Ha még csak most kezdesz elmerülni az elektronikus zenében, akkor egy hatalmas világot kell felfedezned. A számtalan pluginnel, szintetizátorral és a produkciós stílusok folyamatosan fejlődő skálájával az elektronikus zenei lehetőségek szinte végtelenek.

Természetesen az elektronikus zenét az erőforrások bősége, amely olyan változatossá teszi, a kezdők számára kissé ijesztővé is teheti a belépés lehetőségét. Egyáltalán hol kezdjük el, amikor a YouTube-videók, cikkek és online tanfolyamok univerzuma veszi körül a témát?

Pontosan ezért vagyunk itt. Ebben az útmutatóban az elektronikus zene készítésének alapjait vesszük sorra, a szintézis alapjaitól a produkciós szoftverek és hardverek útvesztőjéig. Akár táncparkettre való technót, akár ambient hangzásvilágot, vagy bármit a kettő között szeretnél előállítani, egy sor olyan meglátással és tippel szolgálhatok, amelyek remélhetőleg inspirálnak majd a képességeid tökéletesítésére!

Mi az elektronikus zene?

Az elektronikus zene a legtágabb értelemben messze túlmutat a tipikus műfaji kereteken. Valóban egy olyan módszerről van szó, amely teljesen megváltoztatta a zenei alkotás és fogyasztás módját.

Az organikus zenével ellentétben, amely az akusztikus hangszerek, például gitárok, vonósok, zongorák, élő dobok és ütőhangszerek természetes hangjaira támaszkodik, az elektronikus zene gyakran szintetizált hangokból és textúrákból áll.

A középpontjában analóg szintetizátorok és más elektronikus hangszerek, például elektromos orgonák és dobgépek állnak, amelyek népszerűsége az évtizedek során ugrásszerűen megnőtt.

Természetesen az elektronikus zene manapság a régi analóg hardverekben található tapintható gomboktól és elektronikus vezeték- és áramköri rendszerektől a számítógépek és a digitális szoftveres hangszerek elegáns interfészeinek használatáig fejlődött.

A legtöbb elektronikus zenei producer erősen támaszkodik a számítógépekre, kihasználva a DAW-ket és a hangok és effektek végtelen palettáját. Szeretek úgy gondolni erre a váltásra, mint a zenei produkció demokratizálódására, mivel bárki számára elérhetővé tette, akinek van egy számítógépe és kreatív érzéke.

Bár az elektronikus zene eredetileg egy underground mozgalom volt (gondoljunk csak a house zene születésére Chicagóban a 70-es évek végén, vagy a krautrock bevezetésére Németországban a 60-as évek végén, amely a kísérleti rock egy alműfaja volt, amely szintetizátorokat, szekvencereket és szalaghurkok használatát tartalmazta), mára már a mainstream kultúrát is áthatotta, és a poptól a hip-hopig mindenre hatással van.

Elég lenyűgöző látni, hogy hány kortárs elektronikus zenei producer szövi vissza az akusztikus elemeket a számaiba, mint például Bonobo, Tycho és Four Tet. Ez egyfajta újabb fúzió, amely gazdag, textúrált hangzást hoz létre, hogy tisztelegjen a múlt előtt, miközben az innováció határait feszegeti.

Az elektronikus zenei produkció olyan hatalmas fogalomkör, hogy nehéz egyetlen definícióban összefoglalni (egy egész könyvet kellene írnom, ha nem akarnám kihagyni a legfontosabb részleteket). Mindazonáltal, ha valaki elektronikus zenei producer szeretne lenni, úgy érzem, vannak jó helyek, ahol érdemes elindulni, hogy eligazodj.

Kötelező szoftverek és eszközök

Ahogy az elektronikus zene készítésébe merészkedsz, van néhány eszköz, amit útközben érdemes lesz beszerezned. A listán szereplő minden egyes eszköz egyedi szerepet játszik a produkciós folyamatban, kezdve a DAW-tól, amely a digitális stúdió szívét alkotja, a hardveres szintetizátorokig és dobgépekig, amelyek egyedi ujjlenyomatot adnak a hangzásodnak.

Nézzük meg egy kicsit mélyebben, hogy az egyes eszközök hogyan emelhetik az elektronikus zenei produkciót.

Digitális audio munkaállomás (DAW)

Minden elektronikus zenei producer beállításának középpontjában a Digital Audio Workstation (DAW) áll.

A DAW lesz az elsődleges eszközöd. Ez a központi csomópont, ahol minden kreatív ötlete életre kel. A DAW segítségével felveheted, szerkesztheted, keverheted és masterelheted a zenédet. Lényegében egy átfogó környezet áll rendelkezésedre, hogy elektronikus zenét készíts, ahogyan csak akarsz.

Most, hogy minden producernek megvan a saját kedvenc DAW-ja, arra a meggyőződésre jutottam, hogy vannak olyanok, amelyek egyszerűen jobbak az elektronikus zene készítéséhez, mint mások:

• Ableton Live: Az Ableton Live nagy rajongója vagyok már egy évtizede, különösen az intuitív session nézet miatt. Sok elektronikus zenei producer kedvence az élő előadások és a MIDI-szekvenálási lehetőségek miatt.
• FL Studio: Az FL Studio felhasználóbarát kezelőfelületével és erőteljes pattern-alapú szekvenálásával egy másik nagyágyú az elektronikus zenei producerek számára, akik a beépített szintetizátorok és effektek hatalmas választékával szeretnének kezdeni.
• Logic Pro: Az Apple Logic Pro egy másik, a legátfogóbb produkciós csomagok közé tartozó program, amely a legtöbb Apple termékhez hasonlóan elegáns és könnyen kezelhető. Ráadásul a hangok és loopok széles könyvtárát is megkapod, hogy elkezdhesd a munkát.
• Propellerhead Reason: A végtelenül sokféleképpen összekapcsolható szintetizátorok, samplerek és effektek minőségi virtuális rackjével a Reason a zenei produkció talán legegyedibb és legkísérletezőbb megközelítését kínálja.

