Композирането често е свързано с разширяване на границите. Но когато границите са изцяло извън прозореца, в какво се превръща композирането? С други думи: могат ли произведенията на композиторите някога да престанат да се считат за... музика?

Защото Оксфордският речник определя операта като " форма на музикална драма, в която чисто мелодичните ритмични сили се преплитат с елементи на разказа". Това изглежда не се отнася за "Pierrot Lunaire" на Шьонберг например. Добре; можем ли тогава да продължим да я наричаме "мелодрама"? :)

Предговор

Композирането е дълбоко личен и творчески процес за всеки артист. Всеки артист има свой уникален стил, който отразява неговата индивидуалност и артистична визия.

Когато започва творческия процес, художникът внимателно обмисля как да съчетае различните елементи, за да създаде единно цяло. Чрез стила си на композиране художникът предава на публиката своята естетика и гледни точки.

Стилът на композиране на даден художник може да еволюира с времето, отразявайки личното му израстване и променящите се влияния. Или по-скоро синтезът на стила и композицията е това, което създава произведения на изкуството. А всяко произведение носи частица от душата на художника и уникално послание, което светът може да интерпретира.

Добрите музикални композитори винаги са имали уникалната способност да превръщат своите мисли и преживявания в музикални шедьоври. Днес съвременните композитори продължават да разширяват границите на музикалното изразяване.

В известен смисъл западната музика се определя от тонален център. В атоналността композиторите се освобождават от ограниченията на работата в рамките на определена тоналност и свързаните с нея очаквания.

Те могат да използват еднакво всички дванадесет ноти на хроматичната скала, без да се съобразяват с йерархията на традиционната тонална хармония.

Липсата на определена тоналност в атоналността проправя пътя към уникални и новаторски композиции.

Класическа музика

Класическата западна музика има определена тоналност (или тонални центрове, ако/когато се появяват модулации).

Силен тонален център може да се открие в почти всяка класическа композиция. Например в свръхпопулярната Симфония № 9 на Бетовен тоналността ре минор изпълнява ролята на "котва".

Този пример илюстрира как композиторите използват концепцията за тонален център, за да създадат музикално единство и усещане за развръзка. Това не означава, че хроматичната скала не е основен елемент в класическата музика. Всъщност е точно обратното!

В класическата композиция използването на хроматичната скала въвежда богата и изразителна палитра от музикални цветове. Тя задълбочава кръга от възможности, като дава възможност за сложни хармонии и заредени пасажи в класическите произведения.

Функционалните акорди

Както беше отбелязано в статията ни за диатоничната скала, представата за това какво представлява акорд се е развивала през вековете. Тоналната музика го определя по-строго и структурно.

Концепцията за функционалност на акордите е тясно свързана с техните взаимоотношения, определени чрез прогресии и хармонични каденци.

Въпреки това един акорд може да бъде функционален и да осигурява структура, която е в основата на мелодията. Така че всичко зависи от уменията и намеренията на композитора.

Опитните автори могат да създават най-различни настроения чрез един акорд, като приемат различни музикални контексти. Да се научите да изразявате себе си чрез акорда е наистина важна стъпка към музикалното изкуство!

Отвъд класицизма

В началото на ХХ век Александър Скрябин и Игор Стравински започват да описват музика с отклонение от традиционната диатонична скала.

Техните експресионистични творби прегръщат експресивния хроматизъм, използвайки хармонии, гами и акорди, които почти напълно изоставят конвенционалната тоналност.

Когато чуете техните композиции, можете да оцените колко майсторски са били те. Техният заряд от акорди и мелодии предизвиква очакванията на слушателите.

Началото

С по-нататъшното развитие на нещата новаторските идеи поставиха под въпрос последните останали ограничения на функционалната хармония.

Това отклонение от традиционния подход е довело до това, че последователните акорди са дисонантни и несвързани, както се наблюдава от гледна точка на конвенционалната акордова структура.

Арнолд Шьонберг въвежда атоналността и много други експериментални техники, като разширява границите още повече. По онова време "стилът на Шьонберг" е толкова авангарден, че някои дори не го смятат за музика, което прави усилията му пример за архетипна промяна на парадигмата.

Неговата свободна атоналност настояваше традиционните хармонични понятия да бъдат напълно изоставени, без да е строга по отношение на това какво точно ги представлява. Това повдига въпроса: дали атоналният композитор се фокусира само върху нарушаването на всички традиционни правила?

Естетика на атоналността

Противно на общоприетото схващане, атоналността не е "антитоналност". Това е набор от независими принципи. Макар че хармоничните каденци са "забранени", атоналните композитори не основават естетиката си на това колко нетонално е дадено музикално произведение.

Липсата на традиционен тонален център е наистина характерна черта на атоналното произведение. И да: в атоналната творба композиторът съзнателно избягва да установи основна тоналност, което води до динамично проявление на различни акордови структури.

