Повторението в музиката е в основата на музикалното производство и често е движещата сила на запомнящите се песни, които остават в главите ни за неопределено време. Това е завладяващ феномен, който свързва всички хора: атавистично влечение към мелодични и ритмични структури, които по някакъв начин свързват всички нас от зората на времето.

Това е възможно благодарение на моделите. Независимо дали са мелодични или ритмични, музикалните модели са звукови последователности, които могат да създадат хипнотизиращ ефект у слушателя, потапяйки го в звуков пейзаж, определен от повторението и еволюцията.

Но какво точно представляват музикалните модели, ритми и ритми? Макар че всички тези понятия може би приемате за даденост (всички потропваме с крака, когато чуем хубав ритъм или си напяваме любима мелодия), зад неустоимото желание да танцуваме на песен има ясна структура и точно това ще обсъдим днес.

Тази статия има за цел да обясни истинската същност на музикалните модели и как можете да ги използвате, за да подобрите музикалната си продукция. Независимо дали току-що сте започнали пътуването си в музикалната композиция или просто искате да разберете по-добре музикалната теория, тук ще разгледаме всичко.

Определения за ритмични и мелодични модели

Вероятно сте чували дефинициите по-долу многократно в училищната си кариера, но си струва да опресните тези идеи, преди да навлезете по-дълбоко в това как можем да използваме моделите, за да променим процеса на създаване на музика.

Ритъмни модели

Накратко, ритъмът е повтаряща се последователност от звуци или движения, като между звуците, които образуват ритъма, има тишина. Тишината е също толкова важна, колкото и звуците, които правят ритъма, тъй като те придават усещане за движение на звуковата последователност.

Ритъмните модели могат да се развиват, да се редуват, да спират и да се стартират отново; резултатът е сложно движение на ритъма, което придвижва песента напред. Те могат да бъдат прости или сложни, дълги или кратки, но всички те имат една цел: да бъдат основата на песента, която слушателите могат да следват, а музикантите да доразвиват.

Мелодичен модел

Мелодичните модели или тоналните модели са последователности от музикални ноти, подредени в ритми, които са запомнящи се и се повтарят във времето. Те са певческият аспект на песента, "кукичката", която слушателите могат да запомнят. Те са съществена част от популярната музика.

Тези модели могат леко да се променят всеки път, когато се изпълняват, за да привлекат вниманието на слушателя и да разнообразят песента. Те са решаващ аспект за създаването на мотив, кратък ритмичен или мелодичен пасаж, повтарящ се и развиван в цялото произведение, превръщайки се в основа или най-важната част от музикалната композиция.

Какво прави музикалните модели... модели?

И така, как всички тези нотки си взаимодействат и се съчетават помежду си? Как да разбера дали ритъм секцията е съгласувана и жизнерадостна? Подобно на повечето неща в музикалната теория, няма ясни граници за това какво можете и какво не можете да правите с нотите. Когато става въпрос за модели, всичко се състои в това да определим структурата на нашата композиция и след това да я надградим.

Накратко, ритмичните модели се създават чрез комбиниране на ноти с различна продължителност и акценти, които формират уникален ритъм или вибрация. Мелодичните модели, от друга страна, са последователности от ноти, които се повтарят в еднакви или различни височини, създавайки мотиви или теми в композицията.

Моделът е комбинация от няколко фактора, които го правят уникален, като всеки елемент играе роля в определянето му: леки промени в един или друг елемент могат да доведат до цялостно настроение или атмосфера.

В най-широк смисъл моделът изисква следните елементи:

Повторение

Най-основният аспект на модела е повторението. Това може да е поредица от ноти, ритми, акорди или дори прогресия, която се повтаря в цялото произведение. Важното е тя да е разпознаваема и запомняща се за слушателя.

Предсказуемост

Моделите създават усещане за предсказуемост на песента, което е от основно значение, ако искате хората да я харесват. Слушателите обикновено очакват моделът да продължи или да се върне, след като е установен, но можете също така да промените първоначалния модел, за да създадете напрежение, облекчение или изненада.

Последователност

При ритмичния модел последователността може да бъде в продължителността на нотите и почивките; при мелодичния модел тя може да бъде в интервалите между нотите. Ако даден модел е в основата на вашата песен, неговата последователност ще ви помогне да развиете парчето и да го разнообразите, като същевременно запазите солидната му основа.

