Techno er et slags paraplybegrep som vi ofte bruker for å beskrive et bredt spekter av elektronisk musikk. Å lage en guide til "hvordan lage techno" ville egentlig ikke gi mening, ettersom det finnes nesten uendelig mange sjangre, undersjangre og lyder å velge mellom.
Det betyr imidlertid ikke at vi ikke kan ta en titt på noen av de grunnleggende prinsippene som gjør seg gjeldende i omtrent alle former for technomusikk. Så, uten videre, la oss dykke inn og utforske det grunnleggende slik at du kan begynne å produsere technomusikk hjemme.
Hva er technomusikk?
Technomusikken har en ganske rik historie, selv om de fleste moderne technoelskere forbinder den overordnede sjangeren med produsenter som Adam Beyer eller Maceo Plex. Men da den fikk sine røtter i Detroit på 1980-tallet, var mye av musikken påvirket av lyder fra grupper som Kraftwerk.
Produsentene brukte trommemaskiner, sequencere og syntetiske lyder i sanntid for å lage sine egne techno-låter.
Med det i bakhodet føler jeg at det er fornuftig å bruke samme tilnærming til den moderne produksjonsprosessen for å lage en trinnvis veiledning.
1. Samle inn trommeprøvene dine
Det første vi vil begynne med i sporet vårt er en 909-tromme, siden 909-trommemaskinen spilte en fremtredende rolle i technomusikkens opprinnelse. Juan Atkins, en av de tidligste pionerene innen technomusikken, fikk faktisk sin første 909-trommemaskin fra den legendariske Chicago-DJ-en Frankie Knuckles.
Selv om du kan bruke en 909-snare for en mer klassisk technolyd, bestemte jeg meg for å bruke en 808-snare i dette tilfellet. Jeg hentet også inn en lukket hi-hat, en low tom og en mid tom fra en 808-samplingspakke.
Når du skal lage en grunnleggende technorytme, er dette omtrent alt du trenger.
Ableton Live har mange flotte startsamples som du kan jobbe med, men hvis du vil ta det et steg opp, vil jeg anbefale å laste ned noe som Native Instruments Battery 4 eller investere i et Splice-abonnement.
2. Å skape din første groove
En av de største misforståelsene om technomusikk er at det er alle fire på gulvet. Det finnes imidlertid mange technolåter som baserer seg mer på breaks og eksperimentelle grooves enn på den vanlige sparketrommeplasseringen.
Jeg foretrekker breakbeat-stilen i technomusikken, og derfor ønsker jeg å lene meg mer på det groovet.
Mens de fleste produsenter liker å starte med å plassere kick-trommen først, liker jeg ofte å starte med å la metronomen gå rundt 125-140 slag i minuttet og spille ut et groove med for eksempel toms (som jeg har plassert i stativet til å begynne med), for å få et groove som jeg kan bygge videre på.
Denne tilnærmingen gjør to ting:
- Den bidrar til å menneskeliggjøre techno-låten ved å holde alt litt utenfor rutenettet
- Det gir trommesporet ditt en unikhet som er helt din egen
Jeg tror den beste tilnærmingen er å improvisere med metronomen og se hva du kommer frem til. Her er sporet jeg kom opp med nedenfor:
Hvis grooven din føles for uoversiktlig, kan du alltid kvantifisere i DAW-en din.
En techno-groove skal ikke føles overveldende fri. Det robotiske aspektet er en del av lyden, så hvis det å kvantisere helt til rutenettet faktisk fungerer for lyden din, er det bare å kjøre på.
3. Legge til Hi-Hat
Nå som du har et kjernegroove og det føles bra, kan du bruke det som hovedreferanse for resten av trommeelementene.
En av de største feilene mange nye technoprodusenter gjør, er å ha flere elementer som gjør sine egne ting. I virkeligheten bør hvert trommeelement bidra og samarbeide med de andre trommeelementene for til slutt å skape et enkelt groove.
Når det er sagt, skal vi nå sette inn hi-hatten, på samme måte som vi gjorde med tomsene.
Mens tomsene spilte, spilte jeg en hi-hat-rytme som føltes riktig for meg, før jeg kvantiserte den for å kompensere for mine dårlige fingertrommeferdigheter.
