At mixe jazzmusik er en unik udfordring, der fører os tilbage til rødderne af en af de mest varige genrer i musikhistorien. I modsætning til mange moderne stilarter, der hele tiden udvikler sig i takt med den teknologiske udvikling, har jazzen på bemærkelsesværdig vis bevaret sin autentiske lyd gennem de seneste årtier.

Det sande kendetegn ved en dygtig tekniker skinner igennem i deres tilgang til at mixe en jazzplade, hvor essensen af liveoptræden hersker frit, og subtile dynamikker skal bevares i stedet for at genopfindes. Hvis man er vant til at mixe pop, rock, hiphop eller elektronisk musik, kan det være svært at afvige fra det, man i øjeblikket forstår ved at være mixtekniker.

Jazzmixning kræver en mere nuanceret tilgang, lige fra at indfange det spontane samspil mellem instrumenterne til at respektere det akustiske rum, der definerer lyden. I dag vil vi udforske 13 gennemprøvede tips og teknikker til at mixe jazz og undersøge, hvordan disse unikke tilgange kan gøre dig til en bedre lydtekniker!

1. Hold tingene naturlige

Jazzmusik har længe været dybt forankret i klubberne og speakeasy-scenen. Selv den dag i dag bærer den på essensen af de naturlige akustiske rum, hvor den først gav genlyd.

Denne forbindelse til omgivelserne er ikke bare historisk, men et vigtigt aspekt af genrens lyd og tiltrækningskraft. De levende, spontane og interaktive optrædener, som er typiske for jazz, trives i disse akustiske omgivelser! Vi vil gerne høre nuancerne i rummets rumklang og samspillet mellem musikerne i bandet, selv om det ikke er teknisk "perfekt".

I overensstemmelse med traditionen spilles de fleste jazzinstrumenter i deres rene, uforstærkede form, uanset om det er kontrabas, saxofon eller klaver. Som mixtekniker, der arbejder med jazz, er udfordringen at bevare den naturlige autenticitet. Hvis du er ansvarlig for optagelsessessionen, betyder det også, at du nøje skal overveje mikrofonernes placering i rummet.

Medmindre kunstneren specifikt beder dig om at vove dig ud og prøve noget eksperimentelt, bør dit primære mål være at genskabe følelsen af at være i rummet sammen med musikerne.

2. Tag det roligt med kompression

Følelserne i jazz ligger i dynamikken, så det er vigtigt at være forsigtig med kompressionen.

Jazzens iboende dynamiske spændvidde - fra det blødeste penselslag på en snare til den fulde udblæsning af en bombastisk messingsektion - fortæller en historie. Spændingen og forløsningen er altafgørende, og derfor er en af de største fejl, mixere kan begå, overkompression.

Det sidste, man ønsker at gøre, er at berøve musikken dens livsnerve og rive ebbe og flod ud af den.

Når du bruger kompression i jazz, skal du have et klart og tydeligt formål. Du kan f.eks. bruge en kompressor på en kontrabas med en let berøring for at udjævne niveauerne mellem pizzicatotoner og strygepassager, så begge dele ligger pænt i mixet.

På et klaver kan man anvende kompression til forsigtigt at tæmme toppene i mere aggressive staccato-passager, samtidig med at man bevarer de udtryksfulde volumenvariationer i blødere, mere lyriske sektioner.

3. Brug båndmætning

Nogle af de bedste jazzplader blev indspillet på bånd, så uanset om man ved det eller ej, er den lyd og mætning, man får fra det, noget, man er vant til at høre.

Båndmætning er en af mine foretrukne mætningstyper i et mix, især når man ønsker varme, karakter og sammenhæng. Selv når det bruges subtilt, kan det være ret virkningsfuldt. Ud over de overtoner, du får fra mætning, får du også en let kompression, som digitale optagelser ofte mangler.

Når du bruger båndmætning på masteren, skal du gå forsigtigt til værks. Målet er at give hele mixet en sammenhængende varme og fylde uden at gå på kompromis med klarheden og det dynamiske område. Nogle vil måske kalde det "lim".

