Kas olete kunagi kuulnud väljendit "tähtis ei ole, mida sa ütled, vaid kuidas sa ütled"? Me võime seda põhimõtet rakendada ka muusikainstrumentide väljendusele: tähtis ei ole see, mida sa mängid, vaid kuidas sa seda mängid. See ja teadlik helivalik on pillimängu kontseptsiooni põhiprintsiibid.

Muusika instrumenteerimine annab kirjutatud kompositsioonile elu ja emotsiooni, mistõttu on see oluline osa muusikuna tegutsemisest, olgu sa siis laulja, produtsent või instrumentalist. Järgnevalt selgitame, kuidas instrumenteerimine toimib, ja jagame, kuidas saate neid klassikalisi tehnikaid kasutada, et anda oma loomingule täiustatud väljendusrikkus, mis kaasab kuulajaid.

Instrumentatsiooni määratlemine muusikas

Instrumentatsioon tähendab muusikapala helitekstuuride ja instrumentide konkreetset kombinatsiooni, mis on mõeldud laulu põhiidee toetamiseks. Kõige lihtsamal kujul viitab instrumentatsioon produtsendi või helilooja konkreetsele instrumentide valikule heliloomingu jaoks.

Lisaks heli ja instrumentide valikule võib instrumentatsioon rääkida ka sellest, kuidas erinevaid elemente väljendatakse: Näiteks vibratoga mängitud elektrikitarr annab hoopis teistsuguse tunde kui puhtalt mängitud kitarr. Erinevad instrumendid kuuluvad ka erinevatesse sagedusvahemikesse, seega sõltub instrumentatsioon suuresti heli spektraalsest tasakaalust mitme helielemendi vahel.

Sisuliselt tähendab instrumenteerimine instrumentide valimist ja nende väljendamise intensiivsuse dikteerimist, mille lõppeesmärk on luua tasakaalustatud, sidus segu, mis toetab laulu meloodiat:

‍

Miks on mõõteriistad olulised?

Kui te mõtlete instrumentatsioonile, siis võib teie mõtetes tulla kohe meelde orkestrimuusika. Kas te kujutate ette, kui helilooja kirjutaks teose, kus bassihääl oleks 5x tugevam kui esimestel viiulitel mängitud meloodia? Ilmselt võite arvata, et see teos tunduks tasakaalustamata, mistõttu oleks raske jälgida muusika põhimeloodiat.

Instrumentatsiooni põhimõtted annavad meile raamistiku tasakaalustatud, sidusa muusika loomiseks, mis austab laulu põhiideed. Enamik laule saab destilleerida kuni trummide, bassiliini ja kõike kokku tõmbava meloodiani. Kui me mõtleme instrumentatsioonist kui valikutest, mis on mõeldud meloodia toetamiseks, mitte selle üle võimendamiseks, siis oleme suurepärases vormis.

Instrumentide koostisosad

Kuidas siis luuakse suurepärane instrumentatsioon? Siin on peamised komponendid, millega iga muusik peaks arvestama:

Heli valik

Instrumentatsiooni suurim komponent on helivalik. See ei ole ainult üksikute komponentide valimine, mis teile meeldivad; helivalik seisneb selles, et teil on eeldatavad teadmised sellest, kus teatud instrumendid asuvad kogu sagedusspektris (ärge muretsege, me käsitleme seda allpool), ja kasutate neid teadmisi, et anda teavet selle kohta, mida te oma kompositsioonis kasutate.

Te peate võib-olla tegema teatud kompromisse, sest see, et midagi kõlab üksi hästi, ei tähenda, et see kõlab koos ülejäänud muusikaga suurepäraselt. Kui see ei toeta meloodia ideed, peab see minema.

Tekstuur

Tekstuur näitab, kui siledat, karedat, kobedat või pidevat heli võib tunduda. Kuigi need on pigem subjektiivsed mõisted, on oluline kaaluda, kuidas erinevate instrumentide erinevad tekstuurid omavahel interakteeruvad, kui neid esitatakse kompositsioonis.

Dünaamika

Dünaamika näitab, kui valju või vaikset midagi on, eriti seoses sellega, kuidas valjus ja vaikus muutuvad laulu jooksul.

Artikulatsioon

Artikulatsioon on viis, kuidas instrumentaal- või vokaalpartiid väljendatakse. Näiteks võib vokaali laulda kõvade või pehmete konsonantidega, see on lihtsalt valitud artikulatsiooni küsimus.

Timbre

Tämber kirjeldab tooni, milles instrumentaalosad väljenduvad.

Range

Kaugus tähistab sagedusspektri madalaimate ja kõrgeimate elementide vahelist kaugust. Teie instrumentatsioon mõjutab teie pala ulatust ja seega ka teie fännide kuulamiskogemust.