Minden DAW hoz valami egyedit az asztalra, de amikor arról van szó, hogy melyik támogatja legjobban az Ön igényeit, ez teljesen szubjektív. Javaslom, hogy próbálja ki mindegyiket, hogy lássa, melyik illeszkedik a legtermészetesebben az Ön munkafolyamatába.

Hangkönyvtárak és mintacsomagok

Ezután következnek a hangkönyvtárak és a mintacsomagok, amelyek az elektronikus zene építőkövei. Akár ropogós dob loopokat, perzselő szintetizátor leadeket, akár egy régimódi R&B vokált keresel, amit feldarabolhatsz és újrahangolhatsz, fontos, hogy hozzáférj ezekhez az erőforrásokhoz.

Az elmúlt néhány évben nagy rajongója lettem a Splice-nek (ahogy sokan mások is, akik elektronikus zenét készítenek). Az előfizetéses modellnek köszönhetően krediteket kapsz, amelyeket hatalmas, műfajokon átívelő minta- és loopgyűjteményre válthatsz be.

Ha szeretsz teljes csomagokat letölteni, ajánlom a Loopmasters-t. Ők is kiváló minőségű csomagok széles választékát kínálják különböző műfajokban, a vintage dobgépmintáktól a kortárs szintetizátorokig.

Hanyag lennék, ha nem említeném meg a Native Instruments Komplete-et is . Bár a Komplete önmagában nem mintacsomag, mégis végtelen mennyiségű hangszer-, effekt- és hangkönyvtárat kínál, amelyek gyilkosak az általános zenei produkcióhoz.

Ha a DAW-ban szeretné használni a hangkönyvtárakat és a mintacsomagokat, szüksége lesz valamilyen eszközre, amely lehetővé teszi, hogy lejátssza őket, vagy különböző módon manipulálja őket (időnyújtás, hangmagasság-eltolás stb.) Szerencsére a legtöbb DAW beépített samplerekkel és dobgépekkel rendelkezik erre a célra.

Az Ableton Live Sampler és Drum Rack például mindkettő erőteljes mintavételi és ütemkészítési képességekkel rendelkezik, és mindkettő kiterjedt modulációs és szerkesztési lehetőségekkel.

Ha a Logic Pro-ban van, használhatja a Quick Sampler-t, amely kiválóan alkalmas különböző mintaformátumok importálására és lejátszására. Emellett meglehetősen részletes szerkesztési és testreszabási lehetőséggel is rendelkezik.

Természetesen vannak harmadik féltől származó lehetőségek is, mint például az NI Kontakt, amely egy mélyen testreszabható samplerrel, valamint egy hatalmas hangkönyvtárral és harmadik féltől származó bővítményekkel rendelkezik, vagy a Serato Sample, amely megkönnyíti a különböző forrásokból származó zenei mintavételezést, és a gyors aprítás, időnyújtás és hangmagasság-eltolás eszközeinek használatát.

Pluginok és virtuális hangszerek

Most jön a vicces rész.

A pluginek és a virtuális hangszerek kulcsfontosságúak az elektronikus zenei produkciós folyamatban. Ez egy olyan fekete lyuk, amelynek felfedezésével valóban örökké lehet kutakodni, mivel több ezer különböző effekt plugin és VST létezik. Azt mondanám, hogy a legjobb dolog, amit most tehetsz, hogy beszerezz néhányat különböző kategóriákban, és ismerd meg őket a lehető legjobban.

Íme néhány típus, amelyre érdemes odafigyelni:

• Szintetizátor pluginek: Elektronikus hangok generálása szintézis segítségével (mint egy analóg szintetizátor esetében), nagyszerű egyedi leadek, basszusok, pads stb. létrehozásához.
• Effekt pluginok: Javítsa vagy módosítsa a hangokat olyan effektekkel, mint az EQ, a tömörítés, a visszhang, a késleltetés, a torzítás, a moduláció és még sok más.
• Sampler Plugins: Digitális felvételek vagy minták lejátszása vagy manipulálása.
• Drum Machine Plugins: Emulálja a dobgépeket vagy a samplereket, nagyszerűen alkalmas ütemek és ritmusok lejátszására vagy kihúzására.
• Sequencer Plugins: Nagyszerű a zene elrendezéséhez és szekvenálásához. Ezek gyakran fejlett minta- és loopkészítési képességekkel rendelkeznek.

Mint mondtam, évtizedeket tölthetsz azzal, hogy különböző fejlesztők pluginjait és virtuális hangszereit vizsgálod, és ami az egyik elektronikus zenei producer számára kötelező VST lehet, az egy másik számára bukás lehet. Rajtad áll, hogy kutass és találd meg a számodra legmegfelelőbbeket. Olyan oldalakat is felfedezhetsz, mint az Equipboard, hogy megtudd, mit használnak a kedvenc előadóid.

