Nykyään EDM on kaikkialla.

Sitä kuulee suurimmilla musiikkifestivaaleilla, kuten Electric Daisy Carnivalilla tai Tomorrowlandilla, suosikkibaarissasi, kotibileissä ja useimmilla radioasemilla. Lähes neljännes Spotifyn musiikista on merkitty EDM:ksi, ja 23 prosenttia 16-19-vuotiaista kuuntelijoista kuuntelee sitä.

Hassua on, että EDM ei ole edes genre! Se on sateenvarjotermi, joka sisältää erilaisia tyylejä, jotka eroavat toisistaan niin paljon, että joillakin ei ole juuri mitään yhteistä.

Kuitenkin 2010-luvun alusta alkaen EDM-vallankumous on muuttanut tanssikulttuuria ja popmusiikkia lopullisesti, nostanut vanhan kunnon elektronisen musiikin valtavirran piiriin ja valottanut DJ:iden ja klubien elinvoimaista ekosysteemiä, joka puskee tämän uuden liikkeen rajoja.

Tänään analysoimme, mitä EDM on, miten se alkoi ja mihin se on menossa, ja määrittelemme sen suosituimmat alalajit. Lopetamme artikkelin osioon, jossa kerrotaan, miten voit tehdä EDM:ää DAW:lläsi (Digital Audio Workstation), joten jos etsit juuri sitä, voit siirtyä suoraan EDM-tuotannon aloittaminen -osioon.

EDM:n määritelmä

EDM on lyhenne sanoista Electronic Dance Music (elektroninen tanssimusiikki), ja se selittääkin melko hyvin, mitä tämä sateenvarjotermi tarkoittaa: se on elektronisesti syntetisoitujen instrumenttien avulla tehtyä musiikkia, jonka tarkoituksena on saada ihmiset tanssimaan tarttuvien rytmien ja melodioiden avulla.

Elektroniset soittimet voivat olla sekä analogisia että digitaalisia, samoin kuin ääniprosessit eli näytteenotto ja äänieditointi. Tärkeää on muistaa, että termi "EDM" sisältää kaiken, mikä on tehty tanssimaan.

Elektroninen musiikki, joka on vielä laajempi sateenvarjotermi, sisältää musiikkilajeja, kuten elektroakustinen musiikki, drone ja ambient-musiikki, jotka eivät ole tanssittavia genrejä, mutta jotka on silti tehty elektronisin keinoin tai analogisten ja elektronisten elementtien yhdistelmällä.

Takaisin EDM:ään. Kun otetaan huomioon tähän kategoriaan kuuluvien tyylilajien moninaisuus, on vaikea löytää yhteisiä elementtejä niiden kaikkien välillä, mutta tässä on joitakin:

• Niissä kaikissa on rytminen pulssi, jonka tempo voi vaihdella 60 BPM:n (Dub) ja 180 BPM:n tai enemmän (Drum and Bass) välillä.
• Kappaleilla on tapana olla helposti kuunneltavia ja mieleenpainuvia, tarttuvia melodioita ja energisoivaa tunnelmaa.
• Kaikkiin soittimiin ja ääniin sovelletaan runsaasti efektejä ja käsittelyä.
• Näytteiden ja valmiiksi nauhoitetun materiaalin käyttö on yleistä.
• Se on musiikkia, joka on suunniteltu kiihdyttämään kuulijoita, kun sitä soitetaan festivaaleilla ja juhlissa.

Kaikki muu on valinnaista, ja jokaisella genrellä on oma soundi, joka erottaa sen muista, mikä tekee EDM:stä niin elinvoimaisen ja luovan ekosysteemin tuottajille.

EDM:n aikajana

Usko tai älä, mutta EDM:n juuret ovat Musique Concrète -musiikissa, joka on 1920-luvulla alkanut musiikin sävellysmuoto, joka perustuu valmiiksi nauhoitettujen äänien sekoittamiseen ja muokkaamiseen.

Tällöin säveltäjät yrittivät ensimmäistä kertaa luoda musiikkia käyttämällä monikerroksisia ääniä ja sekoittamalla niitä yhtenäisen äänimaiseman luomiseksi. Hyvä esimerkki tästä taidemuodosta on John Cagen tuotanto.

Teknologian kehittyessä myös elektroniset kokeilut kehittyivät. Tehokkaammat elektroniset generaattorit synnyttivät 1950-luvun Saksassa elektronisen musiikin, puhtaasti elektronisen musiikin liikkeen, jota johti suuri Karlheinz Stockhausen.

