Det er ikke en underdrivelse at sige, at synthesizere har formet musikhistorien i de sidste 50 år. Dette musikinstrument fra det 20. århundrede har virkelig styrket generationer af pionerer inden for elektronisk musik, men har også åbnet et univers af lyde for kunstnere på alle niveauer.

Omkring 100 år efter opfindelsen af Theremin og Ondes Martenot er elektroniske instrumenter stadig brød og smør for utallige kunstnere, der arbejder inden for EDM, hiphop, pop, rock, eksperimentel musik og meget mere. I det mellemliggende århundrede er vi gået fra monofoniske til polyfoniske synth-modeller, fra analog til digital og fra modulære synths i rumstørrelse til virtuelle instrumenter: et økosystem af nye lyde i hænderne på visionære kreative!

Synthesizere giver kunstnere mulighed for at eksperimentere med lyde, der ikke ligner nogen andre traditionelle instrumenter, og det er det, der gør dem så populære den dag i dag. Det er afgørende at forstå, hvordan synthesizere fungerer, hvis man vil skabe en unik lydsignatur, så dagens artikel handler om synthesizere: hvad de er, hvordan de har udviklet sig, hvordan de fungerer, og hvordan man skaber unikke lyde ved hjælp af dem.

En definition af synthesizere og syntese

Det burde være indlysende, at synthesizere ikke er akustiske instrumenter.

Traditionelle instrumenter skaber lyd gennem vibrationer, hver med sit eget unikke bølgemønster og klangfarve. Når det drejer sig om synthesizere, er luftbevægelsen erstattet af kunstigt genererede signaler.

I modsætning til akustiske instrumenter bruger synthesizere elektriske signaler til at skabe lyde, og de gør det ved hjælp af forskellige typer digitale lydsynteseprocesser. Denne form for digital behandling giver liv til et kunstigt lydsignal, som kan efterligne akustiske instrumenter eller være et helt unikt instrument.

Digital lydsyntese indebærer, at man genererer lydbølger ved hjælp af elektroniske signaler, som derefter omdannes til hørbare lydbølger gennem instrumenter, hovedtelefoner eller højttalere.

Som du kan forestille dig, indså musikere, der arbejdede med synthesizere, hurtigt, at de havde fleksibilitet til at manipulere og forme lyden på måder, der ikke var mulige med akustiske instrumenter. Denne grad af kontrol over lyden åbnede op for en bred vifte af kreative muligheder for musikere og producere på tværs af genrer, som begyndte at udforske nye lydlandskaber.

En kort historie om synthesizere

Historien om synthesizere er en fejring af ambitiøse komponister og ingeniører, som fra slutningen af det 19. århundrede så potentialet i at udnytte elektricitet til at skabe ny musik. Især Cahills Telharmonium (1897) og Léon Theremins instrument af samme navn (1928) anses for at være tidlige forløbere for nutidens synthesizere.

I 1956 blev RCA Mark II det første programmerbare elektroniske instrument med en musiksequencer, toneoscillatorer og en variabel polyfoni på fire toner til at generere lyd. Men den var også ret stor i forhold til de mere bærbare enheder, vi er vant til i dag (tre tons, to meter høj og seks meter bred).

Den virkelige forandring skete i 1960'erne med Moog-synthesizerne. Moogs design brugte spændingskontrol til at justere parametre som tonehøjde og klangfarve, hvilket gjorde den mere alsidig og lettere at bruge end tidligere modeller. Minimoog, som blev udgivet i 1970, gjorde synthesizere endnu mere populære takket være en overkommelig pris, ekstrem bærbarhed og en unik lyd. Den lille Moog-synthesizer blev en øjeblikkelig klassiker på tværs af genrer, fra funk til prog-rock, krautrock og disco.

Digital teknologi revolutionerede endnu en gang lydsyntesens verden i 1980'erne med introduktionen af DSP, eller digital signalbehandling. Et par eksempler: Yamaha DX7 blev den bedst sælgende synthesizer med over 160.000 solgte eksemplarer, Fairlight CMI var en de facto forløber for digitale lydarbejdsstationer, og Roland Jupiter-8 blev legendarisk takket være sin begrænsede udgivelse (der blev lavet 2000 eksemplarer) og popularitet i popindustrien (Michael Jackson, Queen, Duran Duran m.fl.).

