Har du nogensinde hørt udtrykket: "Det er ikke, hvad du siger, men hvordan du siger det"? Vi kan anvende dette princip på musikinstrumenters udtryk: Det er ikke, hvad du spiller, men hvordan du spiller det. Dette og bevidst lydvalg er de grundlæggende principper bag begrebet instrumentering.

Instrumentering i musik giver liv og følelser til en skrevet komposition, hvilket gør det til en vigtig del af det at være musiker, uanset om man er sanger, producer eller instrumentalist. Nedenfor forklarer vi, hvordan instrumentering fungerer, og hvordan du kan bruge disse klassiske teknikker til at give din kunst et bedre udtryk og engagere dine lyttere.

Definition af instrumentering i musik

Instrumentering refererer til den særlige kombination af lydstrukturer og instrumenter i et stykke musik, der er designet til at understøtte sangens hovedidé. I sin enkleste form henviser instrumentering til en producents eller komponists specifikke valg af instrumenter til en komposition.

Ud over lyd- og instrumentvalg kan instrumentering også handle om, hvordan forskellige elementer kommer til udtryk: For eksempel skaber en elektrisk guitar spillet med vibrato en helt anden følelse end en guitar, der spilles rent. Forskellige instrumenter falder også inden for forskellige frekvensområder, så instrumentering afhænger i høj grad af den lydmæssige spektralbalance på tværs af flere soniske elementer.

I bund og grund handler instrumentering om at vælge instrumenter og diktere den intensitet, de udtrykkes med, med det endelige mål at producere et afbalanceret, sammenhængende mix, der understøtter melodien i en sang:

‍

Hvorfor er instrumentering vigtig?

Når du tænker på instrumentering, tænker du måske straks på orkestermusik. Kan du forestille dig, at en komponist skrev et stykke, hvor basstemmen var 5 gange stærkere end den melodi, der blev spillet på førsteviolinerne? Du kan sikkert gætte dig til, at stykket ville føles ubalanceret og gøre det svært at følge musikkens hovedmelodi.

Principperne bag instrumentering giver os en ramme til at opbygge afbalanceret, sammenhængende musik, der respekterer sangens hovedidé. De fleste sange kan koges ned til trommer, baslinje og en melodi, der binder det hele sammen. Hvis vi tænker på instrumentering som de valg, der er designet til at understøtte melodien og ikke overdøve den, er vi i god form.

Ingredienserne i instrumentering

Så hvordan skabes en god instrumentering? Her er de vigtigste komponenter i instrumenteringen, som enhver musiker bør overveje:

Valg af lyd

Den største del af instrumenteringen er valg af lyd. Det handler ikke bare om at udvælge de enkelte komponenter, du kan lide; lydvalg handler om at have en grundlæggende viden om, hvor bestemte instrumenter ligger i frekvensspektret (bare rolig, det kommer vi ind på nedenfor), og bruge den viden til at informere om, hvad du bringer ind i din komposition.

Du bliver måske nødt til at gå på kompromis, for bare fordi noget lyder godt i sig selv, betyder det ikke, at det vil lyde godt sammen med resten af din musik. Hvis det ikke understøtter melodiens idé, skal det væk.

Tekstur

Tekstur handler om, hvor glat, ru, skæv eller kontinuerlig en lyd kan føles. Selv om det er mere subjektive udtryk, er det vigtigt at overveje, hvordan de forskellige instrumenters teksturer vil interagere med hinanden, når de fremføres i en komposition.

Dynamik

Dynamik handler om, hvor højt eller blødt noget er, specielt i forhold til, hvordan lydstyrke og blødhed skifter over tid i en sang.

Artikulation

Artikulation er den måde, hvorpå instrumentale eller vokale dele udtrykkes. En vokal kan f.eks. synges med hårde eller bløde konsonanter, det er bare et spørgsmål om valgt artikulation.

Timbre

Timbre beskriver den tone, som instrumentale dele udtrykkes i.

Rækkevidde

Rækkevidde er afstanden mellem de laveste elementer i frekvensspektret og de højeste. Din instrumentering vil påvirke rækkevidden af dit nummer og dermed lytteoplevelsen for dine fans.