(Saksasta tuli ilmiömäinen elektronisten kokeilujen sulatusuuni, joka synnytti vuosikymmenien ajan ainutlaatuisia elektronisia tyylilajeja Kosmische Musikista Electropopiin ja Berlin Technoon.) Vielä tänäkin päivänä Berliini on yksi EDM:n harrastajien unohtumattomista musiikkikohteista).

1960-luvun lopulla ja koko 1970-luvun ajan modulaaristen syntetisaattoreiden (Robert Moogin ensimmäinen kaupallinen syntetisaattori julkaistiin vuonna 1964) ja rumpukoneiden suosion kasvu johti elektronisten äänien laajempaan tutkimiseen.

Disco-musiikki, jossa on neljä lattialla olevaa biittiä ja koukuttavia bassolinjoja, on modernin EDM:n edeltäjä, ja se saavutti maailmanlaajuisen menestyksen Giorgio Moroderin ja Donna Summerin myötä. Myös elektropop, jonka suosituimpia esiintyjiä olivat Kraftwerk ja Yellow Magic Orchestra, saavutti maailmanlaajuista menestystä 1970-luvun puoliväliin mennessä.

On myös tärkeää mainita dub-musiikin ja Jamaikalta samoihin aikoihin alkunsa saaneen sound system -kulttuurin vaikutus, joka synnytti remix-kulttuurin ja edisti DJ-levyjen ja miksauspöytien käyttöä luovina välineinä.

1980-luvun alussa kaikki nämä elementit yhdistyivät kahdessa kaupungissa, Chicagossa ja Detroitissa, jotka synnyttivät house- ja teknomusiikin.

Chicago House -musiikki on disco uudelleen sähköisemmässä muodossa, jossa rumpukoneilla tehdyt 4/4-rytmit, helposti lähestyttävät melodiat, syvät bassolinjat ja tehostettu synkooppi.

Detroitilainen teknomusiikki on futuristisempaa, ja siinä on raskaampia biittejä ja abstraktimpi tunnelma kuin housessa. Siinä on myös yleensä monimutkaisempia perkussiivisia rytmejä.

90-luvulta lähtien elektronisen musiikin ekosysteemissä alkoi syntyä uusia haarautumia kaikkialla maailmassa.

Vuosien ajan trance-musiikista tuli valtavirran elektronisen musiikin liikkeellepaneva voima, kun taas raveen suuntautuneista genreistä, kuten junglesta ja drum and bassista, tuli suosittuja Yhdistyneessä kuningaskunnassa ja eurooppalaisessa klubikulttuurissa. Ranskalainen duo Daft Punk toi elämään ainutlaatuisen sekoituksen elektronista, tanssi- ja diskomusiikkia, joka teki heistä maailmanlaajuisen ilmiön.

21. vuosisadalla DAW:iden yleistyminen mullisti elektronisen musiikin tuotannon ja antoi lukemattomille taiteilijoille mahdollisuuden kokeilla musiikin tuotantoa ilman, että heillä olisi käytössään huippuluokan musiikkilaitteita tai äänitysstudioita.

Tämä johdattaa meidät seuraavaan lukuun: suosituimmat EDM-genret nyt.

Yleiskatsaus EDM-genreihin

EDM-luokkaan kuuluvia genrejä ja alalajeja on loputtomasti, ja jokaisen niistä analysoiminen ei kuulu tämän artikkelin piiriin. On kuitenkin tärkeää ymmärtää suosituimpien EDM-tyylien väliset erot ja se, miten sinun tulisi lähestyä tuotantoa sen mukaan, mihin genreen haluat keskittyä.

Tässä osiossa on aakkosjärjestyksessä luettelo suosituimmista elektronisen tanssimusiikin genreistä menneisyydestä ja nykyisyydestä. Jotta asiat pysyisivät yksinkertaisina ja siisteinä, hahmottelin kunkin genren tärkeimmät äänelliset ominaisuudet, tavanomaisen tempon ja genren määrittäneet suosituimmat artistit.

Happo Techno

1980-luvun lopulla ja koko 90-luvun ajan Acid Techno oli suuri juttu raveissa ja underground-klubeilla. Se sai innoituksensa Roland TB-303 -syntetisaattorin tuonpuoleisista äänistä, ja siinä on toistuvia biittejä, minimalistisia tekstuureja ja noin 140 BPM:n tempo. Katso Aphex Twin, Richie Hawtin ja Chris Liberator saadaksesi idean.

Basso

Bassomusiikki on laaja tyyli, joka sisältää tyylilajeja kuten Dubstep, Drum and Bass, Trap ja periaatteessa kaikki, missä on voimakas matala ääni. Bassomusiikissa on yleensä raskaita bassolinjoja, jotka ovat saaneet inspiraationsa brittiläisestä äänijärjestelmä- ja autotallikulttuurista. Skream ja Benga ovat genren pioneereja.

