Yksinkertaisimmillaan äänisuunnittelun tavoitteena on muovata ääni siten, että sillä saavutetaan tietty luova visio. Äänisuunnittelu kattaa kaikki mediat musiikista elokuviin ja videopeleihin ja paljon muuta, olipa kyse sitten kummitustalon aavemaista tunnelmaa kauhuelokuvaan tai sykkivän syntetisaattorin luomisen dynaamista EDM-kappaletta varten.

Äänisuunnittelijat ovat kuin äänialkemistit, jotka ottavat idean siitä, miltä jokin voisi kuulostaa, ja käyttävät sopivia työkaluja tuodakseen tuon äänen elämään.

Kuvittele uusimman scifi-elokuvan kohtaus, jossa avaruusolento tekee ensimmäisen henkäyksensä. Se olisi todennäköisesti tuonpuoleinen uloshengitys, joka saisi sinut värisemään selkäpiitäsi pitkin elokuvateatterissa. Tätä ahdistavaa mutta kaunista ääntä ei olisi ollut olemassa, ellei äänisuunnittelija olisi antanut sille elämää.

Tänään perehdymme syvällisemmin äänisuunnittelun kiemuroihin ja tutkimme kymmenen ammattimaisen tekniikan ja vinkin avulla voit saada luomistasi äänistä parhaan mahdollisen hyödyn irti.

Äänisuunnittelun historia

Äänisuunnittelun kehitys on tiiviisti sidoksissa median ja teknologian kehitykseen. Ensimmäiset äänisuunnittelun muodot ilmestyivät kuitenkin jo tuhansia vuosia sitten. Kreikkalaiset ja roomalaiset rakensivat ainutlaatuisia mekaanisia laitteita äänitehosteiden sisällyttämiseksi näyttämöesityksiinsä, kuten kankaalla päällystetyistä pyörivistä pyöristä valmistettuja tuulikoneita ja ukkoskoneita, jotka koostuivat venytettyihin lehmännahkoihin pudotetuista messinkipalloista.

Kuitenkin 1900-luvun alussa, kun insinööreillä oli vihdoin mahdollisuus synkronoida ääni elokuvissa ja radiossa, he alkoivat luoda eläviä äänitehosteita elokuvanäytösten ja radiolähetysten aikana erilaisten mekaanisten laitteiden avulla.

"The Jazz Singer" (1927), joka oli ensimmäinen "puhe-elokuva", oli merkittävässä asemassa synkronoidun äänen popularisoimisessa elokuvateattereissa.

1930-luvulle tultaessa äänisuunnittelijat alkoivat käyttää äänitettyjä ääniä elokuvien ja radion erityistehosteisiin tehdäkseen mediasta uskottavampaa. Jack Foley oli varhainen äänitehosteiden edelläkävijä, joka kehitti tekniikan, jolla äänitehosteet luotiin ja synkronoitiin reaaliaikaisesti ruudun toiminnan kanssa.

Tämä synnytti termin "Foley" eli elokuvien äänitehosteiden lisäämisen.

Tekniikka kehittyi nopeasti 1940-luvulta 1970-luvulle, mikä antoi äänisuunnittelijoille enemmän luovaa valtaa. Magneettinauha oli yksi äänisuunnittelun vallankumouksellinen elementti, sillä sen avulla äänitettyjä ääniä voitiin muokata ja manipuloida.

Taidemuoto sai nimen "Musique concrète".

Pierre Schaefferin ja Robert Moogin kaltaisten pioneerien ansiosta syntetisaattorit tulivat markkinoille pian, ja niiden avulla voitiin luoda elokuvien ja television äänimaailmoja ennennäkemättömällä tavalla.

Tietenkin se, mikä todella muutti kaiken nykyaikaisen tuottajan kannalta, oli digitaalitekniikan tulo 1980-luvulla. Digitaalisten äänitystyöasemien, samplereiden ja syntetisaattoreiden yhdistelmän myötä äänisuunnittelun integroinnille tuli taivas rajaksi.

