Kui olete muusikatootmise ja miksimise foorumite või YouTube'i videote kuristikku sattunud, siis olete tõenäoliselt kohanud väljendit "referentsrada".

Olenemata sellest, kas te olete juba lisanud oma muusika tegemise töövoogudesse referentslugusid või ei ole seda veel kunagi katsetanud, võin kindlalt öelda, et nende kasutamine võib teie muusika kvaliteeti oluliselt parandada.

Lisaks, vastupidiselt sellele, mida paljud arvavad, ei tähenda võrdluslugude kasutamine teie loomingulise voo piiramist.

Sobivalt kasutatuna võib referentslugu vältida seda, et teie muusika kõlab ebaoriginaalselt, ja hoida seda professionaalsete standardite tasemel. Sisuliselt asetavad referentslood teie originaalmuusika teiste armastatud artistide sekka, tagades, et teie miksid on tasemel, andes unikaalseid ideid arranžeeringu osas ja aidates luua loomingulise tee, kui alustate tühjalt lehelt.

Selles juhendis tahan ma tutvustada teile kõiki põhjuseid, miks te võiksite oma järgmises produktsioonis või miksimis kasutada referentslugu.

Mis on võrdlusrada?

Referentslugu on mis tahes teise artisti valmis lugu, mida saate kasutada oma muusika soovitud kõla mudelina.

Kui kasutate võrdlusmaterjali, on eesmärk võrrelda oma lugu teise artisti looga, et saada ideid arranžeeringu, produktsiooni, miksimise või üldise meeleolu kohta.

Mulle meeldib sageli lasta võrdluslugudel mõjutada oma valikuid kogu muusika tegemise protsessi jooksul, näiteks:

• Helitugevuse sobitamine: tagamine, et minu segu helitugevus oleks kooskõlas referentsloo helitugevusega. See on rohkem levinud masteringufaasis.
• Korraldus: Minu loo arranžeeringu sobitamine võrdlusloo arranžeeringuga.
• Mixdown: Kontrollida, et minu mix vastab referentskvaliteedile, sealhulgas helitugevuse tasakaalule, dünaamikale, EQ-le ja efektidele.
• Loov võrdlusuuring: Inspiratsiooni ammutamine professionaalsete muusikaliste ideede arendamiseks ja tühjalt lõuendilt alustamise vältimiseks.

Kui valmistute oma pala masterdamiseks, uurige kindlasti eMastered'i referentslugude funktsiooni.

Miks ma peaksin kasutama võrdlusrada?

Üks peamisi põhjusi, miks ma kasutan referentslugu, on leida selle pala heli, mille kallal ma parasjagu töötan. Isegi kui sa ei ole sellest teadlik, on iga laul, mida sa teed, ümbritseva mõju tulemus.

Kui sa oled alles alustamas kunstniku või produtsendina ja üritad leida oma heli, siis soovitan uurida artiste, kes sulle meeldivad, ja koostada nimekiri, mis omadused neid eriliseks teevad. Seejärel võid võtta need omadused ja segada neid omavahel, et luua oma unikaalne kõla.

Lisaks leevendavad võrdlusrajad survet luua laule tühjalt lõuendilt.

Kui teil on inspiratsiooniallikad, siis on teil sisuliselt palett, mida kasutada lähtepunktina. Ja ei, see ei ole varastamine. See on olemasolevate tehnikate ja loominguliste ideede kasutamine, nagu kunstnikud on teinud aegade algusest peale.

Mõelge sellest nii - igal muusikastiilil on üldkasutatavad ja üldkehtivad arranžeeringud.

Nagu öeldakse, ei ole põhjust parandada seda, mis ei ole katki, nagu öeldakse. Pigem võid ammutada inspiratsiooni lugudest, mis sulle meeldivad, kasutades ideid, mis toimivad, ja lisades oma unikaalseid elemente, et muuta see eriliseks.

Ütleme, et töötate 60ndate stiilis Motown-muusika kallal. Võiksite kasutada monotrummi, elektrilist P-bassi, Fender Stratocasteri, Rhodes'i klahvpilli ja vokaali.

Oletame aga, et teil on ka sügav armastus kantrimuusika vastu ja te mängite banjo't. Teie unikaalne element võib olla banjo olemasolu loos. Te oleksite üllatunud, kuidas midagi nii lihtsat kui veel üks lisatud element võib täielikult muuta loo meeleolu.

Viitejälgede kasutamise viisid

Vaatleme mõningaid põhilisi viise, kuidas te võiksite kasutada referentslugusid, et saavutada oma muusikas kvaliteetne heli.

