Säveltäminen on usein rajojen laajentamista. Mutta mitä säveltämisestä tulee, kun rajat ovat kokonaan poissa ikkunasta? Toisin sanoen: voiko säveltäjien teoksia koskaan lakata pitämästä niitä... musiikkina?

Oxford Dictionary määrittelee oopperan " musiikkidraaman muodoksi, jossa puhtaasti melodiset rytmiset voimat kietoutuvat yhteen kerronnallisten elementtien kanssa". Tämä ei näytä koskevan esimerkiksi Schönbergin "Pierrot Lunairea". Hyvä on; voimmeko sitten kutsua sitä edelleen "melodraamaksi"? :)

Esipuhe

Säveltäminen on jokaiselle taiteilijalle syvästi henkilökohtainen ja luova prosessi. Jokaisella taiteilijalla on ainutlaatuinen tyyli, joka heijastaa hänen yksilöllisyyttään ja taiteellista näkemystään.

Aloittaessaan luovan prosessin taiteilija harkitsee tarkkaan, miten eri elementit voidaan yhdistää yhtenäiseksi kokonaisuudeksi. Sommittelutyylinsä kautta taiteilija välittää yleisölle estetiikkansa ja näkökulmansa.

Taiteilijan sommittelutyyli voi kehittyä ajan myötä, mikä heijastaa taiteilijan henkilökohtaista kasvua ja muuttuvia vaikutteita. Tai pikemminkin tyyli ja sommittelu sulautuvat yhteen, mikä synnyttää taideteoksia. Jokainen teos kantaa mukanaan palan taiteilijan sielua ja ainutlaatuisen viestin, jonka maailma voi tulkita.

Hyvillä säveltäjillä on aina ollut ainutlaatuinen kyky muuntaa ajatuksensa ja kokemuksensa musiikillisiksi mestariteoksiksi. Nykyään nykyaikaiset säveltäjät jatkavat musiikillisen ilmaisun rajojen ylittämistä.

Länsimainen musiikki määrittyi tavallaan tonaalisen keskuksen mukaan. Atonaalisuudessa säveltäjät vapautuvat tietyn sävellajin ja siihen liittyvien odotusten asettamista rajoituksista.

Ne voivat käyttää kromaattisen asteikon kaikkia kahtatoista säveltä tasavertaisesti ja jättää perinteisen tonaalisen harmonian hierarkiat huomiotta.

Määritellyn avaimen puuttuminen atonaalisuudessa avasi tietä ainutlaatuisille ja innovatiivisille sävellyksille.

Klassinen musiikki

Klassisessa länsimaisessa musiikissa on määritelty tonaalisuus (tai tonaaliset keskukset, jos/kun modulaatioita esiintyy).

Vahva tonaalinen keskipiste löytyy lähes kaikista klassisista sävellyksistä. Esimerkiksi Beethovenin hypersuositussa sinfoniassa nro 9 d-molli toimii "ankkurina".

Tämä esimerkki havainnollistaa, miten säveltäjät käyttävät tonaalisen keskipisteen käsitettä luodakseen musiikillista yhteenkuuluvuutta ja ratkaisun tunnetta. Tämä ei tarkoita sitä, etteikö kromaattinen asteikko olisi olennainen osa klassista musiikkia. Itse asiassa se on päinvastoin!

Klassisessa sävellystyössä kromaattisen asteikon käyttö tarjoaa rikkaan ja ilmaisuvoimaisen musiikillisen väripaletin. Se syventää vaihtoehtojen kirjoa, mikä mahdollistaa monimutkaiset harmoniat ja latautuneet kohdat klassisissa teoksissa.

Toiminnalliset soinnut

Kuten diatonista asteikkoa käsittelevässä artikkelissamme todettiin, käsitys siitä, mikä muodostaa soinnun, on kehittynyt aikojen kuluessa. Tonaalisessa musiikissa se määritellään tiukemmin ja rakenteellisemmin.

Sointujen toiminnallisuus liittyy läheisesti sointujen keskinäisiin suhteisiin, jotka määritellään sointukulkusuunnissa ja harmonisissa kadensseissa.

Yksittäinen sointu voi kuitenkin olla myös toiminnallinen ja tarjota melodian perustana olevan rakenteen. Kaikki riippuu siis säveltäjän taidoista ja aikomuksista.

Taitavat säveltäjät voivat luoda monenlaisia tunnelmia yhden soinnun avulla, kun otetaan huomioon erilaiset musiikilliset kontekstit. Itsensä ilmaisemisen opetteleminen soinnun kautta on todellakin ratkaiseva askel kohti musiikillista taiteellisuutta!

Klassismin ulkopuolella

1900-luvun alussa Aleksandr Skrjabin ja Igor Stravinski alkoivat kuvata musiikkia perinteisestä diatonisesta asteikosta poikkeavalla tavalla.

