Kordamine muusikas on muusikatootmise keskmes ja see on sageli meeldejäävate laulude liikumapanev jõud, mis jäävad meie pähe lõputult. See on põnev nähtus, mis ühendab kõiki inimesi: atavistlik tõmme meloodiliste ja rütmiliste struktuuride vastu, mis ühendab meid kõiki kuidagi aegade algusest peale.

See on võimalik tänu mustritele. Olgu meloodilised või rütmilised mustrid muusikas on heliseeriad, mis võivad tekitada kuulajas hüpnotiseeriva efekti, uputades ta helimaastikku, mida määratlevad kordamine ja areng.

Aga mis on täpselt muusikalised mustrid, sooned ja rütmid? Kuigi need kõik võivad olla mõisted, mida te peate enesestmõistetavaks (me kõik koputame jalgu, kui kuuleme mõnusat rütmi või summeerime mõnda meloodiat, mis meile meeldib), on vastupandamatu tantsuhimu taga selge struktuur, ja just seda me täna arutame.

Selle artikli eesmärk on selgitada muusikamustrite tegelikku olemust ja seda, kuidas saate neid kasutada oma muusikaproduktsiooni täiustamiseks. Olenemata sellest, kas olete just alustanud oma teekonda muusikakompositsiooni vallas või soovite lihtsalt paremini mõista muusikateooriat, käsitleme siin kõike seda.

Rütmiliste ja meloodiliste mustrite määratlused

Tõenäoliselt olete allpool toodud määratlusi oma kooliajal mitu korda kuulnud, kuid enne sügavamat süvenemist sellesse, kuidas me saame kasutada mustreid oma muusikategemise protsessi muutmiseks, tasub neid ideid värskendada.

Rütmimustrid

Lühidalt öeldes on rütm helide või liikumise korduv jada, mille vahel on vaikust, mis moodustab rütmi. Vaikus on sama oluline kui helid, mis moodustavad rütmi, sest need annavad helijärgule liikumise tunde.

Rütmimustrid võivad areneda, vahelduda, peatuda ja taasalustada; tulemuseks on keerukas rütmiliikumine, mis viib laulu edasi. Need võivad olla lihtsad või keerulised, pikad või lühikesed, kuid neil kõigil on oma eesmärk: olla laulu aluseks, mida kuulajad saavad jälgida ja muusikud saavad edasi arendada.

Meloodiline muster

Meloodilised mustrid ehk tonaalsed mustrid on muusikaliste nootide järjestused, mis on rütmiliselt paigutatud, meeldejäävaks ja aja jooksul korratavaks. Need on loo lauldav osa, "konks", mis jääb kuulajatele meelde. Need on popmuusika oluline osa.

Need mustrid võivad iga kord, kui neid mängitakse, veidi varieeruda, et kaasata kuulajaid ja mitmekesistada laulu. Need on oluline aspekt motiivi, lühikese rütmilise või meloodilise lõigu loomisel, mida korratakse ja arendatakse kogu teose jooksul, muutudes muusikalise kompositsiooni aluseks või kõige olulisemaks osaks.

Mis teeb muusikalised mustrid... mustriteks?

Kuidas siis kõik need noodid omavahel suhtlevad ja segunevad? Kuidas ma tean, kas rütmisektsioon tundub sidus ja groovy? Nagu enamus asju muusikateoorias, ei ole ka siin selgeid piire, mida nootidega teha saab ja mida mitte. Kui tegemist on mustritega, siis on asi meie kompositsiooni struktuuri määratlemises ja seejärel selle peale ehitamises.

Kokkuvõtvalt võib öelda, et rütmimustrid luuakse erineva kestuse ja rõhuasetusega nootide kombineerimisega, mis moodustavad unikaalse groove'i või vibe'i. Meloodilised mustrid seevastu on noodijada, mida korratakse samadel või erinevatel helikõrgustel, luues kompositsioonis motiive või teemasid.

