Å komponere handler ofte om å utvide grensene. Men når grensene er helt ute av vinduet, hva blir komponering da? Med andre ord: Kan komponisters verk noen gang slutte å bli betraktet som ... musikk?

Oxford Dictionary definerer nemlig opera som "en form for musikkdrama der rent melodiske rytmiske krefter flettes sammen med narrative elementer". Dette ser ikke ut til å gjelde for Schönbergs "Pierrot Lunaire", for eksempel. OK; kan vi fortsette å kalle det et "melodrama" da? :)

Forord

Å komponere er en dypt personlig og kreativ prosess for enhver kunstner. Hver kunstner har sin egen unike stil, som gjenspeiler deres individualitet og kunstneriske visjon.

Når kunstneren setter i gang den kreative prosessen, vurderer han eller hun nøye hvordan ulike elementer kan blandes for å skape en sammenhengende helhet. Gjennom sin komposisjonsstil formidler kunstneren sin estetikk og sine perspektiver til publikum.

En kunstners komposisjonsstil kan utvikle seg over tid, og gjenspeile personlig vekst og skiftende påvirkninger. Eller rettere sagt; det er sammensmeltingen av stil og komposisjon som skaper kunstverkene. Og hvert verk bærer en bit av kunstnerens sjel og et unikt budskap som verden kan tolke.

Gode komponister har alltid hatt en unik evne til å forvandle sine tanker og erfaringer til musikalske mesterverk. I dag fortsetter moderne komponister å flytte grensene for det musikalske uttrykket.

Vestlig musikk var på sett og vis definert av et tonalt sentrum. I atonaliteten frigjør komponistene seg fra begrensningene ved å arbeide innenfor en bestemt toneart og de forventningene som følger med den.

De kan bruke alle tolv tonene i den kromatiske skalaen på lik linje, uten å ta hensyn til hierarkiene i tradisjonell tonal harmonikk.

Denne mangelen på en definert toneart i atonaliteten banet vei for unike og nyskapende komposisjoner.

Klassisk musikk

Klassisk vestlig musikk har en definert tonalitet (eller tonale sentre, hvis/når modulasjoner forekommer).

Et sterkt tonalt sentrum finnes i praktisk talt alle klassiske komposisjoner. I Beethovens hyperpopulære Symfoni nr. 9 fungerer for eksempel tonearten d-moll som et "ankerfeste".

Dette eksemplet illustrerer hvordan komponister bruker begrepet tonalt sentrum for å skape musikalsk sammenheng og en følelse av forløsning. Det betyr ikke at den kromatiske skalaen ikke er et grunnleggende element i klassisk musikk. Faktisk er den det motsatte!

I klassisk komposisjon gir bruken av den kromatiske skalaen en rik og uttrykksfull palett av musikalske farger. Den utvider valgmulighetene og åpner for intrikate harmonier og ladede passasjer i klassiske verk.

De funksjonelle akkordene

Som nevnt i artikkelen vår om den diatoniske skalaen, har oppfatningen av hva som utgjør en akkord utviklet seg gjennom tidene. Tonal musikk definerer det mer strengt og strukturelt.

Begrepet akkordfunksjonalitet er nært knyttet til akkordenes innbyrdes forhold, slik det defineres gjennom progresjoner og harmoniske kadencer.

Men en enkelt akkord kan også være funksjonell og gi en struktur som underbygger en melodi. Så alt avhenger av komponistens ferdigheter og intensjoner.

Dyktige opphavsmenn kan skape et bredt spekter av stemninger gjennom en enkelt akkord, forutsatt ulike musikalske kontekster. Å lære seg å uttrykke seg gjennom en akkord er et avgjørende skritt i retning av musikalsk kunstnerskap!

Hinsides klassisismen

På begynnelsen av 1900-tallet begynte folk som Alexander Skrjabin og Igor Stravinskij å beskrive musikk som avvek fra den tradisjonelle diatoniske skalaen.

Deres ekspresjonistiske verker omfavnet ekspressiv kromatikk, med harmonier, skalaer og akkorder som så godt som forlot konvensjonell tonalitet.

Når man hører komposisjonene deres, forstår man hvor mesterlige de var. Deres ladede akkordprogresjoner og melodier utfordret lytterens forventninger.

Starten

Etter hvert som utviklingen gikk videre, utfordret innovative ideer de siste gjenværende begrensningene for funksjonell harmoni.

Dette avviket fra den tradisjonelle tilnærmingen har ført til at akkordene som følger etter hverandre, blir dissonante og usammenhengende, sett fra den konvensjonelle akkordstrukturens perspektiv.

Arnold Schönberg introduserte atonalitet og mange andre eksperimentelle teknikker, og flyttet grensene enda lenger. "Schönberg-stilen" var så avantgardistisk på den tiden at noen ikke engang betraktet den som musikk, noe som gjør hans innsats til et eksempel på et arketypisk paradigmeskifte.

Hans frie atonalitet insisterte på at tradisjonelle harmoniske konsepter skulle forlates helt, uten å være streng med hensyn til hva som egentlig utgjør dem. Dette reiser spørsmålet: Fokuserer en atonal komponist på å bryte alle de tradisjonelle reglene?

Atonalitetens estetikk

I motsetning til hva mange tror, handler ikke atonalitet om "antitonalitet". Det er et sett med uavhengige prinsipper. Selv om harmoniske kadencer er "forbudt", baserer ikke atonale komponister sin estetikk på hvor ikke-tonalt et stykke musikk er.

Fraværet av et tradisjonelt tonalt sentrum er faktisk et definerende trekk ved et atonalt verk. Og ja: I et atonalt verk unngår komponisten bevisst å etablere en grunntone, noe som fører til en dynamisk manifestasjon av ulike akkordstrukturer.