Azonban, ha már itt vagy, adok neked néhány kedvenc ajánlásomat, amelyeket a legtöbb zeneszámomban használok, kezdve az effekt pluginekkel:

• FabFilter Pro-Q 3: Egyetlen mix sem múlik el a FabFilter hihetetlenül sokoldalú és felhasználóbarát EQ-ja nélkül. Kiválóan alkalmas sebészi és dinamikus EQ-zásra, és gyönyörű felülettel rendelkezik, amely áttekintést nyújt a frekvenciaspektrumról.
• Valhalla VintageVerb: Valószínűleg a leggyakrabban használt reverb plugin, különösen akkor, ha buja, vintage ihletésű reverbeket szeretnék, hogy mélységet és teret adjak bármelyik számnak.
• Soundtoys EchoBoy: Nem tudok sokoldalúbb delay plugint elképzelni. Gazdag, analóg hangzású delay effektekből álló csomagot kapsz, amely elég változatos ahhoz, hogy minden elektronikus zenei műfajnak megfeleljen.
• iZotope Ozone: A masteringhez az Ozone mindent tartalmaz, amire szüksége van a csiszolt, professzionális hangzású befejezéshez, az EQ-tól és a tömörítéstől a sztereó képalkotásig és a limitálásig.
• Xfer Records LFOTool: Ha van egy sávom, amely mozgást igényel, gyakran fordulok az Xfer Records LFO Tooljához, amely egyszerű módot biztosít a tremolo, auto-pan, trance-gate, side-chain kompresszor szimuláció és dubstep típusú wobble effektek hozzáadására minimális erőfeszítéssel.
• FabFilter Saturn 2: Egy másik kedvenc FabFilter plug-inem, a Saturn 2 a torzítás, telítettség és erősítő modellező effektek hatalmas választékával rendelkezik, nagyszerű, amikor a sávjaidnak melegségre vagy gritre van szüksége.

Ami a virtuális hangszereket illeti, itt van néhány, amit ajánlok, különösen akkor, ha mindenekelőtt sokoldalúságra vágyik:

• Xfer Records Serum: Az elektronikus zenei produkció egyik legjobb szoftveres eszközeként ez a wavetable szintetizátor a piacon elérhető legmagasabb minőségű hangzást és legrugalmasabb hangtervezési lehetőségeket kínálja.
• Native Instruments Massive X: A Massive a dubstep megjelenésekor vált az elektronikus zenei produkció alapelemévé, és az NI még tovább feszegette a határokat a Massive X-szel. Ez az egyik kedvencem, ha mély, erőteljes basszusokra és leadekre van szükségem.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Az Omnisphere 2 talán az egyik legsokoldalúbb szoftveres hangszer a piacon, hatalmas hangkönyvtárával és végtelen számú szintetizáló stílusával. A Keyscape ugyanúgy játékmegváltó a modellezett zongorák és billentyűzetek számára.
• Native Instruments Battery 4: A fő dob és ütőhangszer samplerem mostanában a Battery 4. Nemcsak hatalmas könyvtárral rendelkezik, amely mindenféle elektronikus zenei műfajhoz tartalmaz kiteket és mintákat, hanem mély szerkesztési és egyszerű lejátszási lehetőségeket is kínál, ha feltöltöd a saját mintáidat.
• Arturia V Collection: A pontosan modellezett vintage szintetizátorok és billentyűzetek a játék neve az Arturia esetében. Ha nincs hozzáférése analóg hardverhez, ez a gyűjtemény tökéletes arra, hogy klasszikus hangzásokat adjon a zeneszámaihoz.
• Spitfire Audio LABS: Nemrég kezdtem el felfedezni a LABS-ot, és minden egyes kiadványukat imádom. Ez egy folyamatosan bővülő, kiváló minőségű, ingyenes hangszerek sorozata, a vonósoktól kezdve a vokálokon át a kísérleti hangokig, amelyek tökéletesek arra, hogy egyedi textúrákat adjanak a zenédhez.

Ahogy folytatja az elektronikus zenei alkotást, úgy fog beleszeretni bizonyos pluginekbe és virtuális eszközökbe, bár arra kérem, hogy folytassa a felfedezést és tartson lépést az új kiadásokkal, mivel mindig van valami izgalmas a láthatáron.

MIDI billentyűzet vagy vezérlő

A MIDI, ami a "Musical Instrument Digital Interface" (zenei eszközök digitális interfésze) rövidítése, az elektronikus zene nyelve.

Ez egy technikai szabvány, amely lehetővé teszi, hogy az elektronikus hangszerek, számítógépek és egyéb berendezések kommunikáljanak, vezéreljenek és szinkronizáljanak egymással. Arra használjuk, hogy a digitális zenei eszközök különböző darabjai kölcsönhatásba léphessenek egymással. A MIDI működéséről bővebb információt a MIDI-útmutatóban találsz.

Bár a DAW-ban az egérrel vagy a számítógép billentyűzetével rajzolhatsz MIDI-hangjegyeket, egy MIDI-billentyűzet vagy kontroller sokkal tapinthatóbb és kifejezőbb élményt nyújt. Egy billentyűzettel vagy kontrollerrel valós időben játszhat dallamokat, dobritmusokat, és vezérelheti a DAW-n belül a szintetizátorokat, így azonnali visszajelzést kaphat, és intuitívabb módon készíthet elektronikus zenét.

Számomra az, hogy van egy olyan hardver, amellyel zenét készíthetek, visszahozza az emberi érintést a digitális folyamatba.

