Uansett hva slags miks jeg jobber med, er det noen få kvaliteter jeg ofte jakter på: bredde, dybde, presisjon og punch. Disse målene er ganske konsistente, uansett sjanger. Fra den mykeste jazzen til den hardeste EDM-musikken, er det noen få prinsipper jeg vanligvis lar meg lede av, for eksempel "å rydde opp i de lave tonene" og "å få lydene til å henge sammen".

Men når man mikser metallmusikk, spesielt moderne metall, med sine lynraske tempi og tette arrangementer, endrer spillereglene seg. Selv om jeg fortsatt bruker noen tradisjonelle teknikker som grunnlag, krever intensiteten som kreves fra hvert lag en mer innovativ touch.

I dag vil jeg presentere en grundig guide til miksing av metallmusikk, fra start til slutt. Jeg kan med hånden på hjertet si at etter at du har lest gjennom denne guiden, vil du ikke trenge noen annen guide for å få den klarheten og aggresjonen du er ute etter i metallmiksene dine.

Men først vil jeg svare på et viktig spørsmål.

Hvorfor er det så vanskelig å blande metall?

Jeg føler at det stadig dukker opp nye YouTube-videoer med tips om metallmiksing. De ville selvfølgelig ikke vært så populære som de er hvis ikke folk slet så mye med å mikse det.

Spørsmålet er hvorfor det er så mye vanskeligere enn å mikse vanlig popmusikk.

Tette arrangementer

Moderne metallmusikk bruker ofte tette, komplekse arrangementer, med flere gitarspor, doble basstrommer og raske, ultraforvrengte riff. Denne tettheten kan gjøre det vanskelig å sikre at hvert instrument høres tydelig uten å ende opp med en stor ball av grøt.

I tillegg har tung forvrengning blitt et kjennetegn ved metal. Vi bruker det for å få de grusomme, aggressive gitar- og basstonene vi alle kjenner og elsker. En bieffekt av forvrengning er imidlertid at den øker det harmoniske innholdet. Hvis det ikke gjøres med omhu, kan vi ende opp med en grumsete miks og utydelig definisjon mellom de ulike lagene. Å finne denne delikate balansen er noe mange nybegynnere sliter med.

Stemmeplassering

Metallvokal kan variere mye.

Fra ren sang a la Dio til aggressive grisehyl, growl og skrik, det kan være en utfordring å finne ut hvordan du vil plassere vokalen din i en allerede tett miks. Du vil ikke at vokalen skal dekkes til av en vegg av gitarer, men du vil heller ikke at den skal ligge oppå instrumentene slik den ville gjort i en popmiks.

Utmattelse

Metallmusikk har en nådeløs energi.

Etter en stund kan det være skremmende å høre på det samme blastbeatet og kromatiske riffet. I motsetning til en lo-fi R&B-låt, kan metallens harde karakteristikker gjøre det vanskelig å lytte til den i lengre perioder.

Utover de fysiske aspektene handler metal ofte om aggressive temaer og emosjonell intensitet. Noen låter krever en seriøs psykologisk innsats fra mikserens side for å unngå å bli utslitt tidlig. Det er viktig å lytte på et fornuftig nivå og ta hyppige pauser.

Bruk av prøver

Mange miksere av den gamle skolen vil kanskje fortelle deg at det er kjetteri å bruke trommesamples i metallmiksing. Hvis du får det riktige opptaket med en gang og vet hvordan du bruker EQ og kompresjon, burde du ikke trenge trommesampleforsterkning, ikke sant?

Det er ofte ikke tilfelle, spesielt ikke når miksen du har fått tilsendt har altfor dynamiske trommer som er spilt inn i et rom med dårlig lyd.

På mange måter har det å bruke trommesamples blitt like vanlig som å bruke auto-tune i en popmiks. Akkurat som ørene våre har blitt vant til å høre perfekt tonehøyde i våre favorittpoplåter, har de også blitt vant til den karakteristiske kraften og presisjonen i moderne metal-mikser.

Noen ganger er det å bruke trommesamples den raskeste veien til målet, så hvorfor ikke dra nytte av det?

De riktige samplingene kan forsterke trommenes kraft og konsistens gjennom hele sporet, og sørge for at hvert slag gir like mye effekt som det forrige. Dette er spesielt verdifullt i metallmikser, ettersom du vil ha trommer som skjærer gjennom tette vegger av gitar og bass uten å miste sin kraft.

