Kas olete kunagi pärast oma lemmiklaulu kuulamist kõrvaklapid maha võtnud ja mõelnud, et "kuidas kurat küll on see lugu nii hea?".

Mõnikord on meloodiaid, akordiprogressioone ja sõnu, mis leiavad viisi, kuidas jääda meie ajudesse ja raiuda nišše meie endi olemusse.

Tõeliselt hea laul on selline, mida mäletad igavesti.

Loomulikult võib olla keeruline kindlaks teha, mis täpselt eristab hüpnotiseerivat lugu keskpärasest. Sellegipoolest, kui teie eesmärk on muuta oma laulukirjutamise oskusi, et muuta oma laulud meeldejäävamaks, on teatud elemendid, mis on olnud järjepidevad alates kaasaegse laulu loomisest.

Siin on mõned meie parimad nõuanded laulude kirjutamiseks, et teie muusika kõlaks nagu kunagi varem.

1. Meeldejääv meloodia või konks

Peaaegu iga suure laulu süda on refrään. Kui te ei kirjuta instrumentaal- või elektroonilist muusikat, on selle refrääni kõige olulisem osa tõenäoliselt vokaalmeloodia. See on see osa, mida teie publik võtab tõenäoliselt kaasa, sumisedes ja vilistades kaua pärast laulu lõppu.

Seepärast ongi nii oluline keskenduda oma loomingulisele energiale, et luua meloodia, mida on raske unustada.

Siiski on oluline märkida, et teie laulu konks ei pea olema vokaalmeloodia. Tegelikult ei pea see isegi mitte olema osa refräänist.

Mõned muusikaajaloo kõige ikoonilisemad konksud on instrumentaalsed riffid.

Mõelge Deep Purple'i "Smoke on the Water".

Avakitarririff on üks tuntumaid roki ajaloos ja tõenäoliselt kõige enam õpitud riff algajate kitarristide jaoks.

Pink Floydi "Money" on teine suurepärane näide.

Laulu avav iseloomulik bassiriff loob meeleolu (ja loo kummalise taktimõõdu), sillutades kuulajatele teed teise dimensiooni astumiseks.

Samuti mõelge korraks sellele, kui paljusid edetabelihitte olete aastakümnete jooksul kuulnud, mille refräänid on suurepärased, kuid mille salme te üldse ei mäleta. Siinkohal on oluline järeldus veenva refrääni püsiv jõud.

Kui suudad kirjutada hea refrääni, võid kirjutada laulu, mis elab veel kaua pärast sinu lahkumist.

2. Hing ja emotsioonid

Kuigi on olemas laulu käegakatsutavamad elemendid, mis teevad selle suurepäraseks, näiteks akordiprogressioonid ja produktsioon, on see emotsionaalne side, mis tihtipeale kinnitab laulu koha sinu südames. Inimesed on huvitatud sügava emotsionaalse seosega lauludest. See on põhjus, miks laulja võib laulda laulu, mis ei ole tehniliselt täiuslik, kuid kui ta annab endast kõik, mis tal on, siis võib see panna juuksed su kaelal püsti tõusma.

Muusikal on sügav võime meid puudutada nagu miski muu. Isegi kui sa kirjutad laulu, mis äratab sinus unikaalseid emotsioone, mida mõned inimesed sinu arvates ei mõista, kirjuta see ikkagi. Isegi kui sinu kuulajad ei ela läbi täpselt sama asja, tunnevad nad ära, et see on sinu jaoks isiklik.

See, et ma ütlen, et laul võib kasutada emotsioone, ei tähenda, et see peab südamesse tõmbama.

On lõputuid emotsioone, mida me võime püüda kanaliseerida, näiteks:

• Rõõm (nt "Happy" Pharrell Williamsilt või "Walking on Sunshine" Katrina and The Wavesilt).
• Viha (nt Rage Against the Machine'i "Killing in the Name" või Alanis Morissette'i "You Oughta Know").
• Armastus (nt Bruno Marsi "Just the Way You Are" või Ed Sheerani "Thinking Out Loud").
• Hirm (nt Michael Jacksoni "Thriller" või Billie Eilishi "Bury a Friend").
• Nostalgia (nt Bryan Adamsi "Summer of '69" või Lord Huroni "The Night We Met").
• Inspiratsioon (nt "Eye of the Tiger" Survivorilt või "Rise Up" Andra Daylt)

Võimalusi, kuidas end laulus väljendada, on lõputult, nii et ole loominguline. Oluline on, et need emotsioonid oleksid midagi, millega sa suudad end siduda!

3. Suurepärane tootmisväärtus

Kuna ma olen suur Robert Johnsoni fänn, siis olen esimene, kes tunnistab, et produktsiooniväärtus ei ole alati see, mis teeb või rikub laulu. Johnson oleks võinud minu pärast salvestada mõned oma kuulsaimad lood kaja täis plaaditud vannitoas ja need oleksid ikkagi olnud suurepärased laulud.

Kuid see ei tähenda, et parem tootmisväärtus ei saa laulu esile tõsta, eriti tänapäeval.

