Oletko koskaan kuullut sanontaa "ei ole tärkeää, mitä sanot, vaan miten sanot sen"? Voimme soveltaa tätä periaatetta soittimien ilmaisuun: ei ole kyse siitä, mitä soitat, vaan siitä, miten soitat. Tämä ja harkittu äänenvalinta ovat instrumentoinnin käsitteen perusperiaatteita.

Musiikin instrumentointi tuo sävellettyyn sävellykseen eloa ja tunteita, joten se on olennainen osa muusikkona olemista, olitpa sitten laulaja, tuottaja tai instrumentalisti. Seuraavassa selitämme, miten instrumentointi toimii, ja kerromme, miten voit käyttää näitä klassisia tekniikoita antaaksesi taiteellesi paremman ilmaisun ja sitouttaaksesi kuulijasi.

Instrumentoinnin määrittely musiikissa

Instrumentoinnilla tarkoitetaan musiikkikappaleen äänitekstuurien ja instrumenttien erityistä yhdistelmää, joka on suunniteltu tukemaan kappaleen pääajatusta. Yksinkertaisimmillaan instrumentaatio tarkoittaa tuottajan tai säveltäjän tekemää erityistä soitinvalintaa sävellykseen.

Äänen ja instrumenttien valinnan lisäksi instrumentaatio voi puhua myös siitä, miten eri elementtejä ilmaistaan: Esimerkiksi vibratolla soitettu sähkökitara luo täysin erilaisen tunnelman kuin puhtaasti soitettu kitara. Eri soittimet kuuluvat myös eri taajuusalueisiin, joten instrumentointi riippuu suuresti äänen spektrisestä tasapainosta useiden äänielementtien välillä.

Pohjimmiltaan instrumentointi tarkoittaa instrumenttien valintaa ja niiden ilmaisun voimakkuuden sanelemista tavoitteena tasapainoinen, yhtenäinen miksaus, joka tukee kappaleen melodiaa:

‍

Miksi instrumentointi on tärkeää?

Kun ajattelet instrumentaatiota, mielesi saattaa heti hypätä orkesterimusiikkiin. Voitko kuvitella, jos säveltäjä kirjoittaisi kappaleen, jossa bassoääni olisi 5x vahvempi kuin ensimmäisten viulujen soittama melodia? Voisit luultavasti arvata, että tämä kappale tuntuisi epätasapainoiselta, jolloin musiikin päämelodiaa olisi vaikea seurata.

Instrumentoinnin periaatteet antavat meille puitteet tasapainoisen, yhtenäisen musiikin rakentamiseen, joka kunnioittaa kappaleen pääajatusta. Useimmat kappaleet voidaan tislata rumpuihin, bassolinjaan ja melodiaan, joka vetää kaiken yhteen. Jos ajattelemme instrumentaatiota valintoina, jotka on suunniteltu tukemaan melodiaa, mutta eivät tukahduttamaan sitä, olemme hyvässä kunnossa.

Instrumentoinnin osatekijät

Miten loistava instrumentaatio syntyy? Tässä ovat instrumentoinnin tärkeimmät osatekijät, jotka jokaisen muusikon tulisi ottaa huomioon:

Äänen valinta

Instrumentoinnin suurin osa on äänenvalinta. Kyse ei ole vain siitä, että valitset yksittäisiä komponentteja, joista pidät; äänenvalinta perustuu siihen, että sinulla on ennakkotieto siitä, missä tietyt instrumentit sijaitsevat taajuusalueella (älä huoli, käsittelemme tätä jäljempänä), ja että käytät tätä tietämystä tietona siitä, mitä otat mukaan sävellykseesi.

Saatat joutua tekemään tiettyjä kompromisseja, sillä vaikka jokin kuulostaa hyvältä yksinään, se ei tarkoita, että se kuulostaa hyvältä muun musiikin kanssa. Jos se ei tue melodian ideaa, se on poistettava.

Tekstuuri

Tekstuurilla tarkoitetaan sitä, kuinka sileältä, karhealta, aaltoilevalta tai jatkuvalta ääni voi tuntua. Vaikka nämä ovatkin subjektiivisempia termejä, tärkeintä on pohtia, miten eri instrumenttien erilaiset tekstuurit ovat vuorovaikutuksessa keskenään, kun ne esitetään sävellyksessä.

Dynamics

Dynamiikka tarkoittaa sitä, kuinka kovaa tai pehmeää jokin on, erityisesti suhteessa siihen, kuinka kovuus ja pehmeys muuttuvat kappaleen aikana.

Niveltäminen

Artikulaatiolla tarkoitetaan tapaa, jolla instrumentti- tai lauluosuudet ilmaistaan. Esimerkiksi lauluääni voidaan laulaa kovilla tai pehmeillä konsonanteilla, kyse on vain valitusta artikulaatiosta.

Timbre

Sävelväri kuvaa sävyä, jolla instrumenttiosuudet ilmaistaan.

Valikoima

Kantama tarkoittaa taajuusspektrin alimpien ja ylimpien elementtien välistä etäisyyttä. Instrumenttisi vaikuttaa kappaleesi kantamaan ja siten fanien kuuntelukokemukseen.

