Filmowe progresje akordów mają unikalny smak, który wyróżnia je w świecie kompozycji muzycznych.

Dzisiaj przyjrzymy się temu, co jest potrzebne do ożywienia tych magicznych kompozycji, począwszy od teorii muzyki, aż po progresje akordów, które sprawiły, że niektóre filmy stały się ponadczasowymi klasykami. Pod koniec tego artykułu będziesz wiedział wszystko, czego potrzebujesz, aby napisać własną muzykę filmową, muzykę do gier wideo lub cokolwiek innego, co przyjdzie ci do głowy.

Zrozumienie progresji akordów

Nie możemy realistycznie zająć się tematem filmowych progresji akordów bez wiedzy o tym, czym jest progresja akordów. Jest to złożony temat, więc przedstawię tylko krótki przegląd. Ci, którzy są już zaznajomieni z teorią muzyki stojącą za strukturami akordów, mogą pominąć tę sekcję.

Dla tych, którzy dopiero zaczynają, skupienie się na diatoniczności i harmonii funkcjonalnej jest świetnym sposobem na rozpoczęcie rozumienia teorii stojącej za progresjami w muzyce.

Diatoniczne progresje akordów wykorzystują nuty z jednej tonacji. Na przykład, jeśli piszesz piosenkę w tonacji A-dur, wszystkie akordy będą pochodzić ze skali A-dur, która zawiera nuty A, B, C#, D, E, F# i G#.

Z tej skali można tworzyć triady, czyli akordy z trzema nutami:

• A-dur (I): A C# E
• H-moll (ii): B D F#
• C#-moll (iii): C# E G#
• D-dur (IV): D F# A
• E-dur (V): E G# B
• F# moll (vi): F# A C#
• G# zmniejszone (vii°): G# B D

Każdy akord jest zwykle przedstawiany za pomocą cyfry rzymskiej: duże litery to akordy durowe, a małe litery to akordy molowe. To daje nam progresję: I - ii - iii - IV - V - vi - vii°.

Tonika, czyli akord I (w tym przypadku A-dur), jest punktem odniesienia dla wszystkich innych akordów, podczas gdy akord V (E-dur) jest tak zwaną "funkcją dominującą", która ma silne "pragnienie" powrotu do toniki.

Kiedy badamy, w jaki sposób akordy odnoszą się do siebie nawzajem, mówimy o prowadzeniu głosu, które opisuje, w jaki sposób poszczególne nuty przechodzą z jednego akordu do drugiego.

Na przykład, przechodząc z V (E-dur) do I (A-dur), zauważamy, co następuje:

• E (root) przechodzi w A (root).
• G# (tercja) rozwiązuje się do A (korzeń).
• B (kwinta) przechodzi w C# (tercja I).

Ta rozdzielczość sprawia, że I - V - I to wspólna progresja, która brzmi kompletnie i harmonijnie.

Jeśli V ładnie rozwiązuje się do I, możemy poszukać innych akordów, które mają podobną relację.

Akord ii (h-moll) jest oddalony o kwintę od V. Dodanie ii przed V tworzy progresję I - ii - V (A - Bm - E), gdzie ii jest akordem dominującym, łatwo prowadzącym do akordu dominującego (V). Ta progresja I - ii - V jest jedną z najczęściej używanych w różnych gatunkach muzycznych, w tym w jazzie, muzyce klasycznej, pop i country.

Koło Piątki

Jeśli planujesz zostać kompozytorem ścieżek dźwiękowych, logicznym kolejnym krokiem w teorii muzyki jest zrozumienie koła kwintowego.

Kwinta to piąta nuta w skali durowej. Grając nutę, a następnie nutę o siedem dźwięków wyższą, tworzysz kwintę. Kontynuowanie tego wzorca tworzy okrąg, który wizualnie reprezentuje relacje między tonacjami. Im bliżej siebie znajdują się dwa klawisze, tym bardziej płynne będzie przejście między nimi; w ten sam sposób klawisze, które są od siebie oddalone, mogą stworzyć bardziej kontrastowy efekt.

Dlaczego musisz to wiedzieć? Ponieważ przechodzenie między klawiszami ma kluczowe znaczenie podczas tworzenia emocjonalnej podróży.

Kompozytorzy filmowi przełączają się między tonacjami, aby podążać za zmianami w scenach, a koło kwintowe wyraźnie pokazuje, jak blisko powiązane są ze sobą tonacje. Na przykład, przejście z tonacji C-dur do G-dur jest częstym przejściem, ponieważ te dwie tonacje mają wspólne nuty, co sprawia, że muzyka płynie naturalnie.

Krąg kwintowy pozwala również na eksplorowanie różnych melodii z pewnością siebie, przechodząc między tonacjami, które są odległe, ale wciąż powiązane; przejście z C-dur do F-dur może być dość drastyczną zmianą, ale kontrastujące klawisze mogą dobrze działać, jeśli scena wymaga nagłego ruchu.