Å finne en balanse

Jeg sier ikke at du skal gå inn og slette det som opptaksteknikeren har jobbet utrettelig for å skape. Det er i originalinnspillingen den unike lyden og følelsen i sporet ligger. Hvis du erstatter det helt med samplinger, ender du opp med trommer som høres ut som alle andres.

Her gjelder det å finne den rette balansen mellom de originale trommelydene og de ekstra samplingene.

Målet mitt er ofte å utfylle og forsterke de naturlige trommelydene i stedet for å erstatte dem helt, slik at settet beholder sin unike karakter samtidig som det drar nytte av den ekstra punch og klarhet som samples kan gi.

Derfor liker jeg vanligvis å legge til trommesamples som er spilt inn under økten i stedet for å bruke tredjepartssamples, ettersom de gir deg en mer sammenhengende lyd som passer naturlig sammen med settets akustiske egenskaper. Hvis du ikke har samplinger fra økten, kan du selvfølgelig bruke nøye utvalgte tredjepartssamplinger som ligger tett opp til settets lyd. Bare ha et åpent øre og alltid ta utgangspunkt i å bevare den originale trommelydens integritet.

Det finnes flere måter å integrere trommesamples i en metallmiks på. Den ene metoden er sample replacement, der triggere fra den opprinnelige trommespillingen brukes til å aktivere samplingen. Denne metoden kan være spesielt nyttig for å forsterke svake eller inkonsekvente slag. En annen tilnærming er sampleblending, der samplingen mikses sammen med de originale slagene for å tilføre tyngde og fylde uten å overta den naturlige trommelyden fullstendig.

Slik integrerer du prøver

Heldigvis er denne prosessen enklere enn den noen gang har vært. Vi har mange plugins til rådighet for å legge til trommesamples. Noen av de mest populære valgene er Slate Digitals Trigger , som tilbyr høy presisjon og fleksibilitet for trigging og blanding, og Toontracks Superior Drummer, som har et omfattende bibliotek med samplinger av høy kvalitet som du kan tilpasse helt etter din egen miks.

Akkurat som de fleste metallmiksere har jeg blitt ganske glad i Steven Slate Drums i løpet av de siste årene. Det er flott når du vil ha realistiske trommelyder som enkelt kan integreres i metalproduksjoner. Redigeringsmulighetene er fantastiske, og jeg synes alltid det er lett å skreddersy samplene perfekt til miksen min.

Nå som vi har utforsket den nyanserte kunsten å bruke trommesamples når man mikser metal, skal vi se nærmere på det bredere landskapet i metal-mikseprosessen.

Prosessen med å blande metall

Halve jobben med å mikse metallmusikk er å få tak i de riktige lydene ved kilden, men når du føler at du har dem på plass, kan du begynne arbeidet med å få lydene til å passe sammen så godt som mulig.

1. Justering av fase og tid

Det første trinnet er å sørge for at alt er i fase og i tide.

Uten dette trinnet er det nesten umulig å få den kraften og klarheten du ønsker fra metallmiksen din.

Kick Drum-kilder

Når du har flere kilder til trommespark, for eksempel ulike mikrofoner og samplinger, må du sørge for at de er fasekoherente. Dette innebærer å justere bølgeformene til hver trommekilde slik at de utfyller hverandre i stedet for å utligne hverandre.

En enkel metode er å zoome inn på bølgeformene i DAW-en og justere timingen av sporene manuelt til toppene og bunnene ligger så tett opp til hverandre som mulig. På denne måten maksimerer du effekten av den kombinerte lyden.

Jeg anbefaler også å velge én trommekilde som skal dominere de lave frekvensene eller subfrekvensene for å unngå frekvenssammenstøt mellom dem. Ved å tildele ansvaret for subfrekvensene til én enkelt kilde får du en mer fokusert og slagkraftig bunn, slik at andre elementer i trommesettet og miksen kan sitte mer komfortabelt i sine respektive frekvensområder.

Snare-spor, overheads og rom-mikrofoner

Vær like oppmerksom på snare-spor, overheads og rommikrofoner.

