En sang er så mye mer enn en enkelt enhet. Det er en samling av ulike elementer som er arrangert på en bestemt måte, og måten disse elementene er arrangert på, kan føre til uendelig mange muligheter.

Som en sandwich består musikk av flere lag og en rekke unike ingredienser, som alle må kombineres perfekt for at resultatet skal bli best mulig.

Uten å være klar over det har du sannsynligvis allerede analysert musikk på et eller annet tidspunkt i livet ditt, spesielt hvis du noen gang har produsert et spor. Men uansett om du er en tilfeldig lytter eller en profesjonell musikkprodusent, er det å analysere låter en utrolig nyttig praksis som jeg mener musikkskapere av alle slag bør omfavne.

Når vi lytter aktivt til favorittmusikken vår, hjelper det oss å utvikle en dypere forståelse av det vi lytter til. Ved å fokusere aktivt på de ulike elementene i en låt, som melodi, harmoni, rytme, produksjonsteknikk, miksing med mer, kan du få verdifull innsikt i hvordan de ulike komponentene samvirker og bidrar til det totale lydbildet.

I tillegg kan det inspirere til kreative ideer som du kanskje ikke hadde kommet på på egen hånd!

Vi er jo tross alt produkter av innflytelse, ikke sant?

Spørsmålet blir da hvordan vi kan bruke aktiv lytting i musikkanalyseprosessen, slik at vi kan bruke det når vi skriver eller produserer vår egen musikk?

Bli med oss når vi utforsker en unik 7-trinns analyseprosess!

Hvorfor det er viktig å analysere sanger

Som musikkprodusent kan jeg ikke få sagt nok om verdien av låtanalyse. Det er en så nyttig ferdighet for musikkprodusenter, fordi det gir verdifull innsikt i produksjonsteknikker som finnes i profesjonelle låter.

Når du går i dybden på komponentene i et spor, kan du lettere identifisere elementene som gjør det tiltalende. Denne innsikten kan du så bruke til å ta veloverveide beslutninger når du komponerer din egen musikk.

Det kan også være et verdifullt verktøy for å hente inspirasjon fra favorittsangene dine. Jo mer og mer du lytter aktivt til favorittartistene dine, desto mer repertoar får du til å utforske alternative måter å uttrykke deg på når du lager musikk.

Ting du trenger for å analysere musikk

Før vi går nærmere inn på "hvordan" og "hvorfor", bør du sørge for at du har følgende elementer for å optimalisere lytteprosessen.

Filer av høy kvalitet

Det er egentlig ingen vits i å prøve å analysere et spor hvis du bare har en 128 kbps-fil av lav kvalitet som du har rippet fra YouTube. Selv om du fortsatt kan analysere arrangementet og komposisjonen og arrangementet, blir det langt mer utfordrende å prøve å grave seg ned i de mer nyanserte aspektene av låten, som produksjon, miksing eller mastering.

Hvis du vil ha en mer nøyaktig analyse, anbefaler jeg at du bruker minst 320 kbps MP3-kvalitet. Hvis du har tilgang til Apple Music eller Spotify Premium, kan du velge de høyeste kvalitetsinnstillingene når du lytter.

I en ideell verden bør du imidlertid prøve å få tak i en ukomprimert lossless-fil, for eksempel WAV eller AIFF, hvis du kan finne en. Selv om du kanskje ikke vil merke så stor forskjell ved første lytting, gir denne typen filer den beste representasjonen av det du hører i et profesjonelt studiomiljø, samtidig som de gir et mer nøyaktig grunnlag for analyse.

Høyttalere eller hodetelefoner av profesjonell kvalitet

Selv om jeg pleide å kaste skygge over ørepropper, er jeg en stor fan av Apple AirPods nå.

Lydkvaliteten er ganske solid for hva de er, og når det gjelder generell lytting og bærbarhet, er de vanskelig å slå.

Jeg vil imidlertid aldri anbefale å bruke dem til å analysere de innviklede detaljene i en låt, for eksempel produksjon, miksing eller mastring, ettersom mangelen på klarhet og skjev frekvensrespons kan gjøre det vanskelig å skille ut de kritiske elementene vi trenger å lytte etter.