En ting du kanskje vil legge merke til, er at hvis du ser på MIDI-grooven til både toms og hat ved siden av hverandre, vil du se at noen av de viktigste betoningspunktene stemmer overens, og det var det jeg mente tidligere med at de to elementene spiller på hverandre.
Jeg bruker også synkoper her, og legger inn noen offbeat-øyeblikk mellom tomsene for å få groovet til å danse.
4. Legge til sparket
Vi tar samme tilnærming til sparketrommen, spiller toms og hi-hat tilbake, trykker på record og føler oss frem til et unikt groove. Jeg tok også ut noen av tom-slagene på dette tidspunktet, da det begynte å føles overfylt.
Her er hva jeg endte opp med:
Sidebemerkning: Når jeg skriver ut groover til elektronisk musikk, enten det er techno, house, hiphop eller lignende, liker jeg ofte å lage looper som er minst fire takter lange. På den måten kan jeg få en loop som høres mest mulig lik ut hele veien, med noen små endringer, som ofte kommer mot slutten av andre og fjerde takt.
5. Legge til romklang på sparket
Selv om dette kan virke kontraintuitivt i forhold til alt du har lært om musikkproduksjon før, er det mange stilarter innen technomusikk som bruker romklang på stortrommen. Du bør ikke overdynge trommen med romklang, men å gi den litt plass er en utmerket måte å fylle ut stereofeltet på og legge til litt hale på slutten.
Hvis du er ute etter en gammeldags technostil, kan du også sette romklangen i mono, slik at den går rett ned i midten.
For å gjøre dette oppretter vi et send-spor med en valgfri etterklangsplugin på, slik at du kan behandle etterklangen parallelt.
For denne etterklangen ønsker vi en relativt lav utklingningstid. En lang utklingningstid, spesielt på et groove-element, kan begynne å gjøre de rytmiske linjene mellom anslagene uskarpe. Hjernen vår har en interessant måte å tolke lengden på hvert anslag som den tiden det tar før etterklangens hale når null.
Jeg liker ofte å bruke en så kort hale som mulig, slik at det nesten føles som om kicket er i et lite rom.
Deretter bruker jeg en EQ-plugin etter romklangen for å bli kvitt noen av de høye tonene ved hjelp av et lavpassfilter. Sluttresultatet bør være en dyp, mørk, industriell lyd.
Det fine med at romklangen vår er en send, er at vi kan skru den tilbake og sakte mikse den inn slik at den ligger så subtilt bak det tørre kicket vårt. Når du lytter i sammenheng med resten av trommene, skal ikke romklangen føles åpenbar. Vi vil bare ha den høy nok til å fylle ut tomrommet mellom kick-slagene og tomsene.
PROFF-TIPS: Hvis du vil gjøre det litt mer fancy, kan du legge til en metningsplugin som FabFilter Saturn etter reverb send for å gi den litt mer gryn og karakter.
5. Legge til en snare
Nå velger vi en "velg ditt eget eventyr"-tilnærming for snaren.
Du kan enten velge å tegne den i stykket vårt, slik vi gjorde med trommelelementene ovenfor.
Men grunnen til at jeg velger å trekke den inn, er at jeg vil at lilletrommen skal være ankerelementet mitt. Resten av sporet er ikke så konvensjonelt som du kanskje forventer av moderne technomusikk, men i stedet for å la kicket si "det er her beatet lander", vil lilletrommen ta den rollen.
La oss begynne med å tegne inn lilletrommen på sekstendelsnotene.
Derfra kan vi justere hastigheten på noen av snareanslagene der hatterne våre er fremhevet for å skape en liten lomme der de kan stikke ut, noe som gir et unikt groove.
Deretter dupliserer jeg den i fire barer (som jeg nevnte tidligere) og skaper litt variasjon med noen ruller og slikt:
Jeg bør også nevne at et av de viktigste elementene i det å lage technomusikk er å kaste med curveballs. Jo flere og flere duplikater du lager av en firetakters groove, som for eksempel den over, jo flere endringer bør du gjøre, slik at lytteren tror de vet hva de kan forvente, selv om det er noe helt utenom det vanlige hver gang.
Uforutsigbarhet og tilfeldighet er to av de viktigste tingene som menneskeliggjør technomusikk, så det er viktig å implementere så mye som mulig av disse to elementene.
6. Bli Stabby
Trommegrooven din bør høres ganske solid ut på dette tidspunktet, så nå skal vi legge til et melodisk element.