Sekoitus

Blendillä tai tasapainolla tarkoitetaan sävellyksen yhden ja toisen äänensävyn välistä suhdetta. Hieno instrumentointi tuottaa johdonmukaisen sekoituksen kappaleen eri elementtien välillä.

Mitä eroa on instrumentoinnin ja orkestraation välillä?

Instrumentointi ja orkesterimusiikki ovat hyvin samankaltaisia, ja molemmissa puhutaan erityisestä äänestä ja soitinvalinnasta sävellyksen kontekstissa. Orkestraatio on kuitenkin hieman täsmällisempi termi, jolla tarkoitetaan äänenvalintaa orkesterimusiikkia rakennettaessa, tyypillisesti live-ympäristössä.

Sitä vastoin instrumentointi on laajempi termi, joka kattaa laajemman kirjon tuotanto- ja sävellysmenetelmiä.

Voit esimerkiksi sanoa, että tiettyjen syntetisaattoreiden ja rumpuosien valitseminen digitaalisessa äänityöasemassasi on eräänlaista instrumentointia. Orkestroinnissa työskentelet myös useiden instrumenttien kanssa, mutta live-ympäristössä, kuten jousikvartetin äänitasapainon määrittämisessä.

Mihin eri äänet sijoittuvat taajuusspektrissä?

Tasapainoisen musiikkikappaleen luomiseksi sinun on oltava peruskäsitys siitä, missä soittimet ja äänet yleensä sijoittuvat taajuusspektrissä.

Miksi?

Jos näin ei ole, on helppo mennä tietyissä kohdissa liian pitkälle, mikä johtaa huonoon instrumentointiin. Tässä on viitteeksi, mihin voit odottaa instrumenttien sijoittuvan eri taajuusalueilla:

Rummut

Rummut ovat yllättävän monipuolisia taajuusspektrin kattavuuden suhteen. Potkurummut ovat matalimmillaan, ja niiden jyske lepää jossain 60-80 Hz:n alueella. Snares- ja toms-rummut lepäävät pääasiassa taajuusspektrin keskellä, ja hi-hatien ja symbaalien loisto ulottuu taajuusspektrin yläpäähän, yli 5 kHz:n taajuudelle.

Jouset

Jouset kattavat taajuuskaistan keskialueen, mutta joissakin jousisoittimissa on elementtejä, jotka ulottuvat alemmas tai ylemmäs. Bassokitarat ja pystybassot kattavat osan taajuusspektrin alemman pään pöhinästä, kun taas viulut ja mandoliinit ulottuvat ylemmälle taajuusalueelle ja kattavat joitakin taajuuksia ylemmän keskiäänialueen 2,5 kHz - 5 kHz välillä.

Sähköbasso voi omaksua osan matalammista taajuuksista, mutta se vie silti huomattavan paljon tilaa spektrin keskialueella.

Laulu

Yksilölliset äänialat vaihtelevat, mutta niiden voi odottaa yleensä olevan 200 Hz:n ja 15 Hz:n välillä riippuen siitä, onko laulaja mies vai nainen. Miesäänet voivat kattaa taajuusalueen 100 Hz:n ja 8 kHz:n välillä. Naisäänet voivat kattaa paljon suurempia taajuuksia, vaikka ne alkavat lähempänä taajuusalueen keskiosaa, 350 Hz:n ja 17 kHz:n välillä.

Piano, koskettimet ja syntetisaattorit

Nämä instrumentit ovat kaikki uskomattoman monikäyttöisiä, ja ne kattavat suurimman osan taajuusspektristä. Ne eivät kata kaikkia erittäin matalia alataajuuksia tai erittäin korkeita taajuuksia, jotka alkavat noin 5 kHz:n kohdalla.

Alkuperäisen pianon soittovalikoima on kuitenkin rajallisempi kuin esimerkiksi elektronisten instrumenttien, kuten koskettimien tai syntetisaattoreiden. Kannattaa vain muistaa, että nämä äänet ovat laaja-alaisia, ja siksi niitä on käytettävä varovasti.

Mihin orkesterisoittimet sijoittuvat taajuusspektrissä?

Jos haaveilet kapellimestarin urasta, orkestraatio alkaa siitä, että ymmärrät, mihin tietyt soittimet sijoittuvat taajuusspektrissä. Tutustu siihen, missä seuraavat instrumentit sijaitsevat, jotta voit luoda erinomaisen tasapainon elävässä musiikissa:

Kontrabasso

Kontrabassosta saat orkesterin rummutuksen ja rikkaat alataajuudet. Nämä 40-300 Hz:n taajuudet muodostavat pohjan matalille äänille.

Cello

Cello lepää kontrabasson yläpuolella, mikä lisää matalia ja matalia keskitaajuuksia 1 kHz:iin asti. Se voi tukea melodiaa hahmottelemalla eri sointujen toonikoita.

Huilu

Huilu, joka tunnetaan kirkkaasta, joskus kirskuvasta äänestään, lepää keskialueella, mutta voi ulottua korkeammille keskialueille aina noin 4 kHz:iin asti.