Siden 2000'erne, med udviklingen af DAW'er og digital teknologi, er ikoniske synthesizere blevet omdannet til software og plugins, hvilket har gjort dem mere overkommelige og bærbare end nogensinde.

Ikke desto mindre leder moderne producere stadig efter den unikke varme og karakter ved analoge synthesizere, som har oplevet en fornyet popularitet i de senere år, hvor legendariske producenter har udgivet opdaterede versioner af deres modeller, og nye producenter har skabt unikke modeller, der blander analoge lyde og moderne workflow.

Typerne af syntese

Der er seks hovedtyper af syntese, som man kan støde på i dag, og som hver især er defineret ved, hvordan de manipulerer lyde.

Additiv syntese

Additiv syntese skaber komplekse lyde ved at kombinere simple bølgeformer.

Ved at justere amplituden og frekvensen af disse bølgeformer kan du skabe en uendelig række af lydstrukturer og harmoniske indhold for at forbedre din grundfrekvens.

Denne metode er fantastisk, fordi den giver dig fuld kontrol over de soniske egenskaber ved det instrument, du skaber, og giver dig mulighed for at skabe helt unikt sonisk indhold baseret på en kombination af grundlæggende bølgeformer.

Subtraktiv syntese

Subtraktiv syntese fjerner frekvenser fra en harmonisk kompleks lydbølge ved hjælp af filtre, såsom lavpas (fjerner høje frekvenser), højpas (fjerner lave frekvenser), båndpas (isolerer et bånd af frekvenser) og hak (fjerner et bånd af frekvenser).

Denne proces er blevet populær, fordi den er ret intuitiv og kan hjælpe med at skabe et stort udvalg af lyde.

Modulær syntese

Modulær syntese er, hvordan det hele startede. Denne proces indebærer, at man forbinder forskellige uafhængige moduler, der hver især udfører en specifik opgave, for at skabe og manipulere lyd.

Synthesizerens byggesten omfatter oscillatorer, filtre, envelopes, LFO'er, sequencere og meget mere, og man forbinder dem ved hjælp af patchkabler. I dag ser jeg modulære synthesizere mest brugt inden for eksperimentel og generativ musik, hvor kunstnere kan skabe komplekse lyddesigns og modulationsruter og lave musik ud af dem.

Vi vil tale mere om denne praktiske tilgang til syntese i næste afsnit.

Granulær syntese

Granulær syntese opdeler en lyd i bittesmå segmenter på omkring 1-100 millisekunder, som kan afspilles på forskellige måder - enkeltvis, i lag eller overlappende - for at skabe nye lyde.

Du kan ændre afspilningshastigheden, tonehøjden, placeringen og tætheden af kornene for at skabe en bred vifte af teksturer, som kan føre til fantastiske resultater, når du transformerer samples eller skaber udviklende lydlandskaber.

Wavetable-syntese

Wavetable-syntese er en slags kompromis mellem det rige harmoniske indhold i subtraktiv syntese og præcisionen i additiv syntese.

Den genererer lyd ved hjælp af en række forudindspillede bølgeformer, der er gemt i tabeller, som hver indeholder flere bølgeformer, der kan justeres, så du kan skabe klangfarver i konstant udvikling.

Ved at scanne wavetabellen i forskellige hastigheder og retninger kan man skabe et stort udvalg af synth-lyde, fra statiske toner til artikulerede teksturer.

FM-syntese

Frekvensmodulationssyntese genererer lyd ved at modulere frekvensen af en bølgeform (bæreren) med en anden bølgeform (modulatoren) ved lydhastigheder.

Denne blanding af bølgeformer frembringer et komplekst harmonisk og inharmonisk indhold, som er svært at opnå med andre syntesemetoder. Den frembringer også lyse og metalliske lyde, som gør den perfekt til at efterligne visse akustiske instrumenter (især messingblæsere).

Den blev meget populær med udgivelsen af Yamaha DX7 i 1983.

Analoge, digitale og softwaresynthesizere: Hvordan ser de ud?

Udviklingen af synthesizere siden de tidlige hardwaresynthesizere har været ubarmhjertig, så du nu har et væld af muligheder at vælge imellem, når du går ind i lydsyntesens verden.

