Det fine med å lære å mikse musikk er at du kan finne din egen unike formel: en lydsignatur som identifiserer deg som artist eller lydtekniker, og som hjelper deg med å skape en lydpalett som gjør at du skiller deg ut. Men før alt dette er det visse regler for lydmiksing som, selv om de ikke er hugget i stein, definitivt vil hjelpe deg med å oppnå et mer profesjonelt lydbilde.

Noen tips er utformet for å hjelpe deg med å effektivisere arbeidsflyten, og andre for å sikre at musikken din høres bra ut på alle avspillingssystemer. Felles for alle disse anbefalingene er at de fungerer som en realitetssjekk mens du mikser, og hjelper deg med å gjøre justeringer og ta bevisste valg, enten du jobber med din egen musikk eller andre artisters verk.

Alle lydteknikere har sine egne teorier om hva som er viktig og hva som ikke er viktig når du mikser lyd, men nedenfor finner du det jeg mener er reglene du bør følge når du vil lage en profesjonell miks, uavhengig av stil, sjanger og erfaring.

Forstå sjangeren

Hvis du mikser din egen musikk, vil jeg anta at du er kjent med musikksjangeren du produserer. Det kan imidlertid være annerledes hvis du er en lydtekniker som jobber med flere artister på tvers av sjangre.

Metal, hip-hop, pop, klassisk musikk: Hver sjanger har sine egne regler og sin egen forventede lyd. Du trenger kanskje ikke å følge dem blindt, men du bør i det minste være klar over dem. En gitarsolo vil høres helt annerledes ut om den er en del av en pop-, soul-, disco- eller heavy metal-låt, og det samme gjelder alle andre elementer i en låt, fra trommer til vokal og synth.

I rock og metal kan det være en lang og krevende oppgave å balansere nivåene i mellomtonen; i popmusikk er hovedvokalen vanligvis det viktigste elementet; i hiphop og techno bør stortrommen være den viktigste drivkraften i beatet ditt. Vi kan fortsette i det uendelige med å diskutere hvordan hver sjanger har sine egne karakteristiske signaturer, men det er opp til deg å forstå og identifisere hva som er avgjørende i miksen din og forbedre den deretter.

Det endelige målet er alltid å skape et sammenhengende lydbilde som er i tråd med det publikum ser for seg, og den endelige miksen du sender til masteringteknikeren, bør allerede bære preg av den sjangeren du jobber med.

Bland organisasjon

Ved å organisere arbeidsflyten når du mikser, kan du spare tid, oppnå konsistente resultater og skape en gjenkjennelig lyd som du kan skreddersy til flere prosjekter uten å måtte starte fra bunnen av hver gang.

Det finnes flere måter å forberede økten på, og noen av de vanligste er gruppering, fargekoding, navngiving av spor, bruk av spormapper og bruk av busser.

Hvis du grupperer lignende spor sammen, for eksempel strykere og trommer, blir det enklere å justere nivåer og effekter for disse sporene. Det er også en fin måte å visualisere prosjektet på og se separate spor som en del av et unikt element.

Fargekoding kan være en stor fordel når du jobber med store prosjekter: Du kan bruke det til å skille mellom elementer i miksen og gjøre det enklere å finne spor. Du kan for eksempel bruke én farge for synthen, en annen for gitaren og en tredje for vokalen. Dette gir deg en visuell oversikt over hva som foregår, noe som er avgjørende hvis du er lydtekniker og jobber med flere prosjekter.

I noen DAW-er kan du opprette spormapper, som er en måte å gruppere sporene dine på en hierarkisk måte, og dette kan hjelpe deg med å holde orden i mikseelementene dine.

Til slutt må du ikke glemme viktigheten av miksebusser, de virtuelle kanalene som lar deg gruppere flere spor sammen og bruke effekter på dem samlet. Ved å bruke dem sparer du ikke bare mye tid, men du får også en positiv innvirkning på konsistensen i miksen din.

Referansespor

Dette er kanskje det mest avgjørende aspektet når du ønsker å produsere en miks av god kvalitet. Å velge et referansespor som ikke bare er i tråd med sjangeren du jobber med, men også kundens ønsker, din egen smak og de verktøyene du har til rådighet, er ingen triviell oppgave, men likevel nødvendig.

Når du jobber med en kunde om en musikkmiks, er det alltid en god idé å be dem om tidligere låter som referanse, slik at du får en klarere idé om hvilken type balanse de er ute etter i miksen. Ved å vite nøyaktig hva du eller kundene dine er ute etter, kan du lage en miks som er i tråd med det de ser for seg.