Íme néhány MIDI-billentyűzet és vezérlő, amelyeket ajánlok, hogy nézzenek meg: amelyek különböző igényeknek és költségvetéseknek felelnek meg:

• Akai MPK Mini MkIII: Ha kompakt és megfizethető az, amit keres, ez a kontroller tökéletes. Az ára könnyen lenyelhető a kezdők számára, és a 25 minibillentyűs interfész nagyszerű azok számára, akiknek korlátozott a stúdióhelyük. Ráadásul hozzárendelhető padokat és gombokat is kapunk a még nagyobb sokoldalúság érdekében!
• Novation Launchkey sorozat: Bár az Ableton Live-ra tervezték, a Launchkey sorozat bármilyen DAW-val használható. Teljes méretű billentyűket, padokat, gombokat és fadereket kínál az elektronikus zene előállításának minden aspektusának vezérléséhez.
• Arturia KeyLab Essential: A KeyLab Essential szép egyensúlyt teremt a funkciók és a megfizethetőség között, és tökéletesen integrálható az Arturia szoftveres hangszergyűjteményével. A billentyűzet nagyszerű érzést nyújt, és rengeteg DAW vezérlőelemmel rendelkezik, hogy még gyakorlatiasabb élményt nyújtson.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Series: Ha gyakran használja a Native Instruments szoftvereit, nincs jobb választás az integrációra. Az S-sorozat billentyűzete kiváló minőségű billentyűzeteket kínál aftertouchkal, valamint a piac egyik legintuitívabb böngésző- és paramétervezérlő rendszerét.
• ROLI Seaboard Block: Ez a billentyűzet a MIDI vezérlők piacának fekete báránya, bár ha a hagyományos billentyűs játékon túlmutató felfedezésre vágyik, a Seaboard kifejező játékfelülete olyan módon ragadja meg az érintés öt dimenzióját, ahogyan egyetlen más billentyűzet sem.

Ismét csak néhány a kedvenceim közül, bár rengeteg más MIDI-billentyűzet és vezérlő van, amelyek valami egyedit hoznak az asztalra, akár a hordozhatóságot és a megfizethetőséget, akár a sokoldalúságot és a mély szoftverintegrációt helyezi előtérbe.

Ha lehetséges, próbáljon ki különbözőket, és nézze meg, hogy mi illik legjobban a munkafolyamatához.

Dobgépek és samplerek

Bár nem hiszem, hogy a dobgépek és a samplerek manapság "kötelező kellékek" az elektronikus zene előállításához, mégis fontos eszközök, hiszen a kezdetektől fogva az elektronikus zenei produkció gerincét képezik.

Ezeknek a hangszereknek a története mélyre nyúlik, és számos ikonikus modell egész műfajok hangzását alakította ki. Például a Roland TR-808, amely a 80-as évek elején jelent meg, a hip-hop szinonimájává vált. Hallgassa meg Afrika Bambaataa "Planet Rock" című számát, és hallhatja e dobgép sztárrá válásának egyik első példáját.

Hasonlóképpen, az Akai MPC, amely egy sampler és szekvenszer kombó volt, forradalmasította a producerek beatkészítési módját. J Dilla az egyik legjobb példa a legendás beatkészítőre, aki az MPC segítségével megváltoztatta az elektronikus zene készítésének módját.

A hardveres dobgépek és samplerek használatának szépsége a virtuális társaikkal szemben az, hogy megkapod a tapintható élményt és az analóg hangzást. Sok más producerhez hasonlóan én is sokkal inspirálóbbnak találom a fizikai interakciót a gombokkal, padokkal és faderekkel.

Ráadásul a hardver egyedi hangzásbeli jellemzői és korlátai ösztönözhetik a pillanatnyi kreativitást, Természetesen ott van az élő előadás szempontja is, és nem kétséges, hogy a hardver megbízhatóbb és vizuálisan vonzóbb szettet eredményez.

Bár mindenképpen meg kell nézned, hogy mit használnak a kedvenc előadóid és producereid, hogy elkezdhesd a gyűjteményed építését, itt van néhány kedvenc dobgépem és samplerem, amelyeket gyakran ajánlok másoknak:

• Roland TR-8S: Ha olyan vagy, mint a legtöbb producer, és nincs több ezer dollárod, amit egy eredeti TR-08-ra költhetnél, akkor a TR-8S-t ajánlom. Ez a viszonylag friss Roland-kiadás a klasszikus TR-sorozat dobhangjait kínálja mintalejátszási képességekkel, így sokoldalú eszköz az élő előadáshoz és a stúdiómunkához.
• Elektron Digitakt: Az útközbeni producerek számára ez a kompakt dobgép és sampler az egyik kedvenc választásom. Vadul erős szekvenálási képességekkel és rengeteg beépített hangtervezési eszközzel rendelkezik.
• Akai MPC Live II: Az MPC Live II a legendás MPC munkafolyamatot és az önálló rugalmasságot kínálja, beépített hangszóróinak és újratölthető akkumulátorának köszönhetően.
• Korg Volca Sample: Ez a megfizethető és kompakt sample-szekvencer tökéletes a kezdők számára, mivel rengeteg máj teljesítményt nyújt, és rengeteg funkcióval és csatlakozási lehetőséggel rendelkezik a valós idejű groove-készítéshez.
• Dave Smith Instruments Tempest: Bár az évek során sok vitát váltott ki, ez a Dave Smith és Roger Linn által közösen készített dobgép az egyik kedvenc lehetőségem az erőteljes analóg dobgép hangzás eléréséhez.

A hardver nagy visszatérésnek örvend, ezért mindenkinek, aki elektronikus zenei produkciót tanul, érdemes felfedeznie az eszköztárnak ezt az oldalát is. Még ha nincs is hatalmas költségvetésed, akkor is rengeteg lehetőséged van!

Audio interfész

Természetesen megúszhatja az elektronikus zenei produkció tanulását a laptopján kívül mással is, de ha komolyan akarja venni az elektronikus zenei produkciót, és hidat szeretne építeni a hangszerek, mikrofonok és a számítógép között, akkor szüksége lesz egy audiointerfészre.

Röviden, egy audiointerfész az analóg jeleket digitális audioadatokká alakítja, amelyeket a DAW feldolgozhat, és fordítva. Az átalakításon túl egy audiointerfész jelentősen javíthatja a felvételek hangminőségét a legtöbb számítógép beépített audio bemeneteihez és kimeneteihez képest, valamint olyan alapvető funkciókat is biztosít, mint a mikrofon-előerősítők, a késleltetésmentes felvételek közvetlen monitorozása, valamint több bemenet és kimenet a különböző audioforrások és külső eszközök csatlakoztatásához.