1960. aastad olid muusika jaoks põnev ajastu, sest just siis hakkasid artistid ja insenerid koos uue tehnoloogia ja tehnika tekkimisega tõeliselt süvenema muusikatootmisesse.

Mõelgem korraks The Beatlesi "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band " peale. See oli revolutsiooniline projekt, mis näitas, kuidas stuudiot saab kasutada kui instrumenti iseenesest. See album, nagu ka teised, näiteks The Beach Boys'i "Pet Sounds", tutvustas keerulisi salvestustehnikaid, nagu multi-tracking ja kihistamine, seades uusi standardeid muusikaproduktsioonis saavutatavale.

Tänapäeval on kvaliteetne produktsioon tähtsam kui kunagi varem, eriti elektroonilise muusika puhul, kus kõik sõltub produktsioonist.

Terava, selge ja hästi tasakaalustatud miksiga on teil ainulaadne anum, et näidata suurepärast laulu, mis muidu oleks võinud jääda märkamatuks.

4. Tõhusad akordiprogressioonid

Selleks, et olla hea laulukirjutaja, ei pea tingimata olema muusikateooria guru. Siiski on akordiprogressioonidest kindel arusaamine hädavajalik. Akordid moodustavad iga hea laulu vundamendi, sest need annavad harmoonilise struktuuri, mis toetab kõike muud, alates meloodiast ja lõpetades rütmidega.

Olenemata sellest, kas te panete maha midagi funky nagu Bbm7-Eb7 soul'i loos või põhilise D-A-G rokihümni, valitud akordid võivad määrata teie laulu emotsionaalse tooni. Kui sa tead, kuidas neid tõhusalt kasutada, võib see kõik muuta.

Üks populaarsemaid akordiprogressioone lääne popmuusikas on I-V-vi-IV. Tegelikult on see nii populaarne, et muusikakomöödia duo Axis of Awesome kirjutas sellest laulu:

Mis selles akordiprogressioonis siis nii tore on?

Noh, alustuseks on see loomupäraselt meeldiv kõrva jaoks. See pakub rahuldavat lahenduse ja tuttavlikkuse tunnet, mida publik armastab, olgu see siis pop-, rokk-, kantri- või indie-muusikas.

Siin on mõned näpunäited tapja akordiprogressiooni kirjutamiseks:

• Eksperimenteeri variatsioonidega: Alustage standardprogressiooniga, näiteks I-V-vi-IV, seejärel muutke ühte või kahte akordi, et näha, kuidas see mõjutab meeleolu.
• Mõelge meeleolu, mida soovite edasi anda: Valige akordid, mis peegeldavad teie laulu emotsioone. Näiteks moll akordid võivad tekitada kurbust või pinget, samas kui duurakordid on pigem helgemad ja rõõmsamad. Kuula mõnda oma lemmiklugu ja vaata, milliseid akorde nad kasutavad meeleolu loomiseks!
• Kasutage pinget ja vabastamist: ehitage pingeid dissonantsemate või keerulisemate akordidega, seejärel lahkuge lihtsamate, konsonantsemate akordide juurde, et anda kuulajatele vabanemise tunne.
• Ühendage see oma meloodiaga: Veenduge, et teie akordiprogressioon toetab teie meloodiat. Mõnikord on vaja vaid suurepärast meloodiat, mis juhatab teid õigete akordide juurde.

5. Meeldejääv või mõjuv laulusalm

Kui tahad saada hittlaulu, mis jääb inimeste esitusloendisse püsima, on oluline kirjutada hea laulusõnade tekst.

Kui teie sõnad ei haara inimesi, siis on tõenäoline, et nad ei mäleta lugu ka pärast ühekordset kuulamist.

Võtame näiteks Daft Punki loo "Around the World". Sõnasõnad korduvad sõna otseses mõttes ikka ja jälle, kuid sa ei saa kuidagi teisiti, kui need jäävad sulle pähe. Just see meeldejääv kordamine on teinud sellest globaalselt menuka loo.

Teisest küljest, vaadake sellist laulu nagu Queeni "Bohemian Rhapsody", mis on hoopis teisel tasemel. Tekstid on teatraalsemad, tõmmates teid kaasa minidraamasse, mille meeldejätmine võib võtta aega, kuid mis on siiski sama meeldejääv kui iga suur poplaul.

Kuigi on lugematuid lugusid, mis kasutavad samu põhilisi akordijooniseid, nagu klassikaline I-V-vi-IV, on see tegelikult laulusõnad, mis teevad laulu eriliseks ja püsivaks. See on see, kuidas su sõnad inimestega ühendust võtavad.

Kui soovite kirjutada meeldejäävaid ja tabavaid laulusõnu, on siin mõned näpunäited:

• Mängi meeltega: Lisage üksikasju, mis maalivad pilte või tekitavad tundeid.
• Keerake lõnga: Tehke oma laulusõnad jutustama lugu, millesse kuulajad saavad sukelduda.
• Hoidke seda reaalselt: ausad laulusõnad tunduvad kergemini mõistetavad ja ehedamad.
• Hakka poeetiliseks: Kasutage metafoore või võrdlusi, et lisada veidi meeleolu.
• Jääge teemasse: Veenduge, et teie laulusõnad sobivad teie loo meeleoluga.