Muster on mitme teguri kombinatsioon, mis muudab selle ainulaadseks, kusjuures iga element mängib selle määratlemisel oma rolli: ühe või teise elemendi väike varieerumine võib tekitada täieliku meeleolu või atmosfääri.

Kõige laiemas mõttes nõuab muster järgmisi elemente:

Kordus

Mustri kõige põhilisem aspekt on kordamine. See võib olla nootide, rütmide, akordide või isegi progresseerumise seeria, mis kordub kogu teose jooksul. Oluline on, et see oleks kuulajale äratuntav ja meeldejääv.

Prognoositavus

Mustrid annavad teie laulule etteaimatavuse tunde, mis on väga oluline, kui soovite, et inimesed seda naudiksid. Kuulaja ootab tavaliselt, et muster jätkub või pöördub tagasi, kui see on kord paika pandud, kuid te võite ka algset mustrit muuta, et luua pingeid, kergendust või üllatust.

Järjepidevus

Rütmimustri puhul võib järjepidevus olla nootide ja pauside kestuses; meloodilise mustri puhul võib see olla noodidevahelistes intervallides. Kui muster on teie laulu aluseks, aitab selle järjepidevus teil pala arendada ja sellele mitmekesisust lisada, säilitades samas kindla aluse.

Tunnustus

Millal on meloodia või rütm meeldejääv? Kui see paistab ülejäänud laulust piisavalt silma, et seda tajuda kui tipphetke, kui midagi, mille ümber laul gravitatsioonib või millele laul põhineb.

Need omadused on nii tonaalsete kui ka rütmimustrite puhul olulised: mida paremini on muster äratuntav ja järjepidev, seda kaasahaaravamaks muutub teos teie kuulajate jaoks. Erinevus eduka mustri ja sellise vahel, mis ei kõneta kuulajaid, seisneb selles, et muster on lihtne, kuid samas ainulaadne. Sellise meeldejääva mustri loomine ei ole sugugi lihtne, kuid järgmises osas saame teada, kuidas seda ise luua.

Kuidas kasutada mustreid muusika tegemiseks

Nüüd, kui te teate, mis määratleb mustri, on aeg käed räpaneerida ja mõista, kuidas teha kindlat muusikalist mustrit. Et teha muusikat mustrite abil, peate kasutama rütmilisi, meloodilisi ja harmoonilisi jadasid, et luua oma pala kindel struktuur.

Rütmiliste mustrite kasutamine

Rütmiline muster on teose selgroog. See on groove'i hing, seega peaks see andma järjepideva rütmi, mida teised muusikud saavad järgida.

Lühidalt öeldes määratletakse rütmi tempo, takt, taktimõõt, rõhuasetused, alajaotus, sünkoopiad ja pausid:

Tempo on kiirus, millega muusika liigub.

Takt on aja põhiühik.

Meter paneb löögid kokku regulaarseteks komplektideks.

Rõhutamine rõhutab teatud taktimõõtu või noote.

Alamjaotus jagab rütmid väiksemateks üksusteks.

Sünkopeerimine liigutab aktsente, et tekitada üllatust.

Puhkealused parandavad rütmi kuju ja tunnetust.

Kui nende elementide tähendus on teile selge, olete valmis neid kasutama erinevate soonte loomiseks. Iga nende määravate tunnuste kerge varieerimine võib ellu kutsuda täiesti erineva rütmi, seega võta need ükshaaval kasutusele ja vaata, kuidas need võivad sinu rütmi revolutsiooniliselt muuta. Olenemata sellest, kas oled trummar või rütmiprodutsent, kui saad rütmi määratlevad tegurid selgeks, saad tavalised rütmimustrid muuta unikaalseteks groove'ideks ja viia oma käsitöö järgmisele tasemele.

Meloodiliste mustrite kasutamine

Meloodilised mustrid on äratuntavad ja meeldejäävad nootide jadad laulus. Neid muusikalisi elemente võib kogu teose jooksul korrata ja varieerida: te võite muuta võtit, rütmi või isegi harmooniat, kui aluseks olev muster jääb äratuntavaks.

