无论我在制作什么样的混音作品，我通常都会追求几种品质：广度、深度、精确度和冲击力。无论哪种类型，这些目标都是一致的。从最流畅的爵士乐到最震撼的 EDM，我通常会遵循一些原则，比如 "清理低频 "和 "让声音粘合在一起"。

然而，在混合金属音乐，尤其是现代金属音乐时，由于其快速的节奏和密集的编排，演奏方法也随之改变。虽然我仍会使用一些传统技术作为基础，但每一层所需的强度要求我采用更具创新性的手法。

今天，我想向大家介绍一份从头到尾的金属音乐混音深度指南。我可以全心全意地说，在你读完之后，你将不再需要其他指南来获得你所追求的金属混音的清晰度和侵略性。

但首先，我想回答一个重要问题。

混合金属为何如此艰难？

我觉得自己总是能在 YouTube 上看到新的金属混合技巧视频。当然，如果不是人们在混音方面费尽心思，这些视频也不会如此受欢迎。

问题是，为什么混音比普通流行音乐难得多？

密集排列

现代金属音乐通常使用密集、复杂的编曲，包括多条吉他音轨、双低音鼓点以及快节奏、超失真的旋律。这样的密度很难确保每件乐器都能被清晰地听到，而不至于出现一团浆糊。

此外，重失真已成为金属乐的标志。我们用它来获得我们所熟悉和喜爱的粗犷、激进的吉他和贝司音色。然而，失真的一个副作用是会增加谐波含量。如果操作不慎，我们可能会得到浑浊的混音效果，不同层次之间的清晰度也会模糊不清。如何找到这种微妙的平衡，是许多初学工程师都在苦苦思索的问题。

发声位置

金属人声的差异很大。

从像迪奥那样的纯净歌声到咄咄逼人的猪叫声、咆哮声和尖叫声，要在已经很密集的混音中如何安排人声都是一个挑战。你不想人声被一堵吉他墙所掩盖，但也不想人声像在流行混音中那样被乐器压在上面。

疲劳

金属音乐蕴含着无穷的能量。

听久了，同样的爆破节奏和半音阶旋律会令人生畏。与低保真的 R&B 音乐不同，金属音乐的刺耳特性会让人难以长时间聆听。

除了身体方面，金属乐通常还涉及攻击性主题和强烈的情感。有些歌曲需要混音师付出极大的心理努力，才不至于一开始就筋疲力尽。以合理的音量聆听并经常休息是关键所在。

使用样本

许多老派混音工程师可能会告诉你，在金属混音中使用鼓声采样是异端邪说。如果你一开始就录制了正确的录音，并知道如何使用均衡器和压缩，你应该不需要鼓声采样增强，对吗？

但事实往往并非如此，尤其是当你收到的混音文件中的鼓声动态过大，而这些鼓声又是在一个音质很差的房间里录制的。

在许多方面，使用鼓采样就像在流行音乐混音中使用自动调音一样普遍。就像我们的耳朵已经习惯于在我们喜爱的流行歌曲中听到完美的音高一样，它们也已经习惯了现代金属混音中标志性的力量和精确度。

有时，使用鼓声采样是达到目的的最快途径，为什么不加以利用呢？

正确的采样可以增强鼓声的力量和音轨的连贯性，确保每一次敲击都能带来与前一次一样的震撼效果。这一点在金属混音中尤为重要，因为你希望鼓声能穿过密集的吉他和贝斯声墙，但又不失力度。

寻找平衡

现在，我不是要你去抹掉录音师不懈努力的成果。原始录音是音轨独特声音和情感的源泉。如果完全用采样代替，你最终得到的鼓声听起来就和其他人的一样。

在原始鼓声和添加的采样之间找到适当的平衡是关键所在。

我的目标通常是补充和增强自然鼓声，而不是完全取而代之，这样既能保持鼓的独特性，又能受益于采样带来的冲击力和清晰度。

这就是为什么我通常喜欢添加在录音过程中录制的鼓采样，而不是使用第三方采样的原因，因为它们能为你带来更有凝聚力的声音，并与套件的声学特性自然融合。当然，如果你没有录音过程中录制的样本，精心挑选的第三方样本也能与套件的音色完美匹配。只要保持开放的耳朵，并始终坚持保持原始鼓声的完整性即可。

将鼓采样融入金属混音有几种方法。一种方法是采样替换，即使用原始鼓乐表演中的触发器来激活采样。这种方法尤其适用于加强较弱或不连贯的打击效果。另一种方法是样本混合法，将样本与原始鼓声混合在一起，在不完全取代自然鼓声的情况下增加重量和力度。

