Hvis du lige er begyndt at prøve kræfter med elektronisk musik, har du en stor verden at udforske. Med utallige plugins, synthesizere og et stadigt voksende udvalg af produktionsstile er mulighederne med elektronisk musik næsten uendelige.

Selvfølgelig kan netop den overflod af ressourcer, der gør elektronisk musik så varieret, også gøre det lidt skræmmende for begyndere at gå i gang. Hvor skal man overhovedet begynde, når der findes et univers af YouTube-videoer, artikler og onlinekurser om emnet?

Det er præcis derfor, vi er her. I denne guide vil vi gennemgå det væsentlige ved at lave elektronisk musik, fra det grundlæggende i syntese til labyrinten af produktionssoftware og -hardware. Uanset om du ønsker at producere dansegulvsklar techno, ambiente lydlandskaber eller noget derimellem, har jeg en række indsigter og tips, som forhåbentlig vil inspirere dig til at forfine dine færdigheder!

Hvad er elektronisk musik?

Elektronisk musik går i sin bredeste forstand langt ud over en typisk genre. Det er virkelig en metode, der fuldstændig har ændret den måde, vi skaber og forbruger musik på.

I modsætning til organisk musik, som er afhængig af de naturlige lyde fra akustiske instrumenter som guitarer, strygere, klaverer og levende trommer og slagtøj, er elektronisk musik ofte sammensat af syntetiske lyde og teksturer.

Kernen er analoge synthesizere og andre elektroniske instrumenter som f.eks. elektriske orgler og trommemaskiner, som er blevet mere og mere populære i løbet af årtierne.

Selvfølgelig har elektronisk musik i dag udviklet sig fra at bruge de taktile knapper og elektroniske systemer af ledninger og kredsløb, der findes i gammel analog hardware, til de slanke grænseflader på computere og digitale softwareinstrumenter.

De fleste producenter af elektronisk musik læner sig i høj grad op ad computere og udnytter DAW'er og deres uendelige palet af lyde og effekter. Jeg kan godt lide at tænke på dette skift som en demokratisering af musikproduktion, da det gjorde det tilgængeligt for alle med en computer og en kreativ kant.

Selvom elektronisk musik oprindeligt var en undergrundsbevægelse (tænk tilbage på house-musikkens fødsel i Chicago i slutningen af 70'erne eller introduktionen af Krautrock i Tyskland i slutningen af 60'erne, som var en undergenre af eksperimentel rock, der involverede synthesizere, sequencere og båndloops), har den nu gennemsyret mainstreamkulturen og påvirket alt fra pop til hiphop.

Det er ret fascinerende at se, hvor mange nutidige producenter af elektronisk musik, der fletter akustiske elementer ind i deres numre igen, f.eks. Bonobo, Tycho og Four Tet. Det er en slags nyere fusion, som skaber en fyldig, struktureret lyd, der hylder fortiden, samtidig med at den skubber til grænserne for innovation.

Elektronisk musikproduktion er så stor en paraply, at det er svært at koge ned til én definition (jeg skulle skrive en hel bog, hvis jeg ville undgå at udelade nogle af de vigtigste detaljer). Men hvis du gerne vil være elektronisk musikproducer, synes jeg alligevel, at der er nogle gode steder at starte for at få styr på tingene.

Must-have software og værktøjer

Når du kaster dig ud i at lave elektronisk musik, er der et par værktøjer, du bør samle op undervejs. Hvert stykke udstyr på denne liste spiller en unik rolle i produktionsprocessen, fra DAW'en, som er hjertet i dit digitale studie, til hardware-synths og trommemaskiner, som giver din lyd et unikt fingeraftryk.

Lad os tage et lille dyk ned i, hvordan hvert af disse værktøjer kan løfte din elektroniske musikproduktion.

Digital lydarbejdsstation (DAW)

Kernen i enhver elektronisk musikproducers setup er den digitale lydarbejdsstation (DAW).

Din DAW bliver dit primære værktøj. Det er det centrale knudepunkt, hvor alle dine kreative ideer kommer til live. Med en DAW kan du optage, redigere, mixe og mastere din musik. I bund og grund har du et omfattende miljø, hvor du kan lave elektronisk musik, som du vil.

Selv om alle producere har deres egen yndlings-DAW, er jeg kommet frem til, at der er nogle, der simpelthen er bedre til at lave elektronisk musik end andre, f.eks:

• Ableton Live: Jeg har været en stor fan af Ableton Live i et årti nu, især på grund af den intuitive sessionsvisning. Det er også en favorit blandt mange producenter af elektronisk musik på grund af liveoptræden og MIDI-sequencing.
• FL Studio: Med sin brugervenlige grænseflade og kraftfulde mønsterbaserede sequencing er FL Studio en anden sværvægter for producenter af elektronisk musik, som gerne vil starte med et stort udvalg af indbyggede synthesizere og effekter.
• Logic Pro: Apples Logic Pro er en anden af de mest omfattende produktionssuiter, og som de fleste Apple-produkter er den elegant og nem at bruge. Desuden får du et omfattende bibliotek med lyde og loops, så du kan komme i gang.
• Propellerhead Reason: Med sit virtuelle kvalitetsstativ af synthesizere, samplere og effekter, der kan forbindes på utallige måder, tilbyder Reason den måske mest unikke og eksperimenterende tilgang til musikproduktion.