Mitä äänisuunnittelija tekee?

Äänisuunnittelijat muotoilevat, muokkaavat, luovat ja käsittelevät ääntä eri medioissa, kuten musiikissa, elokuvissa, televisiossa, peleissä ja UX-sovelluksissa. Heidän työtehtäviensä laajuus voi vaihdella riippuen siitä, minkä tyyppisen projektin parissa he työskentelevät. Katsotaanpa muutamia esimerkkejä äänisuunnittelijan tehtävistä.

Äänisuunnittelu musiikissa

Musiikkituotannossa äänisuunnittelijoiden rooli voi vaihdella suuresti.

He navigoivat usein (oikeiden tai virtuaalisten) instrumenttien, kenttääänitteiden, efektiprosessoreiden ja DAW:iden villisti monimutkaisessa maailmassa säveltääkseen, luodakseen ja muokatakseen ääntä kappaleisiinsa.

Esimerkiksi äänisuunnittelija saattaa haluta luoda DAW:ssä ainutlaatuisen syntetisaattoriäänen, joka toimii uusimman deep house -kappaleensa melodisena pääelementtinä. Hän saattaa käyttää Xfer Recordsin Serumin kaltaista syntetisaattoria luodakseen ainutlaatuisen lyijyn, jossa yhdistyvät aaltotaajuudet ja efektit, tai hän voi käyttää rakeisten efektimoottoreiden läpi ajettua kokoelma mukautettuja äänitettyjä sampleja luodakseen jotain orgaanisempaa.

Flying Lotus (Steve Ellison) on erinomainen esimerkki tuottajasta, joka käyttää äänisuunnittelua genrejä uhmaavassa musiikissaan.

"Cosmogramma" on yksi suosikkini 2000-luvun elektronisista albumeista, sillä siinä yhdistyvät jazzin, hiphopin ja elektronisen musiikin elementit. Albumin äänitysten aikana Ellisonin äiti sairastui vakavasti. Äidin ollessa sairaalassa hän päätti tuoda äitinsä huoneeseen mikrofonit ja äänityslaitteiston nauhoittaakseen ääninäytteitä elintoimintojen monitorien ja hengityslaitteiden ääninäytteistä, joita hän käytti albumin viimeisessä kappaleessa "Galaxy in Janaki".

Vaikka se olikin epäsovinnainen (ja mahdollisesti outo) teko, hän totesi, ettei halunnut "unohtaa tilaa", kun hän suri äitinsä kuolemaa. Näistä äänistä tuli merkittävä osa tuota kappaletta.

Äänisuunnittelu elokuva- ja televisiotuotannoissa

Elokuvissa ja televisiossa äänisuunnittelijoilla on keskeinen rooli visuaalisen kerronnan tehostamisessa.

Ammattitaitoiset äänisuunnittelijat luovat ja kuratoivat äänet huolellisesti niin, että ne sopivat yhteen ruudun visuaalisen ilmeen kanssa, olipa kyseessä sitten oven nariseva ääni, joka lisää kauhuelokuvan jännitystä, tai ukkosen kaukainen jyrinä, joka antaa sävyn lähestyvälle myrskylle.

Yksi hyvä esimerkki tästä on vuoden 1993 hittielokuva Jurassic Park, jossa äänisuunnittelija Gary Rydstrom herätti esihistorialliset olennot henkiin luomalla realistisia dinosaurusten karjaisuja. Rydstromin mukaan T-Rexin ikoninen karjunta oli yhdistelmä erilaisia eläinten ääniä, kuten tiikerin räkäisy, norsunpoikasen vinkuminen ja alligaattorin kurina.

Äänisuunnittelu videopeleissä

Videopeliteollisuudessa äänisuunnittelijoiden on rakennettava kokonaisia maailmoja tyhjästä, jotta pelaajille voidaan tarjota mukaansatempaavia äänikokemuksia.

