Композиція часто полягає у розширенні меж. Але коли межі повністю виходять за рамки, чим стає композиторська творчість? Іншими словами: чи можуть твори композиторів коли-небудь перестати вважатися... музикою?

Адже Оксфордський словник визначає оперу як " форму музичної драми, де суто мелодійні ритмічні сили переплітаються з елементами розповіді". Здається, це не стосується, наприклад, "Місячного П'єро" Шенберга. Гаразд, тоді ми можемо продовжувати називати його "мелодрамою" :)

Передмова

Композиція - це глибоко особистий і творчий процес для будь-якого митця. Кожен митець має свій неповторний стиль, який відображає його індивідуальність та мистецьке бачення.

Починаючи творчий процес, художник ретельно обмірковує, як поєднати різні елементи, щоб створити єдине ціле. Через стиль композиції художник доносить до глядача свою естетику та бачення світу.

Композиційний стиль художника може еволюціонувати з часом, відображаючи його особисте зростання та мінливі впливи. Точніше, саме злиття стилю та композиції породжує витвори мистецтва. І кожна робота несе в собі частинку душі художника та унікальне послання для світу, яке він може інтерпретувати.

Хороші музичні композитори завжди мали унікальну здатність перетворювати свої думки та досвід на музичні шедеври. Сьогодні сучасні композитори продовжують розширювати межі музичного вираження.

Західну музику в певному сенсі визначав тональний центр. В атональності композитори звільняються від обмежень роботи в певній тональності і пов'язаних з нею очікувань.

Вони можуть використовувати всі дванадцять нот хроматичної гами однаково, нехтуючи ієрархією традиційної тональної гармонії.

Відсутність визначеного ключа в атональності проклала шлях до унікальних та інноваційних композицій.

Класична музика

Класична західна музика має визначену тональність (або тональні центри, якщо/коли відбуваються модуляції).

Сильний тональний центр можна знайти практично в будь-якому класичному творі. Наприклад, у надзвичайно популярній Симфонії №9 Бетховена тональність ре мінор виконує функцію "якоря".

Цей приклад ілюструє, як композитори використовують концепцію тонального центру для створення музичної цілісності та відчуття завершеності. Це не означає, що хроматична шкала не є фундаментальним елементом класичної музики. Насправді, все зовсім навпаки!

У класичній композиції використання хроматичної гами створює багату і виразну палітру музичних кольорів. Вона поглиблює набір можливостей, дозволяючи створювати складні гармонії та напружені пасажі в класичних творах.

Функціональні акорди

Як зазначалося в нашій статті про діатонічний лад, уявлення про те, що таке акорд, еволюціонувало протягом століть. Тональна музика визначає його більш строго і структурно.

Поняття функціональності акордів тісно пов'язане з їх взаємними зв'язками, що визначаються за допомогою прогресій та гармонійних каденцій.

Однак, один акорд також може бути функціональним і забезпечувати структуру, яка лежить в основі мелодії. Отже, все залежить від навичок та намірів композитора.

Досвідчені автори можуть створювати найрізноманітніші настрої за допомогою одного акорду, припускаючи різні музичні контексти. Навчитися виражати себе за допомогою акорду - це дійсно важливий крок на шляху до музичного артистизму!

За межами класицизму

На початку ХХ століття Олександр Скрябін та Ігор Стравінський почали описувати музику, відходячи від традиційної діатонічної гами.

Їхні експресіоністичні роботи охоплювали виразну хроматику, використовуючи гармонії, гами та акорди, які майже повністю відмовлялися від традиційної тональності.

Коли ви чуєте їхні композиції, ви можете оцінити, наскільки вони були майстерними. Їхні заряджені акордові прогресії та мелодії кидали виклик очікуванням слухача.

Старт

З подальшим розвитком подій інноваційні ідеї кинули виклик останнім обмеженням функціональної гармонії.

Цей відхід від традиційного підходу призвів до того, що послідовні акорди стали дисонуючими і роз'єднаними, як це спостерігається з точки зору традиційної акордової структури.

Арнольд Шенберг запровадив атональність та багато інших експериментальних прийомів, ще більше розширивши межі. "Стиль Шенберга" був настільки авангардним на той час, що дехто навіть не вважав його музикою, роблячи його зусилля прикладом архетипічної зміни парадигми.

Його вільна атональність наполягала на повній відмові від традиційних гармонійних концепцій, не будучи суворою щодо того, що саме їх становить. У зв'язку з цим виникає питання: чи зосереджується атональний композитор на тому, щоб просто порушити всі традиційні правила?

Естетика атональності

Всупереч поширеній думці, атональність - це не "антитональність". Це набір незалежних принципів. Хоча гармонічні каденції "заборонені", атональні композитори не засновують свою естетику на тому, наскільки нетональним є музичний твір.

Відсутність традиційного тонального центру дійсно є визначальною рисою атональної п'єси. І так: в атональному творі композитор свідомо уникає встановлення основної тональності, що призводить до динамічного прояву різноманітних акордових структур.

