Pokud s elektronickou hudbou teprve začínáte, máte před sebou rozsáhlý svět, který musíte prozkoumat. Díky nespočtu pluginů, syntezátorů a neustále se vyvíjející škále produkčních stylů jsou možnosti elektronické hudby téměř neomezené.

Samozřejmě, že právě množství zdrojů, které činí elektronickou hudbu tak rozmanitou, může také způsobit, že pro začátečníky je poněkud obtížné do ní vstoupit. Kde vůbec začít, když kolem tohoto tématu existuje celý vesmír videí na YouTube, článků a online kurzů?

Právě proto jsme tady. V této příručce se pokusíme rozebrat základy tvorby elektronické hudby, od základů syntézy až po labyrint produkčního softwaru a hardwaru. Ať už chcete produkovat techno připravené na taneční parket, ambientní zvukové krajiny nebo cokoli mezi tím, mám pro vás řadu postřehů a tipů, které vás snad inspirují ke zdokonalení vašich dovedností!

Co je elektronická hudba?

Elektronická hudba v nejširším slova smyslu dalece přesahuje rámec typického žánru. Je to skutečně metoda, která zcela změnila způsob tvorby a konzumace hudby.

Na rozdíl od organické hudby, která se opírá o přirozené zvuky akustických nástrojů, jako jsou kytary, smyčce, klavíry a živé bicí a perkuse, je elektronická hudba často složena ze syntetických zvuků a textur.

Jejím základem jsou analogové syntezátory a další elektronické nástroje, jako jsou elektrické varhany a bicí automaty, jejichž obliba v průběhu desetiletí prudce vzrostla.

Elektronická hudba se samozřejmě v dnešní době vyvinula od používání hmatových knoflíků a elektronických systémů drátů a obvodů, které se nacházely ve starém analogovém hardwaru, k elegantním rozhraním počítačů a digitálních softwarových nástrojů.

Většina producentů elektronické hudby se ve velké míře opírá o počítače, využívá DAW a jejich nekonečnou paletu zvuků a efektů. Rád o tomto posunu přemýšlím jako o demokratizaci hudební produkce, protože ji zpřístupnil každému, kdo má počítač a tvůrčí talent.

Ačkoli byla elektronická hudba původně undergroundovým hnutím (vzpomeňme na zrod house music v Chicagu na konci 70. let nebo na uvedení krautrocku v Německu na konci 60. let, což byl subžánr experimentálního rocku, který zahrnoval syntezátory, sekvencery a páskové smyčky), nyní pronikla do mainstreamové kultury a ovlivnila vše od popu po hip-hop.

Je fascinující, kolik současných producentů elektronické hudby, jako jsou Bonobo, Tycho nebo Four Tet, do svých skladeb opět vplétá akustické prvky. Je to tak trochu novější fúze, která vytváří bohatý, texturovaný zvuk, který vzdává hold minulosti a zároveň posouvá hranice inovací.

Elektronická hudební produkce je tak rozsáhlý pojem, že je těžké jej shrnout do jedné definice (musel bych napsat celou knihu, kdybych chtěl, aby mi neunikly některé z nejdůležitějších detailů). Nicméně pokud jste někdo, kdo se chce stát producentem elektronické hudby, mám pocit, že existují dobrá místa, kde začít, abyste se v ní zorientovali.

Nezbytný software a nástroje

Když se pustíte do tvorby elektronické hudby, budete si chtít po cestě osvojit několik nástrojů. Každé zařízení z tohoto seznamu hraje v procesu produkce jedinečnou roli, od DAW, které je srdcem vašeho digitálního studia, až po hardwarové syntezátory a bicí automaty, které vašemu zvuku dodají jedinečný otisk.

Pojďme se ponořit hlouběji do toho, jak každý z těchto nástrojů může pozvednout vaši produkci elektronické hudby.

Digitální zvuková pracovní stanice (DAW)

Základem sestavy každého producenta elektronické hudby je digitální zvuková pracovní stanice (DAW ).

Vaším hlavním nástrojem bude DAW. Je to ústřední centrum, kde se realizují všechny vaše tvůrčí nápady. Pomocí DAW můžete nahrávat, upravovat, míchat a masterovat hudbu. V podstatě máte k dispozici komplexní prostředí, ve kterém můžete vytvářet elektronickou hudbu, jak se vám zlíbí.

I když má každý producent svůj vlastní oblíbený DAW, dospěl jsem k názoru, že některé z nich jsou pro tvorbu elektronické hudby jednoduše lepší než jiné, včetně:

• Ableton Live: Jsem velkým fanouškem Ableton Live už deset let, zejména díky jeho intuitivnímu zobrazení relací. Je také oblíbeným programem mnoha producentů elektronické hudby pro živá vystoupení a možnosti sekvencování MIDI.
• FL Studio: FL Studio je díky svému uživatelsky přívětivému rozhraní a výkonnému sekvencování založenému na vzorech dalším velkým hitem pro producenty elektronické hudby, kteří chtějí začít s obrovským množstvím vestavěných syntezátorů a efektů.
• Logic Pro: Logic Pro od společnosti Apple je další z nejkomplexnějších produkčních sad a stejně jako většina produktů Apple je elegantní a snadno se používá. Navíc získáte rozsáhlou knihovnu zvuků a smyček, která vám pomůže začít.
• Propellerhead Důvod: Díky kvalitnímu virtuálnímu racku syntezátorů, samplerů a efektů, které lze vzájemně propojovat nekonečnými způsoby, nabízí Reason možná nejunikátnější a nejexperimentálnější přístup k hudební produkci.