Blanding

Blend eller balance taler om forholdet mellem en lydlig stemme og en anden i din komposition. En god instrumentering giver et ensartet blend på tværs af de forskellige elementer i en sang.

Hvad er forskellen på instrumentering og orkestrering?

Instrumentation og orkestermusik minder meget om hinanden, idet de begge handler om den specifikke lyd og valg af instrumenter i forbindelse med en komposition. Orkestrering er dog et lidt mere specifikt begreb, der handler om lydvalg, når man opbygger orkestermusik, typisk i en live-situation.

I modsætning hertil er instrumentering et bredere begreb, der omfatter et større antal produktions- og kompositionsmetoder.

Man kan f.eks. sige, at det at vælge bestemte synthesizere og trommedele i sin digitale lydarbejdsstation er en form for instrumentering. Mens man med orkestrering også arbejder med flere instrumenter, men i en live-situation, hvor man f.eks. finder ud af lydbalancen for en strygekvartet.

Hvor falder forskellige lyde i frekvensspektret?

For at skabe et afbalanceret musikstykke skal man have en grundlæggende forståelse af, hvor instrumenter og lyde generelt ligger i frekvensspektret.

Hvorfor?

Hvis ikke, er det let at gå over gevind i visse sektioner, hvilket resulterer i dårlig instrumentering. Her kan du se, hvor du kan forvente, at instrumenterne falder på tværs af frekvensspektret som reference:

Trommer

Trommer er overraskende alsidige med hensyn til dækning af frekvensspektret. Sparketrommer er de laveste, med et dunk, der ligger et sted mellem 60 og 80 Hz. Snares og toms ligger primært i midten af frekvensspektret, mens hi-hats og bækkeners glans strækker sig ud til den øvre ende af frekvensspektret, ved 5 kHz+.

Strenge

Strenge dækker mellemområdet af frekvensspektret, men visse strengeinstrumenter har elementer, der strækker sig lavere eller højere. Basguitarer og kontrabasser dækker noget af buldren i den nedre ende af frekvensspektret, mens violiner og mandoliner strækker sig ind i det øvre frekvensområde og dækker nogle frekvenser mellem det øvre mellemområde på 2,5 kHz - 5 kHz.

Den elektriske bas kan tage nogle af de lavere frekvenser, mens den stadig optager betydelig plads i mellemtonen af spektret.

Vokal

De enkelte stemmers rækkevidde varierer, men du kan forvente, at de generelt ligger omkring 200 Hz til 15 Hz, afhængigt af om sangeren er mand eller kvinde. Mandestemmer kan dække et frekvensområde mellem 100 Hz og 8 kHz. Kvindestemmer kan dække meget højere, selvom de starter tættere på midten af frekvensspektret, mellem 350 Hz og 17 kHz.

Klaver, keyboards og synthesizere

Disse instrumenter er alle utroligt alsidige med hensyn til rækkevidde, så de kan dække det meste af frekvensspektret. De dækker ikke alle de ultralave subfrekvenser eller de ekstra høje frekvenser, der starter omkring 5 kHz.

Det originale klaver er dog mere begrænset end f.eks. elektroniske instrumenter som keyboards eller synthesizere. Man skal bare være opmærksom på, at disse lyde spænder vidt og derfor skal bruges med omtanke.

Hvor falder orkesterinstrumenterne i frekvensspektret?

Hvis du drømmer om at blive dirigent, begynder orkestrering med at forstå, hvor specifikke instrumenter befinder sig i frekvensspektret. Sæt dig ind i, hvor de følgende instrumenter befinder sig, så du kan skabe en fremragende balance i live-musik:

Kontrabas

Kontrabassen er der, hvor du får rumlen og de fyldige subfrekvenser i orkestret. Fra 40 - 300 Hz danner disse instrumenter grundlaget for den lave ende.

Cello

Celloen hviler over kontrabassen og tilføjer lave til lave mellemfrekvenser op til 1 kHz. Den kan understøtte melodien ved at skitsere tonika-tonerne i forskellige akkorder.

Fløjte

Fløjten, der er kendt for sin lyse, til tider skingre lyd, ligger i mellemtonen, men kan strække sig ind i de højere mellemtoner op til omkring 4 kHz.