For snares må du justere nærmikrofonen med eventuelle samples som brukes. Overheads- og rom-mikrofoner bør også sjekkes mot close-mikrofoner for å sikre at de er i fase. Det kan være nødvendig å vri på fasebryteren på DAWs kanalstripe og lytte etter hvilken posisjon som gir en fyldigere lyd.

Hvis du vil få fart på prosessen, finnes det mange automatiske justeringsplugins som kan justere timing og fase automatisk, for eksempel Sound Radix Auto-Align eller Waves In-Phase.

Bass DI og forsterkerspor

Det neste kritiske trinnet er å justere bassens DI-spor (direkteinjeksjon) med bassforsterkerens mikrofonspor (hvis du har en slik).

Siden disse sporene representerer den samme fremføringen som er tatt opp på forskjellige måter, får du en strammere og mer sammenhengende basstone ved å justere dem. For å forsterke dem er det bare å matche den første transienten i bølgeformen fra DI-sporet med den fra forsterkersporet.

Sikre at alle instrumenter er i tide

Du vil selvfølgelig også sørge for at alle instrumentene er i takt med hverandre, uten å suge livet ut av fremføringen. Her er trinnene jeg vanligvis tar:

• Begynn med rytmeseksjonen, og juster trommesporene først. De kommer til å utgjøre ryggraden i miksen, så du må sørge for at de er stramme nok på rutenettet til å gi konsistens, men ikke så stramme at de mister den menneskelige følelsen.
• Juster bassen mot sparketrommen. Samspillet mellom disse to er nøkkelen til å stramme opp grooven.
• Kontroller at rytmegitarene er på linje med tromme- og bass-sporene, og gjør eventuelle justeringer for å sikre at de ligger tett.
• Til slutt justerer du eventuelle tilleggsinstrumenter eller vokal for å sikre at de passer godt sammen med det etablerte rytmiske fundamentet.

2. Gruppering

Deretter liker jeg å gruppere instrumentene mine i busser ved å rute flere spor med lignende instrumenter, som trommer, gitarer eller vokal, inn i én busskanal.

Ikke bare effektiviserer denne tilnærmingen arbeidsflyten ved at jeg kan behandle flere spor samtidig, men den bidrar også til å skape et mer sammenhengende lydbilde. Ved å bruke effekter, EQ og kompresjon på en gruppe instrumenter som en helhet, kan du lime dem sammen.

I tillegg sparer du mer CPU ved å bruke én enkelt EQ på en vegg av gitarer enn ved å kaste en haug med EQ-plugins på individuelle spor som alle har de samme innstillingene.

3. Volumbalanse

Volumbalansen bør være hovedfokuset i enhver miks. Hvis du ikke får denne delen til, hjelper det ikke med EQ, kompresjon eller effekter.

I volumbalanseringsfasen vil du sørge for at hvert element i sporet høres (eller føles) tydelig, og at det bidrar til den totale effekten uten å overdøve miksen. Jeg pleier å følge den generelle regelen om å opprettholde minst 6 dB headroom under denne prosessen for å forhindre digital klipping og gi tilstrekkelig plass til den eventuelle masteringsprosessen.

Balansering av trommer

En stram trommelyd er en viktig del av moderne metallmusikk, og for å få den lyden er det en god idé å prioritere trommespotmikrofoner fremfor overheads eller rom-mikrofoner. På denne måten får du mer presis kontroll over de enkelte trommeelementene.

Du kan begynne med kick og snare, og deretter forsiktig blande inn toms og cymbaler etter smak og behag. Hvordan du balanserer trommene dine vil avhenge helt av sangen, men et tips jeg kan gi deg er å være forsiktig med overheads. Mange amatør-metallmikser høres harde og slitende ut fordi miksingeniøren har kjørt cymbalene for høyt.

Balansering av bass og gitarer

Neste steg er å balansere bass og gitarer i forhold til trommene.

Bassen skal utfylle sparketrommen og fylle ut de lave frekvensene uten å tråkke på den. Vi kommer til å EQe og komprimere den etter hvert, så ikke vær for hard mot deg selv hvis den ikke høres perfekt ut med en gang.

Jeg pleier å gå solo på kicken og skru opp bassgitar-faderen til den føles fastlåst. Du vet det når du hører det.