Každý DAW přináší něco jedinečného, ale pokud jde o to, který z nich nejlépe podporuje vaše potřeby, je to zcela subjektivní. Doporučuji je všechny vyzkoušet a zjistit, který z nich se nejpřirozeněji integruje do vašeho pracovního postupu.

Zvukové knihovny a balíčky vzorků

Dále tu máme zvukové knihovny a balíčky samplů, které jsou základním stavebním kamenem elektronické hudby. Ať už hledáte křupavé smyčky bicích, svižné syntezátorové stopy nebo oldschoolový R&B vokál, který můžete nasekat a přeladit, je důležité mít přístup k těmto zdrojům.

V posledních několika letech jsem se stal velkým fanouškem Splice (stejně jako mnoho dalších, kteří produkují elektronickou hudbu). Díky modelu předplatného získáváte kredity, které můžete vyměnit za rozsáhlou, žánrově pestrou sbírku samplů a smyček.

Pokud rádi stahujete plné balíčky, doporučuji se podívat na Loopmasters. Nabízejí také širokou škálu vysoce kvalitních balíčků napříč různými žánry, od vintage samplů bicích automatů až po současné syntezátory.

Byl bych nedbalý, kdybych nezmínil také Native Instruments Komplete. Komplete sice není samplovací balík jako takový, ale nabízí nekonečnou knihovnu nástrojů, efektů a zvuků, které jsou pro obecnou hudební produkci naprosto vražedné.

Pokud chcete používat zvukové knihovny a balíčky samplů v DAW, budete potřebovat nějaký nástroj, který vám umožní je přehrávat nebo s nimi různě manipulovat (protahování v čase, posun výšky tónu atd.) Naštěstí většina DAW obsahuje vestavěné samplery a bicí automaty, které slouží právě k tomuto účelu.

Například Sampler a Drum Rack v aplikaci Ableton Live poskytují výkonné možnosti samplování a tvorby beatů a každý z nich má rozsáhlé možnosti modulace a editace.

Pokud pracujete v programu Logic Pro, můžete použít nástroj Quick Sampler, který je skvělý pro import a přehrávání různých formátů samplů. Jeho součástí jsou také poměrně podrobné úpravy a přizpůsobení.

Samozřejmě existují i možnosti třetích stran, jako je Kontakt od NI, který má hluboce přizpůsobitelný sampler, stejně jako rozsáhlou zvukovou knihovnu a rozšíření třetích stran, nebo Serato Sample, který umožňuje snadno samplovat hudbu z různých zdrojů a používat rychlé nástroje pro sekání, protahování času a posun výšky tónu.

Zásuvné moduly a virtuální nástroje

Teď přijde ta zábavná část.

Zásuvné moduly a virtuální nástroje jsou klíčovou součástí procesu produkce elektronické hudby. Je to černá díra, jejíž zkoumáním můžete strávit skutečně celou věčnost, protože existují tisíce různých efektových pluginů a VST. Řekl bych, že to nejlepší, co můžete právě teď udělat, je pořídit si několik plug-inů různých kategorií a co nejlépe se s nimi seznámit.

Zde je několik typů, na které je třeba si dát pozor:

• Syntetické pluginy: Generování elektronických zvuků pomocí syntézy (jako u analogového syntezátoru), skvělé pro vytváření jedinečných leadů, basů, padů atd.
• Zásuvné moduly efektů: Vylepšete nebo změňte zvuk pomocí efektů, jako je ekvalizér, komprese, reverb, zpoždění, zkreslení, modulace a další.
• Zásuvné moduly sampleru: Přehrávání nebo manipulace s digitálními nahrávkami nebo vzorky.
• Zásuvné moduly pro bicí stroje: Napodobují bicí automaty nebo samplery, skvělé pro přehrávání nebo vykreslování rytmů a beatů.
• Zásuvné moduly sekvenceru: Skvělé pro aranžování a sekvencování hudby. Často jsou vybaveny pokročilými možnostmi tvorby patternů a smyček.

Jak už jsem řekl, můžete strávit desítky let zkoumáním pluginů a virtuálních nástrojů od různých vývojářů a to, co může být pro jednoho producenta elektronické hudby nezbytným VST, může být pro jiného propadákem. Je na vás, abyste provedli průzkum a našli ty, které vám vyhovují nejlépe. Můžete dokonce prozkoumat stránky, jako je Equipboard, a zjistit, co používají vaši oblíbení umělci.