Segu

Blend või tasakaal tähendab, et teie kompositsioonis valitseb suhe ühe ja teise helilise hääle vahel. Suurepärane instrumentatsioon tekitab laulu eri elementide vahel ühtlase segu.

Mis vahe on instrumenteerimisel ja orkestreerimisel?

Instrumentatsioon ja orkestrimuusika on väga sarnased, mõlemad räägivad konkreetsest helistamisest ja instrumentide valikust kompositsiooni kontekstis. Orkestreerimine on siiski veidi spetsiifilisem termin, mis räägib helivalikust orkestrimuusika loomisel, tavaliselt live-keskkonnas.

Seevastu instrumenteerimine on laiem mõiste, mis hõlmab laiemat valikut tootmis- ja kompositsioonikuuri meetodeid.

Näiteks võib öelda, et teatud süntesaatorite ja trummipartiide valimine teie digitaalses helitöötlusjaamas on teatud tüüpi instrumenteerimine. Orkestreerimise puhul töötate samuti mitme instrumendiga, kuid live-keskkonnas, näiteks keelpillikvarteti helibalanssi välja selgitades.

Kuhu kuuluvad erinevad helid sagedusspektris?

Selleks, et luua tasakaalustatud muusikapala, peab teil olema põhiline arusaam sellest, kus instrumendid ja helid üldiselt asuvad kogu sagedusspektris.

Miks?

Vastasel juhul on lihtne teatud lõigetes üle pingutada, mille tulemuseks on kehv instrumentatsioon. Siin on, kus te võite eeldada, et instrumendid langevad kogu sagedusspektrile võrdluseks:

Trummid

Trummid on sagedusspektri katvuse poolest üllatavalt mitmekülgsed. Kick-trummid on kõige madalamal, kusjuures tämber puhkab kusagil 60-80 Hz juures. Snare'id ja toms jäävad peamiselt sagedusspektri keskele, hi-hatide ja tämbrite sära ulatub sagedusspektri ülemisse otsa, 5 kHz+.

Stringid

Keeled katavad sagedusspektri keskosa, kuid teatud keelpillidel on elemente, mis ulatuvad madalamale või kõrgemale. Basskitarrid ja kontrabassid katavad osa sagedusspektri alumise osa, samas kui viiulid ja mandoliinid ulatuvad ülemisse sagedusvahemikku, hõlmates mõned sagedused vahemikus 2,5 kHz - 5 kHz.

Elektribass võib võtta osa madalamatest sagedustest, hõivates samas märkimisväärset ruumi spektri keskosas.

Vokaalid

Individuaalsed hääleulatused on erinevad, kuid üldiselt võib eeldada, et need jäävad 200 Hz ja 15 Hz vahele, sõltuvalt sellest, kas laulja on mees või naine. Meeshääled võivad hõlmata sagedusala vahemikus 100 Hz kuni 8 kHz. Naishääled võivad katta palju suuremat ulatust, kuigi nad algavad sagedusspektri keskele lähemal, ulatudes vahemikus 350 Hz kuni 17 kHz.

Klaver, klahvpillid ja süntesaatorid

Need instrumendid on kõik uskumatult mitmekülgsed, võimaldades neil katta enamikku sagedusspektrit. Nad ei hõlma kõiki väga madalaid alamsagedusi ega ülikõrgeid sagedusi, mis algavad umbes 5 kHz piirist.

Algne klaverivalik on siiski piiratum kui näiteks elektroonilistel instrumentidel, nagu klahvpillid või süntesaatorid. Lihtsalt pidage meeles, et need helid on laiaulatuslikud ja seetõttu tuleks neid ettevaatlikult kasutada.

Kuhu kuuluvad orkestriinstrumendid sagedusspektris?

Kui unistad dirigendiks saamisest, algab orkestreerimine sellest, et mõistad, kuhu konkreetsed instrumendid sagedusspektris kuuluvad. Tutvuge sellega, kus asuvad järgmised instrumendid, et saaksite luua suurepärase tasakaalu elavas muusikakeskkonnas:

Kontrabass

Kontrabass on see, kust saad mürinat ja rikkalikke alasagedusi orkestris. Alates 40-300 Hz, need instrumendid annavad alumise osa alumise osa.

Tšello

Tšello asub kontrabassi kohal, lisades madalad kuni madalad keskmised sagedused kuni 1 kHz. See võib toetada meloodiat, visandades erinevate akordide toonikaid.

Flööt

Flööt, mis on tuntud oma heleda, mõnikord kriipiva heli poolest, puhkab keskmistes sagedusalades, kuid võib ulatuda kõrgematesse keskmistesse kuni umbes 4 kHz-ni.