Jeśli chodzi o orkiestrację, kompozytorzy mogą również wybrać sygnatury klawiszy, które dobrze współpracują z określonymi instrumentami, po prostu podążając za kołem kwintowym, zachowując jednocześnie progresję harmoniczną.

Ostatecznie kompozycja ścieżki dźwiękowej sprowadza się do napięcia i zwolnienia, a zrozumienie koła kwintowego zapewnia kompozytorom strukturę do skutecznego budowania napięcia. Zarówno poprzez przejście od akordu dominantowego z powrotem do akordu głównego, jak i przy użyciu dominant drugorzędnych i zamiany modalnej, będziesz w stanie dodać więcej głębi do swojej muzyki, postępując zgodnie z tym systemem.

Najlepsze przykłady

Przyjrzyjmy się, jak niektóre z najbardziej kultowych partytur wykorzystują te progresje:

Interstellar - Hans Zimmer

Fenomenalna ścieżka dźwiękowa jednego z największych żyjących kompozytorów muzyki filmowej. Główny temat Interstellar jest w tonacji a-moll, ale zaczyna się od akordu VI, Fmaj7, po którym następuje molowy akord v, e-moll, który ma G w basie.

Trzeci akord to a-moll, co daje oczywiste poczucie rozwiązania. Następnie progresja powraca do e-moll, ponownie z G w basie, ale tym razem z nutą D w melodii. Mollowa progresja akordów, z okazjonalnymi inwersjami akordów, tworzy atmosferę podziwu i tajemniczości, która idealnie pasuje do tej oszałamiającej, wizjonerskiej opery kosmicznej.

Stranger Things - Kyle Dixon i Michael Stein

Główny motyw Stranger Things to kolejny świetny przykład, ponieważ zawiera prosty, ale skuteczny sposób na stworzenie napięcia.

Temat wykorzystuje tylko dwa akordy: C-dur 7 i C-dur 7/E. Jednak przejście między tymi akordami jest szczególnie płynne, z tylko korzeniami każdego akordu granymi w różnych oktawach w basie.

C-dur 7 i C-dur 7/E mają te same cztery nuty, ale zmiana nuty basowej nadaje każdemu akordowi inne brzmienie. Efekt naprzemiennych nut basowych pod akordem tworzy niepokojącą atmosferę, która doskonale współgra z fabułą.

Princess Leia's Theme (Star Wars) - John Williams

Zawsze byłem bardziej fanem Star Treka, ale nie mogę zaprzeczyć, że filmy Star Wars zawierają jedne z najlepszych kompozycji muzycznych stworzonych dla kina. Spośród wszystkich arcydzieł skomponowanych przez dziesięciolecia, "Princess Leia's Theme" Johna Williamsa jest szczytem muzycznego opowiadania historii.

Napisany w D-dur, progresja akordów tematu podąża za wzorem I-iv-I-iv-II-vi-VI-iv-V-II dom 7. W związku z tym muzyka przechodzi między akordami durowymi i molowymi, co nadaje muzyce aurę tęsknoty.

To, co najbardziej podoba mi się w Leia's Theme, to sposób, w jaki przechodzi od akordu D-dur do akordu moll iv (g-moll). Ta zmiana nadaje muzyce słodko-gorzką, zniuansowaną i majestatyczną teksturę.

Williams używa g-moll zamiast akordu G-dur, aby nadać ścieżce dźwiękowej mroczniejszy i bardziej emocjonalny ton. Co więcej, w miarę rozwoju tematu tonacja obniża się o pół kroku, co potęguje głębię utworu. Temat przechodzi przez te akordy dwukrotnie, po czym powraca do tonacji D-dur.

9 filmowych akordów, które możesz wykorzystać w swoich ścieżkach dźwiękowych

I - V - VI - IV: Najlepsze dla popowych ścieżek dźwiękowych

Przykład: C - G - Am - F

I - V - vi - IV to zdecydowanie najpopularniejsza progresja w muzyce zachodniej. Zaczyna się od akordu I (tonika), przechodzi do akordu V (dominanta), opada do akordu vi (seksta molowa) i kończy się akordem IV (subdominanta).

Oprócz tego, że jest idealna do zmiany centrum tonalnego, ta progresja z natury tworzy uczucie podniesienia na duchu, z przepływem emocji, który stopniowo zmierza w kierunku nadziei. Cały klimat jest kompletny i wzmacniający, dlatego był używany niezliczoną ilość razy przez dziesięciolecia.

vi - IV - I - V: Epicki utwór

Przykład: Am - F - C - G

Inną popularną sekwencją jest vi - IV - I - V, która podąża za podobnym wzorem do I - V - vi - IV, ale zaczyna się od akordu submediant, akordu vi, przed budowaniem do silnej rozdzielczości.

Tworzy to emocjonalną zmianę tonu, która jest dość przejmująca, zwłaszcza że V zapewnia potężne emocjonalne uwolnienie podróży postaci.

vi - iii - V - II: Pozytywność i nadzieja

Przykład: Am - Em - G - D

Sekwencja ta dobrze sprawdza się w momentach emocjonalnych, gdy równowaga między smutkiem a nadzieją jest kluczowa.

