Kitaristeina olemme kaikki kuulleet niitä herkullisia kitarajuttuja, jotka saavat meidät nyrpistämään naamamme ja sanomaan: "Miten ihmeessä he tekivät tuon?". Olipa kyseessä sitten Hendrixin kukoistus tai Claptonin pehmeä, King-tyylinen taivutus, nämä ovat niitä maagisia pieniä hetkiä soitossa, joita kutsumme nuotinnuksiksi. Jos haluat itse soittaa sairaita lickejä kuten ammattilaiset, olet oikeassa paikassa.

Kun tiedät , miten ja miksi kitarariffit toimivat, voit viedä soittosi seuraavalle tasolle. Tässä oppaassa selvitämme, miten nämä melodiset ja tekniset fraasit toimivat, ja mikä tärkeintä, miten voit alkaa käyttää niitä omassa soitossasi.

Mikä on kitarariffi?

Kitarajälki on kuin pieni musiikillinen fraasi tai kourallinen nuotteja, jotka antavat kappaleelle sen maun. Toisin kuin riffit, jotka toistuvat yleensä koko kappaleen ajan, nuotit ilmestyvät yleensä kerran tai kahdesti, usein soolossa tai säkeistöjen välissä.

Haluan ajatella, että nuoli on musiikillinen huutomerkki. Se ei hallitse keskustelua, mutta kun se ilmestyy, siihen kiinnitetään huomiota.

Jos verrataan sitä kieleen, nuoleminen on kuin käyttäisi siistiä sanaa tai lausetta kesken keskustelun. Se ei ehkä ole keskustelun keskipiste, mutta se lisää väriä ja tunnelmaa.

Samalla tavalla kitarariffit ovat pieniä, kommunikatiivisia ideoita, jotka yhdistävät laajempia musiikillisia lauseita ympärillään. Ne täydentävät sooloja, tuovat eloa melodioihin ja antavat kuulijalle jotain, mihin tarttua spontaaneina ilmaisun hetkinä.

Lyhyt historia Guitar Lick

Kitaran lickillä on syvät juuret bluesissa.

Aikoinaan bluesin soittajat jakelivat toisilleen musiikillisia ideoita, jotka yleensä perustuivat perustavanlaatuiseen 1-4-5-soinnun etenemiseen. Jos joku keksi jotain, joka kuulosti hienolta, olipa se sitten iso mutka tai maukas nuottikuvio, muut soittajat ottivat idean käyttöönsä ja laittoivat siihen oman lisänsä.

Ajan mittaan nämä musiikilliset fraasit levittäytyivät, kehittyivät ja toisinaan niistä tuli jopa ikonisia.

Kun soittajat jatkoivat toistensa ideoiden hyödyntämistä, tietyt nuotit yleistyivät varsinkin bluesissa ja varhaisessa rockissa. Joistakin niistä tuli jopa niin suosittuja, että niistä tuli kokonaisten genrejen "kasvoja".

Esimerkiksi rockabillyssä ja kantrissa on usein samankaltaisia melodisia nuotteja, kun taas bluesissa on lukemattomia mutkia ja liukuja, jotka antavat genrelle sen tunnusomaisen tunnelman.

Asia on niin, että kaksi kitaristia voi soittaa täsmälleen saman kappaleen, ja se kuulostaa silti täysin erilaiselta. Ajattele vaikka B.B. Kingiä soittamassa hidasta, sielukasta bendiä ja Eddie Van Halenia soittamassa samaa. Nuotit saattavat olla samat, mutta tyyli ja esitystapa tekevät kaiken eron.

Loppujen lopuksi kyse ei ole vain oikeiden nuottien osumisesta, vaan myös siitä, miten soitat ne.

Kitarakikkailut vs. kitarariffit

Monet kitaristit sekoittavat keskenään kitarajäykät ja riffit. Loppujen lopuksi ne ovat molemmat tarttuvia ja tekevät kappaleista mieleenpainuvia. Näiden kahden välillä on kuitenkin suuri ero.

Riffi on yleensä musiikillinen pääidea, joka toistuu koko kappaleen ajan ja ankkuroi melodian tai rytmin.

Kappaleet taas ovat enemmänkin pieniä musiikillisia koristeita, jotka tulevat silloin tällöin ja tuovat maustetta.

Esimerkiksi Guns N' Rosesin Sweet Child O' Mine. Tuo Slashin ikoninen alkukitarakohta on riffi. Se on heti tunnistettavissa, toistuu koko kappaleen ajan ja määrittää koko kappaleen sävyn. Kun kuulet tuon riffin, tiedät tarkalleen, mikä kappale on kyseessä - se on koukku, joka tarttuu sinuun ja pitää kappaleen kasassa.