Big Room House

Big Room House on festivaaliystävällisen soundin ruumiillistuma, ja se on tällä hetkellä klubien suurin EDM-genre. Se tuli suosituksi 2010-luvun alussa, ja Martin Garrixista, Hardwellista, Nicky Romerosta ja Afrojackista tuli nopeasti genren huippuedustajia. Tyylinä se on hyvin helppo tunnistaa: massiiviset dropit, yksinkertaiset melodiat ja noin 128 BPM:n tempo.

Bitpop

Chiptune-elementtejä popmusiikkiin sekoittava bitpop on elektronisen musiikin tyylilaji, jossa käytetään vanhojen (8- tai 16-bittisten) tietokoneiden äänisiruja ja yhdistetään ne nykyaikaisiin laitteisiin ja lauluun. Siinä on nostalginen tunnelma, ja sen tempo vaihtelee 100-140 BPM:n välillä. Kuuntele Anamanaguchi ja Slagsmålsklubben.

Breakbeat Hardcore

Breakbeat Hardcore yhdistää breakbeat-rytmit ja rave-musiikin innostavan tunnelman. Se syntyi 90-luvulla Yhdistyneessä kuningaskunnassa, ja siinä on yleensä nopeat tempot, jotka ovat noin 145-155 BPM tai korkeammat, raskas basso ja sampletut laulukoukut. The Prodigy, erityisesti heidän varhaiset albuminsa, ovat parhaita esimerkkejä tästä tyylistä.

Deep House

Deep Housessa on mukaansatempaava tunnelma, jossa on tarttuvia bassolinjoja, perkussiivisia elementtejä, jazzahtavia sointuja ja tempo on noin 120-125 BPM. Duke Dumont, Robin Schulz ja Maya Jane Coles ovat kaikki loistavia artisteja, jotka sinun kannattaa tarkistaa, jos olet kiinnostunut genrestä.

Deep Techno

Toisin kuin Deep Housessa, Deep Technossa on rikkaammat tekstuurit ja hypnoottisempi flow. Sen tempo on tasainen, noin 120-125 BPM, ja se sisältää usein ambient-äänimaisemia. Donato Dozzy ja Deepchord ovat mielestäni lajin parhaimmistoa.

Downtempo

Downtempossa yhdistyvät ambient- ja chillout-musiikin elementit rentouttavan tunnelman luomiseksi. Sen tempo on yleensä hidas, 60-90 BPM, mikä lisää rauhoittavaa, sisäänpäin kääntynyttä tunnelmaa. Katso Bonobo saadaksesi idean.

Rumpu ja basso

Drum and Bass sai alkunsa Isossa-Britanniassa 1990-luvun alussa, ja se kokee nykyään suuren paluun. Sen tempo on noin 160-180 BPM, ja siinä on nopeita breakbeatteja, luolamaisia bassolinjoja ja monimutkaisia rytmejä, jotka ovat saaneet vaikutteita jazzrummutuksesta steroideilla. Suosittelen kuuntelemaan Chase & Statusia, Pendulumia, Sub Focusia, Goldieta ja Noisiaa.

Dub Techno

Dub Technon syvä soundi rohkaisee itsetutkiskeluun, ja sen mukaansatempaava dub-tunnelma tekee siitä underground-klubeilla maailmanlaajuisesti vakiokalustoa. Sen tempo vaihtelee 110 ja 120 BPM välillä. Basic Channelin ja Deepchordin kaltaiset artistit ovat genren pioneereja.

Dubstep

Dubstep oli 2000-luvun puolivälin tyylilaji, jonka raskaat bassodropit ja synkopoidut rytmit vaikuttivat kaikkiin muihin valtavirran tyylilajeihin heavy metalista popiin. Sen tempo on noin 140 BPM ja sen tunnelma on synkkä ja mietiskelevä. Tyylilaji voi olla varsin moninainen, mutta Burial on epäilemättä luonut äänileiman, joka määritteli lajityypin, joten tutustu hänen diskografiaansa, jos haluat tietää lisää tyylistä.

Electro House

Electro House tuli suosituksi 2000-luvun alussa, ja siinä sekoitetaan house-musiikkia ja elektro-vaikutteisia ääniä, raskaita bassolinjoja ja 125-135 BPM:n tempoa. Deadmau5 ja David Guetta tekivät genrestä valtavirtaa aikoinaan.