如何整合样本

幸运的是，这个过程比以往任何时候都要简单。我们可以使用大量插件来添加鼓采样。其中最受欢迎的包括Slate Digital 的 Trigger，它可提供高精度、高灵活性的触发和混合功能，以及Toontrack 的 Superior Drummer，它拥有大量高质量的采样库，你可以完全自定义以适应你的混音。

就像大多数金属混音工程师一样，我在过去几年里非常喜欢Steven Slate Drums。当你想要真实的鼓声，并能轻松融入金属乐制作时，它就是你的最佳选择。它的编辑功能非常棒，我总能轻而易举地将采样完美地融入我的混音中。

既然我们已经探讨了在金属混音时使用鼓采样的微妙艺术，那么让我们来看看金属混音过程中更广阔的前景。

金属混合过程

金属音乐混音有一半的难度在于从源头上获得正确的声音，不过一旦你觉得已经有了正确的声音，你就可以开始着手让这些声音尽可能完美地融合在一起。

1.相位和时间对齐

第一步是确保所有工作都能按时完成。

如果不注意这一步，几乎不可能从金属混合物中获得你想要的力量和清晰度。

脚鼓音源

在处理多个踢鼓音源（如不同的麦克风和添加的采样）时，需要确保它们的相位一致。这包括调整每个踢鼓音源的波形，使它们相互补充而不是相互抵消。

一种简单的方法是放大 DAW 中的波形，然后手动调整音轨的时间，直到波峰和波谷尽可能地一致。这样就能最大限度地发挥组合音效的效果。

我还建议选择一个踢鼓音源来主导低频或副频，以防止它们之间发生频率冲突。将副频的责任分配给一个音源，就能获得更集中、更有冲击力的低频，让鼓组和混音中的其他元素在各自的频率范围内更加舒适。

军鼓音轨、顶置麦克风和室内麦克风

对军鼓音轨、顶置麦克风和室内麦克风也要给予同样的关注。

对于军鼓，应将近距离话筒与使用的任何采样对齐。顶置话筒和室内话筒也应与近置话筒对齐，确保它们相位一致。您可能需要在 DAW 的通道条上拨动相位开关，听哪个位置能提供更饱满的声音。

如果您想加快进程，有大量自动对齐插件可以自动调整时间和相位，如Sound Radix Auto-Align或Waves In-Phase。

低音 DI 和放大器音轨

将低音 DI（直接注入）音轨与麦克风低音放大器（如果有的话）音轨对齐是下一个关键步骤。

由于这些音轨代表的是以不同方式捕捉到的相同演奏，因此将它们对齐能让你获得更紧凑、更连贯的低音音色。只需将 DI 音轨的初始瞬态波形与放大器音轨的初始瞬态波形相匹配，就能强化它们。

确保所有工具都能及时到位

当然，你也要确保所有乐器的演奏都能相互配合，不至于让演奏失去活力。以下是我通常采取的步骤：

• 从节奏部分开始，首先对齐鼓轨。它们将成为混音的主干，因此要确保它们在网格上足够紧凑，以保持一致性，但又不能太紧凑，以至于失去人声的感觉。
• 将低音与踢鼓对齐。这两者之间的相互作用是加强节奏的关键。
• 检查节奏吉他与鼓和贝司音轨的对齐情况，并进行必要的调整以确保紧密性。
• 最后，调整任何附加的乐器或人声，确保它们与已建立的节奏基础相得益彰。

2.分组

接下来，我喜欢将类似乐器（如鼓、吉他或人声）的多个音轨路由到单个总线通道中，从而在总线中对乐器进行分组。

这种方法不仅简化了混音工作流程，让我可以同时处理多个音轨，还有助于获得更有凝聚力的声音。通过对一组乐器整体应用效果器、均衡器和压缩，可以将它们粘合在一起。

此外，在一整面吉他墙上使用一个均衡器，比在设置相同的单个音轨上使用一堆均衡器插件要节省更多的 CPU。

3.体积平衡

音量平衡应该是任何混音的重点。如果这部分做不好，再多的均衡器、压缩器或效果器也无济于事。

在音量平衡阶段，你要确保音轨中的每个元素都能被清晰地听到（或感觉到），并在不影响混音的情况下增强整体效果。在此过程中，我通常会遵守至少保持 6 分贝净空的一般规则，以防止数字削波，并为最终的母带处理留出足够的空间。