Nogle af mine foretrukne båndmætningsplugins er Universal Audio Ampex ATR-102, som giver en omhyggeligt modelleret gengivelse af den klassiske båndmaskine, og Waves J37, som er inspireret af den maskine, der blev brugt til at indspille mange af de største albums i 1960'erne.

4. Find plads tidligt i forløbet

Det er afgørende at finde plads i dit råmix tidligt i forløbet, især i jazzmusik. Før du griber til en EQ, bør du overveje panorering og niveauer som dine primære værktøjer til at skabe rum og dybde. Ideen her er at få hvert element til at passe naturligt ind i stereofeltet, så du ikke behøver at være hårdhændet med EQ senere hen.

Panorer og juster niveauerne, så hvert instrument kan stråle i sit eget rum. Du kan f.eks. panorere rytmesektionen lidt forskudt for at afspejle deres fysiske placering i en live-situation, med kontrabassen lidt til venstre og klaveret til højre. Trommer kan panoreres i henhold til lytterens perspektiv, så hi-hatten placeres lidt til den ene side og toms spredes ud over stereofeltet for at give dig en mere realistisk gengivelse.

5. Lad trommerne bestemme

Et af mine vejledende principper for mixning af jazz er "lad trommerne bestemme". I mine øjne sætter trommernes lydmæssige egenskaber og dynamik tonen for resten af mixet.

Lad os se på to meget forskellige tilgange til at mixe trommer i jazz.

I et scenarie kan trommerne have en blød, børstet lilletromme og en underspillet, blød stortromme for at supplere den klassiske, tilbagelænede, røgfyldte loungestemning. Denne opsætning kræver, at bas, klaver og blæsere mixes på en måde, der afspejler denne subtilitet.

På den anden side kan et mix med fokus på et højenergisk bebop-nummer have en lilletromme med et skarpt, udtalt knæk og en stortromme, der er både stram og fremtrædende. Den trommelyd ville også kræve en meget mere aggressiv og dynamisk mixning af resten af instrumenterne.

Tag Paul Motians nuancerede trommelyd på Bill Evans' "Sunday at the Village Vanguard", hvor hans penselføring ikke kun skaber en eftertænksom stemning, men også dikterer et mix, hvor hvert instrument ånder og interagerer. På den anden side af spektret har vi Art Blakeys eksplosive energi på "Moanin", som viser, hvordan kraftfuldt, frontalt trommespil kan tvinge de andre musikere til at give den en skalle.

6. Forbered dig på særhederne ved at mixe et liveband

En af de mest unikke udfordringer ved at mixe jazz er at vide, hvordan man mixer et liveband, hvilket er en anden tankegang end den, man typisk bruger til at mixe popmusik.

Mange jazzindspilninger indfanger magien fra en live-session. Man putter en flok jazzmusikere ind i et rum, omgiver dem med en konstellation af mikrofoner og trykker på indspilning. Det er måske stadig den bedste måde at indfange det spontane samspil og energien i en liveoptræden på, men det medfører også kompleksiteter som bleed og faseproblemer.

Bleed er lyden fra et instrument, der bliver opfanget af et andet instruments mikrofon. Men i jazzmusik kan du i stedet for at betragte bleed som et problem se det som en mulighed for at tilføje dybde og realisme til dit mix.

Rum-mikrofoner er f.eks. uvurderlige i denne sammenhæng. En lydtekniker vil bruge dem til at indfange den kollektive lyd af ensemblet i samme rum, hvilket giver mixet en følelse af enhed, som er svær at genskabe med isolerede spor. Nøglen her er at holde øje med faseproblemer mellem disse mikrofonkilder.

Lyt til faseforholdene mellem mikrofoner, især dem, der er tæt på hinanden eller optager den samme kilde. Hvis man vender en mikrofons fase om, kan det ofte afhjælpe faseannullering og forbedre en tynd lyd. Du kan også arbejde strategisk med gating og volumenautomatisering for at minimere effekten af bleed i kritiske øjeblikke.