Ці принципи дали початок тому, що пізніше стало відомо як Друга віденська школа. Арнольд Шенберг написав "П'єро Лунний", щоб продемонструвати свої естетичні погляди раніше, а його учні Альбан Берг та Антон Веберн наслідували його приклад, почавши писати фортепіанні п'єси і навіть сюїти.

Їхні фортепіанні п'єси, зокрема, показали, що музичний фокус був зовсім іншим. Права рука не "літала", граючи мелодію або прохідні ноти мажорних каденцій. Скоріше, п'єси були більше про звуковисотні класи та структуру, оскільки вони відправили мажорні клавіші на пенсію.

Так, в атональній музиці віртуозність (а точніше: вправність) стає менш важливою. Веберн і Берг продовжували розвивати те, що дав їм учитель, що призвело до подальшого стилістичного розвитку.

Пікові роки

Серійна музика виникла як значний відхід від вільної атональної музики як такої. Вона спирається на дванадцятитонову техніку або тональний ряд, який визначає мелодійну послідовність і послідовність акордів у творі.

Відповідна композиційна техніка, що згодом отримала назву "серійність", набула популярності завдяки творам Другої віденської школи. Поштовх композиторів призвів до створення новаторських атональних творів.

Улюблені учні Шенберга (вищезгадані Альбан Берг та Антон Веберн) були в авангарді руху серіалізму.

Вони почали використовувати строгі математичні структури для організації своїх композицій. Їхні атональні твори часто використовували вищезгадані дванадцятитонові ряди для досягнення своєї мети.

Ця система вимагала використання всіх 12 тонів хроматичної гами, але не з однієї октави і строго без будь-якої схожості з тональною мелодією (в традиційному розумінні). На додачу до цього, "ряд" потрібно було розробити без тональних повторів.

Як наслідок, атональна музика стала дуже складною для виконавця, особливо атональна музика з вокальною партією. Через відсутність функціонального ладового орієнтиру менш досвідченим вокалістам часто доводилося робити спеціальні вправи і навіть вчити свою партію напам'ять.

Вплив серіалізму залишив тривалий слід у світі сучасної класичної музики. Атональні п'єси проклали шлях для подальших експериментів у композиції.

Невіденці

Було б помилкою робити висновок, що атональна музика пов'язана тільки з Віднем - або тільки із Заходом взагалі, якщо вже на те пішло.

Сергій Прокоф'єв досліджував ці концепції незалежно, створюючи твори, які особливо кидали виклик традиційній оперній структурі. Він продовжував будувати на фундаменті, закладеному Скрябіним і Стравінським.

У його композиціях, як і в " Опері Воццека " Альбана Берга, спостерігається розчинення первинного структурного елементу, оскільки мелодії та ритми набувають більшої незалежності та складності.

За іронією долі, вільну атональність можна вважати і початком, і кінцем, просто тому, що до і після серійних художників атональність була менш суворою.

Можна заперечити, але певні аспекти або уривки музики Прокоф'єва, Шостаковича чи навіть Рахманінова є в певному сенсі "вільно атональними".

Джаз

Принаймні з часів Чарлі Паркера, і, безумовно, після нього, буквально кожен джазовий музикант був одержимий тим, як розширити тональні центри; як "перевизначити ключі", якщо хочете. Це породило кул-джаз і модальний джаз зокрема.

Трохи пізніше Гербі Хенкок досліджував злиття сучасної класичної музики та джазових жанрів - неминучий наслідок його новаторського духу. Він розглядав ритм як невід'ємного партнера мелодії, створюючи новаторські композиції.

Ці експерименти з мелодико-ритмічним напруженням стали одним з головних визначальних чинників розвитку нової музики у 20-му столітті.

Наслідки

Атональна музика не поклала край тональній музиці чи функціональній гармонії. Скоріше, вона переосмислила поняття акордів, а також те, що визначає тональний центр, що таке акорд тощо.

Тональна музика сьогодні

Сучасна функціональна гармонія звучить... ну... м'яко кажучи, збагачено. Естетика допускає як звуковисотні класи атональної музики, так і тональний центр.

Сучасна тональна музика може мати - і має - риси атональної музики. Або, можливо, "подоби" атональної музики, або, можливо, проблиски і впливи атональної музики. І це цілком природно, адже музика є музика, а ключ - у задумі композитора.

Атональна музика сьогодні?

Так само: атональна музика є атональною музикою. І сучасна атональна музика існує, хоча ви не знайдете такої назви (як "сучасна атональна музика ").

Арнольд Шенберг і будь-який попередник значно відрізняються від сучасних шкіл. "П'єро Лунер" не можна порівняти з сьогоднішньою атональною музикою. Але, з іншого боку, його не можна порівняти і з "Тренодою жертвам Хіросіми" Пендерецького, яка з'явилася лише через десятиліття після смерті Шенберга...

Важливо те, що атональна музика Шенберга принесла в музичний світ нові ідеї. Ключові ідеї, особливо корисні в музиці для кіно або театральній сфері. І так: сьогодні всі погоджуються, що твори Шенберга були - і завжди будуть - музикою!