Invester heller i et par høyttalere eller hodetelefoner av høy kvalitet som gir en mer nøyaktig lytteopplevelse. Hvis du skal begynne med produksjon, miksing eller mastering, bør du uansett ha et par gode hodetelefoner av profesjonell kvalitet.

Den gode nyheten er at du ikke trenger å sprenge banken for å finne et anstendig sett med hodetelefoner, ettersom det finnes mange budsjettvennlige alternativer der ute. For eksempel ser jeg mange nybegynnerprodusenter som bruker Audio Technicas ATH-M20x-hodetelefoner, som gir en ganske nøyaktig lytteopplevelse for prisen.

Hvis du vil gå et steg opp, vil jeg imidlertid anbefale Beyerdynamic DT-770. Disse nøyaktige og detaljerte hodetelefonene har vært min favoritt i mange år nå. De har en komfortabel, lukket design og leverer nøyaktig lyd, pålitelig bassrespons og utrolig klarhet.

Enhet for notatskriving

Deretter trenger du noe å ta notater på, enten det er en notatblokk, en bærbar datamaskin eller telefonen.

Nøkkelen her er å engasjere seg aktivt i musikken du lytter til ved å skrive ned hvert av elementene du hører.

Jeg bruker vanligvis "Notes"-appen på MacBooken min med punktlister over alt jeg kan høre i sporet.

Analyseprosessen

#1 Lytt til låten

Det første trinnet i den analytiske prosessen er aktiv lytting.

Det er utrolig viktig å bruke mye tid på å lytte til sangen du prøver å analysere, selv om du ikke er en stor fan av den.

Igjen, du vil være sikker på at lytteopplevelsen din er optimal, så bruk et par hodetelefoner av høy kvalitet som kan gjengi de mest subtile detaljene i sporet du lytter til.

Ved å lytte aktivt til sangen vil du få en mye dypere forståelse av hvordan og hvorfor visse elementer brukes og hvordan de brukes.

Du kan for eksempel starte den første gjennomlyttingen med å følge nøye med på trommene alene. Se hva slags trommeelementer som brukes, og hva slags mønster sangen bruker.

Du bør ikke gå for dypt inn i dette ennå, så prøv å stille deg selv noen generelle spørsmål underveis, for eksempel

• Hvordan får melodien og akkordprogresjonen deg til å føle deg?
• Er rytmen og tempoet mykt, energisk eller et sted midt imellom?
• Hva slags overordnet struktur har låten?
• Hvilke elementer skiller seg ut, og hvordan brukes de ulike elementene i sangen?
• Er det noen motiver?

Jeg er en stor tilhenger av å notere ned førsteinntrykket ditt av sangen gjennom hele den første lyttingen. Vurder om den vekker en følelsesmessig respons eller ikke.

Når du har fått en generell idé om hvordan sporet får deg til å føle deg, kan du gå videre til neste del.

#2 Finn ut tempo og toneart

Deretter bør du bestemme tonearten og tempoet i sangen. Dette er avgjørende elementer som spiller en STOR rolle for den generelle karakteren og den emosjonelle virkningen av en sang.

For det første kan ulike tonearter skape ulike følelsesmessige reaksjoner. Durtoner, for eksempel, formidler ofte en følelse av lykke eller optimisme, mens molltoner har en tendens til å fremkalle følelser som tristhet eller introspeksjon.

I tillegg til den emosjonelle effekten kan tonearten også fortelle deg hvordan tonene og akkordene i en sang er harmonisk relatert til hverandre. Den etablerer det tonale senteret, kjent som tonikaen, som melodier og harmonier kretser rundt. Ved å forstå tonearten kan musikere navigere effektivt i sangens akkordprogresjoner, improvisasjon og melodiske utvikling. Det gir en følelse av sammenheng og musikalsk struktur.

Det er flere måter du kan finne tonearten til en sang på:

• Lytt etter tonikaen: De fleste sanger har en "grunntone" som de kretser rundt, og som gir en uhåndgripelig følelse av forløsning. Tonikaen gir deg vanligvis innsikt i tonearten.
• Identifiser akkordprogresjoner: Vi kommer nærmere inn på dette senere, men det er viktig å merke seg at en analyse av akkordprogresjonen i en sang også kan hjelpe deg med å finne tonearten.
• Slå det opp: Avhengig av sporet, kan du kanskje slå opp informasjon om nøkkelen på nettet. Tunebat er et av mine favorittnettsteder for rask nøkkelinformasjon.