Den første ting, du skal overveje, er, hvilken type teknologi du vil bruge til din produktion: Du kan gå helt analogt til værks med modulære synthesizere, få en mere intuitiv digital synthesizer eller udvide din lydpalet med en mere overkommelig virtuel synthesizer.

Lad os se på hver enkelt teknologi.

Analog manipulation (modulær)

Det var sådan, de første synthesizere blev lavet, og det er stadig en af de bedste måder at skabe en unik lydsignatur på. Modulære synthesizere kommer med separate moduler, der kan forbindes på utallige måder for at skabe et unikt instrument.

Hvert modul udfører en opgave, hvad enten det drejer sig om at generere svingninger (oscillatorer), forme lydbølger (filtre) eller kontrollere amplituden (forstærkere). Du kan skabe en ny lyd ved at koble kabler mellem dem, deraf udtrykket "analog manipulation".

Det faktum, at man kan mikse og matche komponenter, samt det fysiske aspekt ved at skabe musik, gør analoge synthesizere meget populære den dag i dag, især blandt eksperimenterende producere og dem, der leder efter en varm, analog lyd.

Digital manipulation

Digitale synthesizere var det næste skridt i udviklingen af disse instrumenter og kom med funktioner, der i høj grad udvidede deres potentiale.

Digital manipulation er muliggjort af digitale processorer og computeralgoritmer, der kan generere og redigere lyde. I modsætning til deres analoge modstykker bruger digitale synthesizere numeriske værdier til at repræsentere lydbølger.

Da de blev populære i 80'erne, introducerede digitale synthesizere nye funktioner som polyfoni og hukommelsesbanker. Desuden gav det digitale interface i en digital synthesizer mere kontrol over lydene, hvilket gjorde dem nemmere at bruge både i indspilningsstudier og live end modulære synthesizere.

Softwaremanipulation (VST-synths)

VST-synths er et af de mange resultater af moderne digital musikproduktion. VST-synthesizere kører på din computer, enten som selvstændig software eller som plugin i din DAW, og du kan styre dem ved hjælp af en dedikeret MIDI-controller.

Disse virtuelle synthesizere kan enten være emuleringer af gammelt udstyr eller helt nye musikinstrumenter. De kommer med de samme moduler, som du finder i deres fysiske modstykker.

Fordelene ved softwaresynths er mange. Takket være MIDI-teknologien (Musical Instrument Digital Interface) kan du manipulere med lyden, selv efter at du har optaget lydsporet: Du kan ændre alle lydindstillinger og endda udskifte den virtuelle synth med en anden, alt sammen uden at miste dine lyddata.

VST-synthesizere har en tendens til at være ganske overkommelige eller endda gratis; dette og det faktum, at de ikke optager nogen fysisk plads, betyder, at du kan oprette et lydbibliotek med dusinvis af synthesizere at vælge imellem og udvide din lydpalet i det uendelige.

Sådan bruger du en synthesizer

I næste del ser vi på, hvordan synthesizere fungerer. De er alle forskellige, men de fleste deler de samme moduler, hvilket betyder, at de har lignende måder at manipulere bølgeformer på.

Oscillatorer

Oscillatorer er hjertet i enhver synthesizer og genererer de rå lydbølger, der danner grundlaget for dine patches. De producerer forskellige bølgeformer, hver med en tydelig lydkarakter.

De mest almindelige bølgeformer er sinusbølge, firkantbølge, savtandsbølge og trekantbølge.

Generelt er sinusbølger glatte og rene og giver en ren tone. Firkantbølger er hule og summende, hvilket gør dem gode til rytmiske sektioner. Savtandsbølger er lyse og fyldige, så de er gode til strygere og messingblæsere. Endelig ligner trekantbølger sinusbølger, men med lidt mere harmonisk indhold, hvilket gør dem lidt lysere.

Ved at justere oscillatorernes tonehøjde og bølgeform kan du skabe grundtonen i din endelige lyd. Mange synthesizere giver dig mulighed for at bruge flere oscillatorer samtidig og afstemme dem lidt fra hinanden for at skabe en rigere lyd.