Bruk litt tid på å utforske den aktuelle sjangeren, artisten og musikken for å spare tid i mikseprosessen. Du trenger ikke å mikse som alle andre, men det er lurt å vite hva publikum er vant til før du starter mikseprosessen.

Hvor du skal begynne

Når du skal begynne å mikse, lurer du kanskje på hvilket musikkinstrument du bør ta fatt på først. Heller ikke på dette spørsmålet finnes det noe entydig svar, men som en tommelfingerregel anbefaler jeg at du begynner med bass og trommer.

Det er det solide fundamentet for sangen din, og når du har det balansert, kan du ta veloverveide beslutninger om hvor hovedelementene i miksen (gitarer, synth, vokal) skal plasseres.

I tillegg omfatter trommer hele frekvensspekteret, noe som kan gi deg en "forhåndsvisning" av hvordan frekvensene oppfører seg i miksen din.

Hvis du begynner med trommene, er det beste alternativet å fokusere på lilletrommen og stortrommen først. Snare-trommen bør være et av de høyeste elementene i miksen din: den er ryggraden i sporet, og den definerer groovet: alle andre elementer i trommene bør dreie seg rundt den.

Sparketrommen er nesten like viktig. Den skal være høy, men ikke for høy, for da kan den overskygge snarens transienter eller hovedinstrumentene.

Alt annet (toms, cymbaler, perkusjon) kommer etter snare og kick. Du bør gi dem passende plass i miksen, og sørge for at de er tydelig hørbare uten å overskygge det som styrer grooven i miksen.

Når du går videre til de andre elementene i miksen, bør du fokusere på hvordan du kan forbedre dybden i miksen og finjustere alle de involverte musikkinstrumentene. Jo flere elementer du legger til i miksen, desto mer vil balanseringsprosessen kreve små justeringer for å høres bra ut. Det kan føles overveldende i begynnelsen, men etter hvert blir det en morsom og engasjerende prosess, og du vil begynne å se din unike lydsignatur i hvert spor du mikser.

Volum først, effekter etterpå (statiske mikser)

Den statiske miksen bør være det første trinnet i mikseprosessen. Når du gjør det riktig, får du en grovmiks som gjør det mye enklere å oppnå mikslim ved hjelp av postproduksjonseffekter.

Prøv å oppnå en balansert miks kun ved hjelp av volumfaderne og panoreringskontrollene uten hjelp av dynamisk prosessering, effekter eller automatisering. Denne grunnleggende balansen vil hjelpe deg med å skape balanse og et grovt stereobilde i sporet ditt, som du senere kan forbedre med effekter.

Begynn med å sette alle volumnivåene til null, og før deretter hvert spor sakte inn i miksen, ett etter ett. Juster volumfaderne for å sikre at hvert element sitter godt i miksen, og fokuser på hvordan de interagerer med hverandre. Bruk panorering til å plassere elementene i stereofeltet, slik at hvert element får sin egen plass, samtidig som du unngår frekvensmaskering.

Den endelige statiske miksen skal høres ut som en råversjon av albumet du skal gi ut: Alle volumene skal være perfekt balansert, og hvert instrument skal ha sin egen plass på lydbildet.

Det er stor sjanse for at du må gjøre justeringer når du begynner å bruke EQ-er, fadere og kompresjon. Likevel vil denne grunnmiksen være et viktig utgangspunkt for å begynne å forme lyden din ved hjelp av effekter.

Glem "Solo"-knappen

Miksing handler om å oppnå balanse og harmoni mellom alle elementene i et spor, så det bør ikke komme som en overraskelse at et holistisk syn på arbeidet med et spor vil gi de beste resultatene.

Frekvensjusteringer som gjøres i solomodus, kan gjøre miksen mindre klar: EQ-justeringer som gjøres på denne måten, kan føre til at et spor "invaderer" frekvensområdet til et annet, eller kompresjonsinnstillinger som virket ideelle alene, kan gå på bekostning av dynamikken i miksen.

Nok en gang anbefaler jeg å bruke volum- og panoreringsjusteringer som hovedverktøy for å løse problemer med miksen og forbedre den dynamiske balansen. Støyfjerning eller mindre EQ-justeringer kan kreve soloing, men dette er unntaket, ikke regelen.

Forlater takhøyde

Headroom er avstanden mellom toppnivåene til et lydsignal og maksimumsgrensen til et digitalt system.

