugin de delay mai versatil. Obțineți o suită de efecte de întârziere bogate, cu sunet analogic, care este suficient de diversă pentru a satisface toate genurile de muzică electronică.
• iZotope Ozone: Pentru masterizare, Ozone include tot ce aveți nevoie pentru un finisaj impecabil, cu sunet profesional, de la EQ și compresie la imagistică stereo și limitare.
• Xfer Records LFOTool: Dacă am o piesă care are nevoie de mișcare, mă uit adesea la Xfer Records' LFO Tool, care oferă o modalitate ușoară de a adăuga tremolo, auto-pan, trance-gate, side-chain compresor simulare, și efecte de tip dubstep wobble cu efort minim.
• FabFilter Saturn 2: Un alt plugin FabFilter favorit, Saturn 2 are o gamă masivă de efecte de distorsiune, saturație și modelare a amplificatoarelor, ideale pentru atunci când piesele dvs. au nevoie de căldură sau nisip.

În ceea ce privește instrumentele virtuale, iată câteva pe care aș recomanda să le cercetați, mai ales dacă vă doriți versatilitate mai presus de orice:

• Xfer Records Serum: Fiind unul dintre instrumentele software de top în producția de muzică electronică, acest sintetizator cu plăci ondulatorii oferă unele dintre cele mai înalte calități de sunet și cele mai flexibile capacități de proiectare a sunetului de pe piață.
• Native Instruments Massive X: Massive a devenit un element de bază în producția de muzică electronică atunci când dubstep a apărut pe scenă, iar NI a împins plicul și mai departe cu Massive X. Este un go-to atunci când am nevoie de basuri profunde, puternice și conduce.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2 ar putea fi unul dintre cele mai versatile instrumente software de pe piață, cu biblioteca sa masivă de sunete și stiluri de sinteză nelimitate. Keyscape este la fel de schimbător pentru pianele și tastaturile modelate.
• Native Instruments Battery 4: Principalul meu sampler de tobe și percuție în aceste zile este Battery 4. Nu numai că are o bibliotecă imensă de kituri și mostre pentru toate genurile de muzică electronică, dar oferă, de asemenea, capacități de editare profundă și redare ușoară atunci când vă încărcați propriile mostre.
• Arturia V Collection: Sintetizatoarele și tastaturile de epocă modelate cu acuratețe sunt numele jocului cu Arturia. Dacă nu aveți acces la hardware analogic, această colecție este perfectă pentru a adăuga tonuri clasice pieselor dvs.
• Spitfire Audio LABS: Am început recent să explorez LABS și îmi place fiecare versiune pe care o lansează. Este o serie în continuă creștere de instrumente gratuite de înaltă calitate, de la corzi la voci și sunete experimentale, perfecte pentru a adăuga texturi unice muzicii tale.

Pe măsură ce veți continua să creați muzică electronică, vă veți îndrăgosti sau nu de anumite pluginuri și instrumente virtuale, deși vă îndemn să continuați să explorați și să fiți la curent cu noile lansări, deoarece există întotdeauna ceva interesant la orizont.

Tastatură sau controler MIDI

MIDI, care înseamnă "Musical Instrument Digital Interface", este limbajul muzicii electronice.

Este un standard tehnic care permite instrumentelor muzicale electronice, computerelor și altor echipamente să comunice, să se controleze și să se sincronizeze între ele. Îl folosim pentru a ajuta diferite piese de echipament muzical digital să interacționeze între ele. Consultați ghidul nostru MIDI pentru mai multe informații despre modul în care funcționează.

Acum, în timp ce puteți desena note MIDI în DAW folosind mouse-ul sau tastatura computerului, o tastatură sau un controler MIDI oferă o experiență mult mai tactilă și expresivă. Cu o tastatură sau un controler, puteți reda melodii, ritmuri de tobe și puteți controla sintetizatoarele din DAW în timp real, oferindu-vă un feedback imediat și o modalitate mai intuitivă de a produce muzică electronică.