7. Proces i parallel

Parallel processing er en af mine yndlingsteknikker generelt, men når jeg mixer jazz, er det nøglen.

Ved at busse effekter som kompression, rumklang eller delay til parallelle kanaler kan du blande det bearbejdede signal med de originale, ubearbejdede spor og forstærke visse lydaspekter uden at overvælde mixets samlede naturlige lyd.

I et jazzmix bruger jeg ofte parallelkompression på trommer, hvor jeg sender trommesporene til en bus med kraftig kompression og derefter mixer det tilbage med de originale, ubehandlede trommer. I sidste ende får du en meget kraftigere og mere sammenhængende trommelyd, som stadig bevarer den subtilitet og dynamik, der er vigtig for jazz.

Parallel rumklang er fantastisk på samme måde. Jeg kan f.eks. sende et saxofon- eller trompetspor til en bus dedikeret til rumklang for at skabe en fornemmelse af rum uden at få det til at lyde fjernt eller udvasket. Medmindre musikeren beder om det, er det selvfølgelig bedst at gå subtilt til værks med rumlige effekter som rumklang og delay.

8. Udnyt fordelene ved volumenautomatisering

Volumenautomatisering er vigtigere end kompression, når man mixer jazzmusik. I stedet for at høre nogle få toppe og række ud efter en kompressor for at kontrollere dem, kan du bruge volumenautomatisering til at sænke dem for at få en mere præcis og naturlig kontrol.

Kompression, selv når den anvendes relativt let, kan kvæle livet ud af et spontant solo-øjeblik. På den anden side giver volumenautomatisering dig mulighed for enten at forstærke eller dæmpe visse dele af præstationen efter behov, hvilket giver DIG kontrollen til at sikre, at hver eneste nuance høres nøjagtigt efter hensigten.

9. Vær subtil med effekter

Den måde, du bruger effekter på dit jazzalbum, kan påvirke, hvor "tidløst" det lyder.

Visse plader, som dem fra 70'ernes jazzfusion-æra med deres karakteristiske phaserfyldte bas, eller 80'ernes rockplader, der er kendetegnet ved den store brug af gated reverbs, kan lyde tydeligt forældede på grund af de fremherskende effekter fra deres tid.

Producenterne og ingeniørerne mente sikkert, at de var innovative på det tidspunkt, og selvom de var det, forankrer det også disse plader i en bestemt periode, hvilket kan begrænse deres appel til fremtidige lyttere.

Nøglen til at undgå, at en plade kommer til at lyde gammeldags, er først og fremmest at tilgodese musikkens behov. Lad selve pladen diktere, om der skal bruges effekter eller ej. For eksempel vil en jazzplade, der har til formål at fange den akustiske live-stemning fra et Blue Note-album fra 1960'erne, have gavn af minimale effekter.

På den anden side kan et moderne jazzfusionsprojekt som Electric Masada eller James Blood Ulmer med glæde inkorporere esoteriske effekter som delays og phasere for at træde uden for genrens normer. Forskellen er, at disse effekter ville være en del af lyden og udgøre et kunstnerisk udsagn i stedet for at være en billig effekt, der bliver sat på i sidste ende.

10. Find den rigtige rumklang

I stedet for at stole på tunge tidsbaserede effekter, når man mixer jazz, anbefaler jeg ofte, at man læner sig mere op ad ambient- eller rumklangindstillinger. Disse typer rumklang er designet til at efterligne den naturlige akustik i et rum, hvilket giver en følelse af luft og dimension, der forbedrer livefornemmelsen af indspilningen uden at forringe musikaliteten.

Målet er at få bandet til at føle, at de optræder sammen i det samme rum, selv om sporene er optaget hver for sig. Omgivelses- og rumklang kan subtilt udfylde hullerne mellem instrumenterne og binde dem sammen i et sammenhængende lydbillede, der afspejler en live jazzklub- eller koncertsalsoplevelse.