LFO'er

Lavfrekvente oscillatorer (LFO'er) bruges til at modulere andre parametre i synthesizeren og tilføjer bevægelse og kompleksitet til dine lyde. I modsætning til almindelige oscillatorer, som opererer i det hørbare område, svinger LFO'er ved meget lavere frekvenser, typisk under 20 Hz.

Det gør deres effekter mere synlige som ændringer i modulationen end som en tone. En lavfrekvensoscillator kan modulere forskellige parametre som tonehøjde (vibrato), amplitude (tremolo), filter cutoff (wah-wah-effekter) og endda andre LFO'er for mere komplekse modulationsmønstre. Ved at justere bølgeformen, frekvensen og dybden af den lavfrekvente oscillator kan du skabe alt fra subtile vibrato-effekter til rytmiske modulationer.

ADSR-konvolutter

ADSR-envelopes (Attack, Decay, Sustain og Release) definerer, hvordan en synthesizers lyd ændrer sig over tid fra det øjeblik, en tast trykkes ned, til den slippes. Hvert trin i envelopen påvirker et forskelligt aspekt af lyden:

• Attack: Den tid, det tager for lyden at nå sit maksimale niveau, efter at der er trykket på tasten. Et kort attack er lig med en øjeblikkelig lyd, mens et langt attack skaber en gradvis fade-in.
• Decay: Den tid, det tager for lyden at falde fra det maksimale niveau til sustain-niveauet efter det første angreb.
• Sustain: Det niveau, som lyden forbliver på, mens der trykkes på tasten.
• Frigivelse: Den tid, det tager for lyden at fade ud, efter at tasten er sluppet.

Filtre

Filtre former lydens harmoniske indhold ved at dæmpe visse frekvenser. Den mest almindelige type er lavpasfilteret, som lader frekvenser under et bestemt cutoff-punkt passere, mens det reducerer amplituden af frekvenser over dette punkt.

Det kan gøre en lyd mørkere eller mere dæmpet. Højpasfiltre gør det modsatte ved at fjerne lave frekvenser og lade højere frekvenser passere, hvilket kan gøre en lyd tyndere eller mere skarp. Båndpasfiltre lader frekvenser inden for et bestemt område passere, hvilket er nyttigt til at skabe resonante, fokuserede lyde.

Filtre har ofte en resonanskontrol, som forstærker frekvenserne omkring cutoff-punktet og tilføjer en karakteristisk top, der kan skabe en mere udtalt, skurrende lyd. Ved at automatisere filterets cutoff- og resonansparametre kan du opnå dynamiske og udviklende klangfarver.

Brug det hele i praksis: Sådan laver du musik med synthesizere

Efter al denne teori er du sikkert så overvældet, at bare tanken om at røre ved en synthesizer kan føles frastødende for dig. Hvis det er tilfældet, skal du ikke bekymre dig: Det er meget at tage ind. Så den sidste del af dette stykke dykker dybere ned i den praktiske side og giver dig forhåbentlig råd om, hvordan du skaber dine første lyde og melodier med en synth.

Igen ændrer processen sig drastisk, afhængigt af om du bruger en modulær, digital eller virtuel synthesizer, så se blot disse forslag som en måde at komme i gang i synthesizerens verden på. At skabe nye synth-lyde kræver en dyb forståelse af det instrument, du har valgt, så når du har valgt et, skal du sørge for at lave din research og øve dig ubarmhjertigt.

At vælge den rigtige synthesizer

Hvordan vælger man en synthesizer i betragtning af den overflod af hardware- og softwaresynthesizere, der findes lige nu? Ved at tage hensyn til faktorer som: dit budget, de genrer, du kan lide, den plads, der er til rådighed i dit hjem/indspilningsstudie, og hvor teknisk kyndig du er.

Alt i alt er der to hovedveje: hardware-synths eller virtuelle synths, og begge muligheder har fordele og ulemper.

Analoge og digitale synthesizere giver en mere praktisk tilgang til lyddesign, ser bedre ud på scenen og lyder tidløst. På den anden side er de sværere at optage derhjemme (højt støjniveau, svært at holde det rigtige tempo uden kvantisering osv.), og de er skrøbelige og dyre.

