Uanset hvilken slags mix jeg arbejder på, er der nogle få kvaliteter, jeg ofte jagter: bredde, dybde, præcision og punch. Disse mål er ret ensartede, uanset genre. Fra den blødeste jazz til den mest hårdtslående EDM er der nogle få principper, som jeg typisk lader mig lede af, f.eks. at "rydde op i den lave ende og få lyde til at hænge sammen".

Men når man blander metalmusik, især moderne metal, med dens hæsblæsende hurtige tempi og tætte arrangementer, ændres spillereglerne. Jeg vil stadig bruge nogle traditionelle teknikker som fundament, men den intensitet, der kræves af hvert lag, kræver et mere innovativt touch.

I dag vil jeg gerne præsentere dig for en dybdegående guide til at mixe metalmusik, fra start til slut. Jeg kan helhjertet sige, at når du har læst den, har du ikke brug for en anden guide for at få den klarhed og aggression, du leder efter i dine metalmix.

Men først vil jeg gerne besvare et vigtigt spørgsmål.

Hvorfor er det så svært at blande metal?

Jeg føler, at der hele tiden dukker nye YouTube-videoer op med tips til metalblanding. De ville selvfølgelig ikke være så populære, hvis folk ikke kæmpede så meget med at blande det.

Spørgsmålet er, hvorfor det er så meget sværere end at mixe almindelig popmusik?

Tætte arrangementer

Moderne metalmusik bruger ofte tætte, komplekse arrangementer med flere guitarspor, dobbelte bastrommer og hurtige, ultraforvrængede riffs. Denne tæthed kan gøre det svært at sikre, at hvert instrument høres tydeligt, uden at man ender med en stor klump mos.

Desuden er kraftig forvrængning blevet et kendetegn for metal. Vi bruger det til at få de grumme, aggressive guitar- og bastoner, vi alle kender og elsker. En bivirkning ved forvrængning er dog, at den øger det harmoniske indhold. Hvis det ikke gøres med omtanke, kan vi ende med et mudret mix og en utydelig definition mellem de forskellige lag. At finde denne delikate balance er en ting, som mange begyndere kæmper med.

Placering af vokal

Metalvokaler kan variere meget.

Fra ren sang a la Dio til aggressive grisehyl, growl og skrig kan det være en udfordring at finde ud af, hvordan du vil placere din vokal i et allerede tæt mix. Du vil ikke have, at din vokal bliver dækket af en mur af guitarer, men du vil heller ikke have, at den ligger oven på instrumenterne, som den ville gøre i et popmix.

Træthed

Metalmusik har en ubarmhjertig energi.

Efter et stykke tid kan det være skræmmende at lytte til det samme blastbeat og kromatiske riff. I modsætning til et lo-fi R&B-nummer kan metallens barske karakteristika gøre det svært at lytte til det i længere tid.

Ud over de fysiske aspekter handler metal ofte om aggressive temaer og følelsesmæssig intensitet. Nogle sange kræver en seriøs psykologisk indsats fra mixerens side for ikke at blive udmattet tidligt i forløbet. Det er vigtigt at lytte på et rimeligt niveau og holde hyppige pauser.

Brug af prøver

Mange old-school mixere vil måske sige, at det er kætteri at bruge trommesamples i metalmixing. Hvis du får den rigtige optagelse med det samme og ved, hvordan du bruger EQ og kompression, burde du ikke have brug for trommesampleforstærkning, vel?

Det er ofte ikke tilfældet, især når det mix, du har fået tilsendt, har alt for dynamiske trommer, der er optaget i et dårligt lydrum.

På mange måder er det at bruge trommesamples blevet lige så almindeligt som at bruge auto-tune i et popmix. Ligesom vores ører har vænnet sig til at høre perfekt pitch i vores yndlingspopsange, har de også vænnet sig til den karakteristiske kraft og præcision i moderne metalmix.

Nogle gange er den hurtigste vej til målet at bruge trommesamples, så hvorfor ikke udnytte det?

De rigtige samples kan forbedre dine trommes kraft og konsistens på tværs af nummeret og sikre, at hvert slag giver lige så meget effekt som det foregående. Det er især værdifuldt i metalmix, hvor du gerne vil have trommer, der skærer igennem tætte vægge af guitar og bas uden at miste deres vildskab.