Jokainen ääni on rakennuspalikka aina askelten kaikuisuudesta 1700-luvun laivatykin räjähdysmäiseen jyrinään, joka kuuluu kaukaisuudessa.

Esimerkiksi post-apokalyptinen The Last of Us -peli käyttää kaukaisten villieläinten hienovaraisia kaikuja ja hylättyjen kaupunkien ahdistavaa tunnelmaa luodakseen kauhistuttavan tunnelman. Pelin pelanneet tietysti tietävät, että edes nämä äänitehosteet eivät vedä vertoja Gustavo Santaolallan selkäpiitä karmivalle kitarateemalle.

Käyttäjäkokemuksen (UX) äänisuunnittelu

Äänisuunnittelijat työskentelevät myös yhdessä tuotekehittäjien kanssa luodakseen ääniä UX- ja muita reaalimaailman sovelluksia varten.

Älypuhelimestasi kuuluva pieni suhina, kun lähetät sähköpostia, on äänisuunnittelijan työtä. Sama pätee fyysisiin ympäristöihin, kuten hisseihin, joissa kuulet pienen äänimerkin osoittaaksesi, että olet saapunut tiettyyn kerrokseen tai että uusien matkustajien on aika astua sisään.

Teatterin äänisuunnittelu

Viimeisenä mutta ei vähäisimpänä on äänisuunnittelu teatteriesityksissä. Kuten aiemmin mainitsin, näyttämöäänitehosteet ovat olleet käytössä jo tuhansia vuosia, mutta nyt, kun tekniikka on parempi kuin koskaan aiemmin, äänisuunnittelijoilla on paljon enemmän liikkumavaraa kuin muinaisilla kreikkalaisilla ja roomalaisilla.

Elton Johnin ja Tim Ricen ikonisen musiikin lisäksi Broadwayn "Leijonakuningas"-produktiossa kuulet upeita afrikkalaisen savannin äänimaisemia ja eläinten ääniä, jotka yhdessä luovat maailman, johon yleisö voi astua.

Ensimmäisen äänen luominen

Hieno äänisuunnittelu vaatii monimutkaista tanssia eri äänisuunnitteluelementtien välillä.

Jotta voisit hallita äänen luomisen ja manipuloinnin, sinun on ymmärrettävä, miten nämä elementit vaikuttavat toisiinsa. Tutustutaan muutamiin äänisuunnittelun rakennuspalikoihin ja erilaisiin äänisuunnittelutyökaluihin, joita voit käyttää uusien äänien luomiseen.

1. Oikean äänisuunnittelutyökalun valinta

Kun aloitat äänisuunnittelun, sinun on ensin löydettävä itsellesi parhaiten sopiva työkalu.

Kun olet keksinyt, millaisen äänen haluat tuottaa, voit kysyä itseltäsi: "Mitä äänilähdettä voin käyttää tämän äänen tuottamiseen?".

Syntetisaattorit

Syntetisaattorit ovat korvaamattomia äänisuunnittelun maailmassa.

Aaltomuotojen, oskillaattoreiden ja efektien avulla voit muotoilla ja muokata ääniä sydämesi kyllyydestä.

Myös synteesityylejä on useita, ja jokaisella niistä on ainutlaatuinen sointiväri, joka sopii parhaiten eri projekteihin.

Esimerkiksi analogisista syntetisaattoreista saa tiettyä lämpöä, jota on vaikea jäljitellä muualla. Minimoogin tai Juno-60:n soundit vangitsevat kauniisti menneen aikakauden olemuksen, ja ne sopivat täydellisesti, kun haluat antaa "vintage"-sävyn mukautettuihin soundeihisi.