Når det gjelder gitarer, er de ofte stjernene i metallmusikk. Sørg for at de skjærer tydelig gjennom uten å dominere trommer og bass.

Balansering av vokal

Det er ikke så mye jeg kan si når det gjelder å balansere vokalnivåene, da de i stor grad vil bestemmes av stilen og typen fremføring. Mange aggressive stiler krever at vokalen har en fremtredende plass i miksen, mens mer melodiske eller atmosfæriske partier kanskje passer bedre sammen med det instrumentale bakteppet.

Mange metalband jeg har mikset liker at vokalen ligger lenger bak i miksen. Deftones kommer alltid til å tenke på dette, da jeg føler at Chino konsekvent liker at vokalen hans blander seg med instrumenteringen, i stedet for å skille seg ut.

Tanken her er at forståeligheten ikke alltid er det viktigste, spesielt hvis du ønsker å avlede oppmerksomheten mot gitarene eller trommene.

4. Panorering

Legg merke til at jeg ikke har sagt noe om panorering ennå.

Dette er fordi jeg liker å finne volumbalansen i mono. Selvsagt vil de relative nivåene endre seg når jeg begynner å panorere ting, men for meg er det enklere å sørge for at den grove balansen høres bra ut i mono før jeg fokuserer på noe annet.

God panorering spiller en avgjørende rolle for å skape en romslig miks. Det er lett å få ting til å høres overfylt ut uten panorering, spesielt i tette mikser.

Jeg pleier å starte med et sterkt fundament i midten ved å holde kick, snare, bass og hovedvokal i midten, for så å spre gitarer, keyboards og backingvokal strategisk utover stereofeltet for å skape kontrast.

Doble gitarer går ofte hardt til venstre og høyre, selv om jeg noen ganger panorerer dem litt inn og automatiserer dem utover i refrenget for å gjøre det mer effektfullt.

Det er også lurt å tenke gjennom hvordan du vil at trommene skal sitte - trommeslagerens perspektiv eller publikums perspektiv?

Panoreringsfeil du bør unngå

Det er noen fallgruver du bør unngå når du panorerer.

For det første kan overpanorering av instrumenter helt til venstre eller høyre føre til en ubalansert miks, spesielt hvis du panorerer et element hardt den ene veien uten noe på den andre siden som kan balansere det.

I tillegg kan det å overse faseforholdet mellom mikrofon- og DI-kilder når de er panorert fra hverandre, gi deg en svak eller hul lyd, og derfor anbefaler jeg alltid at du regelmessig sjekker miksen din i mono for å sikre at panorerte elementer ikke forsvinner eller fases ut.

Vær også oppmerksom på å ikke overfylle visse områder av stereofeltet. Hvis du har et gitarriff og en pianodel som spiller i samme område, bør du vurdere å panorere dem bort fra hverandre for å skape balanse, i stedet for å legge dem rett oppå hverandre. Til slutt trenger du ikke å gjøre så mye EQ-arbeid for å få den klarheten du er ute etter.

5. EQ

EQ er det neste verktøyet i mikseprosessen. Det gir deg muligheten til å forme og finjustere den tonale balansen mellom hvert enkelt spor i miksen, slik at alle sporene spiller godt sammen.

Men selv om EQ gir store muligheter til å forbedre en miks, er det like lett å ødelegge miksen hvis du ikke behandler den med respekt.

Mange miksere har en tendens til å forsterke frekvenser før de forsøker å kutte dem.

Boosting er selvfølgelig bra når det er nødvendig, ettersom det kan brukes til å fremheve de beste egenskapene til et instrument, for eksempel bommen i et kick eller tilstedeværelsen i en gitarsolo. Overdreven boosting kan imidlertid føre til en rotete miks der elementene konkurrerer om plassen. Til slutt sitter du igjen med gjørme og mangel på definisjon.

Begynn i stedet med å kutte uønskede frekvenser for å rydde opp i lyden. Det er alltid overraskende hvordan denne tilnærmingen ofte gir en klarere og mer balansert miks uten at det er behov for betydelige forsterkninger.

En annen vanlig feil er å bruke for mye tid på å EQe spor i solo.

Selv om dette kan bidra til å identifisere problematiske frekvenser, gir det ingen kontekst for hvordan sporet passer inn i miksen. Instrumenter og vokal kan høres helt annerledes ut isolert sett enn når de blandes med andre elementer.