At finde en balance

Jeg siger ikke, at du skal gå ind og slette det, som lydteknikeren har arbejdet utrætteligt på at skabe. Det er i den oprindelige optagelse, at sporets unikke lyd og følelser ligger. Hvis du erstatter den helt med samples, ender du med trommer, der lyder som alle andres.

At finde den rette balance mellem de originale trommelyde og de tilføjede samples er nøglen her.

Mit mål er ofte at supplere og forstærke de naturlige trommelyde i stedet for at erstatte dem helt, så sættet bevarer sin unikke karakter, samtidig med at det nyder godt af det ekstra punch og den klarhed, som samples kan give.

Det er derfor, jeg normalt gerne tilføjer trommesamples, der er optaget under sessionen, i stedet for at bruge tredjepartssamples, da de giver dig en mere sammenhængende lyd, der naturligt blander sig med sættets akustiske egenskaber. Hvis du ikke har samples fra sessionen, kan du selvfølgelig nøjes med nøje udvalgte tredjepartssamples, der matcher sættets lyd. Bare hav et åbent øre, og prøv altid at bevare den oprindelige trommelyds integritet.

At integrere trommesamples i et metalmix kan gøres på et par måder. Den ene metode er sample replacement, hvor triggere fra den oprindelige trommeperformance bruges til at aktivere samples. Denne metode kan være særlig nyttig til at forstærke svage eller inkonsekvente hits. En anden tilgang er sample blending, hvor samples blandes sammen med de originale hits for at tilføje vægt og krop uden helt at overtage den naturlige trommelyd.

Sådan integrerer du prøver

Heldigvis er denne proces nemmere, end den nogensinde har været. Vi har masser af plugins til rådighed til at tilføje trommesamples. Nogle af de mest populære valg er Slate Digitals Trigger , som giver høj præcision og fleksibilitet til trigging og blending, og Toontracks Superior Drummer, som har et omfattende bibliotek med samples af høj kvalitet, som du kan tilpasse fuldstændigt, så de passer ind i dit mix.

Ligesom de fleste metalmixere er jeg blevet ret glad for Steven Slate Drums i løbet af de sidste par år. Det er fantastisk, når man vil have realistiske trommelyde, der nemt kan integreres i metalproduktioner. Redigeringsmulighederne er fantastiske, og jeg synes altid, det er nemt at skræddersy samplingerne perfekt til mit mix.

Nu hvor vi har udforsket den nuancerede kunst at bruge trommesamples, når man mixer metal, så lad os vende os mod det bredere landskab i metalmixingprocessen.

Processen med at blande metal

Halvdelen af arbejdet med at mixe metalmusik er at få de rigtige lyde ved kilden, men når du føler, at du har dem på plads, kan du gå i gang med at få lydene til at passe sammen så godt som muligt.

1. Justering af fase og tid

Det første skridt er at sikre, at alt er i fase og til tiden.

Hvis du ikke tager dig af dette trin, er det næsten umuligt at få den kraft og klarhed, du ønsker, ud af dit metalmix.

Kick Drum-kilder

Når man arbejder med flere kilder til stortromme, f.eks. forskellige mikrofoner og tilføjede samples, skal man sørge for, at de er fasesammenhængende. Det indebærer, at man justerer bølgeformerne for hver kick drum-kilde, så de supplerer hinanden i stedet for at udligne hinanden.

En enkel metode er at zoome ind på bølgeformerne i din DAW og manuelt justere timingen af sporene, indtil toppene og dalene ligger så tæt på hinanden som muligt. På den måde maksimerer du den kombinerede lyds effekt.

Jeg anbefaler også, at man vælger én kickdrum-kilde til at dominere low-end- eller sub-frekvenserne for at forhindre frekvenssammenstød mellem dem. Ved at tildele ansvaret for subfrekvenserne til en enkelt kilde får du en mere fokuseret og effektfuld bund, så andre elementer i trommesættet og mixet kan sidde mere behageligt i deres respektive frekvensområder.

Snare-spor, overheads og rum-mikrofoner

Giv samme opmærksomhed til dine snare tracks, overheads og rummikrofoner.