平衡鼓

紧凑的鼓声是现代金属音乐的主旋律，要获得这种声音，最好优先使用鼓点麦克风，而不是顶置麦克风或室内麦克风。这种方法可以更精确地控制各个鼓点。

您可以从踢鼓和军鼓开始，然后根据自己的喜好小心地混合通鼓和镲片。平衡鼓声的方式完全取决于歌曲，但我可以给你的一个建议是，要小心处理顶钹。很多业余金属乐混音听起来刺耳、粗糙，就是因为混音工程师把钹敲得太高了。

平衡低音提琴和吉他

下一步是平衡贝斯和吉他与鼓之间的关系。

低音应该与踢踏鼓相辅相成，在填补低频的同时又不踩踏踢踏鼓。我们最终会对它进行均衡和压缩，所以如果一开始听起来不够完美，也不要太苛求自己。

我通常喜欢独奏踢腿，然后调高低音吉他的推子，直到感觉锁定为止。你一听就知道了。

至于吉他，它们往往是金属音乐的主角。要确保它们能清晰地发出声音，同时又不影响鼓和贝司的效果。

平衡人声

说到如何平衡人声的音量，我也没什么好说的，因为这主要取决于表演的风格和类型。许多激进的风格要求人声在混音中占据突出位置，而旋律性或氛围性较强的部分则可能更多地与乐器背景相融合。

我混音过的许多金属乐队都喜欢把人声放在混音的靠后位置。在这方面，我总是想到 Deftones，因为我觉得奇诺一直喜欢让他的人声与乐器融合在一起，而不是突出。

这里的意思是，可懂度并不总是最重要的，尤其是当您想把注意力转移到吉他或鼓上时。

4.平移

现在，请注意我还没有提到平移。

这是因为我喜欢在单声道中获得音量平衡。当然，一旦我开始平移声音，相对音量也会发生变化，但对我来说，先确保单声道下的大致平衡听起来不错，然后再专注于其他方面，这样会更容易些。

良好的平移对营造宽敞的混音效果至关重要。如果没有平移，声音就很容易显得拥挤，尤其是在高密度混音中。

我通常喜欢从一个强大的中心基础开始，将踢脚、军鼓、低音和主唱放在中间，然后有策略地将吉他、键盘和伴唱分散到整个立体声声场中，以形成对比。

双吉他通常会左右用力，不过我有时会在副歌时将它们稍稍向内平移并自动向外拉开，使其更具冲击力。

此外，最好还能考虑一下您希望鼓的坐姿--鼓手的视角还是观众的视角？

应避免的淘金错误

淘洗时要避免一些误区。

首先，将乐器过度平移到极左或极右会导致混音不平衡，尤其是当你将某一元素平移到某一方向时，另一侧没有任何东西来平衡它。

此外，如果忽略了麦克风和 DI 信号源之间的相位关系，当它们被平移分开时，就会产生微弱或空洞的声音，这就是为什么我总是建议定期检查单声道混音，以确保平移的元素不会消失或相位消失。

此外，还要注意不要让立体声场的某些区域过于拥挤。如果吉他旋律和钢琴声部在同一音域内演奏，可以考虑将它们平移开来，以达到平衡，而不是相互重叠。最后，你就不必再做那么多均衡处理，就能获得你想要的清晰度。

5.EQ

均衡器是混音过程中的下一个工具。它让你能够在混音中雕琢和完善每个音轨的音调平衡，使它们都能相互配合得很好。

然而，虽然均衡器为增强混音效果提供了巨大的可能性，但如果你不尊重均衡器，它也很容易毁掉你的混音效果。

许多混音工程师都倾向于先提升频率，然后再尝试削减频率。

当然，在需要的时候，增强是非常好的，因为它可以用来突出乐器的最佳特性，例如踢踏的轰鸣声或吉他独奏的临场感。然而，过度增强会导致混音效果杂乱无章，各种元素争夺空间。到头来，混音效果会变得浑浊，缺乏清晰度。

