Filmiske akkordprogressioner har en unik smag, der får dem til at skille sig ud i musikkompositionens verden.
I dag ser vi på, hvad der skal til for at bringe de magiske kompositioner til live, lige fra musikteori til de akkordprogressioner, der har gjort nogle film til tidløse klassikere. Når vi er færdige, ved du alt, hvad du behøver for at skrive din egen filmmusik, musik til videospil eller noget andet, du kan komme i tanke om.
Forståelse af akkordprogressioner
Vi kan ikke på realistisk vis tage fat på emnet filmiske akkordprogressioner uden at vide, hvad en akkordprogression er. Det er et komplekst emne, så jeg giver dig bare et kort overblik. De, der allerede er fortrolige med musikteorien bag akkordstrukturer, kan springe dette afsnit over.
For dem, der lige er begyndt, er fokus på diatonalitet og funktionel harmoni en god måde at begynde at forstå teorien bag progressioner i musikken.
Diatoniske akkordprogressioner bruger toner fra en enkelt toneart. Hvis du f.eks. skriver en sang i A-dur, vil alle akkorderne komme fra A-dur-skalaen, som indeholder tonerne A, B, C#, D, E, F# og G#.
Ud fra denne skala kan man lave treklange, dvs. akkorder med tre toner i:
- A-dur (I): A C# E
- H-mol (ii): B D F#
- C#-mol (iii): C# E G#
- D-dur (IV): D F# A
- E-dur (V): E G# B
- Fis-mol (vi): F# A C#
- Gis formindsket (vii°): GIS B D
Hver akkord er normalt repræsenteret med et romertal: Store bogstaver er dur-akkorder, mens små bogstaver er mol-akkorder. Dette giver os progressionen: I - ii - iii - IV - V - vi - vii°.
Tonikaen eller I-akkorden (A-dur i dette tilfælde) er et referencepunkt for alle andre akkorder, mens V-akkorden (E-dur) er det, man kalder den "dominerende funktion", som har et stærkt "ønske" om at gå tilbage til tonikaen.
Når vi studerer, hvordan akkorder forholder sig til hinanden, taler vi om stemmeføring, som beskriver, hvordan de enkelte toner bevæger sig fra en akkord til en anden.
Når vi for eksempel går fra V (E-dur) til I (A-dur), ser vi følgende:
- E (rod) opløses til A (rod).
- G# (terts) opløses til A (grundtone).
- B (kvint) opløses til C# (terts af I).
Denne opløsning gør I - V - I til en fælles progression, der lyder komplet og harmonisk.
Hvis V opløses pænt til I, kan vi lede efter andre akkorder, der har et lignende forhold.
Akkorden ii (h-mol) ligger en kvint fra V. Hvis man tilføjer ii før V, får man progressionen I - ii - V (A - Bm - E), hvor ii er en dominerende akkord, der let fører til den dominerende akkord (V). Denne I - ii - V-progression er en af de hyppigst anvendte i forskellige musikgenrer, herunder jazz, klassisk, pop og country.
Cirkel af femtedele
Hvis du har planer om at blive soundtrack-komponist, er det logiske næste skridt i musikteorien at forstå kvintcirklen.
En "kvint" er den femte tone i en durskala. Ved at spille en tone og derefter en tone, der er syv toner højere, skaber man en kvint. Ved at fortsætte dette mønster skabes en cirkel, som visuelt repræsenterer forholdet mellem tonearter. Jo tættere to tonearter ligger på denne cirkel, jo mere glidende vil overgangen mellem dem lyde; på samme måde kan tonearter, der ligger længere fra hinanden, skabe en mere kontrastfuld effekt.
Hvorfor skal du vide det? Fordi overgangen mellem tonerne er afgørende, når man skal skabe en følelsesmæssig rejse.
Filmkomponister skifter mellem tonearter for at følge ændringer i scenerne, og kvintcirklen viser tydeligt, hvor tæt tonearterne er forbundet med hinanden. For eksempel er det en almindelig overgang at gå fra C-dur til G-dur, fordi de to tonearter deler nogle toner, hvilket får musikken til at flyde naturligt.
Kvintcirklen giver dig også mulighed for at udforske forskellige melodier med selvtillid og bevæge dig mellem tonearter, der er fjerne, men stadig relaterede; at skifte fra C-dur til Fis-dur kan være en ret drastisk ændring, men kontrasterende tonearter kan fungere fint, hvis scenen kræver pludselig bevægelse.
Når det gælder orkestrering, kan komponister også vælge tonearter, der fungerer godt sammen med bestemte instrumenter, blot ved at følge kvintcirklen, samtidig med at den harmoniske progression bevares.