Electro Swing

Electro Swing on mielenkiintoinen yhdistelmä vintage swing-musiikkia ja moderneja elektronisia biittejä, ja se tarjoaa melko ainutlaatuisen lähestymistavan moderniin EDM:ään, sillä se sisältää up-tempo rytmejä noin 110-130 BPM:n nopeudella ja käyttää runsaasti messinkinäytteitä. Tutustu Parov Stelariin ja hänen valtavaan tuotantoonsa ja koe genre parhaimmillaan.

Tulevaisuuden basso

Future Bassin tunnelma on lämpimämpi ja nostattavampi kuin sen inspiroimien genrejen, lähinnä dubstepin ja trapin, ääni. Se tuli suosituksi 2010-luvun puolivälissä, ja sen tempo vaihtelee välillä 130-175 BPM. Flume ja Illenium popularisoivat genreä viime vuosikymmenellä, vaikka Future Bass näyttääkin menettäneen vauhtiaan 2020-luvulla.

Glitch

Glitch-musiikissa käytetään digitaalista säröä, häiriöitä ja odottamattomia ääniä kokeellisen äänimaailman luomiseksi, yleensä elektronisesti inspiroituneen tahdin säestämänä. Autechren, Apparatin ja Tim Heckerin kaltaiset taiteilijat ovat kaikki suuria genren edustajia.

Hardstyle

Alankomaissa, Belgiassa ja Italiassa erittäin suosittu Hardstyle on kova, in-your-face-genre, jossa on vääristyneitä potkuja ja kiihottavia melodioita. Tempo on yleensä 140-150 BPM. Headhunterz ja Showtek ovat esittäneet genreä maailman tunnetuimmilla festivaaleilla.

Teollinen

Teollinen musiikki voi olla äärimmäisen monipuolista, vaihtelevaa ambientista metallimusiikkiin ja kaikkeen siltä väliltä, mutta aina löytyy dystooppinen tunnelma, joka jotenkin yhdistää genren kaikissa variaatioissa. Nine Inch Nails ja Front 242 ovat genren tunnetuimpia edustajia.

Lo-Fi

Matala äänenlaatu, pehmeät biitit, ympäristön äänet ja rento tempo, noin 60-90 BPM, ovat lo-fi:n menestyskaava. Lajityyppi on tullut erittäin suosituksi viime vuosikymmenen aikana erityisesti siksi, että se sopii erinomaisesti opiskeluun ja rentoutumiseen. Nujabesin ja Jinsangin kaltaiset artistit ovat olleet tämän tyylilajin edelläkävijöitä rauhoittavilla, nostalgisilla kappaleillaan.

Minimal Techno

Minimal Techno on 1990-luvun alussa suosituksi tullut pelkistetty versio teknosta, jossa on toistuvia tahteja, minimalistisia elementtejä ja tempo on 120-130 BPM. Richie Hawtin, Robert Hood, Ricardo Villalobos ja Mika Vainio ovat suurimpia tuottajia, jotka ovat tutkineet tätä hypnoottista genreä.

Progressiivinen talo

Progressive House on trance-henkinen house-musiikkityyli, jossa on melodisia rakenteita, euforisia droppeja ja tempo on yleensä noin 125-130 BPM. Siinä on kuitenkin myös monimutkaisempi rakenne verrattuna kohottavaan tranceen, ja siinä on monimutkaisia rytmikerroksia tai melodisia kuvioita. Tsekkaa Eric Prydz, deadmau5, Swedish House Mafia ja Lane 8.

Trance

Trance-musiikki on puhdasta euforiaa ääniksi muutettuna. Mukaansatempaavien melodioiden ja mukaansatempaavan tempon (jopa 150 BPM) sekä riemastuttavan nousun ja vapautumisen ansiosta genrestä tuli suosittu 90-luvulla, eikä se ole sen jälkeen koskaan poistunut tanssilattialta. Suosittelen, että aloitat genren tutkimisen mestareista: Armin van Buuren, Paul van Dyk ja Tiesto.

UK Garage

UK Garage sai alkunsa 1990-luvulla Isossa-Britanniassa synkopoitujen 2-step-rytmien sekä tanssi- ja R&B-elementtien yhdistelmänä. Laji sai vaikutteita pitkälti jungle-liikkeestä, mutta se oli helppokäyttöisempi satunnaisille kuuntelijoille, ja sen suosio kasvoi nopeasti maailmanlaajuisesti, ja se haarautui lukuisiksi alalajeiksi bassline-, future garage-, grime- ja dubstep-genreistä. El-b ja Groove Chronicles ovat parhaita genreä tutkivia artisteja.