Det er viktig å ta EQ-avgjørelser i sammenheng med hele miksen, slik at hver justering bidrar positivt til det totale lydbildet.

Bruk av filtre

Å få til den rette low-end i en miks er noe av det vanskeligste når man mikser metallmusikk.

Den lave tonen bærer sporets tyngde og kraft, men når den ikke håndteres riktig, kan det føre til en gjørmete og udefinert miks. Maskering er ofte den største synderen bak en dårlig low-end, der overlappende frekvenser fra forskjellige instrumenter forstyrrer det samme lydrommet.

Det er her høypassfiltre (HPF) kommer inn i bildet.

Med et høypassfilter kan du selektivt fjerne unødvendige lave frekvenser fra instrumenter som ikke trenger dem, slik at bassen og stortrommen kan få det trøkket de trenger. Selv om det ikke finnes noen faste regler, får du her noen forslag til høypassfilter for ulike instrumenter:

• Kick Drum: Hvis blastbeatene føles litt slappe i bunnen, kan du starte rundt 30 til 40 Hz for å stramme opp kicket uten å miste den grunnleggende dunkingen.
• Bassgitar: En HPF rundt 30-50 Hz kan bidra til å fjerne rumling samtidig som du opprettholder fylde og får den ut av veien for kicket.
• Lilletromme: Start med en HPF rundt 80-100 Hz. Målet her er å fjerne buldring i de lave tonene under ønsket grunnfrekvens. I metall er sprekken den viktigste delen av lilletrommen.
• Toms: HPF rundt 80-120 Hz for rack-toms og 60-100 Hz for gulvtoms, avhengig av størrelse og tuning, fungerer vanligvis. For fills der tomsene spiller alene, kan du til og med automatisere HPF-en slik at den er av, og ta tilbake subsene i et sekund.
• Hi-Hats og cymbaler: Bruk en HPF rundt 200-300 Hz for å fjerne eventuell blødning eller lavfrekvent støy. Du trenger ikke mye kropp fra disse elementene.
• Overheadmikrofoner: Det er ikke uvanlig å sette HPF-en opp til 300 eller 400 Hz. Overheadmikrofonene skal egentlig fokusere på å fange opp cymbalenes skimmer og det romlige bildet av trommene. Jeg pleier å se etter hvor ride-cymbalens grunnfrekvens ligger, slik at jeg ikke går over den og mister dens karakter.
• Rom-mikrofoner: En HPF rundt 80-20 Hz kan eliminere uønsket lavfrekvent rumling og stramme opp den generelle lyden av settet, men det kommer helt an på hva du vil at rommet skal bidra med i miksen din.
• Elektriske gitarer: Filtrering under 60-100 Hz kan fjerne resonansbuldring i de lave tonene og dunk i førerhuset, selv om dette kan variere avhengig av hvor nedstemte de er.
• Vokal: De fleste vokalstemmer har ikke brukbart innhold under 80 Hz, og derfor kan en HPF på rundt 80-100 Hz være bra for å eliminere plosiver og buldring i de lave tonene som ikke er avgjørende for klarheten. Med høyere mannsstemmer eller kvinnestemmer kan du kanskje til og med ta den høyere.

Lavpassfiltre (LPF) blir derimot ofte oversett, selv om de er minst like viktige. Jeg bruker vanligvis lavpassfiltre på elektriske gitarer og bassgitarer for å bli kvitt topptoner. Metallgitarer, for eksempel, får ofte en "cut-off-the-crust"-EQ, med en roll-off i de lave og høye tonene for å plassere dem i midten og få dem ut av veien for elementer som burde finnes i disse områdene.

Generelt sett

Det finnes uendelig mange måter å tilnærme seg EQ på, og før jeg går nærmere inn på spesifikke instrumenter, vil jeg gå gjennom noen tips som kan være nyttige for deg.

For det første bør du unngå å forsterke eller kutte samme frekvens på flere instrumenter. Dette kan føre til frekvensoppbygging eller overdreven uttynning i bestemte områder av miksen, noe som igjen kan føre til at instrumentene ikke skiller seg tydelig fra hverandre. Hvis du for eksempel forsterker de lave mellomtonene på både rytmegitaren og bassgitaren, kan det resultere i en gjørmete miks der ingen av instrumentene skiller seg tydelig ut.