VST-plugins er billigere og nemmere at bruge. Du kan have så mange, du vil, da de ikke optager fysisk plads, og du kan styre dem alle sammen via et MIDI-keyboard. Ulempen er, at den kreative proces kan føles koldere og mere i softwarens hænder end i dine.

Hvis du lige er kommet i gang, er mit forslag at udforske virtuelle synthesizere først, medmindre du kan få fat i en god analog synthesizer uden at bruge en formue. VST-plugins kan hjælpe dig med at skabe din lydsignatur, forstå, hvad du har brug for fra en synth, og forberede dig på en analog opgradering, når du er klar til det.

Gør dig fortrolig med brugerfladen

Når du har valgt din synth, er det tid til at lære alt om den. Og med alt mener jeg alt.

De fleste synthesizere har et utroligt potentiale, og de bedste producere er dem, der kan få mest muligt ud af deres instrument, uanset hvad det er.

Billedet ovenfor viser vejledningen til min PG-200 synth. Jeg gennemgik manualen på to uger, da jeg først fik synthen, og jeg tjekker den stadig regelmæssigt. Du behøver ikke at være helt old school som mig: Der findes YouTube-vejledninger til stort set alle analoge og VST-synthesizere.

Uanset hvilken metode du vælger, skal du sørge for at tage dig tid til at mestre dit nye musikinstrument. Det kan tage din musikproduktion til et helt nyt niveau, så længe du lærer alt om det.

Forudindstillinger og skabeloner

Mange digitale og virtuelle synthesizere leveres med en lang række forudindstillinger og skabeloner, som kan være utroligt nyttige, især hvis man lige er begyndt.

Disse presets og skabeloner er lyde, der allerede er designet og klar til at blive brugt, hvilket giver dig en introduktion til din nye synth og også hjælper dig med at finde inspiration til dine kompositioner. Især med VST'er kan du, hvis du kigger i dit preset-bibliotek, opdage dusinvis af toner og teksturer, som du kan bygge videre på og tilpasse efter din smag.

I de fleste DAW'er tilbyder skabelonpatches forudkonfigurerede indstillinger, der er skræddersyet til bestemte genrer eller musikalske stilarter, hvilket kan spare dig for masser af tid og stress, når du laver et nyt spor.

Min anbefaling er at bruge forudindstillinger og skabeloner til at komme i gang og udforske dit instrument. Når du føler dig klar, kan du begynde at få mest muligt ud af dine instrumenters tilpasningsmuligheder for at skabe en lydsignatur, der er unik for dig, og som ikke er omhyggeligt udformet til at passe til alles behov.

Gør det unikt med effekter

Du vil hurtigt opdage, at synthesizergenererede lyde har en tendens til at være kolde og kunstige sammenlignet med akustiske instrumenter. Store musikproducere er dem, der problemfrit kan blande det analoge og det virtuelle ved at bruge effektdesign til at gøre lydbilledet ensartet og behageligt.

Når du skaber en lyd, kan du anvende forskellige effekter som rumklang, delay og chorus for at tilføje dybde, bevægelse og rumlige egenskaber til dine lyde.

Leg med forskellige indstillinger og parametre for at skabe unikke effekter og forbedre din synthesizers egenskaber. Ud over de indbyggede effekter kan du også bruge eksterne effektprocessorer og plugins til at forme og manipulere dine synthlyde yderligere.

Du vil se, at dette kan give en endeløs række af kreative muligheder og give dig mulighed for at skabe virkelig originale lydstrukturer.

Kraften i MIDI

Hvis du bruger en virtuel synth, er MIDI-kortlægning og -sekvensering den måde, du styrer dit instrument på, så du skal sikre dig, at alle taster og knapper er korrekt kortlagt, og at latenstiden er så lav som muligt. Selv om du bruger en analog eller digital synthesizer, kan MIDI-sequencing være praktisk. Du kan bruge den til at kontrollere, hvordan effekterne udvikler sig over tid, hvilket vil udvide din lydpalet yderligere.

Alt i alt kan MIDI give dig flere lyde og effekter at arbejde med, hvilket giver dig flere muligheder for at være kreativ med dit nye instrument og også forenkler din arbejdsgang betydeligt.