Meloodilised mustrid võivad võtta erinevaid vorme ja neid saab kasutada mitmel viisil:

Harmoonilised progresseerumised: Akordide jada, mis kordub kogu muusikapala jooksul, nagu näiteks bluusis populaarne I-IV-V-I. Harmooniline rütmika aitab teil elustada võimsaid ja kergesti äratuntavaid progresseeringuid.

Variatsioonid: Rütmi, meloodia või harmoonia muutmine, et kaasata kuulajat. Tavaliselt on see tehnika, mida kasutatakse siis, kui muster on juba loodud ja kuulaja poolt äratuntav.

Struktuur: Näiteks paljude poplaulude salmi-koori struktuur tugineb nii laulusõnade kui ka muusika korduvatele mustritele. Need mustrid aitavad kuulajatel laulu mõista ja meelde jätta.

Improvisatsioon: muster võib olla improviseeritud muusika alus, millele muusikud saavad toetuda ja millele nad saavad ehitada.

Kompositsioon: Mustrid võivad olla ideede struktureerimise vahendiks. Uued laulud võivad alata lihtsast mustrist ja seejärel areneda, lisades algsele mustrile teisi kihte.

Muusikateooria rütmiliste ja meloodiliste mustrite taga

Olenemata sellest, kas te töötate rütmilise või muusikalise mustriga, on noodimärkmete süsteemi mõistmine väga oluline ja aitab teil oma oskusi märkimisväärselt laiendada. See koosneb reast sümbolitest, mis tähistavad erinevaid nootide kestusi ja puhkepausid, mis on organiseeritud taktimõõtude raamistikus, "struktuuris", mis määratleb, mitu lööki on takti ja milline nootide väärtus on antud ühele löögile.

See struktuur võimaldab muusikutel mõista muusika ajastust ja tempot isegi siis, kui nad ise ei ole seda teost kirjutanud, andes neile kogu vajaliku teabe, et taastada originaalkomponisti loominguline nägemus.

Taktimõõt, mis on viis, kuidas löögid on grupeeritud, võib olla lihtne või keeruline ja võib lisada teosele rütmilise tekstuuri kihte. Taktid võib jagada ka väiksemateks osadeks, mis võib osutuda kasulikuks, eriti žanrites, kus sünkoopiad või ebatavalised rütmimustrid on tavalised, nagu nn progressiivsed žanrid või isegi klassikaline muusika.

Meloodilised mustrid seevastu on enamasti määratletud nootide helikõrguste (mis määratakse kindlaks nende asukoha järgi nootide süsteemis), võtmemärkide ja kasutatud võtmeklahvi järgi.

Noodid on organiseeritud skaaladesse ja nende nootide vaheline suhe (intervallid) määrab meloodia liikumise, kas see astub ühelt naabernoodilt teisele või hüppab üle mitme noodi. See suhe on see, mis määrab muusika tonaalsuse.

Kuidas harjutada meloodiliste ja rütmiliste mustrite tegemist

Harjutus teeb meistriks, eks? Arutleme siis selle üle, kuidas muusik saab lihvida meloodiliste ja rütmiliste mustrite loomise oskust.

Meeldejäävate rütmimustrite loomiseks on vaja arendada kindlat ajastustunnetust ning erinevate noodiväärtuste ja puhkepauside tundmist. Selles püüdluses peaks metronoomist saama teie hindamatu kaaslane ja kui te mängite "päris" instrumente, peaks teie igapäevane harjutamine kindlasti sisaldama mõningaid metronoomil põhinevaid harjutusi.

Aja jooksul hakake katsetama erinevate taktimõõtudega ja õppige tundma igaühe iseloomulikku groove'i. See annab teile juurdepääsu keerukamatele mustritele, sealhulgas sünkoopiatele, ebatavalistele taktimärkidele ja ristrütmidele; kõik need on elemendid, mis võivad muuta teie laulud ainulaadseks ja unustamatuks.