Til snares skal du justere close-mikrofonen med eventuelle samples. Overheads og rummikrofoner skal også tjekkes i forhold til close-mikrofoner for at sikre, at de er i fase. Det kan være nødvendigt at vende fasekontakten på din DAW's kanalstrimmel og lytte efter, hvilken position der giver en mere fyldig lyd.

Hvis du vil fremskynde processen, findes der masser af automatiske alignment-plugins, der automatisk kan justere timing og fase, f.eks. Sound Radix Auto-Align eller Waves In-Phase.

Bass DI og Amp Tracks

Det næste kritiske skridt er at justere basens DI-spor (direct injection) med mikrofonens basforstærker (hvis du har en).

Da disse spor repræsenterer den samme performance optaget på forskellige måder, giver det en strammere, mere sammenhængende bastone at justere dem. Du skal blot matche den første transient i bølgeformen fra DI-sporet med den fra forstærkersporet for at forstærke dem.

Sørg for, at alle instrumenter er på plads til tiden

Man skal selvfølgelig også sørge for, at alle instrumenter er i takt med hinanden uden at suge livet ud af forestillingen. Her er de trin, jeg normalt tager:

• Start med rytmesektionen, og juster trommesporene først. De kommer til at udgøre rygraden i mixet, så du skal sørge for, at de er stramme nok på nettet til at give konsistens, men ikke så stramme, at de mister den menneskelige fornemmelse.
• Juster bassen i forhold til stortrommen. Samspillet mellem disse to er nøglen til at stramme groovet op.
• Tjek rytmeguitarernes tilpasning til tromme- og bassporene, og foretag eventuelle nødvendige justeringer for at sikre tæthed.
• Til sidst skal du justere eventuelle ekstra instrumenter eller vokaler for at sikre, at de passer godt til det etablerede rytmiske fundament.

2. Gruppering

Dernæst kan jeg godt lide at gruppere mine instrumenter i busser ved at dirigere flere spor af lignende instrumenter, som trommer, guitarer eller vokal, ind i enkelte buskanaler.

Denne tilgang strømliner ikke kun mix-workflowet ved at give mig mulighed for at behandle flere spor samtidig, men hjælper også med at opnå en mere sammenhængende lyd. Ved at anvende effekter, EQ og kompression på en gruppe instrumenter som en helhed kan man lime dem sammen.

Desuden sparer du mere CPU ved at bruge en enkelt EQ på en væg af guitarer end ved at smide en masse EQ-plugins på individuelle spor, der alle har de samme indstillinger.

3. Volumenbalance

Volumenbalancen bør være hovedfokus i ethvert mix. Hvis du ikke får styr på denne del, vil ingen EQ, kompression eller effekter hjælpe.

I volumenbalanceringsfasen skal du sikre dig, at hvert element i sporet høres (eller mærkes) tydeligt og bidrager til den samlede effekt uden at overdøve mixet. Jeg plejer at følge den generelle regel om at opretholde mindst 6 dB headroom under denne proces for at forhindre digital clipping og give tilstrækkelig plads til den eventuelle masteringproces.

Afbalancering af trommer

En stram trommelyd er en grundsten i moderne metalmusik, og for at få den lyd er det en god idé at prioritere dine trommespotmikrofoner frem for overheads eller rummikrofoner. Denne tilgang giver mulighed for mere præcis kontrol over de enkelte trommeelementer.

Du kan starte med kick og snare og så forsigtigt blande toms og bækkener ind efter smag og behag. Den måde, du balancerer dine trommer på, afhænger helt af sangen, men et tip, jeg kan give dig, er at være forsigtig med dine overheads. Mange amatørmetalmix lyder hårde og slibende, fordi mixeren har sat bækkenerne for højt.

Balance mellem bas og guitarer

Næste skridt er at afbalancere bas og guitarer i forhold til trommerne.

Bassen skal supplere stortrommen og udfylde de lave frekvenser uden at træde på den. Vi vil til sidst EQ'e og komprimere den, så vær ikke for hård ved dig selv, hvis den ikke lyder perfekt lige med det samme.

Jeg plejer at gå solo med min kick og skrue op for basguitarens fader, indtil den føles fastlåst. Du ved det, når du hører det.