Az audio interfészek mindenféle formában és méretben léteznek, de ha nem tudja, hol kezdje, íme néhány lehetőség a különböző költségvetésekhez:

• Költségvetés-barát :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3rd Gen): Az egyik legjobb ajánlás kezdőknek, akik kiváló minőségű előerősítőkkel és tartós felépítéssel rendelkező interfészt szeretnének.
  • Behringer U-PHORIA UM2: Rendkívül kedvező árú lehetőség, amely minden alapot biztosít az otthoni felvételek megkezdéséhez.
• Középkategóriás :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Kifogástalan hangminőség és valós idejű UAD-feldolgozás, tökéletes, ha a produkciós játékát szeretné fokozni.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Jó egyensúlyt kínál a funkciók és az ár között, több bemenettel/kimenettel és alacsony késleltetéssel.
• High-End :
  • RME Fireface UCX: Megbízhatóságáról, kivételes hangminőségéről és alacsony késleltetéséről ismert, kis, professzionális stúdiók számára is alkalmas.
  • Apollo x4 by Universal Audio: Négy Unison előerősítővel, UAD-2 Quad Core feldolgozással és kiváló konverzióval a UAD hardver legjobbjait kapja.

Az Ön számára megfelelő audiointerfész az Ön egyedi igényeitől függ.

Ha például egyszerre több mikrofont rögzít, számos bemenetre és kimenetre van szükség. Ha azonban sokat van úton, a hordozhatóság lehet a legnagyobb érvágás. Ettől függetlenül, ha a zenéje minőségét szeretné javítani, mindenképpen érdemes befektetnie egy audiointerfészbe.

Fejhallgató vagy stúdiómonitorok

Ahogy elkezdesz saját zenét készíteni, szükséged lesz valamire, amin visszahallgathatod.

Az egyik első dolog, amit el kell döntenie, hogy fejhallgatóba vagy stúdiómonitorokba fektessen-e be. Mindkettő egyedi célt szolgál a zenei produkciós folyamatban, és a valóságban mindkettő a legjobb megoldás.

A stúdiómonitorok pontosabb képet adnak a hangzásról a szobában, így megértheti, hogy a zene hogyan fog hatni a valós környezetben. Emellett térbeli és dimenziós perspektívát is nyújtanak a keverésedhez, segítve a pásztázással, a mélységgel és a sztereó képalkotással kapcsolatos megalapozott döntések meghozatalát.

A fejhallgató, másrészt, részletességet és elszigeteltséget kínál. Remekül alkalmasak a keverék olyan finom árnyalatainak felismerésére, amelyeket a hangszórókon esetleg figyelmen kívül hagynának, mint például az alacsony szintű zajok vagy a kattogások és pukkanások. A fejhallgató szintén kulcsfontosságú a késő éjszakai munkamenetekhez, vagy ha olyan kezeletlen helyiségekben dolgozik, ahol a hangszórókon keresztül nem lehet pontosan figyelni.

Ha mindkét eszköz a rendelkezésedre áll, az rendkívül hasznos, mivel segíthet megnézni, hogyan hangzik a mixed a különböző hallgatási környezetekben, így tudhatod, hogy a zenéd a legkülönbözőbb lejátszórendszereken jól szól.

Íme néhány ajánlásom mindegyikhez:

Fejhallgató ajánlások:

• Költségvetés: Audio-Technica ATH-M40x - Kiváló hangminőség és tartósság megfizethető áron.
• Középkategóriás: Beyerdynamic DT 770 PRO - Részletes, kiegyensúlyozott hangzásukról és kényelmükről ismert. Szeretem ezeket használni hosszú keverési munkamenetekhez.
• High-End: Sennheiser HD 650 - Csúcskategóriás, nyitott hátlapú stúdiófejhallgató a kiemelkedő természetes hanghűségért és a pontos basszusválaszért.

Stúdiómonitor-ajánlások:

• Költségvetés: Presonus Eris E3.5 - Szuper kompakt és megfizethető, mégis tiszta és pontos hangprofilt biztosít a kis otthoni stúdiók számára.
• Középkategóriás: Tökéletes a lapos válasz és a kiváló hangvisszaadás érdekében, különösen kezeletlen helyiségekben történő keverés esetén.
• High-End: Adam Audio A7X - Nagyszerű professzionális zenei producerek és hangmérnökök számára, akik precíz basszusválaszra és részletes felső frekvenciákra vágynak.

Amikor elkezdtem elektronikus zenét gyártani, körülbelül egy évig fejhallgatókkal dolgoztam, mielőtt frissítettem a stúdiófelszerelésemet, így ha a stúdiómonitorok most nem szerepelnek az audioprodukciós költségvetésedben, nem aggódnék túlságosan emiatt. Ha csak fejhallgatón hallgatod a zenét, akkor is tarts gyakori szüneteket, hogy megőrizd a perspektívát, és ne fáradjon el a füled.

Hogyan készítsünk elektronikus zenét

Az elektronikus zenei termelés hatalmas. Természetesen nem ígérhetem, hogy ezt a cikket elolvasva elsajátítod a művészetet, bár remélhetőleg betekintést nyújthatok az elmúlt évtizedben szerzett elektronikus zenei tapasztalataimba, és ezt inspirációként használhatod a saját utadon.

Szeretek a zenei alkotás folyamatára három szakaszban gondolni:

1. Ötletek: Az első fázisban felvázolod a kezdeti ötleteidet, kísérletezel hangokkal és mintákkal, és ötleteket vagy inspirációt gyűjtesz más művészektől, akiket kedvelsz.
2. Rendezés: Ha már megvannak az ötleteid, akkor strukturálhatod őket egy koherens folyamattá, és létrehozhatsz egy olyan számot, amely a hallgatót az elejétől a végéig elviszi egy utazásra.
3. Finomítás: Ez a keverési és maszterelési fázis, ahol csiszolod a zeneszámodat, és megbizonyosodsz róla, hogy minden elem szépen illeszkedik egymáshoz.

