Tworzenie ścieżek scratch jest jednym z najcenniejszych procesów ulepszania aranżacji i ostatecznych miksów.

Pomysł polega na tym, że układając kilka ścieżek, których nie zamierzasz uwzględniać w ostatecznym miksie, możesz uzyskać lepsze wyobrażenie o swojej aranżacji i dopracować bardziej złożone pomysły, zanim zanurzysz się i rozpoczniesz proces nagrywania. Jest to szczególnie ważne w przypadku nagrywania wielu instrumentów na żywo.

W tym przewodniku nauczę cię wszystkiego, co musisz wiedzieć o efektywnym wykorzystywaniu ścieżek scratch podczas sesji nagraniowych.

Czym są zdrapki?

Ścieżki scratch to wstępne wersje nagrań instrumentów, które mogą być później dograne.

Głównym powodem, dla którego producenci i inżynierowie używają ścieżek scratch, jest to, że ustalają one tempo i strukturę utworu, dzięki czemu proces nagrywania innych elementów jest znacznie płynniejszy i bardziej precyzyjny.

Na przykład, linia wokalna głównego wokalisty może sygnalizować partię gitarową typu "call and response", więc posiadanie skreczowanego wokalu podczas nagrywania gitarzysty może pomóc im w graniu bardziej do końcowego utworu.

Chociaż ścieżki scratch nie są przeznaczone do ostatecznego miksu, ponieważ prawdopodobnie będziesz chciał ponownie nagrać instrument, aby uzyskać bardziej dopracowany dźwięk i wykonanie, istnieje wiele przypadków, w których ścieżki scratch są tak wyjątkowe, że stają się stałą częścią utworu.

Dlaczego powinienem używać Scratch Track?

Bez względu na rodzaj nagrywanego lub produkowanego utworu, posiadanie ścieżki scratch może być niezwykle korzystne. Oto kilka powodów dlaczego.

Ustalenie rytmu i tempa

Po pierwsze, jednym z głównych celów ścieżki scratch jest zablokowanie rytmu i tempa utworu. W ten sposób można upewnić się, że pozostaje on spójny przez cały czas trwania utworu.

Można także sprawdzić, czy utwór nie jest zbyt szybki lub zbyt wolny, a także szybko wprowadzić zmiany bez wpływu na ostateczne nagranie.

Aranżacja utworu

Jedną z innych istotnych zalet posiadania ścieżki scratch jest to, że wyznacza ona różne sekcje utworu. Dzięki temu będziesz dokładnie wiedział, jak chcesz zaaranżować poszczególne elementy, zanim poświęcisz czas na przygotowanie i nagranie ostatecznych wykonań.

Jeśli perkusista przegapiłby na przykład okazję do wypełnienia ostatniego refrenu, mogłoby to znacznie zagrozić ujęciu. Każdy z graczy mógłby wtedy wykorzystać ten błąd i cały utwór byłby nieudany.

O wiele wydajniej jest wiedzieć dokładnie, co będziesz grać, zanim wejdziesz do studia, więc nie ma żadnych pytań.

Dopasowanie energii

Jednym z cennych aspektów przygotowywania ścieżek scratch z wyprzedzeniem jest to, że wiele osób nie myśli o tym, że pomaga to innym członkom zespołu lub instrumentalistom w uchwyceniu tej samej energii i emocji utworu.

Jeśli kiedykolwiek widziałeś zespół grający na żywo, wiesz, że każdy gracz czerpie inspirację od innych, co tworzy żywsze wrażenia. To samo może się zdarzyć w przypadku basisty nagrywającego utwór z zestawem słuchawek.

Chociaż zdecydowanie odnosi się to bardziej do zespołów i muzyków grających na żywo, to samo można powiedzieć o muzyce elektronicznej. Nałożenie pętli perkusyjnej z wykorzystaniem bębnów trapowych w porównaniu z samplami akustycznymi lo-fi może drastycznie zmienić sposób, w jaki wokalista emocjonuje się utworem.