Korralduse kaart

Üks esimesi asju, mille jaoks ma kasutan referentslugusid oma miksis, on arranžeering. Ma leian, et laulu arranžeeringut varastades on kergem vabaneda tavapärasest salm-kõne-salm-kõne-sild-kõne arranžeeringust.

Näiteks võib teile meeldiv lugu välja näha nii:

• Intro
• Salm
• Koor
• Vahepalad
• Salm
• Lahkuminek
• Koor
• Solo
• Sild
• Koor
• B konks

Võiksite võtta ülaltoodud arranžeeringu ja rakendada seda standardse popmuusika sisse, et anda sellele rohkem huvi.

Muidugi, kui eesmärk on saada arranžeering, mis vastab teie uue loo jaoks ette nähtud stiilile, žanrile või meeleolule, siis soovitan leida lugu, millel on stiilne arranžeering.

Kui ma valin loo, mille järgi teha arranžeeringuid, siis alustan sellest, et leian välja loo, millel on minu arvates erakordne struktuur. Laul peaks tunduma kaasahaarav või energiat andev. Seejärel impordin laulu oma DAW-sse.

Seejärel analüüsin arranžeeringut, märkides sellised lõigud nagu intro, salm, refrään, sild ja outro, ning millal tulevad sisse, langevad välja, muutuvad dünaamiliselt jne.

Sealt edasi koostan ma võrdlusraja struktuuri põhijoonise või -kaardi.

See võib olla erinevate lõikude kirjalik nimekiri paberilehel või raja markerite loomine teie DAW-s. Kui laul, mida te kasutate võrdlusena, on sama BPM kui teie loodav laul, saate selle sõna otseses mõttes oma DAW-s üles rivistada ja paigutada võrdlusmarkerid iga sektsiooni algusesse.

Kui jätkate oma laulu kallal töötamist, võite leida, et teil on vaja arranžeeringut täiustada vastavalt sellele, kuidas teie lugu areneb, nii et ärge kartke teha muudatusi, kui see tundub õige.

Akordiprogressioon

Kuigi ma olen õppinud muusikat ja kompositsiooni kõrgtasemel, on mul sageli raskusi selle väljaselgitamisega, millist akordiprogressiooni ma tahan kasutada mingi pala jaoks, mille kallal ma töötan. Muidugi on olemas "standardsed" akordiprogressioonid, mida inimesed kasutavad teatud žanrites, näiteks I-V-vi-IV popmuusikas või I-IV-V7 bluusis. Siiski võib olla tore neist ootustest välja murda, et kuulajaid üllatada.

Mulle meeldib alustada sellest, et ma valin võrdlusloo, mis kuulub samasse või sarnasesse žanrisse kui minu projekt. Loomulikult peaks sellel olema tugev akordiprogressioon, mis mulle meeldib, ja meloodia, mis mulle samuti meeldib.

Õpetamise huvides ütleme, et teile meeldib tavaline I-V-vi-IV popprogressioon. Seejärel võiksite katsetada selle kohandamist oma laulu arranžeeringule. See, et te töötate lihtsa akordiprogressiooniga, ei tähenda, et te ei saa seda maitse järgi kohandada.

Lisaks tegelikule progresseerumisele ise võid tähele panna ka seda, kuidas su viide erinevate akordiprogresseerumiste vahel üle läheb.

Oletame näiteks, et töötate võrdluslooga, mis läheb refräänis sujuvalt üle moll-progressioonilt duur-progressioonile, näiteks Counting Crows'i "Mr. Jones". "Mr. Jones'i" salmid on a-mollis, kuid kui jõutakse refräänini, minnakse suhtelises C-duuris, kasutades I-IV-V progresseeringut.

Sa võid proovida ja rakendada sama suhtelist duur-moll suhet oma rajal.

Meloodia

Lisaks akordiprogressioonile saate analüüsida ka oma võrdlusloo meloodiat ja pöörata tähelepanu sellele, kuidas see täiendab akordiprogressiooni nii meloodiliselt kui ka rütmiliselt.

Vaadake, millised on nende fraseerimistehnikad. Kas meloodia on astmeline või hüppab noodilt noodile? Kas refrääni meloodia tõuseb salmimeloodiast kõrgemale või on see pehmem ja tagasihoidlikum? Kas meloodiad algavad downbeatidel, pickup'idel või paaritaktilistel taktidel?

Siinkohal on aga oluline kasutada võrdlusrada ainult inspiratsiooniks. Ärge kopeerige seda otse, sest siis võite sattuda raskustesse.