En annen effektiv strategi går ut på å dempe instrumenter som maskerer andre, i stedet for å forsterke frekvensene til instrumentet som maskeres. På denne måten får du en mer naturlig og dynamisk miks. Hvis rytmegitarene for eksempel maskerer lilletrommen, kan du i stedet for å forsterke de øvre mellomtonene på lilletrommen (noe som kan få den til å høres hard eller unaturlig ut), prøve å kutte disse frekvensene litt på gitarene. Denne subtile justeringen kan avdekke lilletrommens tilstedeværelse og effekt uten å endre dens iboende tone.

Til slutt kan du eksperimentere med speilvendte EQ-valg. Med det mener jeg å gjøre komplementære EQ-justeringer på forskjellige instrumenter slik at de passer sammen som brikker i et puslespill. Hvis du for eksempel kutter noen lave mellomfrekvenser på bassgitaren for å fjerne grums, kan du øke de samme frekvensene litt på stortrommen for å opprettholde fylde i det frekvensområdet.

EQing av ulike instrumenter

Som jeg antydet tidligere, finnes det ingen universaltilnærming til EQ, ettersom hver eneste miks inneholder ulike elementer som låter helt forskjellig. Ikke alle forvrengte gitarer høres like ut, akkurat som ikke alle basslyder har den samme lav- eller mellomtonen.

Når jeg går gjennom disse generelle tipsene, vil jeg at du skal ha det i bakhodet.

Kick Drum

Det er viktig å merke seg at grunntonen i de fleste spark ligger et sted mellom 60-80 Hz.

Hvis du trenger ekstra kraft og tyngde, kan du booste der. Bare vær forsiktig, for store boosts i dette området kan ende opp med å høres buldrende ut, spesielt med raske dobbeltkick.

Noen ganger liker jeg å legge på en liten boost mellom 3-5 kHz for å forsterke slagets attack og gi den en "klikk"-lyd, noe som kan hjelpe den med å artikulere seg blant kraftig forvrengte gitarer. Hvis du mikser et kick som føles for buldrende og mangler definisjon, kan det å kutte noen av frekvensene rundt 250-400 Hz rydde opp i det og få det ut av veien for lave gitartoner.

Lilletromme

I metallmusikk vil du vanligvis ha en kort, snappy lilletromme. Hvis den ikke skjærer helt gjennom miksen, kan du forsterke de øvre mellomtonene rundt 2-4 kHz for å få frem snareens knall. På den annen side kan en liten forsterkning rundt 200 Hz gi mer fylde og tyngde, i tilfelle den høres litt tynn ut.

Hvis snaren din høres litt hard ut, vil jeg anbefale å se rundt 1 kHz for å se hvor du kan gjøre noen små kutt.

Hi-Hats og cymbaler

For hi-hats og cymbaler er målet i en metallmiks en skarp, luftig tilstedeværelse som utfyller den generelle energien uten å bli gjennomtrengende eller overveldende.

Etter høypassfilteret kan du prøve å forsterke litt ved 6-10 kHz for å få frem det naturlige suset hvis de høres kjedelige ut eller forsvinner i miksen. Hvis de høres tynne eller harde ut, kan du hakke ut eventuelle harde resonanser rundt 2-4 kHz. I tillegg vil dette få cymbaler og hatter ut av veien for vokalen!

Toms

Toms brukes ofte i metal til dramatiske fills og overganger. Det er to ting jeg vanligvis vil ha ut av dem - punch i de lave tonene og klarhet i anslaget.

Forsterkninger rundt 80-100 Hz (spesielt på gulvtomene) kan berike grunntonen, mens en liten reduksjon rundt 400-600 Hz kan bidra til å redusere boksaktigheten. Hvis du forsterker angrepet på tomsene rundt 3-5 kHz, kan det hjelpe dem med å skjære gjennom miksen.

Bassgitar

Bassens rolle i metal er å låse seg sammen med stortrommen og gi den et solid fundament.

Jeg liker ofte å booste litt rundt 80-100 Hz for å forsterke bassens grunntoner, spesielt hvis det føles som om den mangler bunn. Jeg pleier også å kutte litt av grumset rundt 200-250 Hz, ettersom frekvensene kan bygge seg opp ganske raskt her.