Fontos megjegyezni, hogy minden producer a saját, egyedi útját járja végig ezekben a szakaszokban.

Néhányan egy fülbemászó dallammal kezdenek, és arra építenek, míg mások feldarabolnak néhány mintát, és egy MPC-n kiütnek egy menő szekvenciát. Mások a hagyományos megközelítést választják, és a szokásos pop-összeállítás szerkezetét használják, hogy az alapoktól kezdve felépítsenek egy dalt, kezdve a dobokkal, majd a basszusgitárral, aztán a gitárral és így tovább.

Az elektronikus zenei produkció szépsége a megközelítések sokféleségében rejlik.

Bár most megosztom a számomra legjobban bevált módszert, ne feledd, hogy nincs olyan eljárás, amely mindenre alkalmazható. Az egész arról szól, hogy megtaláld azt a munkafolyamatot, amely beindítja a kreativitásodat, és lehetővé teszi, hogy az ötleteid szabadon áramoljanak.

A hangod megtalálása

Amikor először tanulsz elektronikus zenét készíteni, a legnehezebb rész a hangzás megtalálása lehet.

Nagyon sok alműfaj létezik az "elektronikus zene" fogalma alatt, és mindegyiknek megvan a maga egyedi hangzás-, ritmus- és szerkezeti palettája. Íme néhány népszerű alműfaj, hogy csak néhányat említsünk:

• Ház
• Techno
• Dubstep
• IDM (Intelligens tánczene)
• EDM (elektronikus tánczene)
• Trance
• Drum and Bass
• Future Bass

Új producerként úgy gondolom, hogy a hangzás felfedezésének kulcsa ebben a sokszínűségben a felfedezés és a kísérletezés.

Merülj el mélyen a különböző alműfajokban, nem csak hallgatóként, hanem hallgatóként is. Készíts rövid darabokat vagy ütemeket, amelyeket különböző stílusok ihlettek, hogy megnézd, mi az, ami rezonál rád, és ami felpezsdíti a kreatív lelked. Megpróbálhatsz együttműködni más producerekkel is, akik új perspektívákat kínálhatnak, és olyan irányokat inspirálhatnak, amelyekre egyedül talán nem gondoltál volna.

Ez a megközelítés aktív meghallgatást igényel. Ez az egyik leghatékonyabb eszköz az egyes alműfajok árnyalatainak megértéséhez. Amikor meghallgatsz egy számot, próbáld meg boncolgatni: azonosítsd a hangzását meghatározó központi elemeket, a tempótól és a dobmintáktól kezdve a szintetizátorok kiválasztásán át az elrendezés szerkezetéig. Figyeljen arra, hogy a feszültség és a feloldás hogyan van kialakítva, hogyan fejlődik a szám az idő múlásával, és milyen érzelmeket vagy hangulatokat idéz fel.

A mai napig az analitikus megközelítésű hallgatás az egyik kedvenc módszerem arra, hogy többet tudjak meg egy dalról.

Az alapozó groove megszerzése

Az elektronikus zene középpontjában a groove áll, amelyet gyakran a doboktól és az ütőhangszerektől kapunk.

A BPM (Beats Per Minute) kritikus szerepet játszik az alműfaj meghatározásában, és bár mindig lehet kísérletezni, a legtöbb hallgatónak vannak elvárásai, amikor bizonyos típusú elektronikus zenét hallgat.

Például a techno jellemzően 120 és 135 BPM között mozog, és egy négyes kick-dob mintával rendelkezik, míg a hagyományos house zene gyakran lelkesebb és felemelőbb hangulatú, 120 és 130 BPM között lebeg, kissé funkosabb és groove-osabb dobmintával.

A dubstep, amely nehéz basszusairól és szinkópás groove-airól ismert, jellemzően 140 BPM körül mozog, ami egy kis teret biztosít az ikonikus, súlyos, félidős dobmintáknak.

A drum and bass ezt még tovább viszi, majdnem 160-180 BPM, felgyorsított breakbeat ritmusokkal, amelyek intenzívebb és kaotikusabb energiát biztosítanak.

Természetesen van olyan ambient elektronikus zene is, amely a hagyományos dobütéseket elkerüli a folyékonyabb, fejlődő textúra érdekében. Néha egyáltalán nincsenek dobok. Inkább egy atmoszférikusabb táj megteremtésére összpontosít.

Ha ismered ezeknek az alműfajoknak a tipikus tempóit és dobmintáit, segíthetsz a zeneszámaidat a műfaji konvenciókhoz igazítani. Persze, ahogy mondtam, ne félj kísérletezni a tempóval és a ritmussal, hogy megtaláld az egyedi hangzásodat!

A Beat megszerkesztése

Mindig is úgy éreztem, hogy a dobokkal való kezdés egy szilárd stratégia az elektronikus zenei produkcióban.

A ritmusszekció megalapozhatja a szám tempóját és energiáját, és létrehozhat egy groove-ot, amelybe a többi elem bele tud kapcsolódni. Gondolj rá úgy, mintha először a számod gerincét fektetnéd le.

Bár az elektronikus dalok elég drasztikusan változhatnak egyikről a másikra, a legtöbb dob groove kulcselemei közé tartozik a kick, a snare vagy clap, a hi-hatok és a további ütőhangszerek, amelyek egy kis ízt és textúrát adhatnak hozzá.