I dag føler jeg for en synthakkordstikk. Jeg kommer til å bruke Serum for dette tilfellet, selv om du kan bruke hvilken som helst VST du vil.
Hvilken akkord skal vi spille?
De fleste kjente techno-låtene du kjenner er bygget på mollakkorder eller moll-7-akkorder, som er vanlige molltreklanger med en syvendegrad lagt til. Hvis du er usikker på hva jeg snakker om, kan du sjekke ut musikkteoriseksjonen vår på eMastered-bloggen.
Jeg begynner med å legge inn en relativt myk akkordstikklyd med litt romklang direkte på kanalen for å åpne den opp i stereofeltet. Deretter, mens trommesløyfen spiller, legger jeg ned en rytmisk akkordsløyfe med en f-moll7-akkord.
Derfra kvantiserer jeg og gjør eventuelle nødvendige endringer i selve lyden av akkorden mens den spilles av. Vi vil at ADSR-en skal være kort hele tiden.
PROFF-TIP: Legg til en LFO i akkordstikket, men ikke synkroniser den med grooven. På den måten får du utnyttet tilfeldighetene som mange technoprodusenter liker å la utfolde seg når de produserer technomusikk.
7. Lag basslinjen din
Hvordan du tilnærmer deg basslinjen i technolåtene dine er opp til deg, selv om jeg vanligvis liker å basere den på det som skjer med melodien. Fordi jeg bruker en stab-synthakkord, kompletterer jeg den med en rullende sub.
Men hvis du bruker noe i retning av en pad eller drone for synthen, kan du velge å gjøre bassen mer rytmisk og melodisk. Alt avhenger selvfølgelig av hvilken subsjanger du sikter mot.
For denne basslinjen bestemte jeg meg for å gå old-school med en Moog-emulering fra Arturia, som har hele smaken eller den berømte monofoniske synthbassen. Det er en av mine favoritt-VST-er når jeg vil ha en varm, slagkraftig basslyd.
Jeg valgte en fin, dyp sub uten mye harmonisk innhold i mellomtonen for å holde den unna synthen. Selv om du kan tegne inn bassnotene på pianorullen, synes jeg det er mer spennende å spille dem ut med MIDI-keyboardet og kvantisere derfra.
8. Legge til effekter og flere lag
De viktigste delene av techno-låta er ferdige, men du føler kanskje at det låter litt tynt. Det er her det kan være nyttig å legge til noen ekstra effekter og lag. Med forskjellige lag her og der har du mange elementer å manipulere og leke med, noe som kan gjøre låten mer interessant.
Du kan vurdere å legge inn noen melodiske elementer, noen risers og downers, eller noen ekstra perkusjonslooper. Du kan også være kreativ med lyddesign på dette tidspunktet og lage dine egne effekter. Lytt til noen av dine favoritt-technobeats og se hva slags ekstra lag som er i spill.
Her er det uendelig mange muligheter, men det viktigste å huske på er at disse lagene skal støtte hovedelementene, ikke overvelde dem.
9. Arranger sporet ditt
Når du har en loop du er fornøyd med, kan du begynne å arrangere technosporet ditt slik at det blir lengre enn 16 takter.
Det finnes uendelig mange måter å arrangere på, men den jeg ofte bruker i technomusikk, er å behandle sporet som om jeg brukte en hardwaretrommemaskin.
Begynn med ett element, for eksempel tomsene som vi først la ned. Etter noen takter legger du til hi-hat, så kick og så snare. Eller kanskje du lar være å begynne med trommene og gir lytterne stabs til å begynne med.
Det viktigste her er å skape en fortelling. Du vil ikke ha alle lagene i spill hele tiden.
Jeg synes det er nyttig å lytte til referanser og se hvordan andre technoprodusenter arrangerer låtene sine. Selv om det meste av elektronisk dansemusikk ikke følger tradisjonell låtstruktur, kan vi likevel tenke på arrangementet vårt som separate seksjoner (f.eks. intro, oppbygging, hook, interlude osv.).
I dette arrangementet bestemte jeg meg for å starte med å bringe toms og hi-hat sammen. I løpet av de første 16 taktene introduserte jeg sakte noen av de andre elementene for å skape en følelse av at jeg bygget opp til et større midtparti eller refreng.