Üheks parimaks näiteks on The Hollies'i, Radioheadi ja Lana Del Rey vaheline kohtuvaidlus. Ükskõik, kas nad varastasid üksteiselt teadlikult või alateadlikult, on peaaegu võimatu mitte kuulda sarnasusi nende laulude vahel ning nii Radiohead kui ka Lana Del Rey pidid selle eest loobuma mõnest tükist.

Helikujundus ja muusikalised ideed

Nagu ma juba ütlesin, ei ole mingit põhjust oma lugusid tehes ratast uuesti leiutada. On palju žanre, mis kasutavad samu muusikalisi ideid. Mõelge näiteks oma keskmisele rokilaulule. Tõenäoliselt võid oodata trumme, bassi ja elektrikitarri.

Kui on instrumentide kombinatsioon, mis teile väga meeldib, kasutage neid oma toodangus!

Alustage sellest, et valite võrdlusloo, mis on samasuguses stiilis nagu teie poolt töötatav lugu, sest sellel on tõenäoliselt soovitud instrumentatsioon ja helikujunduselemendid.

Kuulake tähelepanelikult referentslugu (ideaaljuhul heade kõrvaklappidega) ja pange tähele, milliseid instrumente te kuulete. Näiteks, kui ma kuulaksin EDM-loo, võiksin ma üles kirjutada:

• Raske löök
• Elektrooniline sangar
• Hi-hats
• Claps
• Elav löökpillid
• Sünteetiline bassiliin
• Sub-bass
• Süntesaatorite akordid
• Süntesaatorite arpeggiod
• Tõusud, pühkimised, löögid, üldine FX
• Orkestrihitid
• Plucky kitarrid

Kui mul on oma konkreetne instrumentide palett lukustatud, saan valida, kuidas ma tahan neid helisid oma arranžeeringus rakendada. Ma ei taha, et kõik need helid mängiksid iga lauluosa ajal. Selle asemel tahan, et need tuleksid ja läheksid sisse ja välja, et muuta lugu dünaamilisemaks.

Kui kuulete aktiivselt segu, saate kuulda, kuidas lood on kihitatud, et luua rikkalikum ja täielikum heli.

Paljud elektroonilise muusika produtsendid kihistavad mitu heli, et saada tihedat instrumentatsiooni. Näiteks võite kasutada peamise süntesaatorina saelainet ja toetada seda ruutlaine juhtlaine, sooja, kaja pad'i ja kõrge, veidi häälestatud harmoonilise kihiga teises oktaavis.

Mõtlemine tämbri ja dünaamika üle

Te ei pea tingimata kasutama oma laulus täpselt samu instrumente, mida te kuulete oma referentsis. Selle asemel võite kasutada sama tämbriga instrumente. Ütleme, et teie refereeritava EDM-loo konksus on soe, püsiv pad ja helge, staccato süntesaator.

Sa võid leida instrumente, millel on sama tämbriline mitmekesisus, et luua sama sageduskoosseis, mis on sinu referentsinstrumentidega, mis sulle meeldib. Näiteks võite kasutada Rhodes-klaviatuuri sooja, kestva pad'i asemel ja stacato-süntesaatori asemel plucky elektrikitarri.

Samamoodi saate jälgida, kuidas dünaamika muutub kogu viite jooksul, ja püüda sarnaseid dünaamilisi kontrasti oma arranžeeringusse lisada.

The Beatlesi "A Day in the Life" on suurepärane näide dramaatiliste dünaamiliste muutustega laulu kohta. Koorid on vaiksed ja mõtisklevad, enne kui kulmineeruvad totaalseks kaoseks.

Helikujundus ja efektid

Mulle meeldib pöörata suurt tähelepanu unikaalsetele helidisaini elementidele või efektidele, mida kasutatakse minu referentslugudes.

Alustuseks kuulan tähelepanelikult, kuidas ruumilisi efekte, nagu järelkaja ja viivitus, kasutatakse võrdlusrajal. Kuulates võite esitada endale mitu küsimust:

• Kas rajal on kaja ja millist? (plaat, saal, ruum, vedru jne.)
• Kuidas on viivitus? (slap, ping-pong, veerandnoot jne.)
• Kui levinud on need efektid mixis võrreldes instrumentidega, millel neid kasutatakse?
• Kas need on laiali stereospektris või mono?
• Kas teatavate elementide mõju on mitu korda olemas? Näiteks on paljudes poplauludes kombineeritud ruumihall, plaatkaja, slap delay ja stereoviivitus.
• Kuidas neid mõjusid töödeldakse? Kas neid on ekvalaiseritud, kokkusurutud või moonutatud?