相反，可以从削减不需要的频率入手来净化声音。令人惊讶的是，这种方法往往能使混音更清晰、更平衡，而无需大幅提高音量。

另一个常见错误是在独奏时花太多时间对音轨进行均衡处理。

虽然这有助于识别有问题的频率，但并不能提供音轨在混音中的位置。乐器和人声单独听起来与与其他元素混合听起来会有很大不同。

至关重要的是，要在完整混音的背景下做出均衡决策，这样每次调整都能对整体音效起到积极作用。

使用过滤器

在混音中处理好低音是金属音乐混音中最难的事情之一。

低频承载着音轨的重量和力量，但如果处理不当，就会导致混音浑浊不清。掩蔽通常是造成低频效果不佳的罪魁祸首，在这种情况下，来自不同乐器的重叠频率会扰乱同一声音空间。

这就是高通滤波器（HPF）发挥作用的地方。

有了高通滤波器，你就可以有选择性地去除乐器上不必要的低频，从而让低音和踢鼓获得所需的冲击力。虽然没有硬性规定，但以下是一些针对不同乐器的高通滤波器建议：

• 踢踏鼓：如果底部的爆破节奏感觉有点松弛，可以从 30 到 40 赫兹左右开始，在不失去基本咚咚声的情况下收紧踢踏。
• 低音吉他：30-50 Hz 左右的 HPF 可以帮助消除隆隆声，同时保持音质，并使其远离踢踏声。
• 小军鼓：从 80-100 Hz 左右的 HPF 开始。这样做的目的是消除所需的基频以下的低频隆隆声。在金属中，小军鼓最重要的部分是裂纹。
• 圆顶鼓：架式圆顶鼓的 HPF 在 80-120 Hz 左右，落地圆顶鼓的 HPF 在 60-100 Hz 左右，这取决于圆顶鼓的尺寸和调音，通常都能奏效。如果在填充音中，通鼓是独立演奏的，你甚至可以自动关闭 HPF，让分音器返回一秒钟。
• 钹和铙钹在 200-300 Hz 附近使用 HPF 可以很好地消除任何杂音或低频噪音。这些元素不需要太多的音体。
• 顶置麦克风：将 HPF 设置为 300 或 400 Hz 并不罕见。顶置麦克风应真正专注于捕捉钹的光泽和鼓的空间图像。我通常会留意铙钹的基频在哪里，以免超过基频而失去其特性。
• 室内麦克风：80-20Hz 左右的 HPF 可以消除不需要的低频隆隆声，并加强套件的整体音效，但这确实取决于您希望房间在混音中起到什么作用。
• 电吉他：低于 60-100 Hz 的滤波器可以消除共振低频隆隆声和驾驶室砰砰声，不过这也会因低音调谐的程度而改变。
• 人声：大多数人声都没有低于 80 Hz 的可用内容，这就是为什么 80-100 Hz 左右的 HPF 可以很好地消除对人声清晰度并不重要的噗噗声和低频隆隆声。对于较高的男声或女声，您甚至可以把它调得更高。

另一方面，低通滤波器（LPF）经常被忽视，尽管它们同样重要。我通常会在电吉他和贝司吉他上使用低通滤波器，以消除高端的杂音。例如，金属吉他通常会使用 "切断外壳 "均衡器，在低音和高音部分进行滚降，将其置于中心位置，使其远离本应存在于这些区域的元素。

一般说来

处理 EQ 的方法层出不穷，在深入探讨具体乐器之前，我想先介绍一些可能对您有帮助的技巧。

首先，要避免在多种乐器上增强或削减相同的频率。这样做会导致混音中特定区域的频率堆积或过度减弱，从而使乐器之间缺乏清晰度和分离度。例如，如果同时增强节奏吉他和低音吉他的中低频，可能会导致混音效果浑浊，两种乐器都不突出。

另一个有效的策略是衰减掩盖其他乐器的频率，而不是提高被掩盖乐器的频率。这样，混音效果会更自然、更有活力。例如，如果节奏吉他掩盖了小军鼓的声音，与其增强小军鼓的中高频（这会让它听起来刺耳或不自然），不如尝试稍微削减吉他的这些频率。这种微妙的调整可以在不改变小军鼓固有音色的情况下，展现出小军鼓的存在感和冲击力。

最后，尝试使用镜像均衡器。我的意思是在不同的乐器上进行互补的均衡调整，使它们像拼图一样组合在一起。例如，如果你在低音吉他上削减了一些中低频以消除浑浊，那么你可能会在踢鼓上略微增强同样的频率，以保持该频率范围的饱满度。

不同乐器的均衡

就像我之前暗示过的，均衡器没有放之四海而皆准的方法，因为每种混音都包含不同的元素，听起来也完全不同。并非所有失真的吉他声音都一样，就像并非所有低音提琴的低频或中频都一样。