Når du vet tonearten, kan du begynne å finne ut av tempoet.

I bunn og grunn er det tempoet i en låt som definerer dens hastighet og følelse. Feel er et ganske vagt begrep, men det er et begrep man ofte hører når man snakker om groove.

Lytt etter hvordan tempoet skaper groove og fremdrift og forsterker sangens emosjonelle kvaliteter.

#3 Utforsk strukturen

Det tredje trinnet er å begynne å utforske sangens overordnede struktur.

Med "struktur" mener jeg oppstillingen og organiseringen av de ulike delene. Du vil vite hvordan de ulike delene står i forhold til hverandre og utgjør hele arrangementet.

Begynn med å skrive ned de ulike delene du hører.

Jeg liker ofte å importere et spor til DAW-en min (Pro Tools) for å gjøre dette. På den måten kan jeg bruke markører på tidslinjen til å skille mellom de ulike delene. Dette gjør det også lettere å lytte etter ulike elementer underveis, ettersom jeg kan loope visse deler av sporet underveis.

De fleste populære sanger har flere forskjellige seksjoner.

En gjennomsnittlig popsang ser for eksempel slik ut:

• Intro
• Vers
• Kor
• Vers
• Kor
• Bro
• Kor
• Outro

Når man begynner å bevege seg utenfor popverdenen og inn i utradisjonelle sjangerformater som jazz, blues eller housemusikk, kan strukturene selvsagt endre seg drastisk.

Uansett hvilken sjanger du analyserer, er det noen ting du bør holde styr på i denne delen av prosessen:

• Finn temaet: Det første du bør finne ut av er om det er noen avsnitt eller musikalske fraser som går igjen i sangen. Dette kalles ofte for "motiver". I musikk er dette avsnitt eller fraser som skaper gjenkjennelse og forsterker sentrale musikalske ideer.
• Vurder dynamiske endringer: Er det noen store dynamiske endringer fra avsnitt til avsnitt? Dynamikk har med volum å gjøre. De fleste store musikkstykker har dynamiske endringer som sammenfaller med strukturelle endringer for å skape spenning og forløsning.
• Lytt etter overganger: Vær oppmerksom på hvordan sangen beveger seg fra én del til en annen. Det spesielle med overganger er at de ikke alltid er åpenbare. Noen sanger har sømløse overganger, mens andre bruker spesifikke musikalske virkemidler, som FX, trommefyll, toneartskifter eller modulasjoner, for å bevege seg fra seksjon til seksjon.

Jeg anbefaler at du gjør deg kjent med vanlige sangstrukturer, for eksempel vers-vers, ABAB, AABA osv.

#4 Analysere akkordprogresjonen

Akkordprogresjonen i en sang er, i likhet med toneart og tempo, et annet verktøy for å uttrykke emosjonelle kvaliteter.

For å virkelig forstå hvordan akkordprogresjoner fungerer, må du ha en god forståelse av musikkteori. Vi har mange artikler om musikkteori andre steder, så jeg skal ikke gå for mye i dybden her.

De to viktigste grunnene til at vi analyserer akkordprogresjoner, er imidlertid å få en forståelse av harmoniske strukturer og å avdekke tilbakevendende mønstre eller motiver.

Den harmoniske strukturen kan fortelle oss hvordan akkordene er organisert og står i forhold til hverandre i sangens kontekst. Sanger har også ofte tilbakevendende mønstre eller akkordprogresjoner som skaper motiver. Når vi analyserer akkordprogresjoner nøye, begynner vi å få en idé om hvordan låtskrivere bruker disse motivene for å skape gjenkjennelighet.

Så hvordan analyserer du akkordprogresjonen i en låt?

Du kan begynne med å lytte nøye til sangen og identifisere hver av akkordene, og skrive dem ned underveis. Jeg begynner ofte med å fokusere på grunntonene og akkordenes kvalitet (dur, moll, forminsket osv.).

En av mine personlige favorittnettsider for å finne tonearter, og som jeg ofte anbefaler til nybegynnere i musikkteori, er Name That Key. Du kan legge inn en rekke akkorder i nettstedets toneartsgenerator, og så får du en idé om hvilken toneart du befinner deg i.