I sidste ende handler soundtrack-komposition om spænding og forløsning, og forståelsen af kvintcirklen giver komponister en struktur til at opbygge spænding effektivt. Enten ved at løse op fra en dominantakkord tilbage til hovedakkorden eller ved at bruge sekundære dominanter og modale udvekslinger, vil du kunne tilføje mere dybde til din musik ved at følge dette system.
De bedste eksempler
Lad os undersøge, hvordan nogle af de mest ikoniske scores bruger disse progressioner:
Interstellar - Hans Zimmer
Et fænomenalt soundtrack af en af de største nulevende filmmusikkomponister. Interstellars hovedtema er i a-mol, men det starter med VI-akkorden, Fmaj7, efterfulgt af v-mol-akkorden, e-mol, som har g i bassen.
Den tredje akkord er a-mol, hvilket giver en tydelig fornemmelse af forløsning. Derefter vender progressionen tilbage til e-mol, igen med g i bassen, men med en d-tone i melodien denne gang. Den lille akkordprogression med de lejlighedsvise akkordomvendinger skaber en atmosfære af ærefrygt og mystik, som passer perfekt til denne tankevækkende, visionære rumopera.
Stranger Things - Kyle Dixon og Michael Stein
Stranger Things' hovedtema er et andet godt eksempel, fordi det indeholder en enkel, men effektiv måde at skabe spænding på.
Temaet bruger kun to akkorder: C-dur 7 og C-dur 7/E. Men skiftet mellem disse akkorder er særligt smidigt, idet kun grundtonerne i hver akkord spilles i forskellige oktaver i bassen.
C-dur 7 og C-dur 7/E har de samme fire toner, men ved at ændre basnoten får hver akkord en anden lyd. Effekten af de skiftende bastoner under en akkord skaber en foruroligende atmosfære, som passer perfekt til historien.
Prinsesse Leias tema (Star Wars) - John Williams
Jeg har altid været mere til Star Trek, men jeg kan ikke benægte, at Star Wars-filmene indeholder nogle af de bedste musikkompositioner, der er lavet til film. Af alle de mesterværker, der er komponeret gennem årtierne, er John Williams' Princess Leia's Theme et højdepunkt inden for musikalsk historiefortælling.
Temaets akkordprogression er skrevet i D-dur og følger et mønster af I-iv-I-iv-II-vi-VI-iv-V-II dom 7. Som sådan skifter musikken mellem dur- og mol-akkorder, og det er det, der giver musikken en aura af længsel.
Det, jeg elsker mest ved Leias tema, er den måde, det skifter fra en D-dur-akkord til en lille iv-akkord (g-mol). Skiftet giver musikken en bittersød, nuanceret og majestætisk tekstur.
Williams bruger g-mol i stedet for en g-dur-akkord for at give soundtracket en mørkere og mere følelsesladet tone. Desuden skifter tonearten et halvt trin ned, efterhånden som temaet skrider frem, hvilket forstærker dybden i stykket. Temaet cykler gennem disse akkorder to gange, før det går tilbage til D-dur.
9 filmiske akkorder, du kan bruge til dine soundtracks
I - V - vi - IV: Bedst til popsoundtracks
Eksempel: C - G - Am - F
I - V - vi - IV er langt den mest populære progression i vestlig musik. Den starter med I-akkorden (tonikaen), bevæger sig til V-akkorden (dominanten), falder til vi-akkorden (den lille sekst) og slutter med IV-akkorden (subdominanten).
Ud over at være perfekt til at skifte tonalcenter, skaber denne progression i sig selv en følelse af opløftelse med et flow af følelser, der gradvist bevæger sig mod håb. Hele stemningen føles komplet og styrkende, og det er derfor, den er blevet brugt utallige gange gennem årtierne.
vi - IV - I - V: Det episke stykke
Eksempel: Am - F - C - G
En anden almindelig sekvens er vi - IV - I - V, som følger et lignende mønster som I - V - vi - IV, men starter med den underordnede akkord, vi-akkorden, før den bygger op til en stærk opløsning.
Det skaber et følelsesmæssigt toneskift, som er ret gribende, især fordi V'et giver en stærk følelsesmæssig forløsning på en karakters rejse.
vi - iii - V - II: Positivitet og håb
Eksempel: Am - Em - G - D
Denne sekvens fungerer godt til følelsesmæssige øjeblikke, hvor balancen mellem tristhed og håb er afgørende.