在我介绍这些一般提示时，我希望你们牢记这一点。

踢鼓

值得注意的是，大多数踢踏舞的基音都在 60-80 Hz 之间。

如果您需要额外的功率和重量，可以在此处增强。但要注意，在这一区域大幅提升可能会使声音听起来闷闷的，尤其是在快速双踢的情况下。

有时，我喜欢在 3-5 kHz 之间稍作提升，以增强打击乐器的攻击力，使其发出 "咔嗒 "的声音，这可以帮助它在严重失真的吉他声中清晰地表现出来。如果您在混音时感觉踢踏声过于嘈杂，缺乏清晰度，那么削减 250-400 Hz 附近的一些频率可以使其干净利落，并使其摆脱中低音吉他音色的干扰。

小军鼓

在金属音乐中，你通常需要短小精悍的军鼓。如果混音效果不佳，可以增强 2-4 kHz 左右的中高音，以突出小军鼓的爆破声。另一方面，200 Hz 附近的轻微提升可以增加鼓身和重量感，以防听起来有点单薄。

如果您的小军鼓听起来有点刺耳，我建议您在 1 kHz 左右的频率上做一些小的调整。

钹和镲

对于钹和镲来说，金属混音的目标是要有一种清脆、空灵的感觉，既能补充整体的能量，又不会显得刺耳或压抑。

在高通滤波器之后，如果声音听起来沉闷或在混音中消失，可以尝试在 6-10 千赫处稍稍增强，以突出自然的咝声。如果它们听起来单薄或刺耳，您可以对 2-4 kHz 附近的刺耳共振进行衰减。此外，这还能让你的铙钹和钹帽不影响人声！

汤姆

在金属乐中，圆号通常用于戏剧性的填充和过渡。我通常对它们有两个要求：低频的冲击力和攻击的清晰度。

80-100 Hz 附近的增强（尤其是底噪）可以丰富基本音色，而 400-600 Hz 附近的轻微减弱则有助于减少箱音。在 3-5 kHz 左右增强通鼓的攻击力，可以帮助它们穿透混音。

低音吉他

贝司在金属乐中的作用是与踢鼓锁定并提供坚实的基础。

我通常喜欢在 80-100 Hz 附近略微增强低音，以强化低音的基本音色，尤其是在感觉缺乏底音的情况下。通常，我还会在 200-250 Hz 附近减弱一些浑浊度，因为这里的频率会积累得很快。

如果在吉他声中听不太清楚贝司的声音，那么在 700 Hz 至 1 kHz 的频率范围内稍作提升，再加上一些高端失真，就能帮助贝司的手指声或弹拨声更加清晰。

电吉他

我对金属吉他的均衡方式可能会有所不同。独奏主音不同于失真节奏吉他，而失真节奏吉他又不同于闪亮干净的氛围部分。

为了简洁起见，让我们来谈谈直接的、厚重的、高增益的金属吉他，就像你期望在 "杀手"（Slayer）乐队的唱片中听到的那样。

如果我觉得我的金属吉他听起来很浑浊，我会在 300-400 Hz 附近减弱，如果我觉得它们需要更清晰一些，800 Hz 可以让它们更突出。如果我处理的主吉他需要额外的咬合力来穿透混音中的所有乐器，我会在 3 kHz 附近进行轻微增强。

声乐

金属音乐中的人声也千差万别，既有低沉的咆哮，也有高亢的旋律。

每种声音都需要量身定做的方法，才能在混音中恰到好处。不过，与流行音乐混音相比，在流行音乐混音中，我可能会使用 10kHz 以上的高端提升来为人声增添闪亮的光泽，而在金属或摇滚乐混音中，我则更注重中高音。

在 2-5 kHz 附近增强音量能让人声更有存在感和能量。不过，如果该区域的提升听起来过于刺耳，您可以尝试在 200-300Hz 附近进行衰减，并提升人声的整体音量。

6.压缩

压缩可能是许多新工程师争论的焦点，因为它很难被听到。

幸运的是，与爵士乐或 R&B 混音相比，在金属乐中可以更积极地使用压缩技术，而不需要那么多技巧。

保持一致的最重要因素是您的鼓声。

鼓压缩

对于踢鼓来说，中等至较高的比例（约 4:1 至 8:1）和缓慢的攻击可以帮助强调最初的瞬态，使其具有冲击力和存在感，同时压缩鼓身。小军鼓通常也需要类似的方法，同时还要考虑到释放时间，以增强鼓的自然衰减。