Esimerkiksi Led Zeppelinin "Whole Lotta Love". Tuo avaava kitaraosuus on riffi. Se on heti tunnistettavissa, ja tiedät, mistä kappaleesta on kyse heti, kun se soi, sointisävystä tai soittotyylistä riippumatta.

Mutta kaikkien riffien ei tarvitse olla pääidea. Joskus riffit ovat hienovaraisia ja jäävät enemmän taustalle, kuten Stevie Wonderin "Superstitionissa".

Kuuluisa klavinetti riffi ajaa groove, mutta se ei välttämättä ole painopiste. Se on enemmänkin rytminen perusta. Joten vaikka riffit ovat yleensä keskeisempiä kuin likit, niitä voidaan silti käyttää eri tavoin kappaleen tarpeiden mukaan.

Kitaran nuotit vs. Kitarasoolo

Kappaleet ja soolot ovat kaksi eri asiaa, vaikka ne liittyvätkin läheisesti toisiinsa.

Soolo on pidempi, kehittyneempi kappale, joka sisältää usein useita nuotteja. Tavallaan soolot ovat kuin kokoelma nuotteja, jotka on nivottu yhteen luoden täydellisen musiikillisen lausuman.

Monet kitaristit käyttävät nuotteja rakennuspalikoina improvisoidessaan sooloa. Esimerkiksi Eric Clapton saattaa ottaa muutaman klassisen blueslickin ja improvisoida niiden ympärille luodakseen soolon paikan päällä.

Vuosien varrella hän on kerännyt itselleen työkalupakin, josta hän voi käyttää sanontoja aina, kun hetki sitä vaatii. Eli vaikka lick voi olla vain muutaman sekunnin mittainen kappale, soolo käyttää näitä hetkiä luodakseen jotain suurempaa ja dynaamisempaa.

Miten kirjoittaa kitara Lick

Vaikka kitarariffien juuret ovatkin bluesissa, ne eivät rajoitu vain yhteen genreen.

Löydät nuotteja rockista, jazzista, metallista, countrysta ja mistä vain. Bluesissa on kuitenkin muutamia klassisia tekniikoita, joita soittajat usein käyttävät luodakseen mieleenpainuvia lickejä. Esimerkiksi mollipentatonisen asteikon ylös- ja alaspäin liikkuminen on yksi suosituimmista liikkeistä. Kun mukaan lisätään joitakin taivutuksia sinisellä nuotilla (viides desi), saat erehtymättömän blues-tunnelman. Voit myös kokeilla intervalleja, kuten kolmasosia ja yhdeksikköjä, lisätäksesi soittoosi lisää luonnetta.

Genrestä riippumatta tässä on muutama vinkki, joiden avulla voit kirjoittaa oman kitaraleikin:

• Aloita yksinkertaisesta melodisesta ideasta, joka usein perustuu asteikkoon tai sointuun (laula se tarvittaessa!).
• Kokeile rytmiä. Koska soitan paljon funkia, rakastan synkooppien ja taukojen käyttöä.
• Käytä taivutuksia, liukuja ja hammer-ons/pull-offeja sujuvuuden ja liikkeen luomiseksi.
• Leikittele erilaisilla nuottiyhdistelmillä ja intervalleilla.
• Lisää dynamiikkaa vaihtelemalla hyökkäystä ja poimintatekniikkaa.
• Pidä se lyhyenä ja mieleenpainuvana. Tärkeintä on, ettei asiaa monimutkaisteta liikaa.

Ei tietenkään ole parempaa tapaa aloittaa kokeilut omien biisien tekemisestä kuin oppia ammattilaisilta!

8 esimerkkiä ikonisista Guitar Licksistä

"Lick"

Ah, The Lick. Jos olet viettänyt aikaa muusikoiden, erityisesti jazzin soittajien, seurassa, olet luultavasti kuullut tämän useammin kuin haluaisit myöntää. Se on helposti surullisen kuuluisin nuotti, eikä vain jazzissa. Se löytyy bluesista, rockista, funkista, popista... siitä on tullut kitarajälkien "Where's Waldo". Kun sen kerran kuulee, sitä ei voi enää unohtaa.

Alun perin jazzmuusikot tekivät sen tunnetuksi, mutta The Lick on saanut oman elämänsä. Se on lyhyt, tarttuva nuottijono, joka toimii melkein missä tahansa. Se on melkein kuin meemi musiikissa tässä vaiheessa. Ihmiset käyttävät sitä mielellään, joskus vähän liikaakin.