Hver DAW bringer noget unikt til bordet, men når det kommer til, hvilken der understøtter dine behov bedst, er det helt subjektivt. Jeg vil anbefale at prøve dem alle sammen for at se, hvilken der integreres mest naturligt i dit workflow.

Lydbiblioteker og prøvepakker

Dernæst har vi lydbiblioteker og sample-pakker, som er byggestenene i elektronisk musik. Uanset om du er på udkig efter sprøde trommeloops, brændende synthesizerleads eller en old school R&B-vokal, som du kan hugge op og re-pitch, er det vigtigt at have adgang til disse ressourcer.

I løbet af de sidste par år er jeg blevet en stor fan af Splice (ligesom mange andre, der producerer elektronisk musik). Med den abonnementsbaserede model får du kreditter, som du kan bytte til en stor, genrespændende samling af samples og loops.

Hvis du kan lide at downloade hele pakker, vil jeg anbefale at tjekke Loopmasters ud. De tilbyder også en bred vifte af pakker af høj kvalitet på tværs af forskellige genrer, fra vintage trommemaskineprøver til moderne synths.

Jeg ville være forsømmelig, hvis jeg ikke også nævnte Native Instruments Komplete. Selvom det ikke er en samplepakke i sig selv, tilbyder Komplete et endeløst bibliotek af instrumenter, effekter og lyde, som er fantastiske til generel musikproduktion.

Hvis du vil bruge dine lydbiblioteker og samplingspakker i din DAW, vil du gerne have et værktøj, der giver dig mulighed for at afspille dem eller manipulere dem på forskellige måder (time-stretching, pitch-shifting osv.) Heldigvis har de fleste DAW'er indbyggede samplere og trommemaskiner til netop dette formål.

For eksempel giver Ableton Lives Sampler og Drum Rack begge kraftfulde sampling- og beat-making-muligheder, og de har begge omfattende modulations- og redigeringsmuligheder.

Hvis du er i Logic Pro, kan du bruge Quick Sampler, som er fantastisk til at importere og afspille en række forskellige sampleformater. Den kommer også med ret detaljerede redigerings- og tilpasningsmuligheder.

Der er selvfølgelig også tredjepartsmuligheder, f.eks. NI's Kontakt, som har en sampler, der kan tilpasses, samt et massivt lydbibliotek og udvidelser fra tredjeparter, eller Serato Sample, som gør det nemt at sample musik fra en række forskellige kilder og bruge hurtige værktøjer til chopping, time-stretching og pitch-shifting.

Plugins og virtuelle instrumenter

Nu kommer den sjove del.

Plugins og virtuelle instrumenter er nøglekomponenter i produktionsprocessen for elektronisk musik. Det er et sort hul, som man kan bruge en evighed på at udforske, for der findes tusindvis af forskellige effekt-plugins og VST'er. Jeg vil sige, at det bedste, du kan gøre lige nu, er at få fat i et par stykker i forskellige kategorier og lære dem at kende så godt som muligt.

Her er et par typer, du skal holde øje med:

• Synth-plugins: Generer elektroniske lyde ved hjælp af syntese (som med en analog synth), fantastisk til at skabe unikke leads, basser, pads osv.
• Effekt-plugins: Forbedr eller ændr lyde med effekter som EQ, kompression, rumklang, forsinkelse, forvrængning, modulation og meget mere.
• Sampler-plugins: Afspil eller manipuler digitale optagelser eller samples.
• Plugins til trommemaskiner: Efterligner trommemaskiner eller samplere, fantastisk til at spille eller tegne beats og rytmer.
• Sequencer-plugins: Perfekt til at arrangere og sekventere musik. De kommer ofte med avancerede muligheder for at skabe mønstre og loops.

Som sagt kan du bruge årtier på at udforske plugins og virtuelle instrumenter fra forskellige udviklere, og hvad der måske er et must-have VST for én elektronisk musikproducer, kan være et flop for en anden. Det er op til dig at lave research og finde dem, der passer bedst til dig. Du kan endda udforske sider som Equipboard for at finde ud af, hvad dine yndlingskunstnere bruger.