Lagdelte lyde

At skabe et virkningsfuldt lydbillede er ikke nogen triviel opgave, og det er det heller ikke at skabe en iørefaldende synth-melodi, der ikke lyder som et dusin andre. Når du komponerer med en synth, kan multi-layering hjælpe dig med at skabe rigere sange og lyde, der ikke lyder som noget andet.

Når man arbejder med en DAW og et VST-plugin, er lagdeling af lyde som andesuppe. Mange digitale synthesizere giver mulighed for at overskrive melodier og tilføje lag af lyde. Alternativt kan en simpel looper-pedal gøre din kompositionsproces meget hurtigere og mere smidig.

Lær af andre

Generationer af elektroniske pionerer kom før dig, så hvorfor ikke lære (og kopiere) af dem, så længe du bruger den viden til at skabe din egen lyd?

Synthesizere tilbyder en endeløs palet af lyde og teksturer. Du kan skabe alt fra hule EDM-baslinjer til drømmende ambiente pads, retro-synthwave med nostalgiske arpeggioer, der minder om 1980'ernes neonfarvede landskaber, eller filmiske lydlandskaber, hvor kun fantasien sætter grænser for de soniske muligheder. Kort sagt: Se, hvordan andre har brugt din synth, og brug deres arbejde som grundlag for din lyd.

Et andet tip er at tjekke, hvordan man skaber bestemte lyde, der får din sang til at lyde "i tråd" med den genre, du arbejder med.

Kæmper du med at få styr på de forskellige stigninger og fald i EDM eller skabe fængslende ambiente lydbilleder til meditation og stressaflastning? Der er utallige vejledninger på nettet, som giver trin-for-trin-vejledninger og eksperttips til at skabe noget, der vækker genklang hos dit publikum. Og ikke nok med det: Det giver dig også mulighed for at lave den bedst mulige musik, selv når du bevæger dig uden for din foretrukne genre.

Endelig må man aldrig undervurdere fællesskabets betydning.

Del dine seneste numre på Soundcloud eller TikTok, deltag i onlinefora og -fællesskaber eller fordyb dig i workshops og seminarer om musikproduktion: Hver proces opmuntrer dig til at engagere dig med ligesindede kunstnere og dele din kunst med folk, der måske kan give dig værdifuld feedback. Desuden kan samarbejdsmiljøer inspirere dig og give næring til din kreativitet, så jeg kan varmt anbefale dig at slutte dig til andre, der udforsker dybden og skønheden i musiksyntese.

Giv aldrig op

Generelt virker akustiske instrumenter mere "tilgængelige". Du slår en akkord an eller trykker på en tangent og ved nogenlunde, hvilken lyd der kommer ud af dit instrument. På den anden side er musiksyntesens verden fyldt med uforudsigelighed og tilfældige og uventede lyde. For mange er det en spændende funktion, som disse elektroniske instrumenter tilbyder, men andre musikere føler, at denne usikkerhedsfaktor gør det mere problematisk at komponere eller optage.

Synthesizere er ikke nemme at mestre. De kræver dedikation og nysgerrighed, der går ud over kærligheden til musikken: Du skal også være teknisk kyndig og villig til at dykke dybt ned i videnskaben bag lyddesign for at få mest muligt ud af dit udstyr.

Når det er sagt, kan tilføjelsen af en synth til dit musikworkflow forbedre dybden, variationen og skønheden i din musik som intet andet instrument, da du kan forme og tilpasse dens lyd på utallige måder, så den passer til dine kompositioner.

De har måske en stejlere indlæringskurve end de fleste instrumenter, men synthesizere er sjove at spille på, smukke at udforske i alle deres funktioner og tilbyder en enorm lydpalet til at løfte dine numre. Så giv ikke op!

Afsluttende tanker

Og det er alt, hvad jeg ved om synthesizere! Jeg håber, at denne guide vil hjælpe dig med at tage dit første skridt ind i synthesizerens fascinerende verden. Som du kan se, kan det at mestre en synthesizer højne dine musikproduktionsevner og give din musik et unikt præg.

Uanset om du vælger en modulær, digital eller VST-synth, skal du sørge for at investere den nødvendige tid til at udforske potentialet i dit musikinstrument. Lær af andre, der bruger den samme synth, men prøv også at finde en lydsignatur, der får dine numre til at skille sig ud.

Held og lykke, og vær kreativ!