Akkordprogressionen vi - iii - V - II tager lytterne med på en følelsesmæssig rejse. Den starter med en vi-akkord, der udstråler højtidelighed, og iiiakkorden fortsætter denne følelse, men begynder at antyde en forandring. Når progressionen når frem til V-akkorden, er der en følelse af længsel, som kulminerer i II-akkorden, der tilføjer et overraskende og positivt twist.
vi - IV - V - iii: Sorg med accept
Eksempel: Am - F - G - Em
Denne progression starter igen med vi-akkorden, men den efterfølgende IV-akkord giver en midlertidig følelse af stabilitet. Den næste V-akkord skaber spænding, men progressionen slutter med iiiakkorden, som giver en bittersød følelse.
De to molakkorder får det til at lyde trist, og især iiiakkorden er ansvarlig for den bevægende følelse, der definerer progressionen.
For mig er denne struktur perfekt til øjeblikke med accept og tab. Den efterlader publikum med en følelse af uforløste følelser, hvilket kan fungere godt, når man skildrer en hovedpersons kamp.
I - IV - vi - V: Heltens soundtrack
Eksempel: C - F - Am - G
I - IV - vi - V-progressionen er en anden standard i filmfortællinger, som fungerer godt med heroiske karakterer. Den starter stærkt med I-akkorden, og derefter forstærker IV-akkorden yderligere musikkens kraftfulde følelse.
Dernæst tilføjer vi-akkorden et subtilt element af sårbarhed til denne dur-akkordprogression, og v-akkorden skaber spænding, før den vender tilbage til den grundlæggende i-akkord.
ii - IV - vi - V: Majestætisk progression
Eksempel: Dm - F - Am - G
Denne progression er perfekt til episke scener. Den starter med ii akkorden, som giver den en følelse af bevægelse. IV-akkorden tilføjer stabilitet, mens vi-akkorden giver en vis sårbarhed. Til sidst opløses V-akkorden med styrke.
vi - IV - V - II: Opløftende stemning
Eksempel: Am - F - G - D
Denne progression findes i stort set alle YouTube-videoer med natur- og afslapningsmusik!
Den starter med vi-akkorden, som i sig selv udstråler en eftertænksom og trist stemning. Men IV- og V-akkorderne opbygger en følelse af forventning, som er inspirerende og positiv. Sekvensen slutter med II-akkorden, som tilføjer en følelse af håb til progressionen.
I - IV - ii - V: Et nyt eventyr
Eksempel: C - F - Dm - G
Her er et forløb, der fungerer godt til scener med action og rejser.
I - IV - ii - V-progressionen er ret upbeat og starter med I-akkorden, som giver et stærkt fundament. Den næste IV-akkord udvider musikken, mens II-akkorden tilføjer en vis spænding. Til sidst opløses progressionen i den stærke V-akkord, som giver en følelse af spænding og energi.
I - iii - V - II: Ekspansiv
Eksempel: C - Em - G - D
I - iii - V - II-progressionen starter med den kraftfulde I-akkord og går videre til en mere uventet iiiakkord. V-akkorden opbygger forventning, mens II-akkorden til sidst giver en følelse af uendelige muligheder.
De to dur-akkorder i slutningen af denne progression skaber en positiv stemning, som kan bruges i mange filmiske sammenhænge.
Sidste tips
At skabe en filmisk akkordprogression, der vækker genklang hos folk, kræver et lydligt vokabular, der lyder både dybt og velkendt, så sørg for at skrive musik, som folk kan relatere til, og som vil udvide betydningen af det, der sker på skærmen.
Når det gælder filmsoundtracks, er mulighederne næsten uendelige: Hvis du f.eks. lærer mere om molltoner, kan du tilføje en masse følelsesmæssig dybde til dit score, eller hvis du skifter fra en durtoneart til dens mollversion, kan du skabe en stærk kontrast, som kan øge dramaet.
Det samme gælder for lånte akk order fra den parallelle molskala, som f.eks. at erstatte en vi-akkord i dur med iv-akkorden fra molskalaen. Eller at mestre rodbevægelse for at bevæge sig mellem akkorder, der deler en fælles tone.
Endelig kan tilføjelsen af en formindsket akkord i dine progressioner skabe spænding og føre til en meningsfuld opløsning, især når du bruger den som overgang mellem to akkorder i traditionel harmonik.
Mange soundtracks bruger formindskede akkorder til at overraske i enkle forløb. Dette trick vil sammen med sekundære dominanter og toneartsskift hjælpe dig med at opbygge en lydpalet, der vækker nye følelser til live.
Held og lykke, og vær kreativ!