Hvis du ikke hører bassen din så godt gjennom veggen av gitarer, kan en liten boost rundt 700 Hz til 1 kHz kombinert med litt toppforvrengning hjelpe deg med å artikulere bassens finger- eller plekterlyd.

Elektrisk gitar

Måten jeg EQ-er metallgitarer på, kan variere. En solo lead er forskjellig fra en forvrengt rytmegitar, som igjen er forskjellig fra en glitrende ren ambient-del.

For å gjøre det kort, la oss snakke om straight-up, chunky, high-gain metalgitarer, som det du forventer å høre på en Slayer-plate.

Hvis jeg føler at metallgitarene mine låter gjørmete, kutter jeg rundt 300-400 Hz, og hvis jeg føler at de trenger litt mer definisjon, kan 800 Hz bringe dem frem. Hvis jeg har å gjøre med leadgitarer som trenger litt ekstra bitt for å stikke gjennom alle instrumentene i miksen, gjør jeg en liten boost rundt 3 kHz.

Vokal

Vokalen i metal varierer også mye, fra gutturale growls til svevende melodier.

Hver av dem krever en skreddersydd tilnærming for å sitte riktig i miksen. Men sammenlignet med en popmiks, der jeg kanskje vil bruke en highend-boost over 10 kHz for å gi vokalen den glitrende glansen, liker jeg å fokusere mer på de høye mellomtonene når jeg mikser metall eller rock.

En boost rundt 2-5 kHz kan bidra til å gi en vokal mer tilstedeværelse og energi. Hvis en forsterkning i dette området høres for hardt ut, kan du i stedet prøve å dempe rundt 200-300 Hz og øke det totale volumet på vokalen.

6. Komprimering

Kompresjon kan være et stridspunkt for mange nye ingeniører, ettersom det kan være vanskelig å høre.

Heldigvis kan du være litt mer aggressiv med kompresjon i metall, noe som krever mindre finesse enn for eksempel en jazz- eller R&B-miks.

Det viktigste elementet å holde konsekvent er trommene dine.

Komprimering av trommer

For sparketrommen kan en moderat til høy ratio (rundt 4:1 til 8:1) med et langsomt anslag bidra til å fremheve den første transienten, gi den trøkk og tilstedeværelse, samtidig som den komprimerer kroppen. Snare krever ofte en lignende tilnærming, med ekstra hensyn til releasetiden for å forsterke trommens naturlige utklinging.

Toms kan komprimeres med en litt lavere ratio (3:1) og en middels attack-tid for å bevare de dynamiske fillsene uten at de blir for flate. Overheads krever vanligvis mindre aggressiv komprimering (om noen i det hele tatt), ettersom jeg liker å fokusere mer på å lime settet sammen med dem. På den annen side kan du gjerne smadre rom-mikrofonene i fillebiter, for det er en fin måte å få litt liv ut av settet på!

Du kan selvfølgelig også bruke parallellkomprimering på dette tidspunktet, men det skal vi snakke mer om om litt

Komprimering av bass

Ved å komprimere bassgitaren kan du forankre den lave enden av en metallmiks.

Jeg liker å bruke to kompressorer i serie, noe som gir mulighet for både subtil dynamisk kontroll og bevaring av bassens naturlige klang. Den første kompressoren kan stilles inn med høy ratio (rundt 8:1) og raskere attack for å fange opp topper, mens den andre kompressoren har lavere ratio og langsommere attack for å jevne ut helheten i spillet.

Vokal kompresjon

Vokaler kan ha et ganske stort dynamisk spenn, spesielt når vokalistene beveger seg opp og ned i registeret.

I de fleste tilfeller kan metallvokaler ha nytte av et høyere kompresjonsforhold (6:1 eller høyere) for å oppnå en mer konsistent lyd. Et raskt attack sørger for at aggressive partier umiddelbart blir temmet, mens en medium release-tid hjelper kompressoren med å puste i takt med fremføringen.

7. Etterklang og forsinkelse

Når jeg bruker romklang i metallmusikk, liker jeg å være tilbakeholden.

Metals tette arrangementer og raske tempo gir lite rom for den uklarheten som overdreven bruk av romklang kan føre med seg, og derfor anbefaler jeg å bruke det sparsomt for å forsterke, ikke overvelde, den naturlige kraften i instrumentene og vokalen.