Pentru mine, a avea o piesă hardware pe care o pot folosi pentru a crea muzică aduce din nou atingerea umană în procesul digital.

Iată câteva tastaturi și controlere MIDI pe care vă recomand să le analizați: care răspund diferitelor nevoi și bugete:

• Akai MPK Mini MkIII: Dacă ceea ce căutați este compact și accesibil, acest controller este perfect. Prețul este ușor de înghițit pentru începători, iar interfața cu 25 de mini taste este excelentă pentru cei cu spațiu limitat în studio. În plus, aveți pad-uri și butoane asignabile pentru și mai multă versatilitate!
• Seria Novation Launchkey: Deși a fost proiectată cu Ableton Live, seria Launchkey poate funcționa pentru orice DAW. Oferă taste, pad-uri, butoane și faders de dimensiuni normale pentru a controla toate aspectele producerii de muzică electronică.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential atinge un echilibru plăcut între caracteristici și accesibilitate, și este perfect pentru integrarea cu colecția de instrumente software Arturia. Tastatura se simte foarte bine și există o mulțime de controale DAW pentru a face o experiență mai practică.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Series: Dacă utilizați des software-ul Native Instruments, nu există o alegere mai bună pentru integrare. Tastaturile S-Series oferă taste de înaltă calitate cu aftertouch, precum și unul dintre cele mai intuitive sisteme de navigare și control al parametrilor de pe piață.
• ROLI Seaboard Block: Această tastatură este oaia neagră de pe piața controllerelor MIDI, deși dacă doriți să explorați dincolo de clapele tradiționale, suprafața de joc expresivă a lui Seaboard captează cele cinci dimensiuni ale atingerii într-un mod pe care nicio altă tastatură nu l-a egalat.

Din nou, acestea sunt doar câteva dintre preferatele mele, deși există o mulțime de alte tastaturi și controlere MIDI care aduc ceva unic la masă, indiferent dacă prioritizați portabilitatea și accesibilitatea sau versatilitatea și integrarea software profundă.

Încercați-le pe diferite dacă este posibil și vedeți care se potrivește cel mai bine cu fluxul dvs. de lucru.

Drum Machines și Samplers

Deși nu cred că mașinile de tobe și samplers sunt "must-have" pentru a produce muzică electronică în aceste zile, acestea sunt instrumente importante de recunoscut, deoarece au fost coloana vertebrală a producției de muzică electronică încă de la începuturile lor.

Istoria acestor instrumente este profundă, iar multe dintre modelele emblematice au modelat sunetul unor genuri întregi. De exemplu, Roland TR-808, care a apărut la începutul anilor '80, a devenit sinonim cu hip-hop-ul. Ascultați piesa "Planet Rock" a lui Afrika Bambaataa și puteți auzi unul dintre primele exemple ale ascensiunii la celebritate a acestei mașini de tobe.

În mod similar, Akai MPC, care era o combinație de sampler și sequencer, a revoluționat modul în care producătorii realizau beat-uri. J Dilla este unul dintre cele mai bune exemple de beatmaker legendar care a schimbat modul în care facem muzică electronică folosind MPC.

Frumusețea utilizării toboșarelor și a samplerelor hardware în detrimentul omologilor lor virtuali constă în faptul că beneficiezi de experiența tactilă și de sunetul analogic. Eu, la fel ca mulți alți producători, consider interacțiunea fizică cu butoanele, pad-urile și faderele mult mai inspiratoare.

În plus, caracteristicile sonore unice și limitările hardware-ului pot stimula creativitatea în acel moment. Desigur, există și aspectul performanței live și nu există nicio îndoială că hardware-ul oferă un set mai fiabil și mai atractiv din punct de vedere vizual.