Nüüd keskendume meloodiaharjutusele. Alustame skaalade ja arpeggiodega, mis on iga meloodia ehituskivid. Harjutage erinevates võtmetes ja õppige oma instrumenti "tundma". See võtab küll aega, kuid see on pikemas perspektiivis ka äärmiselt tasuv protsess.

Mõistmine, kuidas meloodiad on nende põhjal üles ehitatud, on esimene samm professionaalse muusikakompositsiooni suunas: intervallid ja unikaalsed omadused, mida iga intervall meloodiasse toob, ei ole midagi, mida saab lihtsalt välja mõelda; need põhinevad kindlal muusikalisel struktuuril, mida tuleb õppida, et arendada või laiendada oma helipaletti.

Kui olete neist põhielementidest aru saanud, on aeg teha oma muusikat.

Nüüd peaksid rütm ja meloodia töötama koos nii, et nad täiendaksid teineteist. Sa võid katsetada erinevate rütmimustrite rakendamist kindlaksmääratud meloodiale ja näha, kuidas see protsess muudab su pala iseloomu. Või tehke seda vastupidi: muutes meloodiat, kuid hoides rütmi konstantsena, saate näidata, kuidas meloodia mõjutab teie pala emotsionaalset meeleolu.

Siinkohal muutub improvisatsioon sageli muusikategemise protsessi põhiliseks aspektiks. Siiski peaks teie improvisatsioon nüüd põhinema selgetel muusikakompositsiooni reeglitel, mida te kasutate oma iseloomuliku heli loomiseks.

Ärge kunagi unustage end improvisatsiooni ajal salvestada. Te ei tea, mitu korda tegime oma bändikaaslastega 15-minutilise meeletu jamsessiooni, ainult selleks, et teada saada, et unustasime diktofoni sisse lülitada. Püsivus on osa igast kunstiliigist, seega veenduge, et jäädvustate oma loomingulised hetked igal võimalikul viisil.

Oma esinemise kuulamine aitab teil hinnata oma mustrite järjepidevust ja annab ülevaate valdkondadest, mis vajavad täiustamist. Lisaks julgustab see kriitilist kuulamist: end improvisatsiooni kuulates võib olla raske, kuid see on väga oluline, et hinnata oma taset ja seda, kui kaugel olete oma loomingulistest eesmärkidest.

Lõppkokkuvõttes ei ole mustrite loomine mitte mehaaniline, vaid pigem kunstiline protsess: kõige köitvamad mustrid ei ole kõige keerukamad, vaid need, mis annavad edasi emotsioone ja ühendavad kuulajaid sügavamal tasandil. Õppige ära põhitõed ja seejärel kasutage neid teadmisi, et oma loominguline visioon ellu viia, mõtlemata sellele, kui osav või tehniline te olete.

Lõplikud mõtted

Ma loodan, et see juhend aitab teil oma muusikaproduktsiooni oskused järgmisele tasemele viia!

Minu viimane soovitus on mitte keskenduda liiga palju muusikateooriale, vaid pigem püüda saada aru muusikaliste mustrite põhielementidest ja seejärel kasutada neid oma kunstilise nägemuse ellu viimiseks. Kui teie oskused paranevad, tunnete vajadust mõista rohkem muusikateooriast ja sellest, kuidas teha unustamatuid mustreid: kui see aeg saabub, saate määratleda teadmised, mida vajate oma käsitöö lihvimiseks ja muusikakunsti lihtsustamiseks.

Järgmine kord, kui kuulate mõnda laulu, kulutage aega rütmiliste ja meloodiliste mustrite mõistmiseks ja vaadake, kas suudate neid teie käsutuses olevate vahendite ja teadmiste abil uuesti luua. Nii laiendate oma helipaletti ja hindate armastatud muusika ilu ja keerukust.

Lõbutsege!