Amikor elkezdi elkészíteni a saját dobütéseit, többféle megközelítést is alkalmazhat:

• Drum Samplerek használata: A Native Instruments Battery 4 nagy rajongója vagyok, mivel feltöltheted a saját dobmintáidat, és MIDI groove-okat hozhatsz létre az alapoktól kezdve.
• Breakek, loopok és minták átlapolása: A breakbeats és loopok felszeletelése régimódi megközelítés, de még mindig kulcsfontosságú eleme az elektronikus zene készítésének és az új ötletek inspirálásának.
• Referenciasávok meghallgatása: Javaslom, hogy töltsön időt a dob barázdák elemzésével a számok tetszik, és megpróbálja megismételni őket. Figyelj a különböző rétegekre, a swing vagy az egyenes időzítésre, és arra, hogy az ütem hogyan egészíti ki a szám általános hangulatát.

Nézzük meg, hogyan lehet egy egyszerű house beatet létrehozni:

1. Kezdje a Kick Drummal: Keressen egy ideális house-stílusú kicket, és helyezze azt az ütem minden egyes ütemére (1, 2, 3, 4), hogy megkapja az ikonikus négyes ritmust.
2. Adj hozzá egy tapsot vagy egy kereplőt: A 2. és 4. ütemre tegyen egy tapsot vagy snare-t, hogy elkezdje a groove felépítését.
3. Hi-Hats bevezetése: Adj hozzá zárt hi-hatokat minden egyes kick és snare ütés közé a folyamatos, lendületes ritmushoz. Ha folyékonyabb érzést szeretnél, használhatsz nyolcadokat.
4. Az ütőhangszerek beépítése: A groove-ok feldobásához adhatsz hozzá ütőhangszeres elemeket, például shakereket vagy tamburint.
5. Kísérletezz a loopokkal: Ha további textúrát akarok a groove-okban, akkor gyakran egy loopolt ütős vagy felső loopot helyezek rá, hogy kitöltsem.

A beat létrehozása legalább annyira a kísérletezésről szól, mint a képlet követéséről, ezért játsszon a fenti elemekkel, és igazítsa őket saját ízlése szerint.

A basszusvonal lefektetése

A basszusvonal lefektetése az a pont, ahol a zeneszámod igazán lendületet kap. A basszusnak ki kell egészítenie a dob groove-odat, de hidat kell képeznie a zenéd ritmikai és harmonikus elemei között, amire egy kicsit később még kitérünk.

Íme egy egyszerűsített megközelítés egy érdekes basszusvonal létrehozásához:

1. Válassza ki a hangzást: Kezdje a műfajához illő basszushangzás kiválasztásával. A szintetizátor basszusok sokoldalúak és széleskörűen alakíthatók, míg a mintavételezett basszusok valósághű textúrát adhatnak a számodnak. A
2. Készítsen egy groove-ot: Kezdje egy alapmintával, amely követi a dob groove-ot, majd kísérletezzen szinkópákkal vagy további hangjegyekkel, hogy ritmust és érdeklődést teremtsen. Javaslom, hogy hallgass meg más elektronikus zeneszámok basszusvonalait, amelyek tetszenek neked, és nézd meg, milyen technikákat használnak.
3. Változatos jegyzetek: Ne féljen eltérni a gyökérhangtól. Felfedezheti a skála különböző jegyzetlehetőségeit. Nem tudja, hogyan kell a zeneelméleten alapuló skálákat megvalósítani? Nézze meg néhány blogunkat a témában.
4. Sub Bass rétegezése: Ha a basszusnak egy kicsit több "oomph"-ra van szüksége a mélyhangokban, akkor egy tiszta, szinuszhullám-alapú sub bass-t adhat alatta. Csak győződj meg róla, hogy dallamában és ritmikailag összhangban van a fő basszusoddal.

Bárhogyan is közelíted meg a dolgot, tudd, hogy a basszusvonal minden elektronikus zenei szám alapvető eleme, ezért szánj időt a finomítására, és ne félj változtatni rajta, amíg meg nem találod a tökéletes groove-ot.

Az akkordok elrendezése

Ezután el kell kezdened kidolgozni egy akkordmenetet a számodhoz. Az akkordok azért vannak, hogy megteremtsék az érzelmi alapot, amelyre a dallamot és más textúrákat építheted. Megvan a hatalmuk, hogy bizonyos hangulatokat idézzenek fel, feszültséget építsenek és oldjanak, és végigvezessék a hallgatót egy narratíván.

Természetesen az akkordok megközelítése műfajonként jelentősen változhat. Az ambient elektronikus zenében például a buja, hosszú akkordmenet jó lehet a mélység érzetének megteremtéséhez, míg a house-ban vagy a technóban az egyszerűbb, sok harmonikus mozgás nélküli akkordszúrások jobb választásnak bizonyulhatnak.

Bár nem kell zeneelmélet-szakértőnek lennie, az elmélet szilárd ismerete segíthet abban, hogy megalapozottabb döntéseket hozzon az akkordhangzásokról és a progressziókról. A zeneelmélet szépsége abban rejlik, hogy a szabályok ismeretéről szól, hogy meg tudd őket szegni. Ráadásul hatalmat ad ahhoz, hogy bizonyos érzelmeket és gondolatokat közvetíts a zenéddel,

Ha többet szeretnél megtudni a zeneelméletről, nézd meg az akkordmeneteket létrehozó útmutatónkat .

Dallam írása

Mi is az a dallam?

A legalapvetőbb értelemben egy hangsorozat, amely egy zenemű fő témájaként vagy középpontjaként szolgál.

Ez az a része a zeneszámnak, amelyre a hallgatók leginkább emlékeznek, vagyis a jó dallamnak emlékezetesnek kell lennie. Zeneelméleti szempontból is illeszkednie kell a számod harmonikus kontextusába.