Nicméně, když už jste tady, dám vám několik svých oblíbených doporučení, která používám ve většině svých skladeb, počínaje efektovými pluginy:

• FabFilter Pro-Q 3: Bez tohoto neuvěřitelně všestranného a uživatelsky přívětivého ekvalizéru od společnosti FabFilter se neobejde žádný mix. Je skvělý pro chirurgické a dynamické ekvalizéry a má krásné rozhraní, které poskytuje přehled o frekvenčním spektru.
• Valhalla VintageVerb: Pravděpodobně můj nejčastěji používaný reverb plugin, zejména když chci svěží, vintage inspirované reverby pro přidání hloubky a prostoru do jakékoliv skladby.
• Soundtoys EchoBoy: Neumím si představit univerzálnější delay plugin. Získáte sadu bohatých, analogově znějících delay efektů, které jsou dostatečně rozmanité, aby uspokojily všechny žánry elektronické hudby.
• iZotope Ozone: Pro mastering obsahuje Ozone vše, co potřebujete k dosažení profesionálního zvuku, od ekvalizéru a komprese až po stereo obraz a limitaci.
• Xfer Records LFOTool: Pokud mám skladbu, která potřebuje pohyb, často sáhnu po nástroji LFO Tool od společnosti Xfer Records, který poskytuje snadný způsob, jak s minimálním úsilím přidat tremolo, automatické panorámování, trance-gate, simulaci kompresoru v postranním řetězci a efekty typu dubstep wobble.
• FabFilter Saturn 2: Další z mých oblíbených pluginů FabFilter, Saturn 2, má obrovskou škálu efektů zkreslení, saturace a modelování zesilovačů, což je skvělé, když vaše skladby potřebují vřelost nebo zrnitost.

Pokud jde o virtuální nástroje, zde je několik, které bych doporučil prozkoumat, zejména pokud chcete především univerzálnost:

• Xfer Records Serum: Tento wavetable syntezátor, jeden z nejlepších softwarových nástrojů pro produkci elektronické hudby, nabízí jedny z nejkvalitnějších zvuků a nejflexibilnějších možností zvukového designu na trhu.
• Native Instruments Massive X: Massive se stal základem produkce elektronické hudby, když na scénu přišel dubstep, a NI posunul hranice ještě dál s Massive X. Je to nástroj, který používám, když potřebuji hluboké, silné basy a leadery.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2 je možná jedním z nejuniverzálnějších softwarových nástrojů na trhu, protože nabízí obrovskou knihovnu zvuků a nekonečné množství stylů syntézy. Keyscape je stejně tak převratný pro modelování klavírů a klávesových nástrojů.
• Native Instruments Battery 4: Mým hlavním samplerem pro bicí a perkuse je v současnosti Battery 4. Nejenže má obrovskou knihovnu sad a samplů pro všechny druhy žánrů elektronické hudby, ale nabízí také hluboké možnosti editace a snadné přehrávání, když si nahrajete vlastní samply.
• Arturia V Collection: Přesně vymodelované vintage syntezátory a klávesové nástroje jsou u společnosti Arturia na prvním místě. Pokud nemáte přístup k analogovému hardwaru, je tato kolekce ideální pro přidání klasických tónů do vašich skladeb.
• Spitfire Audio LABS: Nedávno jsem začal zkoumat LABS a miluji každé jejich vydání. Je to stále se rozrůstající série vysoce kvalitních volně dostupných nástrojů od smyčců přes vokály až po experimentální zvuky, které jsou ideální pro přidání jedinečných textur do vaší hudby.

Jak budete pokračovat v tvorbě elektronické hudby, zamilujete si některé pluginy a virtuální nástroje a zase si je zamilujete, přesto vás vyzývám, abyste je stále zkoumali a sledovali nové verze, protože na obzoru je vždy něco zajímavého.

Klávesnice MIDI nebo řídicí jednotka

MIDI, což je zkratka pro "Musical Instrument Digital Interface", je jazyk elektronické hudby.

Jedná se o technický standard, který umožňuje elektronickým hudebním nástrojům, počítačům a dalším zařízením vzájemně komunikovat, ovládat se a synchronizovat. Používáme jej k tomu, aby různé části digitálního hudebního vybavení mohly vzájemně komunikovat. Další informace o tom, jak MIDI funguje, najdete v našem průvodci.

I když můžete v DAW kreslit MIDI noty pomocí myši nebo klávesnice počítače, s MIDI klávesnicí nebo kontrolérem je to mnohem hmatatelnější a výraznější. Pomocí klávesnice nebo kontroléru můžete v reálném čase přehrávat melodie, rytmy bicích a ovládat syntezátory v DAW, což vám poskytne okamžitou zpětnou vazbu a intuitivnější způsob tvorby elektronické hudby.

Mít k dispozici hardware, který mohu používat k vytváření hudby, pro mě znamená vrátit do digitálního procesu lidský přístup.