圆号可以用稍低的压缩比（3:1）和中等的攻击时间来压缩，以保持其动态填充而不降低其性能。顶置通常需要较少的压缩（如果有的话），因为我更喜欢用它们将套件粘合在一起。另一方面，你也可以随意将室内话筒砸得粉碎，因为这是让套件充满活力的好方法！

当然，您也可以在此时使用并行压缩，但我们稍后会详细讨论这个问题

低音压缩

通过压缩低音吉他，可以加强金属混音的低频效果。

我喜欢将两个压缩器串联使用，这样既能实现微妙的动态控制，又能保留贝斯的自然音色。第一个压缩器可以设置为较高的比率（约 8:1）和较快的攻击速度，以捕捉峰值，而第二个压缩器则可以设置为较低的比率和较慢的攻击速度，以均匀整个演奏。

声乐压缩

人声的动态范围相当宽广，尤其是当演唱者在音域内上下移动时。

在大多数情况下，金属人声可受益于更高的压缩比（6:1 或更高），以获得更稳定的声音。快速攻击可确保具有攻击性的部分立即得到控制，而中等释放时间则有助于压缩器与表演一起呼吸。

7.混响和延时

在金属音乐中使用混响时，我喜欢克制。

金属乐的编曲密集、节奏明快，几乎没有空间容纳过多混响带来的浑浊感，因此我建议少用混响，以增强而非压抑乐器和人声的自然力量。

带有预延时设置的短板非常适合军鼓和圆号鼓，因为它们能提供足够的空间增强效果，让鼓声更加响亮，而不会模糊打击效果。在混响效果开始之前，预延时可以让最初的鼓声干净利落地穿过混音，增加深度和维度感，同时又不影响打击乐的冲击力。

如果歌曲需要任何混响效果，板式混响也非常适合人声（有时，巴掌延时或乒乓延时可以提供空间感，而没有混响的密度）。无论你选择什么，最好在返回音轨上使用均衡器来调整音调平衡，去除不必要的低音和高音。

至于大多数其他乐器，您可以将混响使用得很轻。但也有一些例外，比如在主奏吉他独奏时少量使用较大的大厅混响，或在节奏吉他上使用较紧凑的室内混响，以增加凝聚力。

其他金属混合技巧

分割你的低音提琴

对我来说，要在金属音乐中获得合适的低音，就要使用均衡器将其分成独立的高频和低频通道。这对独立处理每个频率范围非常有利。

通过隔离低音，你可以保留低音干净、基础的隆隆声和温暖感，使其稳固地支撑混音，而不会浑浊。另一方面，在高频通道上，你可以加入一些饱和度和失真效果，以彰显低音的粗犷和特性，让它在最密集的编曲中也能穿透而过。

至于高通和低通的位置，我通常喜欢低音的 LPF 截止频率在 150 到 250 Hz 左右，饱和低音的 HPF 截止频率在 200 到 300 Hz 左右。

控制电吉他的中低音

利用多频段压缩器来压缩电吉他的中低音，尤其是在手掌哑音部分，是金属混音中的一项神圣技术。

手掌哑音是重型音乐中的主要乐器。然而，如果不经过精心处理，有时会听起来浑浊或缺乏清晰度。通过使用多频段压缩器（如 FabFilter MB）专门针对中低频进行压缩，您可以控制并收紧吉他，使吉他在演奏掌心喑哑部分时不会出现突兀的频率范围。

这里的关键在于分离出手掌哑音共振最强烈的频率范围--通常在 200 至 500 Hz 之间，并有选择性地对这一频段进行压缩。最终得到的金属吉他音色清晰可控。

在声乐中使用并行处理

最后，我想谈谈在人声上使用并行压缩和失真，以帮助增强人声的侵略性。

平行压缩，又称纽约压缩，是指将人声音轨的重压缩版本与原始的非压缩音轨混合在一起。这种方法能让人声保持自然的动态和细微差别，而压缩信号则能在整个混音中带来一致、有力的声音。

其结果是，声音既能穿过密集的乐器，又不失表现力。

并联添加失真也有类似的好处。

您可以获得高亢人声音轨的所有侵略性优势和能量，而不会丢失自然人声的可懂度或质量。

最后的思考--像专业人士一样混合金属材料

为金属音乐混音是一件非常有趣的事情，有很多超棒的技巧、窍门和技术可以用来创造性地使用混音中的所有元素。即使你对重型或激进音乐不感兴趣，也能从金属混音中学到很多东西。此外，你在混音金属音乐时学到的许多技巧也适用于其他类型的音乐，从嘻哈音乐到雷鬼音乐等等。

保持沉重