Mutta olipa sitä käytetty liikaa tai ei, sille on syynsä, miksi se on niin suosittu. Se tekee loistavaa työtä lisäten hieman maustetta sooloihin ja täytteisiin. Laita se arsenaaliisi, mutta yritä olla käyttämättä sitä kaikkialla.

Bluesin tuplapysähdykset

Nyt kun olemme saaneet puhuttua "The Lickistä", aloitetaan yhdellä kaikkien aikojen legendaarisimmista kitarajäistä - bluesin tuplaloppauksella. Jos olet koskaan kuunnellut Chuck Berryn "Johnny B. Goode" -kappaletta, tiedät tarkalleen, mistä puhun. Tuo intro? Luultavasti yksi rockin historian sairaimmista.

Voisi väittää, että Chuck Berry sytytti täydellisen rock'n'roll-vallankumouksen noilla tuplalevyillä!

Mikä siis on kaksoisrajoitus? Yksinkertaisesti sanottuna se tarkoittaa, että soitat kaksi nuottia samanaikaisesti. Se on hieno temppu, joka antaa soittoosi enemmän harmonista rakennetta.

Siistiä on se, että tämä nuotti ei jäänyt vain vanhan koulukunnan bluesiin ja rock and rolliin. Kuten monia Chuck Berryn asioita, sitä on lainattu, käytetty uudelleen ja ripoteltu lukemattomiin kappaleisiin sen jälkeen.

Esimerkiksi The Rolling Stonesin Keith Richards otti tuon Berryn makuisen tuplalaskun ja teki siitä keskeisen osan heidän soundiaan. Sen voi kuulla esimerkiksi kappaleissa kuten "Honky Tonk Women". Myös AC/DC:n Angus Young on suuri tuplalopin fani, vaikka hän sähköisti sitä aggressiivisemmalla tyylillään kappaleissa kuten "Back in Black".

Jazz-fuusio

Jazz-fuusio on kaunis välimaasto, jossa jazz kohtaa rockin ja muuttuu hieman oudoksi, parhaalla mahdollisella tavalla. Siinä otetaan jazzin improvisaatio, lisätään rockin energiaa, funkyjä rytmejä ja hieman psykedeliaa.

Legendaarisimpiin jazz-fuusiokitaristeihin kuuluvat John McLaughlin, joka Mahavishnu Orchestra -yhtyeensä kanssa silppusi salamannopeilla juoksuilla ja oudoilla tahtilajeilla, ja Allan Holdsworth, joka pystyi taivuttamaan nuotteja ja mieliä pehmeällä legatollaan ja lähes tuonpuoleisella fraseerauksellaan. Ja tietenkin Pat Metheny.

Jos etsit ainutlaatuista esimerkkiä jazzfuusion liksoista, Incubuksen Mike Einziger tarjoilee muutamia tappavia liksoja "Summer Romance (Anti-Gravity Love Song)" -kappaleessa, erityisesti tuon pehmeän legaton juuri ennen ensimmäistä säkeistöä.

Blues kukkii

Kukaan ei ole tehnyt puhtaita blues-koristeluja yhtä hyvin kuin Jimi Hendrix. Toki Hendrix tunnettiin hurjasta säröstä ja kitaransa taivuttamisesta tahtonsa mukaan, mutta kun hän sääti sitä puhtailla soundeilla, siinä tapahtui todellinen taika.

Kappaleessa "Little Wing" Hendrix soittaa yhden kaikkien aikojen kauneimmista ja ilmeikkäimmistä kitaraintroista, joka koostuu useista ainutlaatuisista likeistä. Kokonaisuus tuntuu tarkalta, mutta tuntuu silti täysin vaivattomalta, ja siinä yhdistyvät arpeggiot, hammer-onit ja pull-offit, ja kaikki tämä puhtaalla, lasimaisella Strat-soundilla.

"Funk #49" - James Gang - Pre Bends

Pre-bend on näppärä kitaraleikkaustekniikka, jossa taivutat jousen ennen kuin lyöt nuotin, joten kun nypit sitä, nuotti laulaa jo taivutusasennossaan. Se on yksi niistä liikkeistä, jotka antavat lickille ylimääräistä persoonallisuutta ja hohtoa, ja Joe Walsh on käyttänyt sitä kuin blues-Jedi koko uransa ajan.

Vaikka monet hänen soolotyönsä esittelevät näitä esitaivutuksia kauniisti, yksi parhaista esimerkeistä löytyy hänen varhaisesta työstään James Gangin kanssa, erityisesti kappaleessa "Funk #49".

Taipumat ja hiljaisuus

Blues-musiikissa bendissä tapahtuu keskustelu kitaristin ja kuulijan välillä. Se antaa kitaralle melkeinpä lauluäänen.