Zde je několik MIDI klávesnic a kontrolérů, které bych doporučil prozkoumat: vyhovují různým potřebám a rozpočtům:

• Akai MPK Mini MkIII: Pokud vám jde o kompaktní a cenově dostupný nástroj, je tento kontrolér ideální. Cena je snadno přijatelná pro začátečníky a rozhraní s 25 minitlačítky je skvělé pro ty, kteří mají omezený prostor ve studiu. Navíc získáte přiřaditelné pady a knoflíky pro ještě větší všestrannost!
• Novation Launchkey Series: Ačkoli byla série Launchkey navržena pro Ableton Live, může fungovat pro jakýkoli DAW. Nabízí klávesy plné velikosti, pady, knoby a fadery pro ovládání všech aspektů produkce elektronické hudby.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential nabízí příjemnou rovnováhu mezi funkcemi a cenou a je ideální pro integraci se softwarovou kolekcí nástrojů Arturia. Klávesnice působí skvěle a k dispozici je spousta ovládacích prvků DAW, které umožňují praktičtější práci.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Series: Pokud často používáte software Native Instruments, neexistuje lepší volba pro integraci. Klaviatury řady S nabízejí vysoce kvalitní klávesy s aftertouch a také jeden z nejintuitivnějších systémů procházení a ovládání parametrů na trhu.
• ROLI Seaboard Block: Tento keyboard je černou ovcí na trhu MIDI kontrolérů, pokud však chcete prozkoumat i jiné možnosti než jen tradiční hraní na klávesy, jeho expresivní hrací plocha zachycuje pět rozměrů dotyku způsobem, kterému se žádný jiný keyboard nevyrovná.

Opět jsou to jen některé z mých oblíbených, ačkoli existuje spousta dalších MIDI klávesnic a kontrolérů, které přinášejí něco jedinečného, ať už dáváte přednost přenosnosti a cenové dostupnosti, nebo všestrannosti a hluboké integraci softwaru.

Pokud je to možné, vyzkoušejte různé a zjistěte, co se nejlépe hodí k vašemu pracovnímu postupu.

Bicí stroje a samplery

Ačkoli si nemyslím, že bicí automaty a samplery jsou v dnešní době "povinnou výbavou" pro produkci elektronické hudby, je důležité je znát, protože jsou páteří produkce elektronické hudby již od svého vzniku.

Historie těchto nástrojů je hluboká a mnohé z ikonických modelů formovaly zvuk celých žánrů. Například Roland TR-808, který vyšel na začátku 80. let, se stal synonymem pro hip-hop. Poslechněte si skladbu "Planet Rock" od Afriky Bambaataa a uslyšíte jeden z prvních případů, kdy se tento bicí automat stal hvězdou.

Podobně Akai MPC, což byl sampler a sekvencer, způsobil revoluci ve způsobu tvorby beatů. J Dilla je jedním z nejlepších příkladů legendárního beatmakera, který pomocí MPC změnil způsob tvorby elektronické hudby.

Krása používání hardwarových bicích automatů a samplerů oproti jejich virtuálním protějškům spočívá v tom, že získáte hmatový zážitek a analogový zvuk. Stejně jako mnoho dalších producentů považuji fyzickou interakci s knoflíky, pady a fadery za mnohem inspirativnější.

Navíc jedinečné zvukové vlastnosti a omezení hardwaru mohou podnítit kreativitu v daném okamžiku, Samozřejmě je tu také aspekt živého vystoupení a není pochyb o tom, že hardware umožňuje spolehlivější a vizuálně poutavější set.

I když byste se rozhodně měli podívat, co používají vaši oblíbení umělci a producenti, abyste si mohli začít budovat svou sbírku, zde je několik mých oblíbených bicích automatů a samplerů, které často doporučuji ostatním:

• Roland TR-8S: Pokud jste jako většina výrobců a nemáte tisíce dolarů na originální TR-08, doporučuji se podívat na TR-8S. Tato relativně nedávná verze Rolandu přináší klasické bicí zvuky řady TR s možností přehrávání samplů, což z něj dělá univerzální nástroj pro živá vystoupení i práci ve studiu.
• Elektron Digitakt: Tento kompaktní bicí automat a sampler je jednou z mých nejoblíbenějších voleb pro producenty na cestách. Má divoce výkonné sekvenční schopnosti a spoustu nástrojů pro tvorbu zvuku na palubě.
• Akai MPC Live II: Legendární pracovní postupy MPC a flexibilita samostatného použití díky vestavěným reproduktorům a dobíjecí baterii - MPC Live II je skvělý pro produkci na cestách.
• Korg Volca Sample: Tento cenově dostupný a kompaktní samplovací sekvencer je ideální pro začátečníky, protože poskytuje spoustu výkonu pro játra a má spoustu funkcí a možností připojení pro tvorbu groove v reálném čase.
• Dave Smith Instruments Tempest: Ačkoli si tento společný bicí automat Davea Smithe a Rogera Linna v průběhu let vysloužil řadu kontroverzí, je jednou z mých nejoblíbenějších možností, jak získat silný zvuk analogového bicího automatu.

Hardware se vrací na scénu, a proto by každý, kdo se učí produkovat elektronickou hudbu, měl prozkoumat i tuto část nástrojů. I když nemáte obrovský rozpočet, stále je tu spousta možností!

Zvukové rozhraní

Určitě se můžete naučit produkovat elektronickou hudbu jen na notebooku, ale pokud se chcete vážně zabývat produkcí elektronické hudby a vytvořit most mezi nástroji, mikrofony a počítačem, budete potřebovat zvukové rozhraní.