Katso Kraftwerkin uraauurtava albumi "Autobahn" vuodelta 1974, jossa bändi käytti analogisten syntetisaattoreiden, kuten kuuluisan ARP Odysseyn ja Minimoogin, sekoitusta luodakseen 22-minuuttisen musiikkikappaleen, joka simuloi ajokokemusta Saksan Autobahnilla.

Näytteenottajat

Norjalainen ambient-elektroniikkataiteilija Geir Jenssen, joka tunnetaan paremmin salanimellä Biosphere, sisällyttää sävellyksiinsä ympäröivän luonnon raakoja kenttätallenteita.

Hänen ylistetty 1997 albumi "Substrata," kutoo yhteen tunnelmallisia äänimaisemia ja luonnon äänitteitä, kuten tuulta, vettä ja linnunlaulua, luodakseen ainutlaatuisen uppoutuvan äänikokemuksen.

Nykyaikaisempi esimerkki on Ableton-musiikkituottaja Rob Late, joka käyttää studiossaan olevien elementtien näytteistettyjä tallenteita rakentaakseen kokonaisia kappaleita.

Kenttätallentimet

Studion rajojen ulkopuolelle meneminen ei sovi kaikille, mutta mukautettujen kenttätallenteiden käyttäminen musiikissa on yksi suosikkitapoistani lisätä musiikkiin ja taustamusiikkiin orgaanisia ja aitoja kolmiulotteisia piirteitä.

Brittiläinen äänitallentaja Chris Watson on yksi historian vaikutusvaltaisimmista pioneereista, joka tunnetaan parhaiten luontotallenteistaan. Hän oli yksi 1970- ja 80-luvun kokeellisen musiikkiprojektin Cabaret Voltairen perustajajäsenistä.

Katso yllä olevalta videolta, miten Watson lähestyy ympäristön äänien tallentamista ja niiden käyttämistä työssään.

2. Peruselementtien hienosäätö

Kun olet löytänyt haluamasi äänisuunnittelutyökalun, seuraava askel alkemiallisella matkallasi on näiden äänien virittäminen vastaamaan tavoitettasi.

Aaltomuotojen ymmärtäminen

Syntetisaattoripohjaisen äänisuunnittelun labyrintissa oikean lähtökohdan valitseminen on ratkaisevaa.

Valitse aaltomuoto, jonka sävy on samankaltainen kuin haluamasi lopputulos.

Tavoittelitpa sitten puhtaan potkurummun pehmeää lyöntiä tai laserpyssyn moduloitua surinaa, oikeanlainen perusaaltomuoto asettaa näyttämön kunnolla.

Minulle annettiin kerran tehtäväksi luoda kaukainen, tuonpuoleinen ambient-ääni lyhyeen scifi-elokuvaan, ja päätin aloittaa rakentamisen siniaallon varaan. Siniaallot ovat tunnettuja puhtaudestaan, joten ne ovat täydellinen perusta muille kerroksille, varsinkin kun haluat jotain salaperäisempää.

Kaikki perusaaltomuodot - sini, neliö, sahalaita ja kolmio - ovat tietenkin erilaisia.

Kullakin on oma ääniominaisuutensa, ja äänisuunnittelijana on tärkeää oppia erottamaan niiden ainutlaatuiset ominaisuudet.

Suosittelen, että käytät jonkin aikaa uppoutuaksesi kunkin aaltomuodon puhtaisiin sävyihin, jotta voit alkaa poimia niitä äänistä, joita kuulet suosikkikappaleissasi tai äänimaisemissasi.

Kolmioaallot ovat paljon pehmeämpiä kuin neliöaallot, mutta hieman siniaaltoja rikkaampia. Sahanhampaat tarjoavat mukavan välivaiheen, ja niin edelleen. Ajattele prosessia ikään kuin olisit taidemaalari, joka oppii, miten eri perusvärit sopivat yhteen hienostuneempien tekstuurien luomiseksi.

Monimutkaisten äänien purkaminen

Todellinen haaste tulee vastaan, kun joudut suunnittelemaan monimutkaisia ääniä, kuten futuristisen laseraseen ääntä.