Viiulid

Viiulid hoiavad sageli meloodiat ja paistavad segust silma oma läbilöögivõimelise, selge tekstuuri tõttu. Nad võivad ulatuda 200 Hz-st kuni 10 kHz-ni või kõrgemale, et saavutada säravaid kõrgeid helisid.

Klaver

Sarnaselt eespool kirjeldatud kaasaegse tootmisega on klaver eriline selle poolest, et ta suudab katta peaaegu kogu sagedusspektri.

Klarnet

Need soojad puupillid on keskmises sagedusalas, mis asub umbes 100 Hz - 2 kHz.

Oboe

Oboe on tuntud oma nasaalse kõla poolest, mis annab orkestrile huvitava tekstuuri. Oboe puhkab umbes 250 Hz - 4 kHz, elades peamiselt keskmises sagedusalas.

Sarved

Sarvidel on tavaliselt üsna suur vahemik, kuigi nad hõivavad kõige tugevamalt sagedusspektri ülemist keskmist vahemikku. Sarved on üsna väljendusrikkad ja võivad liiga räigelt mängides kergesti tasakaalu ületada, seega olge ettevaatlik.

Trummid

Sarnaselt trummidele teie DAW-s, hõivavad orkestri trummielemendid koos mängides kogu spektri, kusjuures teatud elemendid hõivavad kõrgemad või madalamad vahemikud kui teised. Samad vahemikud kehtivad ka kick-, snare- ja tämbrite puhul, nagu eespool kirjeldatud. Timpani kipub paiknema madalamates ja keskmistes sagedustes umbes 50-400 Hz.

Kuidas kasutada kaasaegset instrumentatsiooni oma lugudes

Isegi kui te ei näe ennast klassikalise muusika dirigendina või traditsiooniliste instrumentide kasutajana, saame siiski kanda pillimängu õppetunde tänapäeva muusikamaastikule. Järgnevalt on kirjeldatud, kuidas saate instrumenteerimise põhimõtteid oma digitaalsesse helitöötlusse tuua:

Heli valik ja disain

Nii nagu orkestrimuusika või elusate muusikainstrumentide puhul, on valitud VST-del, instrumentidel ja isegi proovidel suur mõju teie lõplikule kompositsioonile. Seadke prioriteediks heli, mis esindab kõige paremini teie meloodilist ideed, ja ehitage seejärel selle ümber. Kõik helid, mis jäävad väljapoole teie põhiideed, tuleks valida nii, et nad rõhutaksid, mitte ei ületaks seda algset heli.

Heli kihistamine

Saate katsetada sama heli korraga või mängida erinevate helidega, mängides sarnaseid osi mitmes oktaavis. Kihtide virnastamine võib aidata üksikutel osadel tunduda laiemalt ja jõulisemalt ning lasta teie mixil tunduda ühtsemana. Olge lihtsalt ettevaatlik, et mitte liialdada: teie meloodia peaks alati jääma esietenduse peategelaseks.

Automatiseerimine

Automatiseerimine loob kuulaja jaoks dünaamilisema kogemuse, mis sarnaneb rohkem sellega, kuidas te kogete elavat muusikainstrumenti. Eksperimenteerige aja jooksul selliste parameetrite nagu helitugevus, filter ja pilli üksikud komponendid automatiseerimisega, et programmeerida oma lugudes realistlikumat esitusavaldust.

Kiirus ja muud väljendusparameetrid

Väljakutse, mis kaasneb muusika produtseerimisega tarkvara abil, mitte selle esitamisega ja salvestamisega, on see, et võib kaduda mõni esituse ebatäiuslik aspekt, mis muudab midagi "inimlikult" kõlama.

Üks näide selle kohta võib olla kiiruse või intensiivsuse muutmine, millega noote väljendatakse. Kui instrumentalist esitab laulus osa, ei mängi ta tavaliselt iga nooti ühtlaselt, kuigi see on sageli MIDI-osadesse vaikimisi sisse küpsetatud. Võta aega juhuslikuks muutmiseks ja väljendusparameetrite kohandamiseks, et luua vähem robootilist tunnet.

Instrumentatsioon äratab muusika ellu

Instrumentatsioon seisneb selles, et mõista oma kompositsiooni üksikute komponentide kõlalist iseloomu ja valida need vastavalt sellele, eesmärgiga luua tasakaalustatud teos, kus üks häälitsus ei suru teist täielikult üle. Valitud helide sisse põimitud ekspressioon võib kindlasti muuta teie teose üldist emotsiooni, muutes instrumentatsiooni võimsaks ja dünaamiliseks tööriistaks.

Loodetavasti tegi see juhend teile instrumenteerimise kunsti omandamise lihtsamaks. Nautige tasakaalustatud, hästi väljendatud kompositsioonide loomist instrumentatsiooniga, olgu te siis helilooja, produtsent või instrumentalist.