Viulut

Viulut kantavat usein melodiaa ja erottuvat miksauksessa niiden lävistävän, selkeän tekstuurin ansiosta. Ne voivat ulottua 200 Hz:stä aina 10 kHz:iin tai korkeammalle, jolloin ne saavat loistavia, korkeita ääniä.

Piano

Aivan kuten edellä kuvatussa nykyaikaisessa tuotannossa, pianon erityispiirteenä on, että se voi kattaa lähes koko taajuusalueen.

Klarinetti

Nämä lämpimät puiset soittimet pitävät paikkansa keskialueella, noin 100 Hz - 2 kHz:n alueella.

Oboe

Oboe on tunnettu nasaalimaisesta soinnistaan, joka antaa orkesterille mielenkiintoisen tekstuurin. Oboe lepää noin 250 Hz - 4 kHz:n alueella ja elää pääasiassa keskialueella.

Torvet

Sarvilla on yleensä melko laaja kantama, vaikka ne ovatkin vahvimmin taajuusalueen ylemmällä keskialueella. Torvet ovat varsin ilmeikkäitä ja voivat helposti vallata tasapainon, jos niitä soitetaan liian räväkästi, joten toimi varovasti.

Rummut

Samoin kuin DAW:n rummut, orkesterin rumpuelementit käyttävät yhdessä soitettaessa koko spektrin, ja tietyt elementit käyttävät korkeampia tai matalampia alueita kuin toiset. Samat alueet koskevat potkua, snarea ja symbaaleja, kuten edellä on kuvattu. Timpani sijaitsee yleensä alemmilla ja keskimmäisillä taajuuksilla noin 50-400 Hz:n alueella.

Kuinka käyttää modernia instrumentaatiota lauluissasi

Vaikka et näkisikään itseäsi klassisen musiikin kapellimestarina tai perinteisten soittimien käyttäjänä, voimme silti viedä soittamisen oppeja nykyaikaiseen musiikin tekemiseen. Tässä kerrotaan, miten voit tuoda instrumentoinnin periaatteet osaksi digitaalista äänityöasemaasi:

Äänen valinta ja suunnittelu

Aivan kuten orkesterimusiikin tai elävien soittimien kanssa, valitsemillasi VST:illä, soittimilla ja jopa näytteillä on suuri vaikutus lopulliseen sävellykseesi. Aseta etusijalle ääni, joka edustaa parhaiten melodista ideaa, ja rakenna sitten sen ympärille. Kaikki pääideasi ulkopuoliset äänet olisi valittava korostamaan, ei peittämään, tuota alkuperäistä ääntä.

Äänen kerrostaminen

Voit kokeilla saman äänen pinoamista tai soittamista eri äänillä ja soittaa samanlaisia osia useilla oktaaveilla. Kerrosten pinoaminen voi auttaa yksittäisiä osia tuntumaan laajemmilta ja vankemmilta ja antaa miksauksesi tuntua yhtenäisemmältä. Varo kuitenkin liioittelemasta: melodian tulisi aina pysyä esityksen pääosassa.

Automaatio

Automaatio luo kuuntelijalle dynaamisemman kokemuksen, joka muistuttaa enemmän elävän soittimen kokemusta. Kokeile automatisoida parametreja, kuten äänenvoimakkuutta, suodatinta ja instrumentin yksittäisiä komponentteja ajan mittaan, jotta voit ohjelmoida kappaleisiisi realistisemman esitysilmaisun.

Nopeus ja muut ilmaisun parametrit

Haasteena musiikin tuottamisessa ohjelmistolla sen sijaan, että se soitettaisiin ja taltioitaisiin, on se, että menetät joitakin esityksen epätäydellisiä piirteitä, jotka tekevät musiikista "inhimillisen".

Yksi esimerkki tästä voisi olla nopeuden tai voimakkuuden muuttaminen, jolla nuotit ilmaistaan. Kun soittaja esittää osan kappaleessa, hän ei yleensä soita jokaista nuottia tasaisesti, vaikka se on usein oletusarvo, joka on sisällytetty MIDI-osiin. Käytä aikaa satunnaistamiseen ja ilmaisuparametrien säätämiseen, jotta voit luoda vähemmän robottimaisen tunnelman.

Instrumentointi herättää musiikin eloon

Instrumentointi perustuu sävellyksen yksittäisten osien äänellisen luonteen ymmärtämiseen ja niiden valintaan sen mukaisesti, ja lopputavoitteena on luoda tasapainoinen kappale, jossa yksi ääni ei ole täysin ylivoimainen toiseen. Valitsemiesi äänien sisältämä ilmaisu voi varmasti muuttaa kappaleen yleistä tunnetta, mikä tekee instrumentoinnista tehokkaan ja dynaamisen työkalun.

Toivottavasti tämä opas on helpottanut soittotaidon hallintaa. Nauti tasapainoisten, hyvin ilmaistujen sävellysten rakentamisesta instrumentaation avulla, olitpa sitten säveltäjä, tuottaja tai soittaja.