Deși ar trebui să vă uitați la ceea ce folosesc unii dintre artiștii și producătorii dvs. preferați pentru a începe să vă construiți colecția, iată câteva dintre mașinile mele de tobe și samplers preferate pe care le recomand adesea altora:

• Roland TR-8S: Dacă sunteți ca majoritatea producătorilor și nu aveți mii de dolari de cheltuit pe un TR-08 original, v-aș recomanda să vă uitați la TR-8S. Această lansare Roland relativ recentă oferă sunete clasice de tobe din seria TR cu capacități de redare a mostrelor, ceea ce o face un instrument versatil pentru performanțele live și munca de studio.
• Elektron Digitakt: Pentru producătorii în mișcare, această tobă compactă și sampler este una dintre alegerile mele preferate. Are capabilități de secvențiere extrem de puternice și tone de instrumente de proiectare a sunetului la bord.
• Akai MPC Live II: Pentru un flux de lucru MPC legendar și flexibilitate autonomă, datorită difuzoarelor încorporate și bateriei reîncărcabile, MPC Live II este ideal pentru producția în mișcare.
• Korg Volca Sample: Acest secvențiator de mostre compact și accesibil este perfect pentru începători, deoarece oferă o mulțime de putere de performanță hepatică și are o mulțime de caracteristici și opțiuni de conectivitate pentru crearea de groove-uri în timp real.
• Dave Smith Instruments Tempest: Deși a avut parte de controverse de-a lungul anilor, această mașină de tobe în colaborare de la Dave Smith și Roger Linn este una dintre opțiunile mele preferate pentru a obține acel sunet puternic de mașină de tobe analogică.

Hardware-ul revine în forță, motiv pentru care oricine învață producția de muzică electronică ar trebui să exploreze și această parte a magaziei de instrumente. Chiar dacă nu aveți un buget masiv, există încă o mulțime de opțiuni!

Interfață audio

Cu siguranță puteți învăța producția de muzică electronică doar cu laptopul, dar dacă doriți să treceți la lucruri serioase cu configurația dvs. de producție de muzică electronică și să construiți o punte între instrumente, microfoane și computer, veți avea nevoie de o interfață audio.

Pe scurt, o interfață audio convertește semnalele analogice în date audio digitale pe care DAW-ul le poate procesa și viceversa. Dincolo de conversie, o interfață audio poate, de asemenea, să îmbunătățească semnificativ calitatea sunetului înregistrărilor dvs. în comparație cu intrările și ieșirile audio încorporate ale majorității computerelor, precum și să ofere caracteristici esențiale precum preamplificatoare de microfon, monitorizare directă pentru înregistrări fără latență și intrări și ieșiri multiple pentru conectarea diferitelor surse audio și echipamente exterioare.

Interfețele audio vin în toate formele și dimensiunile, deși dacă nu sunteți sigur de unde să începeți, iată câteva opțiuni pentru diferite bugete:

• Buget-Friendly :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3rd Gen): Una dintre recomandările de top pentru începători care doresc o interfață cu preamplificatoare de înaltă calitate și o construcție durabilă.
  • Behringer U-PHORIA UM2: O opțiune extrem de accesibilă care oferă toate elementele de bază necesare pentru a începe să înregistrați acasă.
• Gamă medie :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Calitate audio impecabilă și procesare UAD în timp real, perfect dacă doriți să vă îmbunătățiți jocul de producție.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Oferă un echilibru bun între caracteristici și preț, cu intrări/ieșiri multiple și latență scăzută.
• High-End :
  • RME Fireface UCX: Cunoscut pentru fiabilitatea sa, calitatea audio excepțională și latența scăzută, potrivit pentru studiourile mici și profesionale.
  • Apollo x4 de la Universal Audio: Cu patru preamplificatoare Unison, procesare UAD-2 Quad Core și conversie superioară, obțineți cele mai bune caracteristici hardware UAD.

Interfața audio potrivită pentru dvs. va depinde de nevoile dvs. specifice.