Признание

Кога една мелодия или ритъм са запомнящи се? Когато тя се откроява достатъчно на фона на останалата част от песента, за да бъде възприета като връхна точка, нещо, около което песента гравитира или на което се основава.

Тези характеристики са от основно значение както за тоналните, така и за ритмичните модели: колкото по-разпознаваем и последователен е един модел, толкова по-поглъщащо става произведението за вашата публика. Разликата между успешния модел и този, който не резонира със слушателите, се крие в способността му да бъде прост, но уникален. В никакъв случай не е лесно да се създаде такъв запомнящ се модел, но в следващия раздел ще научим повече за това как сами да създадете такъв.

Как да използваме модели за създаване на музика

След като вече знаете какво определя модела, е време да си изцапаме ръцете и да разберем как да създадем солиден музикален модел. За да създавате музика с шаблони, ще трябва да използвате ритмични, мелодични и хармонични последователности, за да създадете солидна структура за вашата песен.

Използване на ритмични модели

Ритмичният модел е гръбнакът на едно произведение. Той е душата на груува, така че трябва да осигурява последователен ритъм, който другите музиканти да могат да следват.

Накратко, ритъмът се определя от темпо, такт, метрум, ударение, подразделение, синкопи и почивки:

Темпото е скоростта, с която се движи музиката.

Тактът е основната единица за време.

Метърът обединява ударите в редовни комплекти.

Акцентирането подчертава определени ритми или ноти.

Подразделянето разделя бита на по-малки единици.

Синкопацията премества акцентите, за да създаде изненада.

Почивките подобряват формата и усещането за ритъм.

Ако значението на тези елементи ви е ясно, можете да ги използвате за създаване на различни ритми. Лека вариация на всяка от тези определящи характеристики може да вдъхне живот на напълно различен ритъм, така че вземете ги един по един и вижте как могат да революционизират ритъма ви. Независимо дали сте барабанист, или бийт продуцент, след като се запознаете с факторите, които определят ритъма, ще можете да трансформирате обикновените ритмични модели в уникални груувове и да издигнете майсторството си на следващото ниво.

Използване на мелодични модели

Мелодичните модели са разпознаваеми и запомнящи се последователности от ноти в дадена песен. Тези музикални елементи могат да се повтарят и променят в цялото произведение: можете да промените тоналността, ритъма или дори хармонията, стига основният модел да остане разпознаваем.

Мелодичните шаблони могат да приемат различни форми и да се използват по много начини:

Хармонични прогресии: Последователност от акорди, повтарящи се в даден музикален раздел, като популярната I-IV-V-I в блуса. Хармоничният ритъм може да ви помогне да вдъхнете живот на мощни и лесно разпознаваеми прогресии.

Вариации: Промяна на ритъма, мелодията или хармонията, за да се привлече вниманието на слушателя. Обикновено това е техника, която се използва, след като моделът вече е установен и е разпознаваем от слушателя.

Структура: Например структурата от стихове и припеви в много поп песни се основава на повтарящи се модели както на текста, така и на музиката. Тези модели помагат на слушателите да разберат и запомнят песента.

Импровизация: Моделът може да бъде основа за импровизирана музика, нещо, на което музикантите могат да разчитат и върху което да надграждат.

Композиция: Моделите могат да бъдат инструмент за структуриране на идеи. Новите песни могат да започнат с прост модел и след това да се развият, като се добавят слоеве от други модели върху първоначалния.

Теория на музиката в основата на ритмичните и мелодичните модели

Независимо дали работите върху ритмичен или музикален модел, разбирането на системата за нотен запис е от основно значение и може да ви помогне да разширите значително уменията си. Тя се състои от поредица от символи, които представят различни нотни продължителности и почивки, организирани в рамките на тактовата сигнатура - "структурата", която определя колко такта има в един такт и на коя нотна стойност се пада един такт.

Тази структура позволява на музикантите да разберат времето и темпото на музиката, дори и да не са композирали сами произведението, като им предоставя цялата необходима информация, за да пресъздадат творческата визия на оригиналния композитор.

Метрумът, т.е. начинът на групиране на ударите, може да бъде прост или сложен и може да добави пластове ритмична текстура към произведението. Ударите могат да бъдат разделени и на по-малки части - практика, която може да бъде полезна, особено в жанрове, в които синкопацията или необичайните ритмични модели са често срещани, като т.нар. прогресивни жанрове или дори в класическата музика.