Men når du nu er her, vil jeg give dig nogle af mine yndlingsanbefalinger, som jeg bruger i de fleste af mine numre, begyndende med effekt-plugins:

• FabFilter Pro-Q 3: Ikke et eneste mix går uden denne utroligt alsidige og brugervenlige EQ fra FabFilter. Den er fantastisk til kirurgisk og dynamisk EQing og har en smuk brugerflade, der giver et overblik over frekvensspektret.
• Valhalla VintageVerb: Nok mit mest brugte reverb-plugin, især når jeg vil have frodige, vintage-inspirerede reverbs til at give dybde og rum til et hvilket som helst spor.
• Soundtoys EchoBoy: Jeg kan ikke komme i tanke om et mere alsidigt delay-plugin. Du får en række fyldige, analogt lydende delay-effekter, der er forskellige nok til at imødekomme alle elektroniske musikgenrer.
• iZotope Ozone: Til mastering indeholder Ozone alt, hvad du har brug for til en poleret, professionelt klingende finish, fra EQ og komprimering til stereoimaging og limitering.
• Xfer Records LFOTool: Hvis jeg har et spor, der har brug for bevægelse, kigger jeg ofte på Xfer Records' LFO Tool, som giver en nem måde at tilføje tremolo, auto-pan, trance-gate, side-chain kompressorsimulering og dubstep-agtige wobble-effekter med minimal indsats.
• FabFilter Saturn 2: Saturn 2 er endnu et af mine yndlingsplugins fra FabFilter og har et stort udvalg af forvrængnings-, mætningsog forstærkermodelleringseffekter, som er gode, når dine numre har brug for varme eller grus.

Med hensyn til virtuelle instrumenter er der et par stykker, jeg vil anbefale at kigge nærmere på, især hvis du først og fremmest vil have alsidighed:

• Xfer Records Serum: Som et af de bedste softwareinstrumenter inden for elektronisk musikproduktion tilbyder denne wavetable-synthesizer noget af den højeste lydkvalitet og de mest fleksible lyddesignfunktioner på markedet.
• Native Instruments Massive X: Massive blev en fast bestanddel af elektronisk musikproduktion, da dubstep kom på banen, og NI skubbede grænserne endnu længere med Massive X. Det er en go-to, når jeg har brug for dybe, kraftfulde basser og leads.
• Spectrasonics Omnisphere 2: Omnisphere 2 er måske bare et af de mest alsidige softwareinstrumenter på markedet med sit enorme bibliotek af lyde og endeløse synteseformer. Keyscape er lige så banebrydende for modellerede klaverer og keyboards.
• Native Instruments Battery 4: Min vigtigste tromme- og percussion-sampler i disse dage er Battery 4. Ikke alene har den et stort bibliotek med sæt og samples til alle slags elektroniske musikgenrer, men den tilbyder også dyb redigering og nem afspilning, når du uploader dine egne samples.
• Arturia V Collection: Præcist modellerede vintage-synthesizere og keyboards er navnet på spillet med Arturia. Hvis du ikke har adgang til analog hardware, er denne samling perfekt til at tilføje klassiske toner til dine numre.
• Spitfire Audio LABS: Jeg er for nylig begyndt at udforske LABS, og jeg elsker alle deres udgivelser. Det er en stadigt voksende serie af gratis instrumenter af høj kvalitet, der spænder fra strygere til vokaler til eksperimentelle lyde, perfekt til at tilføje unikke teksturer til din musik.

Når du fortsætter med at skabe elektronisk musik, vil du forelske dig i visse plugins og virtuelle instrumenter, men jeg vil opfordre dig til at blive ved med at udforske og følge med i nye udgivelser, da der altid er noget spændende i horisonten.

MIDI-keyboard eller -controller

MIDI, som står for "Musical Instrument Digital Interface", er den elektroniske musiks sprog.

Det er en teknisk standard, som gør det muligt for elektroniske musikinstrumenter, computere og andet udstyr at kommunikere, styre og synkronisere med hinanden. Vi bruger det til at hjælpe forskellige stykker digitalt musikudstyr med at interagere med hinanden. Se vores MIDI-guide for at få flere oplysninger om, hvordan det fungerer.

Selv om du kan tegne MIDI-noter i din DAW med musen eller computerens tastatur, giver et MIDI-keyboard eller en controller en meget mere taktil og udtryksfuld oplevelse. Med et keyboard eller en controller kan du spille melodier, trommerytmer og styre synthesizere i din DAW i realtid, hvilket giver dig øjeblikkelig feedback og en mere intuitiv måde at producere elektronisk musik på.

For mig bringer det at have et stykke hardware, som jeg kan bruge til at skabe musik, det menneskelige præg tilbage i den digitale proces.

Her er et par MIDI-keyboards og -controllere, som jeg vil anbefale at kigge nærmere på, og som passer til forskellige behov og budgetter:

• Akai MPK Mini MkIII: Hvis du er ude efter en kompakt og prisvenlig controller, er denne perfekt. Prisen er let at sluge for begyndere, og grænsefladen med 25 mini-taster er fantastisk til dem med begrænset studieplads. Desuden kan du tildele pads og drejeknapper for at få endnu mere alsidighed!
• Novation Launchkey-serien: Selv om den er designet til Ableton Live, kan Launchkey-serien bruges til enhver DAW. Den har taster, pads, drejeknapper og fadere i fuld størrelse til at styre alle aspekter af produktionen af elektronisk musik.
• Arturia KeyLab Essential: KeyLab Essential har en god balance mellem funktioner og pris, og den er perfekt til integration med Arturias samling af softwareinstrumenter. Tastaturet føles godt, og der er masser af DAW-kontroller til at give en mere praktisk oplevelse.
• Native Instruments Komplete Kontrol S-Series: Hvis du ofte bruger Native Instruments' software, er der ikke noget bedre valg til integration. S-seriens keyboards tilbyder keybeds af høj kvalitet med aftertouch samt et af de mest intuitive browsing- og parameterkontrolsystemer på markedet.
• ROLI Seaboard Block: Dette keyboard er det sorte får på markedet for MIDI-controllere, men hvis du ønsker at udforske mere end traditionelt keyboardspil, indfanger Seaboards udtryksfulde spilleflade berøringens fem dimensioner på en måde, som intet andet keyboard har kunnet hamle op med.

Igen, det er bare nogle af mine favoritter, men der er masser af andre MIDI keyboards og controllere, der bringer noget unikt til bordet, uanset om du prioriterer bærbarhed og overkommelige priser eller alsidighed og dyb softwareintegration.

Prøv forskellige, hvis det er muligt, og se, hvad der passer bedst til dit workflow.

Trommemaskiner og samplere

Selv om jeg ikke mener, at trommemaskiner og samplere er "must-haves" for at producere elektronisk musik i dag, er de vigtige værktøjer at kende, da de har været rygraden i elektronisk musikproduktion siden deres begyndelse.

Disse instrumenters historie går langt tilbage, og mange af de ikoniske modeller har formet lyden af hele genrer. For eksempel blev Roland TR-808, som kom frem i begyndelsen af 80'erne, synonym med hiphop. Lyt til "Planet Rock" af Afrika Bambaataa, og du kan høre et af de første eksempler på denne trommemaskines opstigen til stjernestatus.

På samme måde revolutionerede Akai MPC, som var en kombination af sampler og sequencer, den måde, producenter lavede beats på. J Dilla er et af de bedste eksempler på en legendarisk beatmaker, som ændrede den måde, vi laver elektronisk musik på, ved hjælp af MPC'en.

Det smukke ved at bruge hardware trommemaskiner og samplere frem for deres virtuelle modstykker er, at man får den taktile oplevelse og den analoge lyd. Jeg, og mange andre producere, finder den fysiske interaktion med knapper, pads og fadere langt mere inspirerende.

Desuden kan hardwarens unikke lydmæssige egenskaber og begrænsninger anspore til kreativitet i nuet. Der er selvfølgelig også aspektet med liveoptræden, og der er ingen tvivl om, at hardware giver et mere pålideligt og visuelt engagerende sæt.

Du bør helt sikkert se på, hvad nogle af dine yndlingskunstnere og -producere bruger for at begynde at opbygge din samling, men her er et par af mine foretrukne trommemaskiner og samplere, som jeg ofte anbefaler til andre:

• Roland TR-8S: Hvis du er som de fleste producere og ikke har tusindvis af dollars at bruge på en original TR-08, vil jeg anbefale at kigge på TR-8S. Denne relativt nye Roland-udgivelse leverer klassiske trommelyde fra TR-serien med mulighed for afspilning af samples, hvilket gør den til et alsidigt værktøj til liveoptræden og studiearbejde.
• Elektron Digitakt: For den mobile producer er denne kompakte trommemaskine og sampler et af mine foretrukne valg. Den har vildt stærke sequencing-funktioner og masser af indbyggede lyddesignværktøjer.
• Akai MPC Live II: MPC Live II har et legendarisk MPC-workflow og er fleksibel at bruge alene takket være de indbyggede højttalere og det genopladelige batteri, og den er perfekt til produktion på farten.
• Korg Volca Sample: Denne overkommelige og kompakte sample-sequencer er perfekt til begyndere, da den giver masser af leverkraft og har masser af funktioner og tilslutningsmuligheder til at lave groove i realtid.
• Dave Smith Instruments Tempest: Selv om den har haft sin del af kontroverserne gennem årene, er denne trommemaskine fra Dave Smith og Roger Linn en af mine foretrukne muligheder for at få den kraftfulde analoge trommemaskine-lyd.

Hardware gør et stort comeback, og derfor bør alle, der lærer at producere elektronisk musik, også udforske denne side af værktøjsskuret. Selv hvis du ikke har et kæmpe budget, er der stadig masser af muligheder derude!

Lydgrænseflade

Du kan sagtens slippe af sted med at lære at producere elektronisk musik udelukkende på din bærbare computer, men hvis du vil gøre alvor af din elektroniske musikproduktion og bygge bro mellem dine instrumenter, mikrofoner og din computer, skal du bruge et audiointerface.

Kort sagt konverterer et lydinterface analoge signaler til digitale lyddata, som din DAW kan behandle, og omvendt. Ud over konvertering kan et lydinterface også forbedre lydkvaliteten af dine optagelser betydeligt i forhold til de indbyggede lydindgange og -udgange på de fleste computere samt give vigtige funktioner som mikrofonforforstærkere, direkte overvågning til latensfri optagelse og flere indgange og udgange til tilslutning af forskellige lydkilder og outboard-udstyr.