Midtpartiet eller refrenget, som i dette tilfellet er på 16 takter, er den største delen av låten. Her har jeg lagt til alle de viktigste elementene, slik at denne delen av sporet har mest energi. Du kan velge å vente med å legge til bassen til denne delen, slik at du føler at bassen kommer til live, eller vente med å legge til kicket i de første 16 taktene.
Derfra kan vi legge til en 16 takters breakdown-seksjon, der lytterne kan puste ut etter den energiske midtseksjonen.
I denne delen av sporet kan vi ta ut trommeelementene og la melodiske elementer rulle, for eksempel synth-stikkene våre eller en pumpende synth-pad. Denne delen skal føles som en kontrast til den drivende midtre delen.
Hvis jeg skulle lage en full technoproduksjon, ville jeg nok forlenget lengden på disse seksjonene.
10. Legg til automatisering
En av de viktigste delene av technomusikkproduksjon (og produksjon av elektronisk dansemusikk generelt) er automatisering. Det er slik produsenter tar et spor med få elementer og holder det interessant i løpet av fem minutter eller mer.
Til denne prosessen er det lurt å ha et MIDI-keyboard eller en MIDI-kontroller koblet til den digitale lydarbeidsstasjonen. På denne måten kan du tilordne knotter til parametere i samplere eller VST-er og automatisere endringer over tid.
Du kan for eksempel tilordne en knott til releasen på hi-hat-samplet, trykke på play og justere releasen i løpet av sporet slik at hi-hattens hale åpnes opp når den nærmer seg midtpartiet. Du kan også tilordne en knott til filteret på synth-akkordstikkene dine og rulle av high-end i de roligere partiene.
Ikke vær for religiøs når det gjelder hvordan du tilnærmer deg automatisering. Igjen, tilfeldigheter er velkomne. Noen ganger synes jeg det er gøy å tilordne enkelte knotter på MIDI-keyboardet til tilfeldige parametere på synthen og spille inn automasjon ved å bare føle meg frem.
Det viktigste er at du tar deg tid til å gjøre det, for det vil utgjøre hele forskjellen når det gjelder å få låten din til å høres proff ut.
11. Miksing av sporet ditt
Å mikse technomusikk er noe helt annet enn å mikse for eksempel en indierocklåt. Det er visse elementer som må skille seg mer ut enn andre, og de generelle forventningene lytterne vil ha til låten din, vil være annerledes.
For eksempel forventer de fleste technolyttere at trommene skal ha en fremtredende rolle, mens alle de andre elementene flyter i bakgrunnen. De forventer også en ren, stram bass. Siden dette ikke er en tutorial om miksing av techno spesifikt, vil jeg ikke gå for mye i dybden. Det er imidlertid noen grunnleggende tilnærminger du kan følge for å få en anstendig miks:
- Referer til andre spor: Sammenlign miksen din kontinuerlig med andre profesjonelt miksede techno-låter for å forsikre deg om at du er i riktig balanse. Det er den ultimate måten å finne ut om elementene i miksen din er for svake, for høye, for boomy, for tynne, for dynamiske osv.
- Still inn lydene dine: Se etter om det er noen sammenstøt som oppstår på grunn av måten mikselementene dine er innstilt på. Hvis du for eksempel har kick-elementet innstilt på 60 Hz i grunntonen og tomsene på 110 Hz i grunntonen, kan du vurdere å innstille dem litt høyere, til 120 Hz, slik at de ligger en oktav over kick-elementet. I noen tilfeller kan dette bidra til at et spor smelter sammen og føles mer sammenhengende.
- Gi instrumentene sin egen plass: Hvert element i miksen bør ha sin egen plass i frekvensspekteret. Du kan for eksempel legge til et høypassfilter på de melodiske elementene for å få dem ut av veien for kicket, eller fjerne noen av de høyere frekvensene med et lavpassfilter på bassen for å få den ut av veien for de melodiske elementene.
Kom i gang med å lage technomusikk
Nå bør du forhåpentligvis ha fått med deg det grunnleggende om hvordan man lager technomusikk.
Jeg gjentar det igjen - det er uendelig mange tilnærminger du kan ta, og den beste måten å komme videre på er å eksperimentere med tilnærmingen min ovenfor, og deretter finne noen spor du liker og prøve å gjenskape dem. Gjennom den prosessen vil du lære deg mange teknikker og bli en bedre analytisk lytter, noe som er en nøkkelferdighet for enhver god produsent.
Ha det gøy!