Heidän ekspressionistisissa teoksissaan käytettiin ekspressiivistä kromaattisuutta ja harmonioita, asteikkoja ja sointuja, jotka hylkäsivät perinteisen tonaalisuuden.

Kun kuulee heidän sävellyksiään, voi arvostaa sitä, miten mestarillisia he olivat. Heidän latautuneet sointukulkunsa ja melodiansa haastoivat kuulijan odotukset.

Alku

Kun asiat kehittyivät edelleen, innovatiiviset ideat haastoivat viimeisetkin toiminnallisen harmonian rajoitukset.

Tämä perinteisestä lähestymistavasta poikkeaminen on aiheuttanut sen, että peräkkäiset soinnut ovat dissonantteja ja irrallisia, kun niitä tarkastellaan perinteisen sointurakenteen näkökulmasta.

Arnold Schönberg otti käyttöön atonaalisuuden ja monia muita kokeellisia tekniikoita, jotka venyttivät rajoja entisestään. Schönbergin tyyli oli tuolloin niin avantgardistinen, että jotkut eivät edes pitäneet sitä musiikkina, joten hänen pyrkimyksensä ovat esimerkki arkkityyppisestä paradigmanvaihdoksesta.

Hänen vapaa atonaalisuutensa vaati, että perinteisistä harmonisista käsitteistä luovutaan kokonaan, ilman että hän olisi ollut tiukka sen suhteen, mitä ne tarkalleen ottaen ovat. Tämä herättää kysymyksen: keskittyykö atonaalinen säveltäjä vain rikkomaan kaikkia perinteisiä sääntöjä?

Atonaalisuuden estetiikka

Toisin kuin yleisesti luullaan, atonaalisuudessa ei ole kyse "anti-tonaalisuudesta". Se on joukko itsenäisiä periaatteita. Vaikka harmoniset kadenssit ovat "kiellettyjä", atonaaliset säveltäjät eivät perusta estetiikkaansa sen perusteella , kuinka epätonaalinen musiikkikappale on.

Perinteisen äänikeskuksen puuttuminen on todellakin atonaalisen teoksen tunnusmerkki. Ja kyllä: atonaalisessa teoksessa säveltäjä tietoisesti välttää kotisävelen määrittämistä, mikä johtaa erilaisten sointurakenteiden dynaamiseen ilmenemiseen.

Nämä periaatteet synnyttivät sen, mikä myöhemmin tunnettiin nimellä Toinen wieniläinen koulukunta. Arnold Schönberg kirjoitti Pierrot Lunaire -teoksen osoittaakseen esteettiset näkökantansa jo aiemmin, ja hänen oppilaansa Alban Berg ja Anton Webern seurasivat häntä ja alkoivat kirjoittaa pianokappaleita ja jopa sviittejä.

Erityisesti heidän pianokappaleensa osoittivat, että musiikillinen fokus oli täysin erilainen. Oikea käsi ei "lentänyt" soittaessaan melodiaa tai duurikadenssin ohimeneviä nuotteja. Pikemminkin kappaleissa oli kyse enemmänkin sävelkorkeusluokista ja rakenteesta, kun ne lähettivät duurisävelet eläkkeelle.

Kyllä, atonaalisessa musiikissa virtuositeetti (tai pikemminkin: näppäryys) on vähemmän tärkeää. Webern ja Berg jatkoivat opettajansa antamien tietojen pohjalta, mikä johti tyylilliseen jatkokehitykseen.

Apex Vuodet

Sarjamusiikki nousi merkittäväksi poikkeukseksi vapaasta atonaalisesta musiikista sellaisenaan. Se perustuu kahdentoista sävelen tekniikkaan tai ääniriviin, joka määrittää melodisen järjestyksen ja peräkkäiset soinnut koko sävellyksen ajan.

Vastaava sävellystekniikka, jota tuolloin kutsuttiin "serialismiksi", tuli tunnetuksi toisen wieniläisen koulukunnan teosten kautta. Säveltäjien ponnistus johti uraauurtavien atonaalisten teosten luomiseen.

Schönbergin suosikkioppilaat (edellä mainitut Alban Berg ja Anton Webern) olivat serialismin eturintamassa.

He alkoivat käyttää tiukkoja matemaattisia rakenteita sävellystensä järjestämiseen. Heidän atonaalisissa teoksissaan käytettiin usein edellä mainittuja kahdentoista sävelen rivejä tavoitteen saavuttamiseksi.

Tämä järjestelmä edellytti, että kaikkia kromaattisen asteikon 12 sävyä käytettiin, mutta ei yhdestä oktaavista ja ilman minkäänlaista yhdenmukaisuutta tonaalisen melodian kanssa (perinteisen määritelmän mukaisesti). Lisähaasteena on, että "rivi" on kehitettävä ilman äänten toistoja.