Kompensacja

Dla tych, którzy nie wiedzą, proces komponowania polega na wybieraniu najlepszych segmentów audio z wielu ujęć i łączeniu ich w jedno, bardziej mistrzowskie wykonanie. Słowo "comping" pochodzi od "composite".

Pracowałem kiedyś nad sesją nagraniową, podczas której ani ja, ani zespół nie zdaliśmy sobie sprawy, że niska struna E na basie nie była prawidłowo zaintonowana. Po tym, jak zespół wyszedł i kilku z nas usiadło do miksowania, zdaliśmy sobie sprawę, że coś brzmiało nie tak. Niestety, było już za późno, by sprowadzić basistę z powrotem, choć na szczęście kilka dni wcześniej nagraliśmy scratch, który wysłaliśmy zespołowi.

Dzięki temu byliśmy w stanie skomponować nuty z odrobiną dodatkowego przetwarzania, aby stworzyć profesjonalnie brzmiącą ścieżkę basową bez konieczności powrotu do studia na kolejną sesję. To było absolutne koło ratunkowe i nie mógłbym być bardziej wdzięczny za to, że nagraliśmy scratch ścieżki z wyprzedzeniem.

Mniejsze ciśnienie

Większość muzyków (w tym ja) czuje się znacznie swobodniej podczas nagrywania ścieżek scratch, ponieważ nasze mózgi uważają je za nic innego, jak tylko tymczasowe. W związku z tym nie martwisz się, czy występ, który dajesz, będzie wystarczająco dobry dla "ostatecznego ujęcia".

Co dziwne, może to podświadomie prowadzić do lepszych wyników.

Jeśli nagrywasz ścieżkę scratch przy użyciu wysokiej jakości sprzętu, nie ma powodu, dla którego nie możesz jej użyć w ostatecznym miksie utworu, jeśli jest najlepsza. Zdziwiłbyś się, jak często tak się dzieje.

Oszczędność czasu i pieniędzy

Jeśli planujesz nagrywać w studiu, które nie jest twoim własnym, najprawdopodobniej zapłacisz za czas spędzony w studiu.

Po co marnować cenny czas i pieniądze w studiu nagrywając ujęcia, których prawdopodobnie nie wykorzystasz w końcowym miksie, skoro możesz nagrać je w domu? Oczywiście, w pewnym sensie czyni to mój ostatni punkt dyskusyjnym, ale jest to warte rozważenia, jeśli masz napięty budżet.

Jak ułożyć ścieżkę Scratch

Jeśli chodzi o ustalenie kolejności nagrywania ścieżek scratch, nie ma żadnych złotych zasad. Wszystko zależy od utworu lub zespołu.

Jednak w większości przypadków często skłaniam się ku temu, co uważam za logiczną sekwencję nagrywania, która obejmuje poniższe kroki.

Użyj kliknięcia

Pierwszą rzeczą, którą polecam zrobić, jest obniżenie tempa.

Nawet jeśli grasz w zespole, a perkusista uważa, że granie na kliknięcie jest super "niefajne", ponieważ "nie ma tego naturalnego odczucia, człowieku", przez większość czasu utrzymywanie stałego tempa w całym utworze ułatwia wszystkim (montażystom, inżynierom miksu, instrumentalistom i słuchaczom, którzy zazwyczaj nie chcą słyszeć dziwnych wahań tempa.

Oczywiście istnieją tria jazzowe, jam bandy lub kwartety smyczkowe, które mogą twierdzić inaczej, ale w większości przypadków posiadanie uruchomionej ścieżki dźwiękowej może pomóc ci lepiej zablokować rzeczy i od razu zdecydować, jakiego rodzaju energii tempa szukasz w swoim utworze.

Jam z zespołem

Tylko dlatego, że używasz klikacza, nie oznacza, że nie możesz rozluźnić się z zespołem podczas nagrywania ścieżek scratch.