Hvad angår guitarer, så er de ofte stjernerne i metalmusik. Sørg for, at de skærer klart igennem uden at dominere trommer og bas.

Afbalancering af vokal

Der er ikke meget, jeg kan sige, når det gælder afbalancering af vokalniveauer, da de i høj grad vil blive bestemt af stilen og typen af optræden. Mange aggressive stilarter kræver, at vokalen har en fremtrædende plads i mixet, mens mere melodiske eller atmosfæriske dele måske blander sig mere med den instrumentale baggrund.

Mange metalbands, jeg har mixet, kan godt lide, at deres vokal ligger længere tilbage i mixet. Her kommer jeg altid til at tænke på Deftones, da jeg føler, at Chino konsekvent kan lide, at hans vokal smelter sammen med instrumenterne i stedet for at skille sig ud.

Tanken er, at forståelighed ikke altid er det vigtigste, især hvis man gerne vil aflede opmærksomheden på guitarerne eller trommerne.

4. Panorering

Læg mærke til, at jeg ikke har sagt noget om panorering endnu.

Det er fordi, jeg gerne vil have min volumenbalance i mono. Selvfølgelig vil de relative niveauer ændre sig, når jeg begynder at panorere, men for mig er det nemmere at sikre mig, at min grove balance lyder godt i mono, før jeg fokuserer på noget andet.

God panorering spiller en afgørende rolle for at skabe et rummeligt mix. Det er let at komme til at lyde overbelastet uden, især i tætte mix.

Jeg plejer at starte med et stærkt centralt fundament ved at holde kick, snare, bas og leadvokal i midten og derefter strategisk sprede guitarer, keyboards og backingvokal ud over stereofeltet for at skabe kontrast.

Dobbelte guitarer går ofte hårdt til højre og venstre, men nogle gange panorerer jeg dem lidt ind og automatiserer dem udad under omkvædet for at gøre det mere effektfuldt.

Det er også en god idé at overveje, hvordan du vil have dine trommer til at sidde - trommeslagerens perspektiv eller publikums perspektiv?

Panning-fejl at undgå

Der er et par faldgruber, man skal undgå, når man panorerer.

For det første kan overpanning af instrumenter til venstre eller højre give dig et ubalanceret mix, især hvis du panorerer et element hårdt den ene vej uden noget på den anden side til at afbalancere det.

Derudover kan det give en svag eller hul lyd, hvis man ikke tager højde for faseforholdet mellem mikrofonerede og indspillede kilder, når de er panoreret fra hinanden, og derfor anbefaler jeg altid, at man regelmæssigt tjekker sit mix i mono for at sikre, at panorerede elementer ikke forsvinder eller fases ud.

Vær også opmærksom på ikke at overfylde visse områder af stereofeltet. Hvis du har et guitarriff og et klaverstykke, der spiller i samme område, kan du overveje at panorere dem væk fra hinanden for at skabe balance i stedet for lige oven i hinanden. I sidste ende behøver du ikke at lave så meget EQ-arbejde for at få den klarhed, du er ude efter.

5. EQ

EQ er det næste værktøj i mixningsprocessen. Det giver dig mulighed for at forme og forfine den tonale balance i hvert spor i mixet, så de alle spiller godt sammen.

Men selvom EQ giver store muligheder for at forbedre et mix, er det lige så let at ødelægge dit mix, hvis du ikke behandler det med respekt.

Mange mixere har en tendens til at booste frekvenser, før de forsøger at klippe dem.

Selvfølgelig er boosting godt, når det er nødvendigt, da det kan bruges til at fremhæve de bedste egenskaber ved et instrument, som f.eks. et kick eller tilstedeværelsen af en guitarsolo. Overdreven boosting kan dog føre til et rodet mix, hvor elementerne konkurrerer om pladsen. I sidste ende står man tilbage med mudder og manglende definition.

Start i stedet med at skære uønskede frekvenser væk for at rydde op i lyden. Det er altid overraskende, hvordan denne tilgang ofte afslører et klarere, mere afbalanceret mix uden behov for betydelige forstærkninger.

En anden almindelig fejl er at bruge for meget tid på at EQ'e spor i solo.