Dacă înregistrați mai multe microfoane deodată, de exemplu, este necesar să aveți numeroase intrări și ieșiri. Totuși, dacă vă deplasați mult, portabilitatea ar putea fi cel mai mare argument de vânzare. Indiferent de situație, investiția într-o interfață audio este o necesitate dacă doriți să creșteți calitatea muzicii dumneavoastră.

Căști sau monitoare de studio

Pe măsură ce începeți să vă creați propria muzică, veți avea nevoie de ceva pe care să o ascultați.

Unul dintre primele lucruri pe care va trebui să le decideți este dacă să investiți în căști sau în monitoare de studio. Fiecare servește unui scop unic în procesul de producție muzicală și, în realitate, a le avea pe amândouă este cea mai bună opțiune.

Monitoarele de studio oferă o reprezentare mai precisă a sunetului dintr-o cameră, permițându-vă să înțelegeți cum se va traduce muzica dvs. în medii reale. Acestea oferă, de asemenea, o perspectivă spațială și dimensională asupra mixajului dvs., ajutându-vă să luați decizii în cunoștință de cauză cu privire la panoramare, adâncime și imagine stereo.

Căștile, pe de altă parte, oferă detalii și izolare. Acestea sunt excelente pentru identificarea nuanțelor subtile dintr-un mixaj care ar putea fi trecute cu vederea în difuzoare, cum ar fi zgomotul de nivel scăzut sau clicurile și pocniturile. Căștile sunt, de asemenea, esențiale pentru sesiunile nocturne sau dacă lucrați în spații netratate în care nu puteți monitoriza cu precizie prin difuzoare.

Având ambele instrumente la dispoziție este extrem de benefic, deoarece vă poate ajuta să vedeți cum sună mixul dvs. în diferite medii de ascultare, astfel încât să știți că muzica dvs. sună bine pe o gamă largă de sisteme de redare.

Iată câteva dintre recomandările mele pentru fiecare:

Recomandări pentru căști:

• Buget: Audio-Technica ATH-M40x - Calitate excelentă a sunetului și durabilitate la un preț accesibil.
• Mid-Range: Beyerdynamic DT 770 PRO - Cunoscute pentru sunetul lor detaliat, echilibrat și confort. Îmi place să le folosesc pentru sesiuni lungi de mixare.
• High-End: Sennheiser HD 650 - Căști de studio open-back de top pentru o fidelitate excepțională a sunetului natural și un răspuns precis al basului.

Recomandări privind monitoarele de studio:

• Buget: Presonus Eris E3.5 - Super compact și accesibil, dar oferă un profil de sunet clar și precis pentru studiourile mici de acasă.
• Mid-Range: Yamaha HS5 - Perfect pentru un răspuns plat și o reproducere excelentă a sunetului, în special atunci când mixați în camere netratate.
• High-End: Adam Audio A7X - Ideală pentru producătorii și inginerii muzicali profesioniști care doresc un răspuns precis al basului și frecvențe superioare detaliate.

Când am început să produc muzică electronică, am lucrat pe căști timp de aproximativ un an înainte de a-mi moderniza studioul, așa că, dacă monitoarele de studio nu fac parte din bugetul dvs. de producție audio în acest moment, nu m-aș îngrijora prea mult. Doar asigurați-vă că faceți pauze frecvente dacă ascultați doar la căști, pentru a menține perspectiva și pentru a nu vă obosi urechile.

Cum să faci muzică electronică

Producția de muzică electronică este vastă. Cu siguranță nu vă pot promite că, citind acest articol, veți stăpâni această artă, deși sper să vă pot oferi o perspectivă asupra experienței mele de a produce muzică electronică în ultimul deceniu și să o puteți folosi ca sursă de inspirație în propria călătorie.

Îmi place să mă gândesc la procesul de creație muzicală în trei etape:

1. Idei: În prima fază, vă schițați ideile inițiale, experimentați cu sunete și modele și adunați idei sau inspirație de la alți artiști care vă plac.
2. Aranjament: Odată ce v-ați notat ideile, le puteți structura într-un flux coerent, creând o piesă care va purta ascultătorul într-o călătorie de la început până la sfârșit.
3. Rafinare: Aceasta este faza de mixare și masterizare, în care vă veți șlefui piesa și vă veți asigura că toate elementele se potrivesc perfect.