Lydgrænseflader findes i alle former og størrelser, men hvis du er i tvivl om, hvor du skal starte, er her et par muligheder til forskellige budgetter:

• Budget-venlig :
  • Focusrite Scarlett 2i2 (3. generation): En af de bedste anbefalinger til begyndere, der vil have et interface med preamps af høj kvalitet og en holdbar konstruktion.
  • Behringer U-PHORIA UM2: En ekstremt prisvenlig løsning, der indeholder alt det grundlæggende, der er nødvendigt for at komme i gang med hjemmeoptagelse.
• Mellemklasse :
  • Universal Audio Apollo Twin MKII: Upåklagelig lydkvalitet og UAD-behandling i realtid, perfekt hvis du vil forbedre din produktion.
  • Native Instruments Komplete Audio 6: Tilbyder en god balance mellem funktioner og pris, med flere indgange/udgange og lav latenstid.
• High-End :
  • RME Fireface UCX: Kendt for sin pålidelighed, enestående lydkvalitet og lave latenstid, velegnet til små, professionelle studier.
  • Apollo x4 fra Universal Audio: Med fire Unison-forforstærkere, UAD-2 Quad Core-behandling og overlegen konvertering får du det bedste fra UAD-hardware.

Hvilket lydinterface, der er det rigtige for dig, afhænger af dine specifikke behov.

Hvis du f.eks. optager med flere mikrofoner på én gang, er det nødvendigt at have mange ind- og udgange. Hvis du er meget på farten, kan bærbarhed dog være det største salgsargument. Uanset hvad er det et must at investere i et lydinterface, hvis du vil forbedre kvaliteten af din musik.

Hovedtelefoner eller studiemonitorer

Når du begynder at lave din egen musik, får du brug for noget at lytte til den på.

En af de første ting, du skal tage stilling til, er, om du vil investere i hovedtelefoner eller studiemonitorer. De tjener hver især et unikt formål i musikproduktionsprocessen, og i virkeligheden er det bedst at have begge dele.

Studiomonitorer giver en mere præcis gengivelse af lyden i et rum, så du kan forstå, hvordan din musik vil virke i virkelige omgivelser. De giver også et rumligt og dimensionelt perspektiv på dit mix og hjælper dig med at træffe kvalificerede beslutninger om panorering, dybde og stereobilleder.

Hovedtelefoner giver på den anden side detaljer og isolation. De er gode til at identificere subtile nuancer i et mix, som måske overses med højttalere, f.eks. støj på lavt niveau eller klik og knald. Hovedtelefoner er også vigtige til sessioner sent om aftenen, eller hvis du arbejder i ubehandlede rum, hvor du ikke kan monitorere præcist gennem højttalere.

Det er en stor fordel at have begge værktøjer til rådighed, da det kan hjælpe dig med at se, hvordan dit mix lyder i forskellige lytteomgivelser, så du ved, at din musik lyder godt på en lang række afspilningssystemer.

Her er et par af mine anbefalinger til hver:

Anbefalinger til hovedtelefoner:

• Budget: Audio-Technica ATH-M40x - Fremragende lydkvalitet og holdbarhed til en overkommelig pris.
• Mellemklasse: Beyerdynamic DT 770 PRO - Kendt for deres detaljerede, afbalancerede lyd og komfort. Jeg elsker at bruge dem til lange mixing-sessioner.
• High-End: Sennheiser HD 650 - Førsteklasses åbne studiehovedtelefoner med enestående naturlig lyd og præcis basgengivelse.

Anbefalinger til studiemonitorer:

• Budget: Presonus Eris E3.5 - Superkompakt og prisvenlig, men leverer alligevel en klar og præcis lydprofil til små hjemmestudier.
• Mellemtone: Yamaha HS5 - Perfekt til en flad respons og fremragende lydgengivelse, især når man mixer i ubehandlede rum.
• High-End: Adam Audio A7X - Perfekt til professionelle musikproducere og teknikere, der ønsker præcis basrespons og detaljerede øvre frekvenser.

Da jeg begyndte at producere elektronisk musik, arbejdede jeg med hovedtelefoner i omkring et år, før jeg opgraderede min studieopsætning, så hvis studiemonitorer ikke er en del af dit lydproduktionsbudget lige nu, ville jeg ikke bekymre mig for meget om det. Bare sørg for at holde hyppige pauser, hvis du kun lytter med hovedtelefoner, så du bevarer overblikket og ikke bliver træt i ørerne.

Sådan laver du elektronisk musik

Produktion af elektronisk musik er et stort område. Jeg kan bestemt ikke love dig, at du vil mestre kunsten ved at læse denne artikel, men jeg kan forhåbentlig give dig et indblik i min erfaring med at producere elektronisk musik i løbet af det sidste årti, og du kan bruge det som inspiration på din egen rejse.