Tämän seurauksena atonaalisesta musiikista tuli erittäin haastavaa myös esittäjälle, erityisesti atonaalisista kappaleista, joissa on lauluosuus. Toiminnallisen harmonisen viitekehyksen puuttuessa vähemmän kokeneiden vokalistien oli usein tehtävä erityisiä harjoituksia ja jopa opeteltava osuutensa ulkoa.

Serialismin vaikutus jätti pysyvän vaikutuksen klassisen nykymusiikin maailmaan. Atonaaliset teokset tasoittivat tietä sävellyksen kokeiluille.

Muut kuin biennaalilaiset

Olisi virhe päätyä siihen johtopäätökseen, että atonaalinen musiikki liittyy Wieniin - tai ylipäätään vain länteen.

Sergei Prokofjev tutki näitä käsitteitä itsenäisesti ja loi teoksia, jotka haastavat erityisesti perinteisen oopperarakenteen. Hän jatkoi Skrjabinin ja Stravinskyn luomalle perustalle rakentamista.

Alban Bergin oopperan Wozzeckin tapaan hänen sävellyksissään ensisijainen rakenteellinen elementti hajosi, kun melodiat ja rytmit itsenäistyivät ja monimutkaistuivat.

Ironista kyllä, vapaata atonaalisuutta voidaan pitää sekä alkuna että loppuna, yksinkertaisesti siksi, että atonaalisuus oli vähemmän tiukkaa ennen ja jälkeen serialistien.

Voidaan olla eri mieltä, mutta tietyt osat tai otteet Prokofjevin, Šostakovitšin tai jopa Rahmaninovin musiikista ovat tavallaan "vapaasti atonaalisia".

Jazz

Ainakin Charlie Parkerista lähtien, ja ehdottomasti hänen jälkeensä, kirjaimellisesti jokainen jazzmuusikko oli pakkomielteinen siinä, miten laajentaa sointukeskuksia; miten "määritellä avaimet uudelleen", jos niin halutaan. Tämä synnytti cool jazzin ja erityisesti modaalisen jazzin.

Hieman myöhemmin Herbie Hancock tutki klassisen nykymusiikin ja jazzin yhdistämistä - mikä oli väistämätön seuraus hänen innovatiivisesta hengestään. Hän käsitteli rytmiä melodian erottamattomana kumppanina ja loi uraauurtavia sävellyksiä.

Näistä melodisten ja rytmisten jännitteiden kokeiluista tuli yksi tärkeimmistä tekijöistä uuden musiikin kehityksessä 1900-luvulla.

Jälkiseuraukset

Atonaalinen musiikki ei lopettanut tonaalista musiikkia tai funktionaalista harmoniaa. Pikemminkin se määritteli uudelleen käsitteet, soinnut ja sen, mikä määrittelee tonaalisen keskuksen, mikä on sointu jne.

Tonaalinen musiikki tänään

Nykyaikainen toiminnallinen harmonia kuulostaa... no... rikastuneelta (lievästi sanottuna). Estetiikka sallii sekä atonaalisen musiikin sävelluokat että tonaalisen keskuksen.

Nykypäivän tonaalisessa musiikissa voi olla - ja on - myös atonaalista musiikkia. Tai ehkä atonaalisen musiikin "muistumia", tai ehkä atonaalisen musiikin välähdyksiä ja vaikutteita. Ja se on luonnollista, koska musiikki on musiikkia, ja avain on säveltäjien ideoissa.

Nykypäivän atonaalista musiikkia?

Samoin atonaalinen musiikki on atonaalista musiikkia. Nykyaikaista atonaalista musiikkia on olemassa, vaikkakaan sitä ei nimetä sellaiseksi (kuten "nykyaikainen atonaalinen musiikki" ).

Arnold Schönberg ja kaikki sitä edeltäneet koulukunnat ovat hyvin erilaisia kuin nykyiset koulukunnat. "Pierrot Lunaire ei ole verrattavissa nykypäivän atonaaliseen musiikkiin. Mutta toisaalta: sitä ei voi verrata myöskään Pendereckin "Threnody to the Victims of Hiroshima" -teokseen, ja sekin syntyi vasta vuosikymmen Schönbergin kuoleman jälkeen...

Olennaista on, että Schönbergin atonaalinen musiikki toi uusia ajatuksia musiikkimaailmaan. Avainajatuksia, joista on hyötyä erityisesti elokuvamusiikissa ja teatterimusiikissa. Ja kyllä: nykyään kaikki ovat yhtä mieltä siitä, että Schönbergin teokset olivat - ja tulevat aina olemaan - musiikkia!