Este important să rețineți că fiecare producător parcurge calea sa unică prin aceste etape.

Unii pot începe cu o melodie atrăgătoare și să construiască în jurul ei, în timp ce alții pot folosi câteva mostre și să creeze o secvență interesantă pe un MPC. Alții ar putea adopta abordarea tradițională și să folosească structura standard a aranjamentelor pop pentru a construi un cântec de la zero, începând cu tobele, apoi basul, apoi chitara și așa mai departe.

Frumusețea producției de muzică electronică constă în această diversitate de abordări.

Deși sunt pe cale să vă împărtășesc metoda care funcționează cel mai bine pentru mine, rețineți că nu există un proces universal. Este vorba despre găsirea fluxului de lucru care vă aprinde creativitatea și vă permite ideilor să curgă liber.

Găsește-ți sunetul

Când înveți pentru prima dată cum să faci muzică electronică, cea mai dificilă parte poate fi găsirea sunetului tău.

Există atât de multe subgenuri sub termenul generic de "muzică electronică", iar fiecare are paleta sa unică de sunete, ritmuri și structuri. Iată câteva dintre cele mai populare subgenuri, pentru a numi câteva:

• Casa
• Techno
• Dubstep
• IDM (Intelligent Dance Music)
• EDM (Electronic Dance Music)
• Trance
• Drum and Bass
• Future Bass

Ca producător nou, cred că cheia pentru a-ți descoperi sunetul în mijlocul acestei diversități este explorarea și experimentarea.

Cufundă-te adânc în diferite subgenuri, nu doar ca ascultător, ci și ca student. Creați piese scurte sau beat-uri inspirate din diferite stiluri pentru a vedea ce rezonează cu dvs. și vă face să vă curgă sucul creativ. De asemenea, puteți încerca să colaborați cu alți producători care vă pot oferi noi perspective și vă pot inspira direcții pe care nu le-ați fi luat în considerare pe cont propriu.

Această abordare necesită o ascultare activă. Este unul dintre cele mai puternice instrumente pentru înțelegerea nuanțelor fiecărui subgen. Atunci când ascultați o piesă, încercați să o disecați: identificați elementele de bază care îi definesc sunetul, de la tempo și tipare de tobe până la alegerea sintetizatoarelor și structura aranjamentului. Fiți atenți la modul în care sunt create tensiunea și eliberarea, la modul în care piesa evoluează în timp și la emoțiile sau atmosferele evocate.

Până în ziua de azi, abordarea analitică a ascultării este una dintre modalitățile mele preferate de a afla mai multe despre un cântec.

Noțiuni fundamentale

În inima muzicii electronice se află groove-ul, pe care îl obținem adesea de la tobe și percuție.

BPM (Beats Per Minute) joacă un rol esențial în definirea subgenului și, deși puteți experimenta întotdeauna, majoritatea ascultătorilor au așteptări atunci când ascultă anumite tipuri de muzică electronică.

De exemplu, techno variază de obicei între 120 și 135 BPM, și are un model de tobă cu patru picioare, în timp ce muzica house tradițională este adesea mai plină de suflet și vibrații înălțătoare, plutind între 120 și 130 BPM, cu un model de tobă ușor mai funky și mai groove.

Dubstep, care este cunoscut pentru basul său puternic și groove-urile sincopate, se învârte de obicei în jurul valorii de 140 BPM, ceea ce creează un pic de spațiu pentru acele modele iconice, grele de tobe de jumătate de timp.

Drum and bass duce acest lucru și mai departe, la aproape 160-180 BPM, folosind ritmuri breakbeat accelerate care oferă o energie mai intensă și haotică.