Aina kun minulle annetaan tehtäväksi luoda tietty ääni, ajattelen sitä palapelinä. Yritän tunnistaa ja eristää tärkeimmät yksittäiset kerrokset, jotka ovat vastuussa äänen hyökkäyksestä, kestävyydestä ja vapautumisesta.

Katsotaan esimerkiksi, miten äänisuunnittelija Ben Burtt teki ikonisen Star Wars -valomiekkaäänen.

Tyhjäkäyntiääni, joka on valomiekan pääasiallinen ääni, tuli kahdesta yhteen kytketystä projektorin moottorista ja television vanhan kuvaputken humina. Kun valomiekat kohtasivat taistelussa, Burt tarvitsi hyökkäys-, ylläpito- ja vapautusäänen.

Hyökkäykseen hän käytti kuivajäähän työnnetyn tikun ääntä, kun taas ylläpitoon ja vapautukseen hän käytti pölynimurin efektoitua ääntä.

3. Muotoile kirjekuori

Kun sinulla on raaka-aineet, voit alkaa leikkiä amplitudikuorilla.

Äänen amplitudikuorella tarkoitetaan sitä, miten se kehittyy ajan myötä, mukaan lukien attack, decay, sustain ja release.

Kun kehität uutta ääntä, sinun on kysyttävä itseltäsi seuraavia kysymyksiä:

Haluanko äänen iskevän kovaa ja välittömästi vai haluanko sen kehittyvän vähitellen?

Pitäisikö sen kadota nopeasti vai häivyttää varovasti?

Tapa, jolla asetat amplitudikuoren, määrittää vastaukset näihin kysymyksiin.

Tarkastellaan lyhyesti näitä tärkeimpiä kirjekuoren ominaisuuksia:

• Attack - Attack-aika on se, kuinka kauan äänellä kestää saavuttaa maksimiamplitudi. Pikkurummun lyömisen ja viulujousen jousen jousituksen hyökkäys on hyvin erilainen. Jos haluaisit luoda kahden miekan iskun, voisit harkita ääntä, jolla on terävä, metallinen hyökkäys.
• Decay - Decay-vaihe alkaa heti sen jälkeen, kun ääni saavuttaa maksimiamplitudin, ja määrää, kuinka kauan kestää, ennen kuin se laskeutuu takaisin sustain-tasolleen. Ajattelen tässä yhteydessä mielelläni resonanssia. Jos esimerkiksi soitan nuotin pienellä, salonkityylisellä pianolla ja soitan saman nuotin sitten suurella flyygelillä, saisin flyygelistä enemmän dekayntiä, koska siinä on enemmän kehon resonanssia.
• Sustain - Tämä äänen osa keskittyy äänenvoimakkuuteen, jonka se säilyttää, kun sitä pidetään yllä. Palatakseni takaisin miekaniskun esimerkkiin, sustain olisi melko nopea, ellei kahden metallin osuessa toisiinsa syntyisi pitkää "pingiä".
• Release - Release kertoo, kuinka kauan kestää, että nuotti laskee sustain-tasolta täydelliseen hiljaisuuteen. Haluatko, että ääni viipyy vai pistemäisesti perkussiivisesti?

ADSR:n ymmärtäminen on avainasemassa äänitehosteiden ja äänitekstuurien luomisessa, vaikka se ei olekaan viimeinen askel.

4. Modulaation lisääminen

Elävässä maailmassa ääni ei ole staattinen. Se liikkuu ja moduloituu. Saman pitäisi päteä myös luomaanne musiikkiin ja äänitehosteisiin.

Paras tapa tehdä staattisista äänistä mielenkiintoisempia on lisätä modulaatiota.

Pohjimmiltaan haluat muuttaa tietyn äänen tai aaltomuodon yhtä tai useampaa ominaisuutta ajan mittaan, olipa kyse sitten hienovaraisista muutoksista sävelkorkeudessa tai taajuussisällön kehittymisestä.