Korte plater med pre-delay-innstillinger er ypperlige for snares og toms, siden de gir akkurat nok romlig forsterkning til å få dem til å stikke ut uten å gjøre anslaget uskarpt. Forforsinkelsen gjør at det første trommeslaget skjærer rent gjennom miksen før etterklangseffekten setter inn, og gir en følelse av dybde og dimensjon uten at det går på bekostning av den perkussive effekten.

Plates er også bra på vokal, hvis sangen i det hele tatt krever romklang (noen ganger kan slap delays eller ping-pong delays gi en følelse av rom uten at det blir så tett som med romklang). Uansett hva du velger, er det lurt å bruke EQ på retursporet for å forme klangbalansen, slik at du blir kvitt unødvendige lave og høye toner.

Når det gjelder de fleste andre instrumenter, kan du bruke ganske lite romklang. Noen unntak kan være en større hallreverb som brukes sparsomt på en leadgitar-solo eller en strammere romreverb på rytmegitarer for å skape sammenheng.

Ytterligere tips om metallblanding

Deling av bassen din

For meg handler det å få den rette basslyden i metallmusikk om å dele den opp i separate høy- og lavfrekvenskanaler ved hjelp av EQ. Dette er perfekt for å behandle hvert frekvensområde uavhengig av hverandre.

Ved å isolere de lave frekvensene kan du bevare bassens rene, grunnleggende rumling og varme, slik at den underbygger miksen på en solid måte uten å bli grøtete. På høyfrekvenskanalen kan du derimot legge på litt metning og forvrengning for å få frem bassens gryn og karakter, slik at den skjærer gjennom selv de tetteste arrangementer.

Når det gjelder hvor høy- og lavpasset skal være, liker jeg vanligvis at den lave bassen har en LPF-cutoff rundt 150 til 250 Hz og den mettede bassen har en HPF rundt 200 til 300 Hz.

Kontroll av de lave mellomtonene på elektriske gitarer

Å bruke en flerbåndskompressor til å finpusse på de lave mellomtonene på elektriske gitarer, spesielt under håndflatedempede partier, er en hellig teknikk i miksing av metal.

Håndflatedempede riff er en viktig del av heavy-musikken. Men uten omhyggelig behandling kan de noen ganger høres grumsete ut eller mangle definisjon. Ved å bruke en multibåndskompressor, som FabFilter MB, kan du kontrollere og stramme opp gitarene dine slik at frekvensområdet ikke springer ut hver gang gitarene treffer en palm muted-seksjon.

Nøkkelen her er å isolere det frekvensområdet der håndflatestøttene resonerer mest - ofte mellom 200 og 500 Hz - og bruke kompresjon selektivt på dette båndet. Sluttresultatet er metallgitarer som er kontrollerte, men likevel klare.

Bruk av parallellprosessering på vokal

Til slutt vil jeg snakke om å bruke parallell kompresjon og forvrengning på vokal for å gi dem aggresjon.

Parallellkomprimering, også kjent som New York-komprimering, innebærer at man mikser en sterkt komprimert versjon av vokalsporet med det opprinnelige, ukomprimerte sporet. Denne metoden gjør at vokalen beholder sin naturlige dynamikk og nyanser, samtidig som det komprimerte signalet får frem en konsekvent, kraftfull tilstedeværelse i hele miksen.

Resultatet er en vokal som skjærer gjennom tette instrumentaler uten å miste sin uttrykksfulle spennvidde.

Å legge til forvrengning parallelt gir lignende fordeler.

Du får all den aggressive kanten og energien i et høyoktan vokalspor uten å miste forståeligheten eller kvaliteten på den naturlige vokalen.

Avsluttende tanker - Miksing av metall som en proff

Å mikse metallmusikk er veldig gøy, og det finnes så mange fantastiske tips, triks og teknikker du kan bruke for å bli kreativ med alle elementene i miksene dine. Selv om du ikke er så interessert i heavy eller aggressiv musikk, er det mye du kan lære av å dykke ned i en metallmiks. I tillegg kan mange av ferdighetene du lærer når du mikser metal, brukes i andre sjangre, fra hip-hop til reggae og mye mer.

Hold den tung!