Jeg kan godt lide at tænke på musikskabelsesprocessen i tre faser:

1. Idéer: I den første fase skitserer du dine første ideer, eksperimenterer med lyde og mønstre og samler ideer eller inspiration fra andre kunstnere, som du kan lide.
2. Arrangement: Når du har styr på dine idéer, kan du strukturere dem til et sammenhængende flow og skabe et nummer, der tager lytteren med på en rejse fra start til slut.
3. Finpudsning: Dette er mix- og masteringfasen, hvor du finpudser dit nummer og sørger for, at alle elementer passer godt sammen.

Det er vigtigt at bemærke, at alle producenter går deres egen unikke vej gennem disse faser.

Nogle starter måske med en iørefaldende melodi og bygger op omkring den, mens andre hakker et par samples sammen og laver en fed sekvens på en MPC. Andre tager måske den traditionelle tilgang og bruger standardstrukturen for poparrangementer til at bygge en sang op fra bunden, hvor man starter med trommer, så bas, så guitar og så videre.

Skønheden ved elektronisk musikproduktion ligger i denne mangfoldighed af tilgange.

Jeg vil nu fortælle om den metode, der fungerer bedst for mig, men husk, at der ikke findes en proces, der passer til alle. Det handler om at finde den arbejdsgang, der sætter gang i din kreativitet og lader dine ideer flyde frit.

Find din egen lyd

Når man først er ved at lære at lave elektronisk musik, kan det sværeste være at finde sin egen lyd.

Der er så mange undergenrer under paraplybetegnelsen "elektronisk musik", og hver har sin egen unikke palet af lyde, rytmer og strukturer. Her er nogle af de populære undergenrer, for at nævne nogle få:

• Hus
• Techno
• Dubstep
• IDM (intelligent dansemusik)
• EDM (elektronisk dansemusik)
• Trance
• Tromme og bas
• Fremtidens bas

Som ny producer tror jeg, at nøglen til at finde sin egen lyd midt i denne mangfoldighed er at udforske og eksperimentere.

Dyk ned i forskellige undergenrer, ikke bare som lytter, men også som studerende. Lav korte stykker eller beats inspireret af forskellige stilarter for at se, hvad der vækker genklang hos dig og får dine kreative safter til at flyde. Du kan også prøve at samarbejde med andre producere, som kan tilbyde nye perspektiver og inspirere til retninger, som du måske ikke selv havde overvejet.

Denne tilgang kræver aktiv lytning. Det er et af de mest effektive værktøjer til at forstå nuancerne i hver enkelt subgenre. Når du lytter til et nummer, så prøv at dissekere det: Identificer de kerneelementer, der definerer dets lyd, fra tempo og trommemønstre til valg af synthesizer og arrangementets struktur. Vær opmærksom på, hvordan spænding og forløsning skabes, hvordan nummeret udvikler sig over tid, og hvilke følelser eller stemninger der fremkaldes.

Den dag i dag er en analytisk tilgang til lytning en af mine foretrukne måder at lære mere om en sang på.

Få den grundlæggende rytme

I hjertet af elektronisk musik ligger groovet, som vi ofte får fra trommer og percussion.

BPM (Beats Per Minute) spiller en afgørende rolle i definitionen af subgenren, og selvom man altid kan eksperimentere, har de fleste lyttere forventninger, når de lytter til visse former for elektronisk musik.

For eksempel ligger techno typisk mellem 120 og 135 BPM og har et fire-på-gulvet-trommemønster, mens traditionel housemusik ofte er mere sjælfuld og opløftende og svæver mellem 120 og 130 BPM med et lidt mere funky og groovy trommemønster.

Dubstep, som er kendt for sin tunge bas og synkoperede grooves, svæver typisk omkring 140 BPM, hvilket skaber lidt plads til de ikoniske, vægtige halvtidstrommemønstre.

Drum and bass går endnu længere med næsten 160-180 BPM og bruger opskruede breakbeat-rytmer, der giver en mere intens og kaotisk energi.

Vi har selvfølgelig også ambient elektronisk musik, som undgår traditionelle trommeslag til fordel for en mere flydende, udviklende tekstur. Nogle gange er der slet ingen trommer. I stedet fokuseres der på at skabe et mere atmosfærisk landskab.

Hvis du kender de typiske tempi og trommemønstre i disse undergenrer, kan det hjælpe dig med at tilpasse dine numre til genrekonventionerne. Som jeg sagde, skal du selvfølgelig ikke være bange for at eksperimentere med tempo og rytme for at finde din unikke lyd!

Udarbejdelse af dit beat

Jeg har altid ment, at det er en god strategi at starte med trommerne, når man producerer elektronisk musik.

Rytmesektionen kan lægge grunden til et nummers tempo og energi og etablere et groove, som resten af elementerne kan låse sig fast i. Tænk på det som at lægge rygraden i dit nummer først.