Violiner

Violiner har ofte en melodi og skiller sig ud i et mix på grund af deres gennemtrængende, klare tekstur. De kan spænde fra 200 Hz op til 10 kHz eller højere for de strålende, høje toner.

Klaver

Ligesom i den moderne produktion, der er beskrevet ovenfor, er klaveret specielt, fordi det kan spænde over næsten hele frekvensspektret.

Klarinet

Disse varme træinstrumenter holder deres plads i mellemtonen, der ligger omkring 100 Hz - 2 kHz.

Oboe

Oboen er kendt for sin nasallignende tone, der giver en interessant tekstur i orkestret. Oboen ligger omkring 250 Hz - 4 kHz og befinder sig primært i mellemtonen.

Horn

Horn har en tendens til at have en ret stor spændvidde, selv om de er stærkest i det øvre mellemområde af frekvensspektret. Horn er ret udtryksfulde og kan let overmande din balance, hvis de spilles for voldsomt, så vær forsigtig.

Trommer

Ligesom trommerne i din DAW optager orkestrale trommeelementer hele spektret, når de spilles sammen, med visse elementer, der optager højere eller lavere områder end andre. De samme områder gælder for kick, snare og bækkener som beskrevet ovenfor. Paukerne har en tendens til at ligge i de lavere til mellemste frekvenser omkring 50-400 Hz.

Sådan bruger du moderne instrumentering i dine sange

Selv om du ikke ser dig selv dirigere klassisk musik eller bruge traditionelle instrumenter, kan vi stadig tage læren om instrumentering med ind i det moderne musiklandskab. Her kan du se, hvordan du kan bringe instrumenteringsprincipper ind i din digitale lydarbejdsstation:

Valg og design af lyd

Ligesom du ville gøre med orkestermusik eller levende musikinstrumenter, har de VST'er, instrumenter og endda samples, du vælger, en enorm indflydelse på din endelige komposition. Prioritér den lyd, der bedst repræsenterer din melodiske idé, og byg så op omkring den. Enhver lyd uden for din hovedidé skal vælges for at understrege, ikke overhale, den oprindelige lyd.

Lagdeling af lyd

Du kan eksperimentere med at stable den samme lyd eller lege med forskellige lyde og spille lignende dele over flere oktaver. At stable lag kan hjælpe de enkelte dele med at føles mere brede og robuste og give dit mix en mere sammenhængende fornemmelse. Bare pas på ikke at overdrive: din melodi skal altid være showets stjerne.

Automatisering

Automatisering skaber en mere dynamisk oplevelse for lytteren og minder mere om, hvordan man oplever et live musikinstrument. Eksperimentér med at automatisere parametre som lydstyrke, filter og individuelle komponenter i dit instrument over tid for at programmere et mere realistisk performanceudtryk i dine sange.

Hastighed og andre udtryksparametre

Udfordringen ved at producere musik via software i stedet for at optræde og optage den er, at man kan miste nogle af de uperfekte aspekter ved en optræden, som får noget til at lyde "menneskeligt".

Et eksempel på dette kunne være at ændre hastigheden eller intensiteten, hvormed noderne udtrykkes. Når en instrumentalist spiller en del af en sang, spiller han eller hun typisk ikke alle toner jævnt, selv om det ofte er den standard, der er indbygget i MIDI-delene. Tag dig tid til at justere udtryksparametrene for at skabe en mindre robotagtig fornemmelse.

Instrumentering bringer musikken til live

Instrumentering handler om at forstå den soniske karakter af de enkelte komponenter i din komposition og vælge dem i overensstemmelse hermed, med det endelige mål at skabe et afbalanceret stykke, hvor en stemme ikke totalt overstyrer en anden. Det udtryk, der er bagt ind i dine udvalgte lyde, kan helt sikkert ændre den overordnede følelse i dit stykke, hvilket gør instrumentering til et kraftfuldt, dynamisk værktøj.

Forhåbentlig har denne guide gjort det lettere for dig at mestre kunsten at instrumentere. God fornøjelse med at opbygge afbalancerede, udtryksfulde kompositioner med instrumentering, uanset om du er komponist, producer eller instrumentalist.