Det kan hjælpe med at identificere problematiske frekvenser, men det giver ikke kontekst for, hvordan sporet sidder i mixet. Instrumenter og vokaler kan lyde meget anderledes, når de står alene, end når de blandes med andre elementer.

Det er vigtigt at træffe EQ-beslutninger i sammenhæng med det samlede mix, så hver justering bidrager positivt til den samlede lyd.

Brug af filtre

At få den rigtige low-end i et mix er noget af det sværeste ved at mixe metalmusik.

Den lave ende bærer sporets vægt og kraft, men når den ikke håndteres korrekt, kan det føre til et mudret og udefineret mix. Maskering er ofte den største synder for en dårlig low-end, hvor overlappende frekvenser fra forskellige instrumenter forstyrrer det samme lydrum.

Det er her, højpasfiltre (HPF'er) kommer ind i billedet.

Med et high-pass-filter kan du selektivt fjerne unødvendige lave frekvenser fra instrumenter, der ikke har brug for dem, så bassen og stortrommen kan få det punch, de har brug for. Der er ingen faste regler, men her er nogle forslag til højpasfiltre til forskellige instrumenter:

• Kick Drum: Hvis dine blast beats føles lidt slappe i bunden, kan du starte omkring 30 til 40 Hz for at stramme dit kick op uden at miste det grundlæggende dunk.
• Basguitar: En HPF omkring 30-50 Hz kan hjælpe med at fjerne rumlen, samtidig med at kroppen bevares, og få den ud af vejen for kicken.
• Lilletromme: Start med en HPF omkring 80-100 Hz. Målet her er at fjerne rumlen i den lave ende under den ønskede grundfrekvens. I metal er revnen den vigtigste del af lilletrommen.
• Toms: HPF omkring 80-120 Hz for rack-toms og 60-100 Hz for floor-toms, afhængigt af deres størrelse og tuning, fungerer normalt. Til fills, hvor toms spiller alene, kan du endda automatisere HPF'en, så den er slukket, så du får subwooferne tilbage et øjeblik.
• Hi-Hats og bækkener: At anvende en HPF omkring 200-300 Hz er fantastisk til at fjerne enhver form for blødning eller lavfrekvent støj. Du har ikke brug for meget krop fra disse elementer.
• Overhead-mikrofoner: Det er ikke ualmindeligt at sætte HPF'en op til 300 eller 400 Hz. Overhead-mikrofonerne skal virkelig fokusere på at fange bækkenernes skimmer og det rumlige billede af trommerne. Jeg plejer at holde øje med, hvor min ride's grundfrekvens er, så jeg ikke går over den og mister dens karakter.
• Rum-mikrofoner: En HPF omkring 80-20 Hz kan fjerne uønsket lavfrekvent rumlen og stramme op på sættets samlede lyd, men det afhænger virkelig af, hvad du vil have rummet til at bidrage med i dit mix.
• Elektriske guitarer: Filtrering under 60-100 Hz kan fjerne resonans i den lave ende og dunk i kabinen, men det kan ændre sig afhængigt af, hvor nedstemte de er.
• Vokaler: De fleste vokaler har ikke brugbart indhold under 80 Hz, og derfor kan en HPF omkring 80-100 Hz være god til at eliminere plosiver og rumlen i den lave ende, som ikke er afgørende for klarheden. Med højere mands- eller kvindestemmer kan du måske endda gå endnu højere op.

Lavpasfiltre (LPF) bliver derimod ofte overset, selv om de er lige så vigtige. Jeg bruger normalt lavpasfiltre på elektriske guitarer og basguitarer for at slippe af med top-end fizz. Metalguitarer får f.eks. ofte en "cut-off-the-crust"-EQ med et roll-off i den lave og høje ende for at placere dem i midten og få dem af vejen for elementer, der burde findes i de regioner.

Generelt set

Der er uendeligt mange måder at gribe EQ an på, og før jeg dykker ned i specifikke instrumenter, vil jeg gennemgå et par tips, som kan være nyttige for dig.

Til at begynde med skal du undgå at forstærke eller reducere den samme frekvens på flere instrumenter. Det kan føre til frekvensopbygning eller overdreven udtynding i bestemte områder af mixet, hvilket medfører manglende klarhed og adskillelse mellem instrumenterne. Hvis du f.eks. forstærker de lave mellemtoner på både rytmeguitaren og bassen, kan det resultere i et mudret mix, hvor ingen af instrumenterne skiller sig tydeligt ud.