Stručně řečeno, zvukové rozhraní převádí analogové signály na digitální zvuková data, která může váš DAW zpracovat, a naopak. Kromě převodu může zvukové rozhraní také výrazně zlepšit kvalitu zvuku vašich nahrávek ve srovnání s vestavěnými zvukovými vstupy a výstupy většiny počítačů a poskytnout základní funkce, jako jsou mikrofonní předzesilovače, přímé monitorování pro nahrávání bez zpoždění a více vstupů a výstupů pro připojení různých zdrojů zvuku a externího vybavení.

Zvukové rozhraní se vyrábí ve všech tvarech a velikostech, ale pokud si nejste jisti, kde začít, zde je několik možností pro různé rozpočty:

• Cenově výhodné :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3. generace ) : Jedno z nejlepších doporučení pro začátečníky, kteří chtějí rozhraní s kvalitními předzesilovači a odolnou konstrukcí.
  • Behringer U-PHORIA UM2: Cenově velmi dostupná varianta, která poskytuje všechny základy potřebné pro začátek domácího nahrávání.
• Střední třída :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Dokonalá kvalita zvuku a zpracování UAD v reálném čase, ideální, pokud chcete zvýšit úroveň své produkce.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Nabízí dobrý poměr mezi funkcemi a cenou, více vstupů/výstupů a nízkou latenci.
• High-End :
  • RME Fireface UCX: Známý svou spolehlivostí, výjimečnou kvalitou zvuku a nízkou latencí, vhodný pro malá profesionální studia.
  • Apollo x4 od Universal Audio: Se čtyřmi předzesilovači Unison, zpracováním UAD-2 Quad Core a vynikající konverzí získáte to nejlepší z hardwaru UAD.

Správné zvukové rozhraní pro vás bude záviset na vašich konkrétních potřebách.

Pokud například nahráváte více mikrofonů najednou, je nutné mít mnoho vstupů a výstupů. Pokud jste však často na cestách, může být největším kladem přenosnost. Bez ohledu na to je investice do zvukového rozhraní nutností, pokud chcete zvýšit kvalitu své hudby.

Sluchátka nebo studiové monitory

Až začnete vytvářet vlastní hudbu, budete potřebovat něco, na čem si ji budete moci poslechnout.

Jednou z prvních věcí, o které budete muset rozhodnout, je, zda investovat do sluchátek nebo studiových monitorů. Každé z nich plní v procesu hudební produkce jedinečný účel a ve skutečnosti je nejlepší mít obojí.

Studiové monitory poskytují přesnější reprezentaci zvuku v místnosti a umožňují pochopit, jak se vaše hudba projeví v reálném prostředí. Nabízejí také prostorovou a prostorovou perspektivu vašeho mixu a pomáhají vám činit informovaná rozhodnutí o panorámování, hloubce a stereofonním zobrazení.

Sluchátka naproti tomu nabízejí detaily a izolaci. Jsou skvělá pro rozpoznání jemných nuancí v mixu, které by mohly být u reproduktorů přehlédnuty, jako je šum na nízké úrovni nebo cvakání a praskání. Sluchátka jsou také klíčová pro noční sezení nebo pokud pracujete v neupravených prostorách, kde nemůžete přesně monitorovat přes reproduktory.

Mít k dispozici oba nástroje je nesmírně výhodné, protože vám pomohou zjistit, jak váš mix zní v různých poslechových prostředích, abyste věděli, že vaše hudba zní skvěle na široké škále přehrávacích systémů.

Zde je několik mých doporučení pro každou z nich:

Doporučení pro sluchátka:

• Rozpočet: Audio-Technica ATH-M40x - Vynikající kvalita zvuku a odolnost za přijatelnou cenu.
• Střední třída: Známá pro svůj detailní, vyvážený zvuk a pohodlí. Rád je používám při dlouhém mixování.
• High-End: Sennheiser HD 650 - Špičková studiová sluchátka s otevřenými zády pro vynikající přirozenou věrnost zvuku a přesnou odezvu basů.

Doporučení studiových monitorů:

• Rozpočet: Presonus Eris E3.5 - Velmi kompaktní a cenově dostupný, přesto poskytuje čistý a přesný zvukový profil pro malá domácí studia.
• Střední třída: Yamaha HS5 - ideální pro plochou odezvu a vynikající reprodukci zvuku, zejména při míchání v neupravených místnostech.
• High-End: Adam Audio A7X - Skvělé pro profesionální hudební producenty a inženýry, kteří chtějí přesnou odezvu basů a detailní vyšší frekvence.

Když jsem začal produkovat elektronickou hudbu, pracoval jsem na sluchátkách asi rok, než jsem upgradoval své studiové vybavení, takže pokud zrovna nemáte v rozpočtu na produkci zvuku studiové monitory, příliš bych se tím netrápil. Jen se ujistěte, že děláte časté přestávky, pokud posloucháte pouze na sluchátkách, abyste si udrželi nadhled a neunavili uši.

Jak dělat elektronickou hudbu

Produkce elektronické hudby je rozsáhlá. Rozhodně vám nemohu slíbit, že po přečtení tohoto článku toto umění zvládnete, doufám však, že vám mohu poskytnout určitý vhled do svých zkušeností s produkcí elektronické hudby za posledních deset let a vy se jimi můžete inspirovat na své vlastní cestě.