Bineînțeles, avem și muzică electronică ambientală care renunță la ritmul tradițional al tobelor pentru o textură mai fluidă, mai evolutivă. Uneori, nu există niciun fel de tobe. Mai degrabă, se concentrează pe crearea unui peisaj mai atmosferic.

Cunoașterea tempo-urilor tipice și a tiparelor de tobe ale acestor subgenuri vă poate ajuta să vă aliniați piesele la convențiile genului. Desigur, așa cum am spus, nu vă fie teamă să experimentați cu tempo-ul și ritmul pentru a vă găsi un sunet unic!

Pregătirea ritmului tău

Întotdeauna am considerat că a începe cu tobele este o strategie solidă pentru producția de muzică electronică.

Secțiunea ritmică poate pune bazele tempoului și energiei unei piese și poate stabili un ritm în care se pot fixa restul elementelor. Gândiți-vă la aceasta ca la o primă stabilire a coloanei vertebrale a piesei.

Deși melodiile electronice se pot schimba destul de radical de la una la alta, componentele cheie ale celor mai multe ritmuri de tobe includ kick-ul, snare-ul sau clap-ul, hi-hat-urile și percuția suplimentară, care poate adăuga puțină aromă și textură.

Atunci când începeți să vă creați propriile ritmuri de tobe, există mai multe abordări pe care le puteți lua:

• Utilizarea Samplers Drum: Sunt un mare fan al Battery 4 de la Native Instruments, deoarece vă puteți încărca propriile mostre de tobe și puteți crea groove-uri MIDI de la zero.
• Flipping Breaks, Loops și Samples: Posibilitatea de a tăia breakbeaturi și bucle este o abordare de școală veche, dar este încă o componentă cheie a muzicii electronice și a inspirației de idei noi.
• Ascultarea pieselor de referință: Vă recomand să petreceți timp analizând ritmurile de tobe din piesele care vă plac și să încercați să le reproduceți. Fiți atenți la diferitele straturi, la sincronizarea directă sau oscilantă și la modul în care ritmul completează senzația generală a piesei.

Să aruncăm o privire la modul în care ați putea crea un ritm house simplu:

1. Începeți cu un kick drum: Găsiți un kick ideal în stil house și plasați-l pe fiecare bătaie a măsurii (1, 2, 3, 4) pentru a obține acel ritm iconic four-on-the-floor.
2. Adăugați un clap sau un snare: Așezați o clapă sau un snare pe beat-urile 2 și 4 pentru a începe să construiți groove-ul.
3. Introduceți Hi-Hats: Adăugați hi-hats închise între fiecare lovitură de kick și snare pentru un ritm constant, antrenant. Dacă doriți o senzație mai fluidă, puteți folosi optimi.
4. Încorporați percuție: Pentru a condimenta groove-urile, puteți adăuga elemente de percuție, precum shakere sau tamburine.
5. Experimentați cu buclele: Dacă doresc o textură suplimentară în groove-urile mele, voi suprapune adesea o buclă de percuție sau o buclă de top pentru a le completa.

Crearea unui ritm este la fel de mult despre experimentare ca și despre respectarea unei formule, așa că jucați-vă cu toate aceste elemente de mai sus și modificați-le după bunul plac.

Stabilirea unei linii de bas

Punerea în aplicare a unei linii de bas este momentul în care piesa dvs. începe cu adevărat să prindă avânt. Basul ar trebui să completeze ritmul tobelor și să creeze punți între elementele ritmice și armonice ale muzicii tale, despre care vom vorbi mai în detaliu în curând.