En anden effektiv strategi er at dæmpe instrumenter, der maskerer andre, i stedet for at forstærke frekvenserne i det instrument, der maskeres. På den måde får du et mere naturligt og dynamisk mix. Hvis rytmeguitarerne f.eks. maskerer lilletrommen, kan du i stedet for at skrue op for de øvre mellemtoner på lilletrommen (hvilket kan få den til at lyde hård eller unaturlig) prøve at skrue lidt ned for de frekvenser på guitarerne. Denne subtile justering kan afsløre lilletrommens tilstedeværelse og effekt uden at ændre dens iboende tone.

Til sidst skal du eksperimentere med spejlede EQ-valg. Med det mener jeg, at man laver komplementære EQ-justeringer på forskellige instrumenter, så de passer sammen som brikker i et puslespil. Hvis du f.eks. sænker nogle lave mellemfrekvenser på basguitaren for at fjerne mudder, kan du måske øge de samme frekvenser en smule på stortrommen for at bevare fylden i det frekvensområde.

EQing af forskellige instrumenter

Som jeg antydede før, er der ikke nogen one-size-fits-all-tilgang til EQ, da hvert mix indeholder forskellige elementer, der lyder helt forskelligt. Ikke alle forvrængede guitarer lyder ens, ligesom ikke alle baslyde har samme low-end eller mid-range.

Når jeg gennemgår disse generelle tips, vil jeg gerne have, at du husker det.

Sparketromme

Det er vigtigt at bemærke, at grundtonen i de fleste spark ligger et sted mellem 60-80 Hz.

Hvis du har brug for ekstra kraft og vægt, kan du booste der. Bare vær forsigtig, da store boosts i dette område kan ende med at lyde boomy, især med hurtige double kicks.

Nogle gange kan jeg godt lide at lægge et lille boost på mellem 3-5 kHz for at forbedre beaterens attack og give den en "klik"-lyd, som kan hjælpe den med at artikulere sig blandt stærkt forvrængede guitarer. Hvis du mikser et kick, der føles for boomy og mangler definition, kan det at skære nogle af frekvenserne omkring 250-400 Hz rense det op og få det af vejen for lavmellemguitartoner.

Lilletromme

I metalmusik vil man typisk have en kort, snappy lilletromme. Hvis den ikke helt skærer igennem mixet, kan du booste de øvre mellemtoner omkring 2-4 kHz for at få snareens knæk frem. På den anden side kan et lille boost omkring 200 Hz tilføje krop og vægt, hvis den lyder lidt tynd.

Hvis din snare lyder lidt hård, vil jeg anbefale, at du kigger omkring 1 kHz for at se, hvor du kan lave nogle små nedskæringer.

Hi-Hats og bækkener

For hi-hats og bækkener er målet i et metalmix en sprød, luftig tilstedeværelse, der supplerer den samlede energi uden at blive gennemtrængende eller overvældende.

Efter dit højpasfilter kan du prøve at booste en smule ved 6-10 kHz for at få det naturlige sus frem, hvis de lyder kedelige eller forsvinder i mixet. Hvis de lyder tynde eller hårde, kan du fjerne eventuelle hårde resonanser omkring 2-4 kHz. Og så får du dine bækkener og hats væk fra din vokal!

Toms

Toms bruges ofte i metal til dramatiske fills og overgange. Der er to ting, jeg typisk vil have ud af dem - punch i den lave ende og klarhed i anslaget.

Boosts omkring 80-100 Hz (især på gulvtom'en) kan berige grundtonen, mens et lille cut omkring 400-600 Hz kan hjælpe med at reducere boxiness. Hvis man booster tammernes attack omkring 3-5 kHz, kan det hjælpe dem med at skære igennem mixet.

Basguitar

Bassens rolle i metal er at spille sammen med stortrommen og skabe et solidt fundament.

Jeg kan ofte godt lide at booste lidt omkring 80-100 Hz for at forstærke bassens grundtoner, især hvis det føles, som om den mangler bund. Jeg plejer også at skære lidt af mudderet omkring 200-250 Hz, da frekvenserne kan bygge sig op ret hurtigt her.