Rád si proces tvorby hudby představuji ve třech fázích:

1. Nápady: V první fázi si načrtnete své prvotní nápady, experimentujete se zvuky a vzory a sbíráte nápady nebo inspiraci od jiných umělců, kteří se vám líbí.
2. Uspořádání: Jakmile máte své nápady zapsané, můžete je strukturovat do souvislého toku a vytvořit skladbu, která posluchače provede od začátku do konce.
3. Zpřesnění: V této fázi mixu a masteringu se skladba vyladí a všechny prvky se do sebe dobře zakomponují.

Je důležité si uvědomit, že každý výrobce prochází těmito fázemi po své vlastní cestě.

Někdo může začít s chytlavou melodií a stavět na ní, jiný naseká pár samplů a na MPC vytvoří parádní sekvenci. Jiní mohou zvolit tradiční přístup a použít standardní strukturu popového aranžmá a vybudovat píseň od základů, začít s bicími, pak s basou, pak s kytarou a tak dále.

Krása produkce elektronické hudby spočívá v této rozmanitosti přístupů.

I když se chystám podělit o metodu, která mi nejlépe vyhovuje, nezapomeňte, že neexistuje univerzální postup. Jde jen o to, abyste našli pracovní postup, který podnítí vaši kreativitu a umožní vašim nápadům volně proudit.

Hledání zvuku

Když se poprvé učíte dělat elektronickou hudbu, může být nejtěžší najít svůj zvuk.

Pod souhrnným pojmem "elektronická hudba" se skrývá mnoho subžánrů a každý z nich má svou jedinečnou paletu zvuků, rytmů a struktur. Zde jsou některé z populárních subžánrů, abychom jmenovali alespoň některé:

• Dům
• Techno
• Dubstep
• IDM (inteligentní taneční hudba)
• EDM (elektronická taneční hudba)
• Trance
• Drum and Bass
• Future Bass

Myslím, že pro začínající producenty je klíčem k objevení vlastního zvuku v této rozmanitosti zkoumání a experimentování.

Ponořte se do různých subžánrů nejen jako posluchač, ale i jako student. Vytvářejte krátké skladby nebo beaty inspirované různými styly a zjistěte, co ve vás rezonuje a rozproudí vaši tvůrčí šťávu. Můžete také zkusit spolupracovat s jinými producenty, kteří vám mohou nabídnout nové pohledy a inspirovat směry, o kterých byste sami neuvažovali.

Tento přístup vyžaduje aktivní naslouchání. Je to jeden z nejúčinnějších nástrojů pro pochopení nuancí jednotlivých subžánrů. Když posloucháte skladbu, pokuste se ji rozebrat: identifikujte základní prvky, které určují její zvuk, od tempa a bicích vzorců až po výběr syntezátorů a strukturu aranžmá. Věnujte pozornost tomu, jak je vytvořeno napětí a uvolnění, jak se skladba vyvíjí v čase a jaké emoce nebo atmosféry vyvolává.

Analytický přístup k poslechu je dodnes jedním z mých nejoblíbenějších způsobů, jak se o skladbě dozvědět více.

Získání základního kurzu

Základem elektronické hudby je groove, který často získáváme z bicích a perkusí.

BPM (Beats Per Minute) hraje při definování subžánru zásadní roli, a i když můžete vždy experimentovat, většina posluchačů má při poslechu určitých druhů elektronické hudby určitá očekávání.

Například techno se obvykle pohybuje v rozmezí 120 až 135 BPM a má kopákové bicí se čtyřmi na podlaze, zatímco tradiční houseová hudba má často oduševnělejší a povznášející vibrace, pohybuje se mezi 120 a 130 BPM a má o něco funkčnější a groovovější bicí.

Dubstep, který je známý svými těžkými basy a synkopickými groovy, se obvykle pohybuje kolem 140 BPM, což vytváří trochu prostoru pro tyto ikonické, těžké půlhodinové bicí vzory.

Drum and bass jde ještě dál a dosahuje téměř 160-180 BPM, přičemž používá zrychlené breakbeatové rytmy, které přinášejí intenzivnější a chaotičtější energii.

Samozřejmě tu máme také ambientní elektronickou hudbu, která se vyhýbá tradičním bicím úderům a vytváří plynulejší, vyvíjející se texturu. Někdy nejsou bicí vůbec. Spíše se soustředí na vytváření atmosféričtější krajiny.

Znalost typických temp a vzorců bicích těchto subžánrů vám pomůže sladit skladby s žánrovými konvencemi. Samozřejmě, jak už jsem řekl, nebojte se experimentovat s tempem a rytmem, abyste našli svůj jedinečný zvuk!

Sestavování rytmu

Vždycky jsem měl pocit, že začít s bicími je pro produkci elektronické hudby dobrá strategie.

Rytmická sekce může stanovit základ tempa a energie skladby a vytvořit rytmus, do kterého se mohou ostatní prvky zapojit. Představte si ji jako první položení páteře skladby.