Iată o abordare simplificată a creării unei linii de bas interesante:

1. Selectați sunetul: Începeți prin a alege un sunet de bas care se potrivește genului dvs. Basurile sintetice sunt versatile și pot fi modelate extensiv, în timp ce basurile eșantionate pot adăuga o textură reală piesei dvs. A
2. Creați un ritm: Începeți cu un model de bază care urmează ritmul bateriei, apoi experimentați cu sincope sau note suplimentare pentru a crea ritm și interes. Vă recomand să ascultați liniile de bas din alte piese electronice care vă plac și să vedeți ce fel de tehnici folosesc acestea.
3. Variați notele: Nu vă fie teamă să vă abateți de la nota rădăcină. Puteți explora scara pentru diferite opțiuni de note. Nu sunteți sigur cum să implementați scări bazate pe teoria muzicii? Consultați câteva dintre blogurile noastre pe această temă.
4. Așezați un sub-bas: Dacă basul dvs. are nevoie de un pic mai mult "oomph" în partea de jos, puteți adăuga un sub-bas curat, bazat pe unde sinusoidale, sub el. Asigurați-vă doar că este în ton și aliniat ritmic cu basul principal.

Oricare ar fi abordarea ta, trebuie să știi că linia de bas este un element fundamental în orice piesă de muzică electronică, așa că nu te grăbi să o rafinezi și nu te teme să faci schimbări până când găsești ritmul perfect.

Aranjarea acordurilor dvs.

În continuare, veți dori să începeți să dezvoltați o progresie de acorduri pentru piesa dvs. Acordurile tale au rolul de a pune bazele emoționale pe care vei construi melodie și alte texturi. Ele au puterea de a evoca anumite stări de spirit, de a crea tensiune și eliberare și de a ghida ascultătorul printr-o narațiune.

Desigur, modul în care abordăm acordurile se poate schimba semnificativ de la un gen la altul. De exemplu, în muzica electronică ambientală, progresiile de acorduri luxuriante și extinse pot fi bune pentru a crea un sentiment de profunzime, în timp ce în house sau techno, acordurile mai simple, fără prea multă mișcare armonică, ar putea fi o alegere mai bună.

Deși nu trebuie să fiți un expert în teoria muzicii, o cunoaștere solidă a teoriei vă poate ajuta să luați decizii în cunoștință de cauză cu privire la voicings și progresii de acorduri. Frumusețea teoriei muzicale constă în cunoașterea regulilor, astfel încât să le puteți încălca. În plus, vă oferă puterea de a comunica anumite emoții și idei prin muzica dumneavoastră,

Dacă doriți să aflați mai multe despre teoria muzicii, consultați ghidul nostru pentru crearea progresiilor de acorduri.

Scrierea unei melodii

Deci, ce este o melodie?

La modul cel mai simplu, este o secvență de note care servește drept temă principală sau punct central al unei piese muzicale.

Este partea din piesă pe care ascultătorii și-o amintesc cel mai bine, ceea ce înseamnă că o melodie bună trebuie să fie memorabilă. Din punct de vedere al teoriei muzicii, ar trebui să se încadreze și în contextul armonic al piesei.

Unul dintre principalele lucruri de luat în considerare la crearea unei melodii memorabile este puterea repetiției.

Un motiv sau o frază care se repetă este o modalitate excelentă de a vă ancora piesa și de a da ascultătorului un sentiment de coerență, deși trebuie să vă abțineți de la a folosi prea multe repetiții, deoarece melodia poate ajunge să sune monoton.

Aș recomanda să ascultați în mod activ muzică cu melodii puternice pentru a obține puțină inspirație.

Analizați modul în care sunt construite aceste melodii, observați cum interacționează cu acordurile și ritmul și cum folosesc repetiția și variația pentru a crea mișcare și emoție. Puteți să vă inspirați din aceste melodii și fără să le plagiați, așa cum fac artiștii de la începutul timpurilor. Totul se construiește pornind de la ceva anterior.

Legătura dintre toate acestea

Apoi, trebuie să începeți să găsiți modalități de a lega toate elementele piesei.

În timp ce muzica electronică poate varia în ceea ce privește structura, majoritatea pieselor electronice în stil pop vor urma o structură standard care are suișuri și coborâșuri de la început până la sfârșit.