Мелодичните модели, от друга страна, се определят предимно от височините на нотите (определени от позицията им на лада), ключовата сигнатура и използвания клин.

Нотите са подредени в скали, а връзката между тях (интервалите) определя движението на мелодията, независимо дали тя преминава от една съседна нота към друга или прескача няколко. Тази връзка определя тоналността на музиката.

Как да се упражняваме да създаваме мелодични и ритмични модели

Практиката прави нещата перфектни, нали? Затова нека обсъдим как музикантът може да усъвършенства умението си да създава мелодични и ритмични модели.

Създаването на запомнящи се ритмични модели изисква развиване на солидно чувство за време и разбиране на различните нотни стойности и почивки. В това търсене метрономът трябва да се превърне във ваш безценен спътник, а ако свирите на "истински" инструменти, ежедневната ви практика определено трябва да включва упражнения, базирани на метронома.

С течение на времето започнете да експериментирате с различни времеви сигнатури и се научете да усещате характерния ритъм на всяка от тях. Това ще ви даде достъп до по-сложни модели, включително синкопиране, нечетни времеви знаци и кръстосани ритми - все елементи, които могат да направят песните ви уникални и незабравими.

Сега нека се съсредоточим върху мелодичната практика. Започнете с гами и арпежи, които са градивните елементи на всяка мелодия. Упражнявайте се в различни тоналности и се научете да "усещате" инструмента си. Това ще отнеме известно време, но в дългосрочен план е и изключително полезен процес.

Разбирането на начина, по който мелодиите се изграждат върху тях, е първата стъпка към професионалното композиране на музика: интервалите и уникалните свойства, които всеки интервал внася в мелодията, не са нещо, което можете просто да измислите; те се основават на солидна музикална структура, която трябва да научите, за да развиете или разширите звуковата си палитра.

След като разберете тези основни елементи, е време да създадете своя собствена музика.

Сега ритъмът и мелодията трябва да работят в унисон, така че да се допълват взаимно. Можете да експериментирате с прилагането на различни ритмични модели към определена мелодия и да видите как този процес променя характера на вашата песен. Или пък направете обратното: променяйки мелодията, като същевременно запазвате ритъма постоянен, можете да покажете как мелодията влияе на емоционалното излъчване на вашата мелодия.

В този момент импровизацията често се превръща в основен аспект на процеса на създаване на музика. Сега обаче импровизацията ви трябва да се основава на ясните правила на музикалната композиция, които ще използвате, за да създадете свой собствен характерен звук.

Никога не забравяйте да се записвате, докато импровизирате. Нямате представа колко пъти аз и моите колеги от групата сме правили 15-минутен джем сешън, само за да установим, че сме забравили да включим диктофона. Непостоянството е част от всяка форма на изкуство, така че не забравяйте да улавяте творческите си моменти по всякакъв начин.

Прослушването на представянето ви ще ви помогне да оцените последователността на моделите си и ще ви даде представа за областите, които се нуждаят от усъвършенстване. Освен това то насърчава критичното слушане: да слушате себе си, когато импровизирате, може да е трудно, но е от решаващо значение, за да оцените нивото си и колко далеч сте от творческите си цели.

В крайна сметка създаването на модели не е механичен, а по-скоро артистичен процес: най-завладяващите модели не са най-сложните, а тези, които предават емоции и се свързват със слушателите на по-дълбоко ниво. Научете основите, а след това използвайте тези знания, за да реализирате творческата си визия, без да мислите за това колко сте опитни или технически грамотни.

Заключителни мисли

Надявам се, че това ръководство ще ви помогне да преминете на следващо ниво в уменията си за създаване на музика!

Моята последна препоръка е да не се съсредоточавате твърде много върху музикалната теория, а по-скоро да се опитате да овладеете основните елементи на музикалните модели и след това да ги използвате, за да реализирате своята артистична визия. С усъвършенстването на уменията ви ще почувствате нуждата да разберете повече за музикалната теория и за това как да създавате незабравими модели: когато дойде това време, ще можете да определите знанията, от които се нуждаете, за да усъвършенствате занаята си и да опростите процеса на създаване на музика.

Следващият път, когато слушате някоя песен, отделете известно време, за да разберете ритмичните и мелодичните модели, и проверете дали можете да ги пресъздадете, като използвате инструментите и знанията, с които разполагате. По този начин ще разширите звуковата си палитра и ще оцените красотата и сложността на музиката, която обичате.

Забавлявайте се!