Hvis du ikke kan høre din bas særlig godt gennem væggen af guitarer, kan et lille boost omkring 700 Hz til 1 kHz kombineret med lidt top-end forvrængning hjælpe med at artikulere bassens finger- eller plekterlyd.

Elektrisk guitar

Den måde, jeg EQ'er metalguitarer på, kan variere. En solo lead er forskellig fra en forvrænget rytmeguitar, som er forskellig fra en funklende ren ambient-del.

For at gøre det kort, så lad os tale om ligefremme, fede metalguitarer med høj forstærkning, som man ville forvente at høre på en Slayer-plade.

Hvis jeg føler, at mine metalguitarer lyder mudrede, klipper jeg omkring 300-400 Hz, og hvis jeg føler, at de har brug for lidt mere definition, kan 800 Hz bringe dem frem. Hvis jeg har at gøre med leadguitarer, der har brug for lidt ekstra bid for at trænge igennem alle instrumenterne i mixet, laver jeg et lille boost omkring 3 kHz.

Vokal

Vokaler i metal varierer også meget, fra gutturale growls til svævende melodier.

De kræver hver især en skræddersyet tilgang for at sidde ordentligt i mixet. Men sammenlignet med et popmix, hvor jeg måske vil bruge et high-end-boost over 10 kHz for at give vokalerne den glitrende glans, kan jeg godt lide at fokusere mere på de høje mellemtoner, når jeg mixer metal eller rock.

Et boost omkring 2-5 kHz kan hjælpe med at give en vokal mere nærvær og energi. Men hvis et boost i det område lyder for hårdt, kan du i stedet prøve at dæmpe omkring 200-300 Hz og øge vokalens samlede volumen.

6. Kompression

Kompression kan være et stridspunkt for mange nye teknikere, da det kan være svært at høre.

Heldigvis kan man i metal være lidt mere aggressiv med kompression, hvilket kræver mindre finesse end f.eks. et jazz- eller R&B-mix.

Det vigtigste element at holde konsekvent er dine trommer.

Komprimering af trommer

For stortrommen kan en moderat til høj ratio (omkring 4:1 til 8:1) med et langsomt attack hjælpe med at understrege den første transient og give den punch og nærvær, samtidig med at kroppen komprimeres. Lilletrommen kræver ofte en lignende tilgang, med ekstra overvejelser om release-tiden for at forbedre trommens naturlige udklingning.

Toms kan komprimeres med en lidt lavere ratio (3:1) og en medium attack-tid for at bevare deres dynamiske fills uden at gøre deres performance flad. Overheads kræver typisk mindre aggressiv kompression (hvis overhovedet nogen), da jeg gerne vil fokusere mere på at lime sættet sammen med dem. På den anden side er du velkommen til at smadre rummikrofonerne, da det er en fantastisk måde at få noget liv ud af sættet på!

Du kan selvfølgelig også bruge parallelkomprimering på dette tidspunkt, men det taler vi mere om om lidt.

Komprimering af bas

Ved at komprimere basguitaren kan man forankre den lave ende af et metalmix.

Jeg kan godt lide at bruge to kompressorer i serie, så man både får en subtil dynamisk kontrol og bevarer bassens naturlige tone. Den første kompressor kan indstilles med en høj ratio (omkring 8:1) og et hurtigere attack for at fange toppe, mens den anden kompressor har en lavere ratio og et langsommere attack for at udjævne præstationen som helhed.

Vokal kompression

Vokaler kan have et ret bredt dynamisk område, især når vokalister bevæger sig op og ned i deres område.

I de fleste tilfælde kan metalvokaler have gavn af et højere kompressionsforhold (6:1 eller højere) for at opnå en mere ensartet lyd. Et hurtigt attack sikrer, at aggressive dele straks tæmmes, mens en medium release-tid hjælper kompressoren med at ånde i takt med præstationen.

7. Rumklang og forsinkelse

Når jeg bruger rumklang i metalmusik, kan jeg godt lide at gøre det med tilbageholdenhed.