Kun kuuntelet ääniä, jotka haluat luoda uudelleen, sinun on erotettava, mitkä äänielementit muuttuvat ajan myötä.

Kuuletko sävelkorkeuden muutoksia?

Muuttuuko äänenvoimakkuus hetkestä toiseen?

Ovatko suodattimet tai harmonisten yliaaltojen generaattorit, jotka tuovat uutta taajuussisältöä?

Modulaatioprosessin ei myöskään tarvitse olla räikeän ilmeinen. Voit tuoda hienovaraisesti esiin sävelkorkeuden ja taajuuden muutoksia säätämällä syntetisaattorin tai efektiprosessorin nuppia tai liukusäädintä. Tämä voidaan tehdä joko manuaalisesti tai matalataajuusoskillaattoreilla (LFO), jotka tarjoavat rytmisemmän ja ennustettavamman modulaatiotyylin.

Äänisuunnittelijana voit käyttää parametreja, kuten nopeutta, voimakkuutta tai aaltomuodon tyyppiä, muuttaaksesi äänen kehittymistä ajan myötä.

Tämän strategian toteuttamiseksi suosittelen kokeilemaan DAW:n automaatiota. Voit ottaa äänen ja piirtää mukautettuja modulaatiokääreitä antaaksesi sille liikettä ja energiaa.

5. Sovella tehosteita

Äänisuunnitteluprosessin viimeinen ja usein jännittävin osa on efektien lisääminen. Tässä vaiheessa muutat täysin käyttämäsi äänen ja luot jotain todella erikoista.

Useimmilla äänisuunnittelijoilla on valtava valikoima efektejä sekä laitteisto- että ohjelmistomuodossa, ja monet heistä ovat rakentaneet ainutlaatuisia signaaliketjuja tuottaakseen erilaisia syvyyttä, tilaa ja tekstuuria.

Huolellisesti kuratoidun efektisarjan avulla voit muuttaa yksittäisen äänisignaalin täysimittaiseksi kokemukseksi.

Äänitehosteiden päätarkoitus on luoda uudelleen psykoakustisia ilmiöitä. Ajattele, että otat paikan tai kokemuksen ja ajattelet kaikkia niitä elementtejä, jotka yhdessä luovat ääniä.

Kanjonissa kuultavan äänen laajuus liittyy kovien pintojen väliseen etäisyyteen ja kuultavien kaikukerrointen määrään, kun taas puhelimen toisella puolella puhuvan äänen ääni liittyy kaistanpäästösuodattimen resonanssiin ja lievään kylläisyyteen.

Äänisuunnittelussa käytetään neljää päätyyppiä efektejä, joista jokaisella on omat ominaisuutensa.

• Aikaperusteiset vaikutukset: Jälkikaiunta ja viive muokkaavat ajallista ulottuvuutta ja antavat kuulijalle illuusion tilasta ja syvyydestä.
• Modulaatiovaikutukset: Chorus-, phaser-, flanger-, tremolo- ja auto-pan-efektit lisäävät ääniin liikettä ja luonnetta.
• Suodattimet: Matalapäästö-, korkeapäästö- ja kaistanpäästösuodattimien avulla voimme muokata äänien taajuusspektriä.
• Dynaamiset vaikutukset: Kompressio ja kylläisyys mahdollistavat äänien dynaamisen voimakkuuden hallinnan ja lisäävät samalla ainutlaatuisia sointiväriominaisuuksia.

Sanotaan, että haluaisimme luoda avaruudellisen, scifi-tyylisen tunnelmaäänen.

