At komponere handler ofte om at udvide grænserne. Men når grænserne er helt ude af vinduet, hvad bliver komponering så til? Med andre ord: Kan komponisters værker nogensinde holde op med at blive betragtet som ... musik?

Oxford Dictionary definerer nemlig opera som "en form for musikalsk drama, hvor rent melodiske og rytmiske kræfter flettes sammen med narrative elementer". Det lader ikke til at gælde for Schönbergs "Pierrot Lunaire", for eksempel. OK; kan vi så fortsætte med at kalde det et "melodrama"? :)

Forord

At komponere er en dybt personlig og kreativ proces for enhver kunstner. Hver kunstner har sin egen unikke stil, som afspejler deres individualitet og kunstneriske vision.

Når kunstneren indleder den kreative proces, overvejer han nøje, hvordan han kan blande forskellige elementer for at skabe en sammenhængende helhed. Gennem sin kompositionsstil formidler kunstneren sin æstetik og sine perspektiver til publikum.

En kunstners kompositionsstil kan udvikle sig over tid og afspejle hans eller hendes personlige udvikling og skiftende påvirkninger. Eller rettere sagt: Det er sammensmeltningen af stil og komposition, der frembringer kunstværker. Og hvert værk bærer et stykke af kunstnerens sjæl og et unikt budskab, som verden kan fortolke.

Gode musikkomponister har altid haft en unik evne til at omdanne deres tanker og erfaringer til musikalske mesterværker. I dag fortsætter moderne komponister med at skubbe til grænserne for det musikalske udtryk.

Vestlig musik var på en måde defineret af et tonalt centrum. I atonalitet frigør komponisterne sig fra de begrænsninger, der ligger i at arbejde inden for en bestemt toneart og de forventninger, der følger med.

De kan bruge alle tolv toner i den kromatiske skala på lige fod og se bort fra hierarkierne i den traditionelle tonale harmoni.

Denne mangel på en defineret toneart i atonalitet banede vejen for unikke og innovative kompositioner.

Klassisk musik

Klassisk vestlig musik har en defineret tonalitet (eller tonale centre, hvis/når der forekommer modulationer).

Et stærkt tonalt centrum kan findes i stort set alle klassiske kompositioner. I Beethovens hyperpopulære Symfoni nr. 9 fungerer tonearten d-mol for eksempel som et "anker".

Dette eksempel illustrerer, hvordan komponister bruger begrebet tonalt centrum til at skabe musikalsk sammenhæng og en følelse af forløsning. Dermed ikke sagt, at den kromatiske skala ikke er et grundlæggende element i klassisk musik. Det er faktisk det modsatte!

I klassisk komposition introducerer brugen af den kromatiske skala en rig og udtryksfuld palet af musikalske farver. Den uddyber mulighederne og giver mulighed for indviklede harmonier og ladede passager i klassiske værker.

De funktionelle akkorder

Som nævnt i vores artikel om den diatoniske skala har opfattelsen af, hvad der udgør en akkord, udviklet sig gennem tiderne. Tonal musik definerer det mere strengt og strukturelt.

Begrebet akkordfunktionalitet er tæt forbundet med akkordernes indbyrdes forhold, som de defineres gennem progressioner og harmoniske kadencer.

Men en enkelt akkord kan også være funktionel og give en struktur, der underbygger en melodi. Så det hele afhænger af komponistens evner og intentioner.

Dygtige forfattere kan skabe en bred vifte af stemninger gennem en enkelt akkord, forudsat at de indgår i forskellige musikalske sammenhænge. At lære at udtrykke sig gennem en akkord er i sandhed et afgørende skridt i retning af musikalsk kunstnerskab!

Hinsides klassicismen

I begyndelsen af det 20. århundrede begyndte folk som Alexander Skrjabin og Igor Stravinskij at beskrive musik, der afveg fra den traditionelle diatoniske skala.

Deres ekspressionistiske værker omfavnede ekspressiv kromatik og brugte harmonier, skalaer og akkorder, der stort set opgav konventionel tonalitet.

Når man hører deres kompositioner, kan man se, hvor mesterlige de var. Deres ladede akkordprogressioner og melodier udfordrede lytterens forventninger.

Begyndelsen

Efterhånden som tingene udviklede sig yderligere, udfordrede innovative ideer de sidste tilbageværende begrænsninger af funktionel harmoni.

Denne afvigelse fra den traditionelle tilgang har medført, at på hinanden følgende akkorder er dissonante og usammenhængende, set ud fra en konventionel akkordstruktur.

Arnold Schönberg introducerede atonalitet og mange andre eksperimentelle teknikker og flyttede grænserne endnu længere. "Schönberg-stilen" var så avantgardistisk på det tidspunkt, at nogle ikke engang betragtede den som musik, hvilket gør hans indsats til et eksempel på et arketypisk paradigmeskift.

Hans frie atonalitet insisterede på, at traditionelle harmoniske koncepter skulle opgives helt, uden at være streng med hensyn til, hvad der præcist udgjorde dem. Det rejser spørgsmålet: Fokuserer en atonal komponist på bare at bryde alle de traditionelle regler?

Atonalitetens æstetik

I modsætning til hvad mange tror, handler atonalitet ikke om "antitonalitet". Det er et sæt uafhængige principper. Mens harmoniske kadencer er "forbudte", baserer atonale komponister ikke deres æstetik på , hvor ikke-tonalt et stykke musik er.