Disse prinsippene ga opphav til det som senere ble kjent som Den andre wienerskolen. Arnold Schönberg skrev Pierrot Lunaire for å demonstrere sine estetiske poenger, og hans elever Alban Berg og Anton Webern fulgte etter og begynte å skrive pianostykker og til og med suiter.

Særlig pianostykkene deres viste at det musikalske fokuset var et helt annet. Høyre hånd "fløy" ikke mens den spilte melodien eller durkadensenes forbigående toner. Stykkene handlet mer om tonehøydeklasser og struktur, og de sendte durtonene i pensjon.

Ja, i atonal musikk blir virtuositet (eller rettere sagt: fingerferdighet) mindre viktig. Webern og Berg bygde videre på det læreren deres hadde gitt dem, noe som førte til en videre stilistisk utvikling.

Apex Years

Den serielle musikken oppstod som et vesentlig brudd med den frie atonale musikken som sådan. Den baserer seg på en tolvtoneteknikk eller tonerekke, som bestemmer den melodiske rekkefølgen og de påfølgende akkordene gjennom en komposisjon.

Den tilsvarende komposisjonsteknikken, som da ble kalt "serialisme", ble kjent gjennom verkene til den andre wienerskolen. Komponistenes fremstøt førte til at de skapte banebrytende atonale verk.

Schönbergs yndlingselever (de tidligere nevnte Alban Berg og Anton Webern) sto i spissen for den serielle bevegelsen.

De begynte å bruke strenge matematiske strukturer for å organisere komposisjonene sine. De atonale verkene deres brukte ofte de nevnte tolvtoneradene for å nå målet sitt.

Dette systemet krevde at alle 12 tonene fra den kromatiske skalaen ble brukt, men ikke fra en enkelt oktav og strengt tatt uten noen likhet med en tonal melodi (slik den tradisjonelt defineres). For å gjøre utfordringen enda større, må "rekken" utvikles uten tonerepetisjoner.

Som en konsekvens av dette ble atonal musikk også svært utfordrende for utøveren, spesielt atonale stykker med vokalstemme. På grunn av fraværet av funksjonelle harmoniske referanser måtte mindre erfarne vokalister ofte gjøre spesielle øvelser og til og med lære stemmen sin utenat.

Serialismen satte varige spor i den klassiske samtidsmusikken. De atonale verkene banet vei for videre kompositorisk eksperimentering.

Ikke-wienerne

Det ville være feil å konkludere med at atonal musikk er knyttet til Wien - eller bare til Vesten generelt, for den saks skyld.

Sergej Prokofjev utforsket disse konseptene på egen hånd, og skapte verk som særlig utfordret den konvensjonelle operastrukturen. Han bygde videre på det grunnlaget som Skrjabin og Stravinskij hadde etablert.

I likhet med Alban Bergs opera Wozzeck ble det primære strukturelle elementet oppløst i komposisjonene hans, i takt med at melodier og rytmer ble mer selvstendige og komplekse.

Ironisk nok kan den frie atonaliteten betraktes som både starten og slutten, rett og slett fordi atonaliteten var mindre streng både før og etter serialistene.

Man kan være uenig, men visse aspekter eller utdrag av musikken til Prokofjev, Sjostakovitsj eller til og med Rachmaninov er på en måte "fritt atonal".

Jazz

I hvert fall siden Charlie Parker, og definitivt etter ham, har bokstavelig talt alle jazzmusikere vært besatt av hvordan man kan utvide tonesentrene; hvordan man kan "redefinere tonearter", om du vil. Dette ga opphav til cool jazz og modal jazz i særdeleshet.

Noe senere utforsket Herbie Hancock sammensmeltingen av klassisk samtidsmusikk og jazzsjangre - en uunngåelig konsekvens av hans innovative ånd. Han behandlet rytmen som en uadskillelig partner til melodien, og skapte banebrytende komposisjoner.

Disse eksperimentene med melodisk-rytmiske spenninger ble en av de viktigste faktorene for utviklingen av ny musikk i det 20. århundret.

Ettervirkningene

Atonal musikk gjorde ikke slutt på tonal musikk eller funksjonsharmonikk. Den omdefinerte snarere begrepene, akkordene og hva som definerer et tonalt sentrum, hva som utgjør en akkord osv.

Tonal musikk i dag

Samtidens funksjonelle harmonikk høres ... vel ... beriket ut (for å si det mildt). Estetikken gir rom for både den atonale musikkens tonehøydeklasser og et tonalt sentrum.

Dagens tonale musikk kan inneholde - og inneholder - også atonal musikk. Eller kanskje "likheter" med atonal musikk, eller kanskje glimt og påvirkninger fra atonal musikk. Og det er helt naturlig, for musikk er musikk, og nøkkelen ligger i komponistenes ideer.

Atonal musikk av i dag?

På samme måte: atonal musikk er atonal musikk. Og det finnes atonal samtidsmusikk, selv om du ikke vil finne den navngitt som sådan (som "atonal samtidsmusikk" ).

Arnold Schönberg og enhver skole før ham er vesensforskjellig fra dagens skoler. "Pierrot Lunaire" kan ikke sammenlignes med dagens atonale musikk. Men så var den heller ikke sammenlignbar med Pendereckis "Threnody to the Victims of Hiroshima", og den kom bare et tiår etter Schönbergs død...

Det viktige er at den atonale musikken til Schönberg brakte nye ideer til musikkverdenen. Viktige ideer, spesielt nyttige i film- og teatermusikken. Og ja: I dag er alle enige om at Schönbergs verk var - og alltid vil være - musikk!