Vaporwave

Vaporwave on kiehtova mikrolaji, jossa yhdistyvät retroestetiikka ja surrealistinen tunnelma. Se sisältää yleensä hidastettuja sampleja, joiden tempo on noin 60-90 BPM ja jotka muistuttavat 80- ja 90-luvun pop-kulttuuria sekä mainos- ja hissimusiikkia menneiltä aikakausilta. Vuosien varrella genreä on käytetty välineenä modernin teknokulttuurin paljastamiseen (ja kritisoimiseen). Jos olet kiinnostunut tästä EDM:n piilossa olevasta nurkasta, muista tutustua Telepathiin ja Saint Pepsiin.

EDM-tuotannon aloittaminen

Ensimmäinen kappaleesi ei ehkä kuulosta maailmanlaajuiselta hitiltä, mutta ensimmäiset askeleet EDM-musiikkituotannon maailmassa eivät ole kovin vaikeita. Tarvitset tiettyjä ohjelmistoja ja plugineja, mutta sen jälkeen sinun tarvitsee vain harjoitella, harjoitella ja harjoitella!

Alta löydät, mikä on mielestäni paras lähestymistapa EDM-musiikin tekemiseen. Jokainen genre on erilainen, mutta tietääkseni tämä rakenne toimii hyvin kaikkien elektronisen tanssimusiikin kategoriaan kuuluvien tyylien kanssa.

Valitse DAW

Voisimme puhua päiväkausia siitä, mikä DAW kannattaa valita, mutta yritetään pitää asia yksinkertaisena.

Useimmat, ellei kaikki, ammattikäyttöön tarkoitetut DAW:t täyttävät EDM-tuottajan tarpeet, varsinkin jos olet aloittelija. Jos GarageBand on kaikki mitä sinulla on tai mihin sinulla on varaa (se on ilmainen), käytä sitä. Jos et käytä Applen tuotteita, valitse Cakewalk (jälleen ilmainen, mutta Windowsille).

Jos voit investoida hieman enemmän ja haluat oppia tuottamaan kappaleita ammattimaisesti, suosittelen kahta erinomaista DAW:tä EDM-tuottajille: Ableton Live ja FL Studio.

Ableton Live on suosituin DAW, ja se on ilmiömäinen EDM-tuotannossa sen ikonisen looping-järjestelmän ansiosta. FL Studio on toinen loistava vaihtoehto elektronisen musiikin tuottajille, sillä siinä on ammattimainen äänikirjasto ja erittäin intuitiivinen rumpukone ja MIDI-näppäimistö.

Minkä tahansa DAW:n, joka sinulla sattuu olemaan käytössäsi, pitäisi kuitenkin tarjota tarpeeksi työkaluja ja ääniä perus EDM-kappaleen luomiseen. Kuten alla näet, en käytä Ableton Livea enkä FL Studiota, mutta voin silti luoda EDM-kappaleen tyhjästä. Älä siis keskity liikaa työkaluun vaan siihen, miten voit luoda täydellisen EDM-tuotannon työnkulun valitsemallasi DAW:lla.

Jälleen kerran, mikä tahansa DAW voi olla hyvä, kunhan tiedät, miten se toimii. Testaa rauhassa muutamaa eri työasemaa (useimmat niistä ovat saatavilla ilmaisella kokeiluversiolla) ja katso, mikä niistä sopii parhaiten työnkulkuusi.

Ennen kuin aloitamme, haluan selventää, että elektronisen musiikin tuotannossa ei ole mitään kultaista sääntöä. Lisäksi esimerkiksi hiphop- ja teknotuottajien työnkulku voi olla hyvin erilainen.

Toivon siis, että löydät arvoa alla esitellystä työnkulusta, mutta sinulla voi olla täysin erilainen lähestymistapa musiikin tuottamiseen ja silti julkaista poikkeuksellista musiikkia.

Tempo ja rummutus

Rummut ovat se asia, josta haluat aloittaa, ja neljällä lattialla on paras tapa toimia.

Valitse kappaleen nopeus sen mukaan, mitä genreä työstät. Jos tuotat klassista dance- tai tech-house-kappaletta, valitse nopeudeksi 126-132 BPM.

Tässä oppaassa käytän DAW:nä Studio Onea:

Projektin asettaminen oikeaan tempoon ennen aloittamista on tärkeää useista syistä, mutta pääasiassa siksi, että haluat kuulla, miltä näytteesi kuulostavat siinä tahdissa, jolla kappale viimeistellään. Vokaalinäyte saattaa kuulostaa hyvältä 126 BPM:n nopeudella, mutta äärimmäisen keinotekoiselta 132 BPM:n nopeudella, joten valitse tempo viisaasti ja varmista, että valitset oikeat näytteet kappaleeseesi.