Niektóre zespoły lubią ustawiać się w studiu z wieloma mikrofonami, DI i zestawami słuchawkowymi. Inżynier włączy kliknięcie, a zespół zagra cały utwór razem.

Ten krok może być instrumentalny z wielu powodów, ale co najważniejsze, pomaga ustalić strukturę dla całego zespołu. Może pomóc perkusistom dowiedzieć się, z jaką energią grać w niektórych sekcjach lub klawiszowcom dowiedzieć się, kiedy zawiesić akordy lub dodać upiększenia.

Uzyskaj fundamentalny rytm

Powiedziałbym, że częściej niż nie, priorytetowo traktuję ścieżki scratch dla perkusji i basu, niezależnie od tego, czy jest to żywa perkusja i gitara basowa, czy zaprogramowana perkusja i bas MIDI VST. Chodzi o to, aby uzyskać solidny groove, na którym można oprzeć resztę utworu.

Nie tylko może to zapewnić bardziej precyzyjną aranżację, ale także daje innym głównym i wspierającym instrumentalistom/wokalistom energię do gry.

Jeśli pracujesz z zespołem, który ma świetną sekcję rytmiczną, możesz rozważyć nagranie kilku ścieżek scratch z basistą i perkusistą. Kilka pierwszych przejść może być rozgrzewką, a kilka następnych może być autentycznymi ujęciami, które mogą skończyć jako ostateczne.

Kiedy pracuję z zespołem na żywo, zawsze staram się, aby ścieżka perkusisty była jak najbardziej zbliżona do perfekcji.

Oczywiście, można poświęcić czas na edycję i komponowanie po fakcie, ale może to zająć sporo czasu. W zależności od poziomu umiejętności perkusisty, znacznie łatwiej jest poświęcić czas na uzyskanie bezbłędnego ujęcia na ścieżce scratch, niż poświęcać czas na kompilację z wielu prób.

Ponadto, gdy perkusja jest na swoim miejscu, wszyscy inni mają solidny występ do pracy.

Rozmieść elementy wiodące i wspierające

Gdy masz już przyzwoitą podstawę rytmiczną, możesz rozpocząć nagrywanie wstępnych ujęć instrumentów wspierających i leadów, takich jak gitara, wokal, klawisze, syntezatory itp. Ponownie, kolejność, w jakiej to zrobisz, będzie zależeć od utworu i roli, jaką odgrywa każdy element.

Jeśli pracujesz z zespołem, często uważam, że pomocne (nie wspominając o większej wydajności) jest jednoczesne nagrywanie wszystkich pozostałych członków zespołu.

Jeśli jednak nie możesz tego zrobić, możesz rozważyć rozpoczęcie od innych instrumentów rytmicznych, takich jak keyboard i gitara, następnie nagranie leadów, a na końcu wokalu.

Uzasadnieniem tego podejścia jest rozpoczęcie od mniej ważnych instrumentów i stopniowe przechodzenie do tych bardziej "niezbędnych".

Comp It

Na tym etapie procesu tworzenia ścieżek scratch powinieneś mieć całkiem przyzwoity zestaw ujęć od każdego członka zespołu lub dla każdego elementu. Następnie możesz skompilować te ujęcia w jedną, bardziej wyjątkową ścieżkę lub zidentyfikować obszary, które nadal wymagają poprawy.

Na przykład, jeśli nie udało ci się uzyskać odpowiednich nut od gitarzysty w określonej sekcji, możesz po prostu wprowadzić je dla 4-8 bardów tej sekcji i zintegrować nowo nagrany dźwięk z główną ścieżką scratch.

Przemyślenia końcowe

Jak widać, scratchowanie może przynieść wiele korzyści podczas procesu twórczego. Od rozwiązywania problemów przed nagraniem po oszczędność czasu, pieniędzy i frustrację związaną z koniecznością myślenia o aranżacji i strukturze w studiu, posiadanie podstawowej ścieżki scratch może znacznie ułatwić życie.

W ostatecznym rozrachunku otrzymasz prawdopodobnie lepszy produkt końcowy.