Тези принципи дават началото на това, което по-късно е известно като Втората виенска школа. Арнолд Шьонберг пише "Pierrot Lunaire", за да демонстрира естетическите си виждания по-рано, а неговите ученици Албан Берг и Антон Веберн го следват, като започват да пишат пиеси за пиано и дори сюити.

Особено клавирните им пиеси показаха, че музикалната насоченост е напълно различна. Дясната ръка не "летеше", докато свиреше мелодията или преминаващите ноти на мажорните каденци. По-скоро пиесите бяха по-скоро за височинните класове и структурата, тъй като изпращаха мажорните клавиши в пенсия.

Да, в атоналната музика виртуозността (или по-скоро сръчността) става по-малко важна. Веберн и Берг продължават да надграждат това, което им е предоставил техният учител, което води до по-нататъшно стилово развитие.

Apex Years

Серийната музика се появява като значително отклонение от свободната атонална музика като такава. Тя се основава на дванадесеттонова техника или тонална редица, която определя мелодичната последователност и последователните акорди в цялата композиция.

Съответната композиционна техника, наречена тогава "сериализъм", придобива известност чрез творчеството на Втората виенска школа. Подтикът на композиторите води до създаването на революционни атонални произведения.

Любимите ученици на Шьонберг (гореспоменатите Албан Берг и Антон Веберн) са в челните редици на движението за сериализъм.

Те започват да използват строги математически структури, за да организират композициите си. Атоналните им произведения често използват гореспоменатите дванадесеттонови редици, за да постигнат целта си.

Тази система е изисквала да се използват всички 12 тона от хроматичната скала, но не от една октава и без никакво сходство с тонална мелодия (както е традиционно дефинирана). За да се увеличи предизвикателството, "редът" трябва да бъде разработен без повторения на тонове.

Вследствие на това атоналната музика става много трудна и за изпълнителите, особено атоналните произведения с вокална партия. Поради отсъствието на функционален хармоничен ориентир на по-малко опитните вокалисти често се налага да правят специални упражнения и дори да учат партията си наизуст.

Влиянието на сериализма оказва трайно въздействие върху съвременната класическа музика. Атоналните произведения проправят пътя за по-нататъшни експерименти в композицията.

Невиенчаните

Би било грешка да се стигне до заключението, че атоналната музика е свързана с Виена - или само със Запада като цяло, в този смисъл.

Сергей Прокофиев изследва тези концепции самостоятелно, създавайки произведения, които са особено предизвикателство за традиционната структура на операта. Той продължава да гради върху основите, поставени от Скрябин и Стравински.

В неговите композиции, подобно на операта " Воцек" на Албан Берг , се наблюдава разпадане на основния структурен елемент, тъй като мелодиите и ритмите придобиват по-голяма независимост и сложност.

По ирония на съдбата свободната атоналност може да се смята едновременно за начало и край, просто защото атоналността е била по-малко строга преди и след сериалите.

Може да се възрази, но някои аспекти или откъси от музиката на Прокофиев, Шостакович или дори Рахманинов са в известен смисъл "свободно атонални".

Джаз

Поне от Чарли Паркър насам и определено след него буквално всеки джаз музикант е бил обсебен от това как да разшири тоналните центрове; как да "предефинира клавишите", ако щете. Така се раждат куул джазът и по-специално модалният джаз.

Малко по-късно Хърби Хенкок изследва сливането на съвременната класическа музика и джаз жанровете - неизбежно следствие от неговия новаторски дух. Той третира ритъма като неразделен партньор на мелодията, създавайки новаторски композиции.

Тези експерименти с мелодично-ритмични напрежения стават един от основните фактори за развитието на новата музика през XX век.

Последици

Атоналната музика не слага край на тоналната музика или на функционалната хармония. По-скоро тя предефинира понятията, акордите и това, което определя тоналния център, какво представлява акордът и т.н.

Тоналната музика днес

Съвременната функционална хармония звучи... ами... обогатено (меко казано). Естетиката позволява както височинните класове на атоналната музика, така и тонален център.

Днешната тонална музика може да включва - и включва - и атонална музика. Или може би "подобия" на атонална музика, или може би проблясъци и влияния на атоналната музика. И това е съвсем естествено, защото музиката си е музика, а ключът е в идеите на композиторите.

Атонална музика днес?

По същия начин: атоналната музика си е атонална музика. И съвременната атонална музика съществува, макар че няма да я намерите наречена така (като "съвременна атонална музика" ).

Арнолд Шьонберг и всички предишни училища са много по-различни от днешните. "Pierrot Lunaire" не може да се сравнява с днешната атонална музика. Но от друга страна: тя не е сравнима и с "Транодия за жертвите на Хирошима" на Пендерецки, а това се случва само десетилетие след смъртта на Шьонберг...

Важното е, че атоналната музика на Шьонберг внася нови идеи в света на музиката. Ключови идеи, особено полезни в музиката за филми или в театралната сфера. И да: днес всички са съгласни, че произведенията на Шьонберг са били - и винаги ще бъдат - музика!