Aloittaisin perus-syntetisaattoripadilla ja antaisin reilusti kaikua. Koska olemme avaruudessa, kaikujäljen pitäisi olla melko pitkä (tiedän, että avaruudessa ei oikeastaan ole ääntä, joten ole kärsivällinen, äläkä ole näppäimistösoturi). Voit jopa kokeilla diffusion-parametrilla, jotta heijastukset sulautuisivat hieman enemmän yhteen ja kaiku olisi paksumpi.

Voit sitten lisätä viivytystehosteen, joka lisää tilan tuntua entisestään. Mitä pidempi viiveaika on, sitä laajemmalta ääni tuntuu.

Jos haluat saada sen kuulostamaan vielä tuonpuoleisemmalta, voit sijoittaa modulaatioefektin, kuten choruksen tai phaserin, ketjun delayn ja reverbin jälkeen, jotta se saisi lisää liikettä.

En tietenkään epäröisi myöskään muuttaa signaaliketjun järjestystä nähdäkseni, mitä muita tuloksia sain tai automatisoida parametreja kunkin efektin sisällä lisätäksesi vielä enemmän liikettä.

10 lisävinkkiä äänisuunnittelun mausteeksi

Nyt kun sinulla on melko vankka käsitys erilaisista strategioista ja efekteistä, joita äänisuunnittelija käyttää suunnitellessaan uutta ääntä tai äänimaailmaa kappaleeseen, elokuvaan, peliin tai tuotteeseen, katsotaanpa muutamia vinkkejä ja tekniikoita, jotka voivat viedä äänisuunnittelupeliäsi eteenpäin.

1. Tekstuurien pinoaminen ja äänien kerrostaminen

Tekstuurien pinoaminen ja äänien kerrostaminen on loistava tapa lisätä syvyyttä ääniin. Yhdistelemällä erilaisia elementtejä voit luoda yhdistettyjä ääniä, jotka ovat enemmän kuin osiensa summa.

Rakeisen, vääristyneen ja oktaavisointuisen kitaran ääni hienovaraisen mutta laajan ambient-syntetisaattorin päällä voi tehdä molemmista äänistä mielenkiintoisempia.

2. Hyödynnä Haas-ilmiötä

Haas-efekti on hienovarainen mutta tehokas tapa antaa äänelle leveyttä. Kun viivytät hieman yhtä kanavaa stereosignaalissa, se saa sen kuulostamaan leveämmältä. Se on loistava työkalu, jolla muuten keskitettyjä ääniä voidaan levittää "kaiuttimien ulkopuolelle".

3. Älä jatka elementtien lisäämistä, jos sekoitus ei toimi.

Täydellisyyden tavoittelussa musiikkituottajat ja säveltäjät huomaavat usein lisäävänsä jatkuvasti uusia elementtejä, jos he huomaavat, että heidän miksauksensa ei toimi.

Kehotan sinua tunnistamaan, milloin sinulla on tämä taipumus, ja vastustamaan kiusausta haudata sekoituksesi roinaan. Sen sijaan keskity sen hiomiseen ja optimointiin, mitä sinulla on jo menossa. Laatu on tärkeämpää kuin määrä, ja siksi on niin tärkeää valita elementit huolellisesti.

4. Hiljaisuus on ystäväsi

Aliarvioimme usein hiljaisuuden voimaa äänisuunnittelussa, mikä on ironista, koska se on läsnä arkikielessämme.

Kun laitamme pisteen lauseen loppuun, se antaa lukijalle tai kuulijalle hetken aikaa hengittää ja miettiä, mitä hän on juuri kuullut. Saman pitäisi päteä myös musiikkiin ja äänisuunnitteluun.

Sisällyttämällä strategisesti hiljaisuutta luomisprosessiimme voimme luoda jännitteisiä hetkiä, jolloin tärkeimmät äänet vaikuttavat vaikuttavammilta.

5. Kokeile aina kääntämistä

Vaikka käänteisefektiä on helppo käyttää liikaa, joskus se on juuri se asia, jota tarvitset tekemään äänestä mielenkiintoisemman.