Fraværet af et traditionelt tonalt centrum er faktisk et definerende træk ved et atonalt stykke. Og ja: I et atonalt værk undgår komponisten bevidst at etablere en grundtone, hvilket fører til en dynamisk manifestation af forskellige akkordstrukturer.

Disse principper skabte det, der senere blev kendt som den anden wienerskole. Arnold Schönberg skrev Pierrot Lunaire for at demonstrere sine æstetiske pointer tidligere, og hans elever Alban Berg og Anton Webern fulgte efter og begyndte at skrive klaverstykker og endda suiter.

Især deres klaverstykker viste, at det musikalske fokus var helt anderledes. Højre hånd var ikke "flyvende", mens den spillede melodien eller de store kadencers forbigående toner. I stedet handlede stykkerne mere om tonehøjdeklasser og struktur, da de sendte durtoner på pension.

Ja, i atonal musik bliver virtuositet (eller rettere: fingerfærdighed) mindre vigtig. Webern og Berg blev ved med at bygge videre på det, deres lærer havde givet dem, hvilket førte til yderligere stilistiske udviklinger.

Apex-år

Seriel musik opstod som en væsentlig afvigelse fra den frie atonale musik som sådan. Den bygger på en tolvtoneteknik eller tonerække, som bestemmer den melodiske rækkefølge og de efterfølgende akkorder i en komposition.

Den tilsvarende kompositionsteknik, som dengang blev kaldt "serialisme", blev fremtrædende gennem den anden wienerskoles værker. Komponisternes fremstød førte til skabelsen af banebrydende atonale værker.

Schönbergs yndlingselever (de førnævnte Alban Berg og Anton Webern) stod i spidsen for den serielle bevægelse.

De begyndte at bruge strenge matematiske strukturer til at organisere deres kompositioner. Deres atonale værker brugte ofte de førnævnte tolvtonerækker til at nå deres mål.

Dette system krævede, at alle 12 toner fra den kromatiske skala blev brugt, men ikke fra en enkelt oktav og strengt taget uden nogen lighed med en tonal melodi (som traditionelt defineret). For at gøre udfordringen endnu større skal "rækken" udvikles uden tonegentagelser.

Som følge heraf blev atonal musik også meget udfordrende for udøveren, især atonale stykker med en vokaldel. På grund af fraværet af funktionel harmonisk reference måtte mindre erfarne vokalister ofte lave særlige øvelser og endda lære deres stemme udenad.

Serialismens indflydelse har sat sig varige spor i den moderne klassiske musiks verden. De atonale værker banede vejen for yderligere kompositionseksperimenter.

De ikke-vienniske

Det ville være en fejl at konkludere, at atonal musik er relateret til Wien - eller kun til Vesten generelt, for den sags skyld.

Sergei Prokofiev udforskede disse koncepter på egen hånd og skabte værker, der især udfordrede den konventionelle operastruktur. Han byggede videre på det fundament, som Scriabin og Stravinsky havde etableret.

Hans kompositioner oplevede, ligesom Alban Bergs opera Wozzeck, en opløsning af det primære strukturelle element, efterhånden som melodier og rytmer blev mere selvstændige og komplekse.

Ironisk nok kan den frie atonalitet betragtes som både starten og slutningen, simpelthen fordi atonaliteten var mindre streng før og efter serialisterne.

Man kan være uenig, men visse aspekter eller uddrag af Prokofjevs, Sjostakovitjs eller endda Rachmaninovs musik er på en måde "frit atonal".

Jazz

I hvert fald siden Charlie Parker, og helt sikkert efter ham, har alle jazzmusikere været besat af, hvordan man kan udvide de tonale centre; hvordan man kan "omdefinere tonearter", om du vil. Det gav anledning til cool jazz og modal jazz i særdeleshed.

Noget senere udforskede Herbie Hancock fusionen mellem moderne klassisk musik og jazzgenrer - en uundgåelig konsekvens af hans innovative ånd. Han behandlede rytmen som en uadskillelig partner til melodien og skabte banebrydende kompositioner.

Disse eksperimenter med melodisk-rytmiske spændinger blev en af de vigtigste faktorer for udviklingen af ny musik i det 20. århundrede.

Eftervirkninger

Atonal musik gjorde ikke en ende på tonal musik eller funktionel harmoni. Den omdefinerede snarere begreberne, akkorderne og hvad der definerer et tonalt centrum, hvad der udgør en akkord osv.

Tonal musik i dag

Moderne funktionel harmoni lyder ... ja ... beriget (for at sige det mildt). Æstetik giver mulighed for både toneklasserne i atonal musik og et tonalt centrum.

Den tonale musik i dag kan - og gør - også atonal musik. Eller måske "ligheder" med atonal musik, eller måske glimt og påvirkninger fra atonal musik. Og det er kun naturligt, for musik er musik, og nøglen ligger i komponisternes ideer.

Atonal musik i dag?

På samme måde: atonal musik er atonal musik. Og nutidig atonal musik findes, selvom du ikke vil finde den navngivet som sådan (som "nutidig atonal musik" ).

Arnold Schönberg og enhver tidligere skole er meget anderledes end nutidens skoler. "Pierrot Lunaire" kan ikke sammenlignes med nutidens atonale musik. Men så igen: Den kunne heller ikke sammenlignes med Pendereckis "Threnody to the Victims of Hiroshima", og den kom kun et årti efter Schönbergs død...

Det, der betyder noget, er, at Schönbergs atonale musik bragte nye ideer til musikverdenen. Nøgleideer, som især var nyttige i musik til film og teater. Og ja: I dag er alle enige om, at Schönbergs værker var - og altid vil være - musik!