#5 Analyser tekstene

Tekster er musikkens hjerte og sjel. Og for forfattere er de det viktigste verktøyet for å uttrykke seg kunstnerisk.

Når du ser nærmere på tekstene i en låt, vil du ofte finne unike temaer og litterære virkemidler som er brukt for å skape det kunstneriske uttrykket.

Jeg anbefaler at du lytter til sangen du har valgt, mens du følger med på teksten.

Heldigvis finnes de fleste populære sangtekster på nettsteder som Genius eller A-Z Lyrics.

Prøv å se om det er en fortelling sangen følger, eller om det er noen tilbakevendende ideer som låtskriveren stadig vender tilbake til.

Det er viktig å merke seg at tekster enten kan være bokstavelige eller billedlige.

Bokstavelige tekster er enkle og gir oss et tydelig innblikk i historien som fortelles og karakterene som er involvert. På den annen side er figurative tekster, som de som bruker metaforer, liknelser, personifisering eller symbolikk, ofte mer subjektive og brukes for å forsterke mening eller vekke følelser.

Det er så mange måter vi kan tolke og analysere sangtekster på, men noe av det jeg ofte synes er mest nyttig, er å prøve å finne ut av forfatterens intensjon. Hvilket publikum synger de for? Hvilken kultur eller kontekst relaterer sangen seg til, om noen?

#6 Analyser miksen

Å analysere en miks krever nøye lydanalyse. Du kan absolutt bruke verktøy, som en frekvensspektrumanalysator eller stereobreddevisualisering, til å hjelpe deg, selv om ørene dine er det viktigste verktøyet du har.

Når det er sagt, er det like viktig å kunne visualisere miksen av et spor, ettersom det kobler sammen sansene våre og gir oss en bedre forståelse av plasseringen. David Gibson har skrevet en bok som heter "The Art of Mixing", og bildet nedenfor er en ikonisk visualisering av hvordan ulike musikalske elementer og forskjellige instrumenter sitter i en miks.

Når man analyserer en miks, er det flere elementer å ta hensyn til, blant annet

1. Volumnivå: Hvor høyt er noen musikalske elementer i forhold til andre?
2. Frekvensinnhold: Frekvensspekteret i en miks representerer balansen mellom lave, midtre og høye frekvenser i et musikkstykke.
3. Stereobilde: Stereobildet og lydbildet er en del av den horisontale oppstillingen av en miks, og forteller oss om plasseringen og bredden av instrumenter og vokal i stereofeltet.
4. Dynamikk: Med dynamikk kan vi se hvor høyt eller lavt visse deler av en miks er, samt forskjellen mellom de høyeste og de laveste delene. Noen sanger bruker mye kompresjon, mens andre tillater større dynamikk.
5. Tone: Hvilke tonale kvaliteter er merkbare i hvert enkelt musikalsk element? Er vokalen lys eller mørk? Hva med trommer, bass og gitarer? Her kan det være nyttig å bruke en frekvensanalysator.

Selv om de ovennevnte egenskapene er de viktigste, kan det også være lurt å lytte etter hvor tydelig og separert en miks er, eller hva slags effekter som er brukt og hvordan.

#7 Analyze the Master

Den siste fasen i analysen av et spor er masteringsprosessen.

Det kan være en utfordring å bare stole på ørene når du analyserer en master, og derfor anbefaler jeg å bruke visuelle verktøy, stereobreddevektorer og LUFS-målere.

LUFS, som står for "Loudness Units Full Scale", er bransjestandarden for lydstyrke, og ser på den gjennomsnittlige lydstyrken over tid.

Et av favorittverktøyene mine for å forstå LUFS er iZotope Insight 2, siden det også gir nyttig informasjon om stereobredde og frekvensspektrum.

Avsluttende tanker

På dette tidspunktet bør du ha en god idé om hvordan du skal gå frem for å analysere musikk på riktig måte. Det neste steget er å ta musikkanalysen fra favorittsangene dine og implementere den i din egen musikk. Det er så mange ting å avdekke i løpet av musikkanalyseprosessen, fra grunnleggende trommemønsterelementer til miksbehandling, og det finnes ikke én bestemt måte å tilnærme seg det på. Ha det gøy, og se på det som en øvelse i utforskning som til syvende og sist vil føre til bedre musikkskaping.