Keskity seuraavaksi potkuun, joka on EDM-kappaleesi perusta. Lisää DAW:ssäsi uusi monoraita ja valitse haluamasi potkurumpuääni kirjastostasi (useimmissa DAW:ssä on sisäänrakennettu kirjasto, ja jos omassasi ei ole, netissä on paljon ilmaisia kirjastoja).

Seuraavaksi kopioi/liitä potkurumpuääni uudelle raidalle ja lisää potku ensimmäisen tahdin jokaiseen tahtiin. Korosta sitten yksinkertaisesti koko jakso ja kopioi se niin pitkäksi kuin haluat raitasi olevan.

Jos se on tehty oikein, EDM-kappaleesi pitäisi nyt näyttää tältä:

DAW-ohjelmissa, kuten edellä mainituissa Ableton Livessä ja FL Studiossa, on intuitiiviset looping-järjestelmät ja pianorullat, jotka tekevät biitin tekemisestä helppoa. Mutta yleisesti ottaen, jos saat tempon kohdalleen ja lisäät potkurummun kaikkiin biitteihin, pitäisi kuulla tuttu pumppaava tanssisoundi.

Keskitytään nyt pikkurumpuun, joka vie biisiä eteenpäin.

EDM-snareissa soitetaan yleensä potkurummun kanssa neljäsosanuotteja, tai ne soittavat nopeampia rytmejä, kun ne johtavat drop-osioon. Tässä on esimerkki siitä, miltä perusrumpu/snare-biitti näyttää:

EDM-kappaleita on monenlaisia, eikä kaikki klubimusiikki ole four-on-the-floor-musiikkia. Tämä on kuitenkin hyvä lähtökohta, jos olet luomassa ensimmäistä EDM-kappalettasi.

Jos käytät näytteitä, varmista, että tahdit ovat täysin synkronoituja, ja tarkista äänenvoimakkuus, kun potku- ja pikkurumpu soivat samanaikaisesti. On helppo saada vääristynyt ääni, sillä useimmat EDM-soundit on suunniteltu mahdollisimman kovalle.

Bassolinja

Vaikka sinulla olisikin jo melodia mielessäsi, on aina hyvä aloittaa bassolinjasta, sillä se muodostaa sillan sointujen ja rytmien välille, jotka määrittelevät kappaleesi.

Suosittelen pitämään sen aluksi yksinkertaisena. Voit aina myöhemmin tehdä siitä selkeämmän, mutta nyt kannattaa luoda jotain, joka on groovaava ja tarttuva.

Kun on kyse bassosta, on tärkeää löytää täydellinen tasapaino grooven ja hienovaraisuuden välillä. Joissakin tyylilajeissa, kuten minimal technossa, basso saattaa olla kappaleen tärkein elementti, mutta yleisesti ottaen sen pitäisi olla liima rytmin ja melodian välissä ja lisätä molempiin syvyyttä varjostamatta niitä.

Hi Hat ja Crash-symbaalit

Ikoninen ääniteknikko Steve Albini kutsui hi-hatia "todella saatanalliseksi instrumentiksi", koska se tuntuu olevan aina matkalla rumpuja äänitettäessä. Näin saattaa olla indie-rock-musiikissa, mutta EDM:ssä huolellisesti muotoiltu hi-hat-osio on usein se, mikä tekee kappaleesta galvanisoivan.

Käytä suljettujen ja avointen hi-hat-soundien yhdistelmää, joka täyttää rytmisen osan korkeilla äänillä, ja varmista, että hi-hat täydentää olemassa olevaa rytmiä ja parantaa groovea.

Jotkut kappaleet toimivat hyvin minimaalisella hi-hatilla, kun taas toiset tuntuvat täydellisemmiltä, kun hi-hat on jatkuvasti läsnä. Toisin kuin kick- ja snare-rumpujen kanssa, hi-hatin kanssa voit olla loputtoman luova.

Hi-hatin suhteen ei ole olemassa yhtä ja samaa ratkaisua. Ainoa asia, joka kannattaa pitää mielessä, on se, että sen pitäisi seurata kappaleen muiden elementtien rytmiä ja lisätä rumpujen vaihtelua aksenttien ja groovaavien efektien avulla.

Tässä esimerkissä käytin rumpusilmukkaa, jonka loin aiempaa raitaa varten, mutta ymmärrät varmaan idean:

Melodia ja sointukulku

Nyt kun EDM-kappaleesi perusta on valmis, on aika rikastuttaa sitä soinnuilla ja melodioilla.