Ačkoli se elektronické skladby mohou v jednotlivých skladbách docela zásadně měnit, mezi klíčové součásti většiny bubenických groovů patří kopák, snare nebo tleskátko, hi-haty a další perkuse, které mohou přidat trochu chuti a textury.

Když začnete vytvářet své vlastní bicí, můžete zvolit několik přístupů:

• Používání samplerů bicích nástrojů: Jsem velkým fanouškem Battery 4 od Native Instruments, protože do něj můžete nahrát vlastní bicí samply a vytvářet MIDI groovy od základu.
• Převracení breaků, smyček a samplů: Umět stříhat breakbeaty a smyčky je sice přístup ze staré školy, ale stále je to klíčová součást tvorby elektronické hudby a inspirace pro nové nápady.
• Poslech referenčních stop: Doporučuji věnovat čas analýze bubenických drážek ve skladbách, které se vám líbí, a pokusit se je napodobit. Věnujte pozornost různým vrstvám, swingu nebo rovnému časování a tomu, jak rytmus doplňuje celkový dojem ze skladby.

Podívejme se, jak můžete vytvořit jednoduchý house beat:

1. Začněte s kopákem: Najděte ideální kopák ve stylu house a umístěte ho na každý takt (1, 2, 3, 4), abyste získali ikonický rytmus "čtyři na podlaze".
2. Přidejte tleskání nebo snare: Na 2. a 4. taktu přidejte tlesknutí nebo snare a začněte budovat groove.
3. Zavedení hi-hatů: Přidejte uzavřené hi-haty mezi každý úder kopáku a snare pro stabilní, hnací rytmus. Pokud chcete dosáhnout plynulejšího dojmu, můžete použít osminové noty.
4. Začlenění bicích nástrojů: Chcete-li své groovy ozvláštnit, můžete přidat některé bicí prvky, například shakery nebo tamburíny.
5. Experimentování se smyčkami: Pokud chci do groovů přidat další texturu, často je překrývám smyčkou bicích nebo vrchní smyčkou, abych je vyplnil.

Tvorba rytmu je stejně tak o experimentování jako o dodržování vzorce, takže si pohrajte se všemi výše uvedenými prvky a upravte je podle svých představ.

Uložení basové linky

Položením basové linky začíná skladba nabírat na obrátkách. Basa by měla doplňovat váš bubenický groove, ale také propojovat rytmické a harmonické prvky vaší hudby, ke kterým se dostaneme za chvíli.

Zde je zjednodušený postup pro vytvoření zajímavé basové linky:

1. Výběr zvuku: Začněte výběrem zvuku basů, který se hodí k vašemu žánru. Syntezátorové basy jsou univerzální a lze je rozsáhle tvarovat, zatímco samplované basy mohou vaší skladbě dodat reálnou texturu. A
2. Vytvoření groovu: Začněte se základním vzorem, který navazuje na váš bubenický groove, a poté experimentujte se synkopami nebo dalšími notami, abyste vytvořili rytmus a zajímavost. Doporučuji poslechnout si basové linky v jiných elektronických skladbách, které se vám líbí, a zjistit, jaké techniky používají.
3. Různé poznámky: Nebojte se odchýlit od základní noty. Můžete prozkoumat stupnici pro různé varianty not. Nejste si jisti, jak provádět stupnice na základě hudební teorie? Podívejte se na některé z našich blogů na toto téma.
4. Vrstvení subbasů: Pokud vaše basy potřebují trochu více "síly" ve spodních tónech, můžete pod ně přidat čisté subbasy se sinusovým průběhem. Jen se ujistěte, že je naladěný a rytmicky sladěný s hlavním basem.

Ať už je váš přístup jakýkoli, vězte, že basová linka je základním prvkem každé skladby elektronické hudby, takže jejímu zdokonalování věnujte čas a nebojte se provádět změny, dokud nenajdete dokonalý rytmus.

Uspořádání akordů

Dále byste měli začít vytvářet akordový postup pro vaši skladbu. Akordy slouží k vytvoření emocionálního základu, na kterém budete stavět melodii a další textury. Mají moc vyvolat určité nálady, budovat napětí a uvolnění a vést posluchače příběhem.

Způsob, jakým přistupujeme k akordům, se samozřejmě může v jednotlivých žánrech výrazně měnit. Například v ambientní elektronické hudbě mohou být pro vytvoření pocitu hloubky dobré svěží, táhlé akordové postupy, zatímco v housu nebo technu mohou být lepší volbou jednodušší akordové údery bez většího harmonického pohybu.

I když nemusíte být odborníkem na hudební teorii, její solidní znalost vám může pomoci při rozhodování o akordových hlasech a postupech. Krása hudební teorie spočívá v tom, že jde o znalost pravidel, abyste je mohli porušovat. Navíc vám dává sílu sdělovat prostřednictvím hudby určité emoce a myšlenky,

Pokud se chcete dozvědět více o hudební teorii, podívejte se na našeho průvodce tvorbou akordů.

Psaní melodie

Co je to melodie?

V nejzákladnější podobě jde o sled not, které slouží jako hlavní téma nebo ústřední bod hudební skladby.

Je to část skladby, kterou si posluchači pamatují nejvíce, což znamená, že dobrá melodie by měla být zapamatovatelná. Z hlediska hudební teorie by také měla zapadat do harmonického kontextu vaší skladby.