Når du vælger en rumklang til et jazzmix, skal du overveje indstillinger, der giver en realistisk rumfornemmelse med en relativt kort udklingningstid.

11. Pas på krigen om lydstyrke

Jeg er sikker på, at vi alle har fået nok af at høre om "Loudness Wars" på dette tidspunkt. Det betyder dog ikke, at vi ikke stadig er på vej mod en stadig mere aggressiv masteringspraksis, der har til formål at gøre musikken så høj som muligt.

Sagen er, at denne stræben efter maksimal lydstyrke ikke stemmer overens med jazzens etos. Jazz-mix trives med intensitetens ebbe og flod, de stille øjeblikke er lige så udtryksfulde som de højlydte.

Når man forbereder et jazzmix til mastering og eventuel streaming eller udsendelse, skal man være særlig opmærksom på at bevare den dynamiske integritet. Hvis man presser et jazzmix for hårdt i limiter eller codec, kan det medføre uønsket forvrængning eller artefakter. Bækkener er ofte hårdest ramt af denne aggressive behandling.

Som et af de mest vitale elementer i jazzmusik bidrager bækkener i høj grad til et nummers stemning og atmosfære. Men når de er alt for begrænsede, får man et mix, der føles indskrænket og kunstigt. Det er sandsynligvis en af grundene til, at vi ikke hører mange tunge bækkener i popmusik. De er ikke enige i en hårdhændet mastering.

I stedet for at presse på for maksimal loudness for at hjælpe dit mix med at klare sig mod andre på streamingplatforme, er det bedre at omfavne det dynamiske område i stedet for at få streamingalgoritmerne til at presse din master ned som en loudness-straf.

12. Brug hardware-EQ'er

EQ'en kan have stor indflydelse på, hvordan dit endelige mix lyder.

Hvis du vælger mere konservative, klassiske hardware-EQ'er eller deres plugin-emuleringer, kan du tilføje det søde lag af analog fylde og subtilitet, der fungerer smukt i jazz. De er ikke nær så præcise, men det er jo netop pointen. Vi ønsker, at vores EQ-valg skal være musikalske, ikke kirurgiske.

Pultec EQP-1A er en af mine absolutte favoritter til mixning af jazzplader. Den har en unik evne til at skrue op og ned for den samme frekvens, hvilket kan give både dybde og nærvær til f.eks. en kontrabas.

Neve 1073-emuleringer er også gode, når du vil forsøde vokaler, samtidig med at du bevarer en organisk fornemmelse.

13. Reference til andre mix

Referencer er en uvurderlig praksis for enhver mixtekniker, uanset hvilken genre man arbejder med. Heldigvis har vi i jazzen årtiers soniske benchmarks til at guide os gennem mixningsprocessen.

Vælg et professionelt mixet og mastereret jazznummer, der har ligheder med dit, og analyser det nøje for at få indsigt i, hvordan man afbalancerer instrumenter, styrer dynamik og anvender effekter på en måde, der forbedrer musikkens følelsesmæssige virkning og klarhed.

Når man har mixet i timevis, kan det være svært at bevare et friskt perspektiv. Med referencer har du det rigtige perspektiv foran dig, så du kan dobbelttjekke dine beslutninger når som helst og sikre, at du er på rette spor.

Det endelige resultat

Sammenlignet med andre musikgenrer kan jazzmusik være ret svær at mixe. Det er svært at mikse akustiske instrumenter i en liveoptagelse, og man kan ikke skjule fejl bag effekter som kompression og rumklang.

Det er derfor, det er så vigtigt at gøre tingene rigtigt under indspilningsprocessen. Enhver stor jazzmikser vil fortælle dig, at legendariske jazzplader ikke kommer fra mikseprocessen, men fra spillerne, kompositionen og indspilningen. Når du har den i dine hænder, er dit eneste job at højne lytteoplevelsen.

Må disse tips inspirere dig til at mixe med den følsomhed og det flow, som jazzen kræver, så hvert eneste nummer, du rører ved, swinger, groover og giver genlyd i de kommende generationer!