Jälleen kerran, mikään ei ole kiveen hakattua, mutta suosittelen keskittymään seuraaviin seikkoihin alla esitetyssä järjestyksessä:

1) Bassolinja, josta olemme jo keskustelleet

2) soinnut

3) Melodia

4) Laulu (jos on)

Näin luot kappaleesi äänimaailman alusta alkaen, ja on todennäköistä, että on helpompi luoda yhtenäinen kappale.

On sanomattakin selvää, että sointukulkujen ja asteikkojen peruskäsitys auttaa sinua paljon. EDM-kappaleet eivät yleensä ole sävellyksen kannalta monimutkaisia kappaleita, mutta niissä on silti oltava jonkin verran musikaalisuutta, jotta ne kuulostaisivat kunnollisilta.

Saatat herättää ikonisen sävelmän henkiin soittamalla satunnaisesti MIDI-näppäimistölläsi, mutta eri näppäinten välisen suhteen ymmärtäminen voi auttaa sinua lisäämään vaihtelua ja syvyyttä sävellyksiisi ja saamaan ne kuulostamaan enemmän globaaleilta hiteiltä, joita yrität jäljitellä.

Minun kappaleeseeni lisäsin pari syntetisaattorimelodiaa rikastuttamaan ääntä:

Laulun rakenne

Olet ehkä huomannut, että monet EDM-kappaleet noudattavat samanlaista kaavaa kappaleiden rakenteessa.

Osittain tämä johtuu siitä, että tuottajat haluavat herättää kuulijan huomion heti tutulla ulkoasulla, mutta on toinenkin ratkaiseva tekijä, joka sinun on otettava huomioon, jos haluat, että kappaleesi soitetaan klubeilla: sinun on tehtävä siitä "DJ-ystävällinen".

Kahta kappaletta miksattaessa DJ:t tarvitsevat aikaa kappaleiden yhdistämiseen, ennen kuin he siirtyvät seuraavaan kappaleeseen, mikä tarkoittaa, että kappaleet on aloitettava hitaasti, vaikka vain rytmillä, ja loput äänitekstuurista on esiteltävä vähitellen.

Sama pätee myös kappaleen loppuun. Nyrkkisääntönä voidaan pitää, että yksi minuutti biisin rakentamiseen alussa ja toinen minuutti kaiken riisumiseen, kunnes jäljellä on vain biitti, on hyvä käytäntö.

Voit aina julkaista kappaleista kaksi versiota, kuten monet tuottajat tekevät. Sitä tarkoittavat termit "Radio Edit" tai "Extended Version", kun näet ne kappaleen nimessä.

Ei ole olemassa kultaisia sääntöjä siitä, mitä introjen ja outrojen välissä pitäisi olla, mutta on selvää, että build-upit ja dropit ovat ratkaisevassa asemassa kaikissa EDM-genreissä.

Build-up on crescendo: kappaleiden hetki, jolloin rakennat vauhtia ja valmistelet yleisöä tulevaan, eli pudotukseen. Yleensä build-up sisältää rumpuosan ilman potkua ja joitakin melodisia osia, ja se huokuu odotuksen tunnetta, joka on yleinen kaikissa EDM-genreissä.

Drop on kappaleen energisin osa, jossa melodia, bassolinja tai rytmi muuttuu yhtäkkiä ja jossa perkussiiviset elementit ja matalat äänet saavat yleisön liikkeelle.

Jotta kappaleesta tulisi dynaamisempi, sinun tulisi vuorotella energisiä hetkiä hiljaisempien osien kanssa, joita kutsutaan myös "taukoiksi" tai "breakbeateiksi". Nämä ovat hetkiä, jolloin kappaleessa tapahtuu vähemmän, joko vain melodia tai rytmiosa, jotta kappaleeseen saadaan liikettä ja kuulija sitoutuu.

Kerrokset

Näit, miten loin kappaleen perusrakenteen edellisissä kappaleissa. Tuo kappale kuulostaa kaikkea muuta kuin valmiilta, vaikka siinä on biitti, bassolinja, perusmelodia ja kaikkea sellaista. Miksi?

Kun kappaleesi on hahmoteltu, on aika hioa sitä lisäämällä lisää perkussiivisia ja melodisia elementtejä, sekoita kaikki elementit yhteen, lisää syvyyttä ja tekstuuria jokaiseen käyttämääsi ääneen.

Tässä tuottajan ainutlaatuisuus piilee: kyvyssä luoda ainutlaatuinen soundi, jossa eri elementit yhdistyvät toisiinsa tavalla, jota kukaan muu tuottaja ei tee.