Selv om elektroniske sange kan ændre sig ret drastisk fra den ene til den anden, er de vigtigste komponenter i de fleste trommegrooves kick, snare eller clap, hi-hats og ekstra percussion, som kan give lidt smag og tekstur.

Når du begynder at lave dine egne trommeslag, er der flere tilgange, du kan tage:

• Brug af trommesamplere: Jeg er stor fan af Native Instruments' Battery 4, da man kan indlæse sine egne trommesamples og skabe MIDI-grooves helt fra bunden.
• Flipping Breaks, Loops og Samples: At kunne skære breakbeats og loops op er en gammeldags tilgang, men det er stadig en vigtig del af det at lave elektronisk musik og inspirere til nye ideer.
• Lyt til referencespor: Jeg anbefaler, at du bruger tid på at analysere trommesporene i de numre, du kan lide, og prøver at kopiere dem. Vær opmærksom på de forskellige lag, swing eller straight timing, og hvordan beatet supplerer sporets overordnede følelse.

Lad os se på, hvordan du kan gå frem for at skabe et simpelt house-beat:

1. Start med en sparketromme: Find et ideelt kick i house-stil, og placer det på hvert slag i takten (1, 2, 3, 4) for at få den ikoniske fire-på-gulvet-rytme.
2. Tilføj et klap eller en snare: Læg et klap eller en snare på 2. og 4. taktslag for at begynde at opbygge groovet.
3. Introducer hi-hats: Tilføj lukkede hi-hats mellem hvert kick- og snare-slag for at få en stabil, drivende rytme. Hvis du vil have en mere flydende fornemmelse, kan du bruge ottendedelsnoter.
4. Inkorporer perc ussion: For at pifte dine grooves op kan du tilføje nogle percussion-elementer som shakers eller tamburiner.
5. Eksperimentér med loops: Hvis jeg vil have ekstra tekstur i mine grooves, lægger jeg ofte et loopet percussion- eller toploop ovenpå for at fylde det ud.

At skabe et beat handler lige så meget om at eksperimentere, som det handler om at følge en formel, så leg med alle disse elementer ovenfor, og tilpas dem til din egen smag.

At lægge en baslinje

At lægge en baslinje er der, hvor dit nummer virkelig begynder at få momentum. Bassen skal supplere dit trommegroove og bygge bro mellem de rytmiske og harmoniske elementer i din musik, hvilket vi kommer nærmere ind på om lidt.

Her er en forenklet tilgang til at skabe en interessant baslinje:

1. Vælg din lyd: Start med at vælge en baslyd, der passer til din genre. Synth-basser er alsidige og kan formes meget, mens samplede basser kan tilføre dit nummer en tekstur fra den virkelige verden. A
2. Skab et groove: Begynd med et grundmønster, der følger dit trommegroove, og eksperimenter så med synkoper eller ekstra toner for at skabe rytme og interesse. Jeg anbefaler, at du lytter til baslinjer i andre elektroniske numre, du kan lide, og ser, hvilke teknikker de bruger.
3. Varier dine toner: Vær ikke bange for at afvige fra grundtonen. Du kan udforske skalaen med forskellige tonemuligheder. Er du ikke sikker på, hvordan du implementerer skalaer baseret på musikteori? Tjek nogle af vores blogs om emnet.
4. Læg en subbas ovenpå: Hvis din bas har brug for lidt mere "oomph" i den lave ende, kan du lægge en ren, sinusbølgebaseret subbas under den. Bare sørg for, at den er afstemt og rytmisk på linje med din hovedbas.

Uanset hvordan du griber det an, skal du vide, at baslinjen er et grundlæggende element i ethvert elektronisk musiknummer, så tag dig tid til at finpudse den, og vær ikke bange for at lave ændringer, indtil du finder det perfekte groove.

Arrangér dine akkorder

Dernæst skal du begynde at udvikle en akkordprogression til dit nummer. Dine akkorder er der for at lægge det følelsesmæssige fundament, som du bygger din melodi og andre teksturer på. De har evnen til at fremkalde bestemte stemninger, opbygge spænding og forløsning og lede lytteren gennem en fortælling.

Den måde, vi griber akkorder an på, kan selvfølgelig ændre sig markant fra den ene genre til den anden. I ambient elektronisk musik kan frodige, udvidede akkordprogressioner f.eks. være gode til at skabe en følelse af dybde, mens det i house eller techno kan være et bedre valg med enklere akkordstik uden megen harmonisk bevægelse.

Du behøver ikke at være ekspert i musikteori, men en solid forståelse af teorien kan hjælpe dig med at træffe mere velovervejede beslutninger om akkorder og progressioner. Det smukke ved musikteori er, at det handler om at kende reglerne, så du kan bryde dem. Desuden giver det dig mulighed for at kommunikere bestemte følelser og ideer gennem din musik,

Hvis du vil lære mere om musikteori, kan du se vores guide til at lave akkordprogressioner.

At skrive en melodi

Så hvad er en melodi?

Helt grundlæggende er det en sekvens af toner, der fungerer som hovedtema eller omdrejningspunkt i et stykke musik.