Taivuttamalla jousen sävelkorkeutta venytät sävelen korkeammaksi ja lisäät jännitystä ja vapautumista tavalla, johon sanat eivät joskus pysty. Kukaan ei ymmärtänyt taivutuksen voimaa paremmin kuin B.B. King.

B.B.:llä oli ainutlaatuinen tyyli taivutuksissa. Hän ei taivuttanut nuotin vain sen vuoksi, vaan hän taivutti sitä hitaasti, ja kun se oli saavuttanut huippunsa, hän käytti ikonista ranteen heiluttavaa vibratoaan.

Mutta hänen neroutensa näkyi siinä, että hän tiesi, milloin ei pelata. Hiljaisuus fraasien välissä oli yhtä tärkeää kuin nuotit, joita hän taivutti. King jätti tilaa nuottiensa väliin, jolloin kuulijalla oli aikaa tuntea nuotti ennen kuin hän iski siihen uudella sielukkaalla taivutuksella.

Tämä taivutusten ja hiljaisuuden yhdistelmä on täydellinen oppitunti kitarajäljen dynamiikasta. Kun annat nuotteille tilaa hengittää, luot odotusta ja saat jokaisen fraasin iskemään entistä kovempaa.

Jazz-oktaavit

Yksi jazzkitaran tunnusmerkeistä on oktaavitekniikka, jossa soitat saman nuotin kahdella eri jousella, yhdellä korkeammalla ja toisella matalammalla, mikä luo täyteläisemmän ja dynaamisemman äänen. Tämän tekniikan teki tunnetuksi kukaan muu kuin legendaarinen Wes Montgomery, jonka pehmeän pehmeästä soitosta ja oktaavijuoksuista tuli jazzkitaran tunnusmerkki.

Katso yllä olevalta videolta 5:51 nähdäksesi sen toiminnassa!

Sen pelaaminen on itse asiassa yksinkertaisempaa kuin miltä se kuulostaa. Asetat sormesi kahdelle jouselle ja jätät yleensä yhden väliin (kuten D- ja B-kiinnitys) ja varmistat, että molemmat nuotit ovat oktaavin päässä toisistaan. Siitä eteenpäin liu'utat muotoa ylös ja alas kaulalla.

Käytän mielelläni oktaaveja antaakseni kitaraleikkeihini melodisempaa laatua.

Old-School Funk

Vanhan koulukunnan funk-kitaransoitossa on kyse tiukkuudesta. Funk-lyckit eivät ole pitkiä, pitkällisiä kitarasooloja, joissa on mutkia ja arpeggioita. Ne ovat lyhyitä, tarkkoja ja täynnä rytmiä ja tunnelmaa.

Jos on yksi kitaristi, joka määritteli tämän tyylin, se on Jimmy Nolen, mies James Brownin tunnusomaisen soundin takana. Nolenin "chicken scratch" -lead-kitaransoitosta tuli Brownin bändin sydämen syke, ja hänen terävä, perkussiivinen soundinsa vaikutti kokonaiseen funk-kitaristien sukupolveen.

Funk-kitaran nuottien hallitseminen tarkoittaa rytmin hallitsemista. Käytä tekniikoita, kuten vaimeaa soittoa, nopeita slidia ja synkopoitua soittoa, jotta saat aikaan tiukan funky-tunnelman.

Lopulliset ajatukset

Kitaran nuotit ovat mauste, jota lisäämme tuodaksemme soittoon makua. Vaikka niillä ei ehkä olekaan yhtä nopeasti tunnistettavaa voimaa kuin mieleenpainuvilla riffeillä, nuotit antavat sooloillesi ja fraaseillesi ylimääräisen persoonallisuuden.

Oikein soitetun nuolemisen avulla voit rikkoa yksitoikkoisuuden ja muuttaa yksinkertaisen melodian joksikin erityiseksi, olipa kyseessä sitten bluesmainen mutka tai jazzmainen oktaavijuoksu.

Jos haluat aloittaa nuottien sisällyttämisen musiikkiisi, hyviä resursseja ovat JustinGuitar, Pickup Music ja jopa YouTube-kanavat, kuten Marty Music tai Jens Larsen jazzin osalta. Näillä alustoilla eritellään klassiset ja modernit nuotit ja näytetään, miten niitä käytetään oikeissa kappaleissa.

Kun olet oppinut muutaman, aloita kokeilemaan niiden lisäämistä kitarasooloihin ja kappaleisiin. Mitä enemmän tutustut, sitä enemmän näistä nuotinnuksista tulee luonnollista jatkoa omalle ainutlaatuiselle soundillesi!