Dette rommet beskytter mot klipping, men definerer også kvaliteten og teksturen på lyden din, spesielt når du bruker plugins. Dette skyldes at digitale plugins reagerer forskjellig avhengig av inngangsnivået: Lavere inngangsnivåer resulterer vanligvis i en mer responsiv dynamisk interaksjon i pluginen og en mer transparent og effektiv bruk av effekten.

Til slutt, ved å ha nok headroom forhindrer du klipping og uønskede artefakter av digital forvrengning, og forbedrer sporets dynamikk. Som en tommelfingerregel bør du ha mellom 3 og 6 dB headroom når du mikser.

Stille lytting

Når vi lytter til musikk på lavt volum, er ørene våre mindre følsomme for ekstreme lave og høye frekvenser i frekvensspekteret. Når avspillingsvolumet øker, begynner vi å høre høye og lave frekvenser jevnt. Prøv å lytte til en poplåt på svært lavt volum: Har du lagt merke til at du fortsatt kan høre vokalen tydelig, men at basslinjen knapt er hørbar?

Hvis en miks kan oppnå en følelse av fylde og klarhet ved lave volumer, er den altså velbalansert. Hvis en miks derimot høres balansert ut på høyere volum, men mister klarhet og sammenheng når volumet reduseres, betyr det at det er noe galt med samspillet mellom elementene i miksen.

Sist, men ikke minst, er det også viktig å lytte på lavt volum når du vil lage en god miks som fungerer godt på tvers av alle tilbakebetalingssystemer, og som bevarer dynamikken og uttrykksfullheten.

Betydningen av Mono

En miks som opprettholder klarhet og balanse i mono, der alle elementene er summert til én kanal, er en miks som ikke trenger ytterligere nivåjusteringer. Min anbefaling er alltid å sjekke hvordan en miks høres ut i mono, da det er den beste måten å identifisere og håndtere frekvensproblemer på.

I en stereomiks kan ulike elementer panoreres og spres ut over stereofeltet for å skape separasjon og rom. Men når disse elementene er slått sammen til mono, kan eventuelle problemer med fasekansellering bli mye tydeligere. På samme måte kan problemer med frekvensmaskering lettere identifiseres når du lytter i mono.

En miks som fungerer godt i mono, vil sannsynligvis være mer konsistent på tvers av et bredt spekter av avspillingssystemer, fra avanserte audiofile systemer til enheter med én høyttaler, og det er nettopp det du er ute etter når du mikser musikk.

Kjenn til de beste verktøyene, men jobb med det du har

Jeg vet av erfaring at det er lett å bli fanget i tanken om at dyre plugins og utstyr er nødvendig for å få profesjonell lyd. I vår tid er det ikke lenger tilfelle.

De fleste digitale lydarbeidsstasjoner leveres med en rekke innebygde plugins som kan gi profesjonelle resultater. Du kan begynne med å lære deg å mestre disse verktøyene, noe som er en rimeligere løsning enn å anskaffe et stort antall tredjepartsplugins du sannsynligvis aldri kommer til å bruke.

Jeg sier ikke at du ikke skal være oppmerksom på eller skaffe deg plugins og utstyr av høy kvalitet til prosjektene dine, men hvis du blir besatt av dem, tar du oppmerksomheten bort fra de mer avgjørende aspektene ved miksing, som er å finpusse ferdighetene dine, stole på ørene dine og bruke de ressursene du har tilgjengelig for å skape en best mulig miks.

Avsluttende tanker

I lydproduksjon er ingenting hugget i stein. Og det er noe av det som gjør det til en så engasjerende og kreativ opplevelse.

Likevel er det en nøye volumbalansering som til syvende og sist kan gjøre miksen din til en vellykket hit: Bruk tid på å forstå hvert enkelt instrument i låten din og dets ideelle plassering i lydbildet. Ikke fokuser på enkeltelementer, men heller på lydopplevelsen som helhet, en opplevelse som lytteren kan knytte seg til og føle den følelsesmessige effekten av.

Jeg kan ikke få understreket nok hvor viktig det er å teste miksen din på ulike avspillingssystemer for å sikre at den spilles av slik du ser for deg på alle enheter. En låt kan høres flott ut i et studiomiljø, men forferdelig i bilens lydsystem, og det vil du ikke at skal skje. Bruk profesjonelle hodetelefoner og studiomonitorer, men sjekk også miksene dine på billige øretelefoner: Det skal høres bra ut uansett hvordan du opplever det.

Lykke til, og vær kreativ!