Kappaleidesi hienosäätö ennen julkaisemista on tärkeää, ja se epäilemättä parantaa sävellyksiäsi ja saa sinut kuulostamaan ammattimaisemmalta ja luovemmalta.

Äänenvoimakkuuden säätö ja panorointi ovat tässä ratkaisevassa asemassa. Kappaleen jokaisen elementin pitäisi kuulua selvästi ja sillä pitäisi olla oma paikkansa äänitilassa. Ristiriitaiset instrumentit aiheuttavat vain sekaannusta ja tekevät kappaleesta epämiellyttävän.

Kuuntele kappaleesi eri kuulokkeilla tai kaiuttimilla varmistaaksesi, että se kuulostaa hyvältä mahdollisimman monessa toistolaitteessa. Tämä prosessi auttaa sinua myös yksinkertaistamaan jälkituotantoprosessia, josta puhumme hetken kuluttua.

Plugins, efektit, äänikirjastot

Useimmissa DAW-ohjelmissa on ääni- ja efektikirjasto, jota voit käyttää musiikin tuottamisen aloittamiseen. On tärkeää varmistaa, että käytössäsi on tarpeisiisi sopivat soundit ja efektit, ja oppia käyttämään niitä parhaalla mahdollisella tavalla, mikä on tärkeä osa matkaasi artistina.

Suosittelen, että aloitat sillä, mitä sinulla on DAW:ssäsi. Älä täytä kirjastoasi plugineilla ja efekteillä, joita et tule koskaan käyttämään, vaan keskity mieluummin hallitsemaan ne muutamat työkalut, joita sinulla on, ja päivitä sitten vasta, kun tunnet siihen tarvetta.

Saattaa olla houkuttelevaa ladata kaikki netistä löytyvät ilmaiset kirjastot, mutta usko pois, sillä on kielteinen vaikutus työnkulkuusi. Jos sinulla on satoja potkurumpuja, joudut kyseenalaistamaan jokaisen päätöksen, jonka teet biittiä rakentaessasi.

Suurilla musiikkituottajilla oli 2000-luvun alkuun asti käytettävissään vain murto-osa siitä, mitä nykyään on saatavilla efektien ja äänien suhteen, mutta he pystyivät silti herättämään henkiin ajattomia kappaleita. En sano, että sinun pitäisi ostaa kelanauha ja siirtyä täysin analogiseen musiikkituotantoon, mutta suosittelen, että supistat kirjastosi minimiin, jotta voit maksimoida luovan työnkulun.

Viimeistele kappaleesi

EDM-kappaleen miksaus ja masterointi voi olla aluksi pelottavaa, mutta oikein tehtynä nämä kaksi jälkituotantoprosessia parantavat kappaleesi kauneutta ja auttavat sinua luomaan yhteyden yleisöösi parhaalla mahdollisella tavalla.

En syvenny liian syvälle musiikin miksauksen ja masteroinnin käsitteisiin, mutta selitän nämä prosessit ja sen, mitä sinun pitäisi odottaa niiltä.

Miksaaminen tarkoittaa kappaleen kaikkien elementtien yhdistämistä niin, että kappale kuulostaa yhtenäiseltä ja johdonmukaiselta, että kaikilla soittimilla on oma paikkansa äänitilassa ja että lopputulos on miellyttävä kuuntelukokemus.

Mastering auttaa sinua saavuttamaan alan standardit äänenvoimakkuuden suhteen ja parantamaan samalla tiettyjä elementtejä kappaleessasi, jotta se vastaisi paremmin sen musiikkigenreä. Tämä on musiikkituotannon viimeinen vaihe, jossa kappaleeseen lisätään viimeiset silaukset ennen julkaisua.

Ellet tuota musiikkia vain huvin vuoksi, molemmat prosessit ovat olennaisen tärkeitä, jos haluat, että yleisö arvostaa ja jakaa kappaleesi. Vaikka voit tehdä omat muokkauksesi ja hoitaa jälkituotantoprosessin itse, on olemassa ammattimaisia ääniteknikkoja, jotka voivat saada kappaleesi todella loistamaan, joten harkitse miksaus- tai masterointiteknikon palkkaamista, jos haluat kappaleesi menestyvän.

Lopulliset ajatukset

Siinä kaikki, mitä tiedän elektronisesta tanssimusiikista.

Toivottavasti tämä opas auttaa sinua ymmärtämään ja tutkimaan genreä syvällisemmin, ja jos nämä ovat ensiaskeleesi EDM-musiikkituotannon maailmassa, toivotan sinulle onnea ja toivon kuulevani kappaleesi Ultra Music Festivalilla!