De la intro, puteți trece la vers, unde povestea începe să se desfășoare. Aceasta poate duce la pre-corus sau build-up pentru a crește tensiunea până la refren, hook sau drop, care acționează ca punct culminant al piesei.

De aici, puteți adăuga o secțiune solo pentru a pune în valoare un anumit sintetizator sau o anumită linie vocală, sau o punte pentru un moment de contrast sau de reflecție înainte de refrenul final, drop sau outro.

Mixare și masterizare

În cele din urmă, ajungem la procesul de mixare și masterizare, care sunt etapele critice ale procesului de postproducție. În acest moment, ar trebui să vă concentrați pe transformarea colecției de piese individuale într-o piesă muzicală coerentă și rafinată pentru lansare.

În timpul mixării, scopul este de a echilibra nivelurile, de a plasa diferitele instrumente în câmpul stereo, de a aplica EQ pentru a elimina ciocnirile de frecvențe, de a comprima pentru a uniformiza dinamica și de a utiliza efecte precum reverberația și delay-ul pentru a crea adâncime tridimensională.

Masterizarea este etapa finală, în care piesa mixată este șlefuită și pregătită pentru distribuție. În această etapă, veți ajusta sunetul general, vă veți asigura că melodiile sunt consecvente pe tot parcursul albumului sau al EP-ului, dacă creați un proiect, și veți verifica dacă muzica sună cel mai bine pe o varietate de sisteme de redare.

Ambele procese necesită o ureche detaliată și o înțelegere profundă a modului în care se comportă sunetul și, deși cu siguranță vă puteți dezvolta abilitățile suficient de mult pentru a mixa și masteriza propriile piese, de obicei este benefic să aveți pe altcineva care să îndeplinească aceste sarcini atunci când sunteți la început, deoarece este bine să aveți pe cineva cu un set nou de urechi și echipamente specializate.

Cele mai bune resurse pentru a învăța cum să faci muzică electronică

Dincolo de acest articol, realizarea muzicii electronice este un proces continuu de învățare, cu multe încercări și erori și experimente. Din fericire, există nenumărate resurse disponibile care se adresează producătorilor de toate nivelurile, inclusiv:

Iată o listă cu diferite resurse și motivele pentru care acestea sunt benefice pentru extinderea cunoștințelor și abilităților dumneavoastră:

• Tutoriale și cursuri online: Platforme precum Skillshare, Udemy și Coursera oferă cursuri de muzică electronică predate de profesioniști din domeniu, care pot varia de la nivel începător la nivel avansat.
• Videoclipuri YouTube: Canale precum Point Blank Music School și ADSR Music Production Tutorials oferă nenumărate tutoriale gratuite, sfaturi și tehnici privind diverse aspecte ale procesului de creație muzicală, perfecte pentru cei care învață vizual.
• Forumuri și comunități online: Comunitățile precum Gearslutz, Reddit's r/edmproduction și KVR Audio sunt excelente pentru a intra în contact cu alți producători, a împărtăși muzică, a obține feedback și a discuta tehnici de producție.
• Resurse specifice DAW: Majoritatea DAW-urilor au forumuri oficiale, tutoriale și documentație. Eu sunt un mare fan al site-ului Learning Music de la Ableton, care conține nenumărate sfaturi, trucuri și ghiduri specifice DAW.

Blogul nostru este, de asemenea, plin de resurse utile pentru a crea muzică electronică, fie că înveți teoria muzicii, cum funcționează industria muzicală sau cum să abordezi aranjamentul unui cântec.

Gânduri finale

Să înveți cum să faci muzică electronică nu este ceva ce vei face peste noapte.

În cele din urmă, scopul final este crearea unei piese care să te facă să simți ceva - o piesă de care să fii mândru. Muzica este în continuă evoluție, așa că nu există niciun motiv să te legi de un set de reguli. Cu toate acestea, înțelegerea instrumentelor de mai sus și a modului de utilizare a acestora vă poate ajuta să creați ceva frumos și unic în vasta lume a muzicii electronice.