Az egyik legfontosabb dolog, amit figyelembe kell venni, amikor egy emlékezetes dallam létrehozásakor az ismétlés ereje.

Egy ismétlődő motívum vagy kifejezés nagyszerű módja annak, hogy lehorgonyozd a számodat, és a hallgatónak koherenciaérzetet adj, bár tartózkodnod kell a túl sok ismétléstől is, mivel a dallam a végén monoton hangzású lehet.

Javaslom, hogy aktívan hallgass erős dallamokkal rendelkező zenét, hogy inspirálódj.

Elemezze, hogyan épülnek fel ezek a dallamok, figyelje meg, hogyan lépnek kölcsönhatásba az akkordokkal és a ritmussal, és hogyan használják az ismétlést és a variációt a mozgás és az érzelmek megteremtésére. Inspirációt meríthetsz ezekből a dalokból anélkül is, hogy egyenesen plagizálnád őket, ahogyan azt a művészek az idők kezdete óta teszik. Minden valamire épül, ami előtte volt.

Mindent összekötve

Ezután meg kell találnod a módját, hogy a pálya összes elemét összekapcsold.

Bár az elektronikus zene szerkezetét tekintve változhat, a legtöbb pop stílusú elektronikus szám egy standard struktúrát követ, amely az elejétől a végéig fel- és lefelé ível.

A bevezetőből talán a versszakba léphetsz, ahol a történet kibontakozik. Ez átvezethet az előkórusba vagy a felépítésbe, hogy növelje a feszültséget a refrénhez, a horoghoz vagy a drophoz, amely a szám csúcspontjaként funkcionál.

Ezután hozzáadhatsz egy szóló részt, hogy bemutass egy adott szintetizátor- vagy énekvonalat, vagy egy hidat egy kontrasztos vagy elgondolkodtató pillanatra a végső refrén, drop vagy outro előtt.

Keverés és maszterelés

Végül elérkezünk a keveréshez és a masteringhez, amelyek a kritikus szakaszai az utómunka folyamatának. Ezen a ponton a hangsúlyt arra kell helyezni, hogy az egyes számokból álló gyűjteményt egy egységes, csiszolt zenei anyaggá alakítsuk át a kiadáshoz.

A keverés során a cél a szintek kiegyenlítése, a különböző hangszerek sztereó mezőben történő pásztázása, az EQ alkalmazása a frekvenciaütközések tisztázására, a tömörítés a dinamika kiegyenlítésére, valamint az olyan effektek használata, mint a visszhang és a késleltetés a háromdimenziós mélység megteremtésére.

A mastering az utolsó lépés, amikor a kevert sávot kifényesítik és előkészítik a terjesztésre. Ebben a szakaszban finomhangolod az általános hangzást, megbizonyosodsz arról, hogy a dalok konzisztensek az albumon vagy EP-n, ha egy projektet készítesz, és ellenőrzöd, hogy a zene a legjobban szól-e a különböző lejátszórendszereken.

Mindkét folyamat részletes hallást és a hangok viselkedésének mély megértését igényli, és bár természetesen eléggé fejlesztheted a képességeidet ahhoz, hogy saját magad keverd és mastereld a zeneszámokat, általában előnyös, ha valaki mással végezteted el ezeket a feladatokat, amikor először kezded, mivel jó, ha van valaki, akinek friss fülei és speciális felszerelései vannak.

A legjobb források az elektronikus zene készítésének megtanulásához

Ezen a cikken túl az elektronikus zene készítése egy folyamatos tanulási folyamat, rengeteg próbálkozással és kísérletezéssel. Szerencsére számtalan forrás áll rendelkezésre, amelyek minden szintű producer számára elérhetőek, többek között:

Íme egy lista a különböző forrásokról és arról, hogy miért hasznosak a tudás és a készségek bővítésében:

• Online oktatóprogramok és tanfolyamok: Az olyan platformok, mint a Skillshare, az Udemy és a Coursera, az elektronikus zenéről szóló tanfolyamokat kínálnak, amelyeket az iparág szakemberei tanítanak, és amelyek a kezdőtől a haladó szintig terjedhetnek.
• YouTube-videók: Az olyan csatornák, mint a Point Blank Music School és az ADSR Music Production Tutorials végtelen számú ingyenes oktatóanyagot, tippet és technikát kínálnak a zenei folyamat különböző aspektusairól, amelyek tökéletesek a vizuális tanulók számára.
• Fórumok és online közösségek: Az olyan közösségek, mint a Gearslutz, a Reddit's r/edmproduction és a KVR Audio nagyszerűek más producerekkel való kapcsolatteremtésre, zenék megosztására, visszajelzések szerzésére és gyártási technikák megvitatására.
• DAW-specifikus erőforrások: A legtöbb DAW-nak vannak hivatalos fórumai, oktatóprogramjai és dokumentációja. Nagy rajongója vagyok az Ableton Learning Music weboldalának, amely végtelen számú DAW-specifikus tippet, trükköt és útmutatót tartalmaz.

Blogunk tele van hasznos forrásokkal az elektronikus zene készítéséhez, legyen szó zeneelméletről, a zeneipar működéséről vagy a dalok hangszerelésének megközelítéséről.

Végső gondolatok

Az elektronikus zene készítésének megtanulása nem megy egyik napról a másikra.

Végül a végső cél egy olyan szám létrehozása, amely éreztet veled valamit - egy olyan szám, amelyre büszke lehetsz. A zene folyamatosan fejlődik, így nincs okod arra, hogy szabályokhoz kösd magad. A fenti eszközök megértése és használatuk módja azonban segíthet abban, hogy valami olyat alkoss, ami egyszerre szép és egyedi az elektronikus zene hatalmas világában.