Progresja akordów vi - iii - V - II zabiera słuchaczy w emocjonalną podróż. Zaczyna się od akordu vi, który emanuje powagą, a akord iii kontynuuje to uczucie, ale zaczyna sugerować zmianę. Kiedy progresja osiąga akord V, pojawia się poczucie tęsknoty, które osiąga kulminację w akordzie II, dodając zaskakujący i pozytywny akcent.

vi - IV - V - iii: Smutek z akceptacją

Przykład: Am - F - G - Em

Ta progresja zaczyna się ponownie od akordu vi, ale następujący po nim akord IV przynosi tymczasowe poczucie stabilności. Następny akord V tworzy napięcie, ale progresja kończy się akordem iii, który daje słodko-gorzkie uczucie.

Dwa molowe akordy sprawiają, że brzmi smutno, a zwłaszcza akord iii jest odpowiedzialny za poruszające uczucie, które definiuje progresję.

Dla mnie ta struktura jest idealna dla momentów akceptacji i straty. Pozostawia widza z poczuciem nierozwiązanych emocji, co może dobrze działać, gdy przedstawia zmagania głównego bohatera.

I - IV - VI - V: Ścieżka dźwiękowa bohatera

Przykład: C - F - Am - G

Progresja I - IV - VI - V to kolejny standard w filmowej opowieści, który dobrze sprawdza się w przypadku bohaterskich postaci. Rozpoczyna się od akordu I, a następnie akord IV dodatkowo wzmacnia potężny nastrój muzyki.

Następnie akord vi dodaje subtelny element wrażliwości do tej progresji akordu durowego, a akord V tworzy napięcie przed powrotem do fundamentalnego akordu I.

ii - IV - vi - V: Majestatyczny postęp

Przykład: Dm - F - Am - G

Ta progresja jest idealna do epickich scen. Zaczyna się od akordu ii, który nadaje jej poczucie ruchu. Akord IV dodaje stabilności, podczas gdy akord vi wprowadza pewną wrażliwość. Wreszcie akord V rozwiązuje się z siłą.

vi - IV - V - II: Podnoszący na duchu nastrój

Przykład: Am - F - G - D

Ta progresja jest obecna w prawdopodobnie wszystkich filmach na YouTube z naturą i muzyką relaksacyjną!

Zaczyna się od akordu vi, który sam w sobie emanuje zadumą i smutkiem. Jednak akordy IV i V budują poczucie oczekiwania, które jest inspirujące i pozytywne. Sekwencja kończy się akordem II, który dodaje do progresji poczucie nadziei.

I - IV - ii - V: Nowa przygoda

Przykład: C - F - Dm - G

Oto progresja, która świetnie sprawdza się w scenach akcji i podróży.

Progresja I - IV - ii - V jest dość optymistyczna i zaczyna się od akordu I, który daje mocny fundament. Następny akord IV rozszerza muzykę, podczas gdy akord ii dodaje trochę napięcia. Wreszcie, progresja rozwiązuje się w mocnym akordzie V, który daje poczucie ekscytacji i energii.

I - III - V - II: ekspansywny

Przykład: C - Em - G - D

Progresja I - III - V - II rozpoczyna się od potężnego akordu I, przechodząc do bardziej nieoczekiwanego akordu III. Akord V buduje oczekiwanie, podczas gdy akord II ostatecznie daje poczucie nieskończonych możliwości.

Dwa główne akordy na końcu tej progresji tworzą pozytywny nastrój, który można wykorzystać w wielu filmowych kontekstach.

Wskazówki końcowe

Stworzenie filmowej progresji akordów, która rezonuje z ludźmi, wymaga słownictwa dźwiękowego, które brzmi zarówno głęboko, jak i znajomo, więc upewnij się, że piszesz muzykę, z którą ludzie będą mogli się połączyć i która rozszerzy znaczenie tego, co dzieje się na ekranie.

Jeśli chodzi o ścieżki dźwiękowe do filmów, opcje są praktycznie nieograniczone: na przykład poznanie tonacji molowych może dodać wiele emocjonalnej głębi do partytury lub przejście z tonacji durowej na jej mniejszą wersję, aby stworzyć silny kontrast, który może zwiększyć dramaturgię.

To samo dotyczy zapożyczonych akordów z równoległej skali molowej, takich jak zastąpienie akordu vi w tonacji durowej akordem iv ze skali molowej. Lub opanowanie ruchu korzenia, aby poruszać się między akordami, które mają wspólną nutę.

Wreszcie, dodanie akordu zmniejszonego do progresji może stworzyć napięcie i doprowadzić do znaczącego rozwiązania, zwłaszcza gdy użyjesz go jako przejścia między dwoma akordami w tradycyjnej harmonii.

Wiele ścieżek dźwiękowych wykorzystywało akordy zmniejszone, aby dodać niespodziankę do prostych progresji. Ta sztuczka, wraz z drugorzędnymi dominantami i zmianami tonacji, pomoże ci zbudować paletę dźwięków, która ożywi nowe emocje.

Powodzenia i bądź kreatywny!