Metals tætte arrangementer og hurtige tempi giver ikke meget plads til den uklarhed, som overdreven rumklang kan medføre, og derfor anbefaler jeg at bruge det sparsomt for at forstærke, ikke overvælde, instrumenternes og vokalernes naturlige kraft.

Korte plader med pre-delay-indstillinger er gode til snares og toms, da de giver lige præcis nok rumlig forstærkning til at få dem til at poppe uden at sløre deres anslag. Pre-delay gør det muligt for det første trommeslag at skære rent gennem mixet, før rumklangseffekten sætter ind, hvilket giver en følelse af dybde og dimension uden at ofre slagkraften.

Plates er også gode til vokal, hvis sangen kræver nogen form for rumklang (nogle gange kan slap delays eller ping-pong delays give en fornemmelse af rum uden rumklangens tæthed). Uanset hvad du vælger, er det en god idé at bruge EQ på retursporet for at forme den tonale balance og slippe af med unødvendige lave og høje toner.

Hvad angår de fleste andre instrumenter, kan du holde din brug af rumklang ret let. Nogle undtagelser kan være en større rumklang, der bruges sparsomt på en leadguitarsolo, eller en strammere rumklang på rytmeguitarer for at skabe sammenhæng.

Yderligere tips til blanding af metal

Deling af din bas

For mig handler den rigtige baslyd i metalmusik om at opdele den i separate høj- og lavfrekvenskanaler ved hjælp af EQ. Det er fantastisk til at behandle hvert frekvensområde uafhængigt af hinanden.

Ved at isolere de lave frekvenser kan du bevare bassens rene, grundlæggende rumlen og varme, så den understøtter mixet uden at blive mudret. På den højfrekvente kanal kan du derimod lægge noget mætning og forvrængning på for at fremhæve bassens grus og karakter, så den skærer igennem selv de mest tætte arrangementer.

Hvad angår høj- og lavpas, vil jeg normalt gerne have, at min lave bas har en LPF-cutoff omkring 150 til 250 Hz, og at den mættede bas har en HPF omkring 200 til 300 Hz.

Styring af de lave mellemtoner på elektriske guitarer

At bruge en multibåndskompressor til at finpudse de lave mellemtoner på elektriske guitarer, især under palm-muted-sektioner, er en hellig teknik inden for mixning af metal.

Palm-dæmpede riffs er en fast bestanddel af heavy-musik. Men uden omhyggelig behandling kan de nogle gange lyde mudrede eller mangle definition. Ved specifikt at målrette de lave mellemfrekvenser med en multibåndskompressor som FabFilter MB kan du kontrollere og stramme dine guitarer op, så frekvensområdet ikke springer ud, når guitarerne rammer en palm muted-sektion.

Nøglen her er at isolere det frekvensområde, hvor palm mutes resonerer mest - ofte mellem 200 og 500 Hz - og anvende kompression selektivt på dette bånd. Slutresultatet er metalguitarer, der er kontrollerede, men alligevel klare.

Brug af parallelbehandling på vokal

Til sidst vil jeg tale om at bruge parallel kompression og forvrængning på vokaler for at hjælpe med at give dem aggression.

Parallelkomprimering, også kendt som New York-komprimering, indebærer, at man blander en stærkt komprimeret version af vokalsporet med det oprindelige ukomprimerede spor. Denne metode gør det muligt for vokalerne at bevare deres naturlige dynamik og nuancer, mens det komprimerede signal giver en ensartet, kraftfuld tilstedeværelse i hele mixet.

Resultatet er en vokal, der skærer igennem tætte instrumentaler uden at miste sin udtryksfulde rækkevidde.

At tilføje forvrængning parallelt giver lignende fordele.

Du får hele den aggressive kant og energi fra et højoktan vokalspor uden at miste forståeligheden eller kvaliteten af den naturlige vokal.

Afsluttende tanker - at mikse metal som en professionel

Det er meget sjovt at mixe metalmusik, og der er så mange fantastiske tips, tricks og teknikker, du kan bruge til at være kreativ med alle elementerne i dine mix. Selv hvis du ikke er vild med tung eller aggressiv musik, er der meget, du kan lære ved at dykke ned i et metalmix. Desuden kan mange af de færdigheder, du lærer, når du mixer metal, bruges i andre genrer, fra hiphop til reggae og meget mere.

Hold det tungt!