Jednou z hlavních věcí, které je třeba vzít v úvahu při vytváření zapamatovatelné melodie, je síla opakování.

Opakující se motiv nebo fráze jsou skvělým způsobem, jak skladbu ukotvit a dát posluchači pocit soudržnosti, ale zároveň se musíte vyvarovat přílišného opakování, protože melodie může nakonec znít monotónně.

Doporučuji aktivně poslouchat hudbu se silnými melodiemi, abyste získali inspiraci.

Analyzujte, jak jsou tyto melodie vystavěny, všímejte si jejich interakce s akordy a rytmem a jak využívají opakování a variace k vytvoření pohybu a emocí. Z těchto písní můžete čerpat inspiraci, aniž byste je přímo plagiovali, stejně jako to umělci dělají od nepaměti. Vše je postaveno na něčem předchozím.

Spojení všeho dohromady

Dále byste měli začít hledat způsoby, jak propojit všechny prvky skladby.

I když se elektronická hudba může lišit svou strukturou, většina elektronických skladeb v popovém stylu má standardní strukturu, která má vzestupy a pády od začátku do konce.

Z úvodu můžete přejít do sloky, kde se začne odvíjet příběh. Ta může vést k předzpěvu nebo náběhu, který zvyšuje napětí až k refrénu, hooku nebo dropu, který funguje jako vrcholný bod skladby.

Odtud můžete přidat sólovou sekci, která předvede konkrétní syntezátor nebo vokální linku, nebo můstek pro moment kontrastu či zamyšlení před závěrečným refrénem, dropem nebo outrem.

Mixování a mastering

Nakonec se dostáváme k procesu mixáže a masteringu, což jsou rozhodující fáze postprodukčního procesu. V této fázi byste se měli zaměřit na to, abyste ze sbírky jednotlivých skladeb vytvořili ucelené a vybroušené hudební dílo určené k vydání.

Při míchání je cílem vyvážit úrovně, posunout jednotlivé nástroje ve stereofonním poli, použít ekvalizér pro odstranění frekvenčních střetů, komprimovat pro vyrovnání dynamiky a použít efekty jako reverb a delay pro vytvoření trojrozměrné hloubky.

Mastering je závěrečný krok, kdy se smíchaná stopa vyleští a připraví k distribuci. V této fázi doladíte celkový zvuk, ujistíte se, že skladby jsou konzistentní napříč celým albem nebo EP, pokud vytváříte projekt, a zkontrolujete, zda hudba zní co nejlépe na různých přehrávacích systémech.

Oba tyto procesy vyžadují detailní sluch a hluboké pochopení toho, jak se zvuk chová, a přestože si jistě můžete rozvinout své dovednosti natolik, abyste si mohli mixovat a masterovat své vlastní skladby, je obvykle výhodné, když tyto povinnosti vykonává někdo jiný, když začínáte, protože je dobré mít někoho s čerstvým sluchem a specializovaným vybavením.

Nejlepší zdroje pro výuku tvorby elektronické hudby

Kromě tohoto článku je tvorba elektronické hudby nepřetržitým procesem učení se, při kterém dochází ke spoustě pokusů, omylů a experimentů. Naštěstí je k dispozici nespočet zdrojů, které jsou určeny pro producenty všech úrovní, včetně:

Zde je seznam různých zdrojů a jejich přínos pro rozšíření vašich znalostí a dovedností:

• Online výukové programy a kurzy: Platformy jako Skillshare, Udemy a Coursera nabízejí kurzy elektronické hudby vedené profesionály z oboru, a to od začátečníků až po pokročilé.
• Videa na YouTube: Kanály jako Point Blank Music School a ADSR Music Production Tutorials poskytují nekonečné množství bezplatných tutoriálů, tipů a technik o různých aspektech procesu tvorby hudby, které jsou ideální pro vizuální studenty.
• Fóra a online komunity: Komunity jako Gearslutz, r/edmproduction na Redditu a KVR Audio jsou skvělé pro navázání kontaktů s ostatními producenty, sdílení hudby, získávání zpětné vazby a diskusi o produkčních technikách.
• Zdroje specifické pro DAW: Většina DAW má oficiální fóra, výukové programy a dokumentaci. Jsem velkým fanouškem webu Learning Music společnosti Ableton, kde najdete nekonečné množství tipů, triků a návodů pro konkrétní DAW.

Náš blog je také plný užitečných zdrojů pro tvorbu elektronické hudby, ať už se učíte hudební teorii, jak funguje hudební průmysl nebo jak přistupovat k aranžování skladeb.

Závěrečné myšlenky

Naučit se dělat elektronickou hudbu není něco, co zvládnete přes noc.

Nakonec je hlavním cílem vytvořit skladbu, která ve vás něco vyvolá - skladbu, na kterou můžete být hrdí. Hudba se neustále vyvíjí, takže není důvod svazovat se nějakými pravidly. Nicméně pochopení výše uvedených nástrojů a jejich použití vám může pomoci vytvořit něco, co bude v rozsáhlém světě elektronické hudby krásné a jedinečné.