Olipa kyseessä sitten käänteinen symbaalien kolahdus, joka edustaa ilmalukon oven sulkeutumisen ääntä, tai käänteinen kaikuääni kuivan laulun takana, joka antaa sille aavemaista laatua, on olemassa loputtomasti tapoja, joilla äänen kääntäminen voi avata ainutlaatuisia mahdollisuuksia.

6. Äänitä ääniä mahdollisimman paljon

Yksi parhaista tavoista tehdä äänisuunnittelustasi aidomman kuin sinä itse olet, on äänittää ääniä aina kun mahdollista. Sinulla on koko ajan mukanasi pieni äänityslaite (älypuhelin). Mikset hyödyntäisi sitä tallentamalla ympäröivän maailman orgaanisia ääniä ja käsittelemällä niitä myöhemmin DAW:ssäsi?

Yhdessä viimeaikaisista kappaleistani, "Under the Sun", sisällytin nauhoituksen naapurini linnuista ja annostelin äänitallenteeseen voimakkaan annoksen kaikuja, jotta ne tuntuisivat lentävän kanjonin läpi.

7. Hyödynnä melua

Vaikka ajattelemme usein, että melu on jotain, mitä emme halua miksaukseen, se voi olla uskomattoman tehokas liittolainen äänisuunnittelussa.

Kokeile erilaisia kohinatyyppejä - valkoista, vaaleanpunaista tai jopa rakeista kohinaa - lisätäksesi tekstuuria, luonnetta ja monimutkaisuutta ääniin.

8. Täyden stereokentän käyttö

Jos et maksimoi stereokenttääsi oikealta vasemmalle, menetät paljon mahdollisuuksia.

Kolmiulotteisen tilan luominen vaatii huolellisuutta, sillä elementit on jaettava siten, että ne täydentävät toisiaan eivätkä peittele toisiaan.

Se vaatii myös kontrastia. Jotta ääni antaisi vaikutelman leveydestä, tarvitsemme sen vastakohdaksi kapean äänen. Kokeile äänien liikuttelua kolmiulotteisessa kentässä ja käytä efektejä, kuten automaattista panorointia, satunnaisuuden luomiseksi.

9. Kontrasti on avainasemassa

Stereokentän ulkopuolella kontrasti on yhtä tärkeää kaikilla äänisuunnittelun osa-alueilla.

Ilman pehmeää ei voi olla kovaa, ja ilman lempeää ei voi olla kovaa.

Käyttämällä erilaisia makuja prosessissasi voit luoda dynaamisemman reseptin.

10. Pysy järjestäytyneenä

Tämä viimeinen vinkki ei ole luova, vaan pikemminkin käytännöllinen.

Äänisuunnitteluprosessi voi olla kaoottinen, ja paras tapa säilyttää järjestyksen tunne on pysyä organisoituna.

Varmista, että raitasi ja elementtisi on merkitty oikein, järjestä äänet ja efektit helposti saatavilla oleviin kansioihin ja käytä DAW:ssäsi malleja ja valmiita efektiketjuja, jotta voit inspiraation iskiessäsi sukeltaa suoraan sen sijaan, että tuhlaat aivojasi etsimällä sitä yhtä vääristynyttä snare-äänitiedostoa, jonka olisit voinut vannoa, että sinulla on jo arsenaalissasi.

Lopulliset ajatukset

Hyvän äänisuunnittelijan työ vaatii vuosien harjoittelua, mutta tuntemalla ainutlaatuiset miksaus- ja kokeelliset äänitystekniikat, joita äänisuunnittelijat käyttävät musiikkituotannossa, elokuvien äänisuunnittelussa, televisiotuotannossa tai videopeleissä, voit saada etumatkaa omien omaperäisten äänien tuottamiseen.

Tuolla ulkona on loputon äänimaailma, joka vain odottaa, että sinä mashaat, manipuloit, miksaat ja masteroit sen. Mene kaappaamaan se.