6. Ettearvamatus

Ettearvamatus võib laulu tõeliselt vürtsitada, eriti tänapäeval, mil iga päev ilmub voogedastusplatvormidel peaaegu 120 000 laulu.

Kui laulud viskavad sulle kurvapalli, tundub see meeldejäävam ja paistab silma.

Võtame näiteks Radioheadi "Paranoid Android".

See lugu on kõikjal - heas mõttes. See kõigub pehmest akustilisest introst agressiivsema, elektroonilise crescendo piirimaile. Kogu aeg ründab Yorke raskekäelisi teemasid nagu võõrandumine. Iga keerdkäik pakub pidevaid üllatusi, mis on üks põhjusi, miks seda on lihtne kuulata ikka ja jälle, ilma et see igavaks jääks.

Tulles tagasi "Bohemian Rhapsody" juurde, on teil põhimõtteliselt mitu laulu ühes. Ligi kuue minuti jooksul saame natuke rokki, pisut klaveriballaadi ja korraliku annuse ooperit, mis kõik sujuvalt üksteise sisse voolavad.

On mõned viisid, kuidas sa saad oma lugusid ettearvamatusega segada:

• Raputa laulustruktuuri: proovi loobuda tavapärasest salmi-koori laulustruktuurist ja ole sellega loominguline. Visake sisse juhuslik instrumentaalsoolo, muutke tempot või mängige võtmevahetustega.
• Olge helidega loominguline: Eksperimenteerige ebatavaliste instrumentide või helidega, funky vokaalefektidega või värskete elektrooniliste proovidega, et üllatada kuulajaid. Justin Vernon Bon Iverist on suurepärane näide artistist, kes mängib ootustega.
• Flip the Script with Lyrics: kasuta sõnamängu, nihuta teemat tühjalt kohalt või ehita ebatraditsiooniline lugu. Lil Wayne tegi seda kõige paremini, kui ta kirjutas "Real Gs move in silence like lasagna".

7. Dünaamiline ulatus

Kuigi see ei pruugi olla kõige tähtsam element, on dünaamiline ulatus midagi, mida tihtipeale leiad suurepärastes lugudes.

Ma pean silmas kõrgust ja madalat, olgu see siis laulu helitugevuses, meloodilises fraasimisel või instrumenteerimisel. Näiteks võib laulja teha refräänis meloodilise hüppe oma kõrgemasse registrisse, et tekitada tõusu.

Üks minu lemmiknäiteid on Phil Collinsi "In the Air Tonight".

See algab pehmelt, kummituslikult ja meeleolukalt, ilma igasuguse rütmilise mustrita. Lõpuks tabab sind see, mis võib olla kõigi aegade kõige ikoonilisem trummifill, enne kui see plahvatab lõppkoorusesse.

Zeppelini "Stairway to Heaven" on teine suurepärane näide legendaarsest loost, milles kasutatakse dünaamilist ulatust. See algab õrna akustilise introga, mis aeglaselt areneb intensiivseks, võimsaks kulgemiseks koos elektrikitarrisoologa ja täisbändi kulminatsiooniga.

Muusika kirjutamisel saab dünaamilise ulatuse lisamisele läheneda mitmel viisil:

• Alusta plaaniga: Kavandage, kus soovite, et teie laulu vaiksed ja valjud osad oleksid, ja järgige seda tegevuskava.
• Kaasata instrumentaalpausid: Lisades soolo või instrumentaalpausi, saate lisada tonaalset ja helitugevuse kontrasti.
• Eksperimenteeri mõõteriistadega: Lisage või eemaldage instrumente laulu eri osades. Näiteks võib akustilise kitarri või klaveriga piirdumine salmi ajal muuta refräänis kogu bändi võimsamaks.
• Mängi lauludünaamikaga: Kui laulad, vaheta vahemikku või stiili osade vahel. Võiksite jääda salmides kuisutava madalama oktaavi juurde ja refräänides vöösid seda välja.

Viimased mõtted - Mis teeb laulu heaks?

Küsige paljudelt muusikasõpradelt, mis teeb laulu heaks, ja te saate erinevaid vastuseid. Ühe inimese jaoks võib üks hea laul olla teise inimese elu põrmuks. Kuid just see ongi hea muusika ilu - see on subjektiivne.

Kui me vaatame muusikatööstuses aastakümneid tagasi, siis hakkame avastama teatud põhitunnuseid, mis jõuavad populaarsetesse lauludesse. Alates meeldejäävatest meloodiatest kuni soliidse laulustruktuurini ja kaugemale.

Kui sa oled üks paljudest ambitsioonikatest muusikutest, kes soovivad kirjutada head muusikat, siis alusta enne sind edukalt tegutsenud legendide uurimisega ja kasuta seda, mida sa kuuled, oma kirjutamisel.