Mulle meeldib ka küsida, kuidas on segus olevad elemendid paigutatud.

Näiteks enamik kaasaegseid rokkmiksereid kasutavad sarnaseid paanerdamistehnikaid - laul, bass, kick ja snare on keskel, overheads, elektrikitarrid ja akustilised kitarrid on paigutatud kõvasti vasakule ja paremale ning klahvid, löökpillid, hi-hatid, toms ja muud mix-elemendid on paigutatud kuskile vasakule või paremale omaette ruumi.

Loomulikult ei ole põhjust, miks te ei võiks ka paanitamisega loovaks saada ja mõned lood võivad olla suurepärased viited, kuidas seda teha.

Mõelge näiteks King Gizzard and the Lizard Wizard'i "Altered Beast III". Kui kuulete kõrvaklappidega, siis kuulete kahte salvestatud trummikomplekti kõvasti vasakule ja kõvasti paremale pannes, mis on väga ebatavaline valik, mis annab sellele loole ainulaadse kõla.

Lõpuks kuulake, kas teie referentsis on mingeid helikujundustehnikaid, mida saate kasutada.

Võtame näiteks Flume'i. Kui ta 2012. aastal elektroonilise muusika stseenile tuli, sai sellest alguse Future Bass'i stseen.

Ta kasutas ainulaadset segu granulaarsünteesist tekstuuri, ajas venitatud ja moduleeritud vokaalefektide ning stereomodulatsiooni viivituste ja järelkaja loomiseks, et luua kaasahaaravaid kuulamiselamusi. Tulemus oli lausa fenomenaalne ja tänaseni on need helikujundustehnikad tema helipildi oluline osa.

Segamine

Kui ma olen muusikaproduktsiooniga valmis, valin referentslugusid miksimise jaoks. Minu arvates on alati kasulik kasutada miksimiseks professionaalselt miksitud võrdluslugusid, sest need annavad võrdlusraamistiku, kuidas teie mix peaks kõlama.

Erinevatel kuulamiskeskkondadel on omad veidrused. Näiteks kui te miksite halvasti töödeldud magamistoastuudios, on lihtne lisada liiga palju või liiga vähe madalat heli. Mõnes ruumis on režiimid ka madalates keskmistes, mis võib panna teid arvama, et teil on vaja kõikidest elementidest hunnik "muda" välja kühveldada.

Kui te aga võtate selle segu autosse, võite leida, et teie segamisotsused olid moonutatud selle ruumi heli tõttu, kus te töötasite. Kui kasutate referentslugusid, saate segamise etapis rohkem kindlustunnet oma tonaalses tasakaalus, tagades, et teie lugu kõlab erinevates taasesitussüsteemides nii, nagu see peakski kõlama.

Kui valite miksimise etapis referentsi, peaksite leidma sellise, mis vastab teie enda laulu žanrile ja stiilile. See võib olla sama laul, mida kasutasite oma produktsiooni referentsiks, kui see on kõlaliselt mõistlik.

Oluline on veenduda, et lugu, millele te viitate, on hästi miksitud ja masterdatud.

Mul on mõned valitud võrdlusrajad eri žanritest, mida olen aastate jooksul kogunud, ja igaühel neist on mulle meeldivad helilised omadused. Soovitan teha sama!

Kui teil on oma viide, laadige see oma DAW-sse ülejäänud segust eraldi rajal, nii et see ei läbiks mingit töötlemist, eriti bussi töötlemist.

Mahu tasakaal

Mixi viitamisel on oluline, et teie referents vastab teie mixi tajutavale helitugevusele. Rada, millele te viitate, on tõenäoliselt masterdatud. Te ei taha siiski miksida sama helitugevusega kui masterdatud lugu, sest siis ei jää masterdamiseks ruumi.

Mulle meeldib tavaliselt langetada oma võrdlusrajad umbes -6 dB võrra ja sealt edasi alustada oma mixelementide helitugevuse reguleerimist, sest minu arvates annab see tavaliselt mulle vajaliku pearuumi.

Kuigi protsess muutub sõltuvalt loost, on hea mõte alustada loo põhielementidest, sealhulgas vokaalist, kickist, snare'ist ja bassist. Pöörake tähelepanu sellele, kuidas need elemendid segus istuvad, ning püüdke sobitada nende helitugevust ja toonilisi omadusi oma loos. Seejärel tooge ülejäänud instrumentatsioon nende ümber ja testige A/B-testiga, et leida tasakaal, kui liigute edasi.