Det er den del af nummeret, som lytterne husker bedst, og derfor skal en god melodi være mindeværdig. Fra et musikteoretisk synspunkt skal den også passe ind i den harmoniske sammenhæng i dit nummer.

En af de vigtigste ting at overveje, når man skal skabe en mindeværdig melodi, er gentagelsens kraft.

Et gentagende motiv eller en frase er en god måde at forankre dit nummer på og give lytteren en følelse af sammenhæng, men du skal også lade være med at bruge for mange gentagelser, da din melodi kan ende med at lyde monoton.

Jeg vil anbefale at lytte aktivt til musik med stærke melodier for at få inspiration.

Analysér, hvordan disse melodier er opbygget, bemærk, hvordan de interagerer med akkorderne og rytmen, og hvordan de bruger gentagelser og variationer til at skabe bevægelse og følelser. Du kan også lade dig inspirere af disse sange uden direkte at plagiere dem, ligesom kunstnere har gjort det siden tidernes morgen. Alt bygger på noget tidligere.

At binde det hele sammen

Dernæst skal du begynde at finde måder at binde alle elementerne i dit spor sammen på.

Selv om elektronisk musik kan variere med hensyn til struktur, vil de fleste elektroniske numre i popstil følge en standardstruktur med op- og nedture fra start til slut.

Fra introen kan du bevæge dig ind i verset, hvor historien begynder at udfolde sig. Det kan føre til pre-chorus eller build-up for at øge spændingen til omkvædet, hooket eller droppet, der fungerer som nummerets klimaks.

Derfra kan du tilføje en solosektion for at fremvise en bestemt synth eller vokallinje eller en bro for et øjebliks kontrast eller refleksion før det endelige omkvæd, drop eller outro.

Mixning og mastering

Endelig kommer vi til mixning og mastering, som er de kritiske faser i postproduktionsprocessen. På dette tidspunkt bør fokus være på at gøre din samling af individuelle numre til et sammenhængende, poleret stykke musik til udgivelse.

I mixning er målet at afbalancere niveauer, panorere dine forskellige instrumenter i stereofeltet, anvende EQ for at fjerne frekvenssammenstød, komprimere for at udjævne dynamikken og bruge effekter som rumklang og delay for at skabe tredimensionel dybde.

Mastering er det sidste trin, hvor det mixede spor poleres og gøres klar til distribution. På dette trin finjusterer du den overordnede lyd, sørger for, at sangene er konsistente på tværs af albummet eller EP'en, hvis du laver et projekt, og kontrollerer, at musikken lyder bedst på en række forskellige afspilningssystemer.

Begge disse processer kræver et detaljeret øre og en dyb forståelse af, hvordan lyd opfører sig, og selvom du sagtens kan udvikle dine færdigheder nok til at mixe og mastere dine egne numre, er det typisk en fordel at få en anden til at udføre disse opgaver, når du starter, da det er godt at have en person med et nyt sæt ører og specialiseret udstyr.

De bedste ressourcer til at lære at lave elektronisk musik

Ud over denne artikel er det at lave elektronisk musik en kontinuerlig læringsproces med masser af forsøg og fejl og eksperimenter. Heldigvis er der utallige ressourcer til rådighed, som henvender sig til producere på alle niveauer, herunder:

Her er en liste over forskellige ressourcer, og hvorfor de er gode til at udvide din viden og dine færdigheder:

• Online-vejledninger og -kurser: Platforme som Skillshare, Udemy og Coursera tilbyder kurser i elektronisk musik, der undervises af branchefolk, og som kan variere fra begynder- til avanceret niveau.
• YouTube-videoer: Kanaler som Point Blank Music School og ADSR Music Production Tutorials giver endeløse gratis vejledninger, tips og teknikker om forskellige aspekter af musikskabelsesprocessen, perfekt til visuelle elever.
• Fora og onlinefællesskaber: Fællesskaber som Gearslutz, Reddits r/edmproduction og KVR Audio er gode til at komme i kontakt med andre producere, dele musik, få feedback og diskutere produktionsteknikker.
• DAW-specifikke ressourcer: De fleste DAW'er har officielle fora, vejledninger og dokumentation. Jeg er stor fan af Abletons Learning Music-hjemmeside, som har endeløse DAW-specifikke tips, tricks og vejledninger.

Vores blog er også fyldt med nyttige ressourcer til at lave elektronisk musik, uanset om du skal lære musikteori, hvordan musikbranchen fungerer, eller hvordan du skal gribe et arrangement an.

Afsluttende tanker

At lære at lave elektronisk musik er ikke noget, man gør fra den ene dag til den anden.

I sidste ende er det ultimative mål at skabe et nummer, der får dig til at føle noget - et nummer, du kan være stolt af. Musik er i konstant udvikling, så der er ingen grund til at binde sig til et sæt regler. Men hvis du forstår ovenstående værktøjer og ved, hvordan du bruger dem, kan du skabe noget, der er både smukt og unikt i den store verden af elektronisk musik.