Tonaalse tasakaalu, dünaamilise ulatuse ja stereokujunduse hindamine

Protsessi järgmine osa on tagada, et teie segu sagedusbilanss oleks sarnane referentsiga. Kas on valdkondi, kus teie segu on puudulik? Teil võib olla vaja teha kohandusi.

Alustage mõlema loo kuulamisega tervikuna ja võrrelge oma segu erinevaid üldisi sagedusvahemikke võrdlusmiksiga.

Kas teil on liiga palju või liiga vähe low-end'i? Aga kuidas on kõrgema kvaliteediga? Keskmised? Madalad keskmised?

Kui olete valinud korraliku sageduse tasakaalu, mis teile hästi kõlab, võite hakata erinevaid instrumente häälestama.

Võib-olla on teie referentsmiksis oleval vokaalil mõnusalt krõbedad kõrgtooned, mida teie vokaalil ei ole. Probleemi lahendamiseks võiksite anda oma vokaalile 10 kHz kõrgete riiulite võimendust. Võib-olla kõlavad teie kick ja bass referentsmuusikaga võrreldes kummiselt ja ebamääraselt. Sellisel juhul võiksite proovida neid puslega EQ-d, et nad omavahel kenasti mängiksid.

Kui sageduse tasakaal on õige, meeldib mulle kuulata dünaamilist ulatust ja kompressiooni, mida ma kasutan oma referentsis. Amatöörmiksenerina on kompressioon üks raskemaid asju, mida on kõige raskem õigesti saada, sest see võib olla üks kõige raskemini kuuldavaid asju. Kuid harjutamisega saate palju kindlaks teha, millist kompressiooni stiili peate kasutama, et seista vastu professionaalselt miksitud lugudele.

Näiteks ei ole ebatavaline, et popmiksis kasutatakse 10-20 dB kompressiooni vokaalile, et see lukustada. Analüüsige tänapäeval peaaegu kõiki popmuusika top-40 lugusid raadios ja ma garanteerin, et te kuulete, kuidas vokaalid on kompressioonis.

Lõpuks tehke lõplik läbimine, kuulates samal ajal referentsi stereolaiust. Vaadake, kuidas teie segu kokku sobib. Kas elemendid on paigutatud stereoväljas õigesti? Võib-olla on viide salmides kitsas ja avaneb refräänides laiaks. Võib-olla on vokaalide kaja mono, et teha ruumi tihedale stereokorraldusele. Võib-olla on mõnel instrumendil auto-pan, et anda neile rohkem huvi.

Kuulates, kuidas iga element on paigutatud, saate teha oma stereomiksis kindlamaid otsuseid.

Meisterdamine

Tavaliselt lähenen ma masterdamisel referentslugudele samamoodi, nagu ma lähenen neile miksimisel.

Valige hästi masterdatud võrdlusrada, mis on samas stiilis kui teie lugu.

Laadige see oma mastering-seanssi eraldi rajal, ilma lisatöötluseta, ja analüüsige, kuidas teie lugu selle suhtes valjuse, sageduste tasakaalu, stereolaiuse, dünaamika ja tonaalsete omaduste poolest vastu peab.

Mulle meeldib tavaliselt kasutada spektrianalüsaatorit, et võrrelda oma master'i sageduse tasakaalu erinevusega, sest see aitab mul näha, kus on erinevusi madal-, kesk- ja kõrgsagedusvahemikus.

Samamoodi saate kasutada selliseid vahendeid nagu REFERENCE, millest ma eespool kirjutasin, et saada teavet kõigi kolme peamise heliomaduse - sageduste tasakaalu, dünaamika ja stereolaiuse - kohta.

Meie eMastered'i tehisintellekti masteringu algoritm sisaldab ka viitefunktsiooni, mis võimaldab teil laadida üles oma referentsi ja saada selge, puhas master, mis on kooskõlas teile meeldivate lauludega.
Proovige seda tasuta!

Viimased mõtted - Referentslugude kasutamine professionaalse kõlaga muusika jaoks

Olgu tegemist siis arranžeeringute, akordiprogressioonide, muusika tootmise, miksimise, masteringu või nende kombinatsiooniga, ei ole mingit põhjust mitte kasutada originaalmuusika jaoks referentslugusid.

Kui valite võrdluslugusid, otsige neid, mis kuuluvad samasse žanrisse kui lugu, mille kallal te töötate. See muudab teie loomingulist töövoogu tohutult ja optimeerib efektiivsust, millega te miksite ja masterite.