Hvis du har beveget deg inn i avgrunnen av musikkproduksjons- og miksefora eller YouTube-videoer, har du sannsynligvis støtt på uttrykket "referansespor".

Enten du allerede har inkorporert referansespor i arbeidsflyten din, eller om det er noe du aldri har eksperimentert med før, kan jeg trygt si at det å bruke et referansespor kan forbedre kvaliteten på musikken din betraktelig.

Og i motsetning til hva mange tror, betyr ikke bruk av referansespor at du begrenser den kreative flyten.

Når det brukes riktig, kan et referansespor forhindre at musikken din høres uoriginal ut og holde den opp til profesjonelle standarder. I bunn og grunn plasserer referansesporene originalmusikken din i sjiktet av andre artister du er glad i. De sikrer at miksene dine holder mål, gir unike ideer til arrangementer og hjelper deg med å finne en kreativ vei når du starter fra blanke ark.

I denne guiden vil jeg ta deg gjennom alle grunnene til at du kan bruke et referansespor i din neste produksjon eller miks.

Hva er et referansespor?

Et referansespor er et ferdig spor fra en annen artist som du kan bruke som modell for den ønskede lyden i din egen musikk.

Når du bruker en referanse, er målet å sammenligne låten din med den andre artistens låt for å komme opp med ideer til arrangement, produksjon, miks eller den generelle stemningen.

Jeg liker ofte å la referanselåter påvirke valgene mine gjennom hele prosessen med å lage musikk, for eksempel:

• Loudness Matching: Å sørge for at lydstyrken i miksen min stemmer overens med lydstyrken i referansesporet. Dette er mer utbredt i mastringsfasen.
• Arrangement: Matching av arrangementet i sangen min med arrangementet i referansesporet.
• Mixdown: Jeg sjekker at miksen min holder mål i forhold til kvaliteten på referansen, inkludert volumbalanse, dynamikk, EQ og effekter.
• Kreativ benchmarking: Få inspirasjon til å utvikle profesjonelle musikalske ideer og unngå å starte fra et blankt lerret.

Hvis du gjør deg klar til å mastere sporet ditt, bør du ta en titt på eMastereds referansesporfunksjon.

Hvorfor bør jeg bruke et referansespor?

En av de viktigste grunnene til at jeg bruker et referansespor, er for å finne lyden av låten jeg skal jobbe med. Selv om du ikke er bevisst på det, er hver eneste låt du lager et produkt av innflytelsen fra omgivelsene dine.

Hvis du akkurat har begynt å jobbe som artist eller produsent og prøver å finne ditt eget sound, anbefaler jeg at du utforsker artister du liker, og lager en liste over hva som gjør dem spesielle. Deretter kan du ta disse egenskapene og blande dem med hverandre for å skape ditt unike sound.

I tillegg gjør referansesporene det lettere å skape låter fra et blankt lerret.

Når du har inspirasjonskilder, har du i bunn og grunn en palett å ta utgangspunkt i. Og nei, dette er ikke å stjele. Det er å bygge videre på eksisterende teknikker og kreative ideer, akkurat slik kunstnere har gjort siden tidenes morgen.

Tenk på det på denne måten - alle musikkstiler har velprøvde og velkjente fellesarrangementer.

Det er ingen grunn til å reparere det som ikke er ødelagt, som man sier. Du kan heller hente inspirasjon fra sanger du liker, bruke de ideene som fungerer og legge til dine egne, unike elementer for å gjøre den annerledes.

La oss si at du jobber med en Motown-låt i 60-tallsstil. Du velger kanskje å bruke monotrommer, en elektrisk P-bass, en Fender Stratocaster, et Rhodes-keyboard og vokal.

Men la oss si at du også har en stor forkjærlighet for countrymusikk, og at du spiller banjo. Det unike elementet ditt kan være å ha en banjo i sporet. Du vil bli overrasket over hvordan noe så enkelt som et annet element kan endre stemningen i en låt fullstendig.

Måter å bruke referansespor på

La oss ta en titt på noen av de viktigste måtene du kan bruke referansespor på for å oppnå høy lydkvalitet i musikken din.

Arrangementskart

Noe av det første jeg bruker referansespor til i miksen min, er arrangement. Jeg opplever at ved å stjele arrangementet til en låt, blir det lettere å frigjøre seg fra standardvers-refreng-refreng-vers-refreng-bridge-refreng-arrangementet.

Et spor du liker, kan for eksempel se slik ut:

• Intro
• Vers
• Kor
• Mellomspill
• Vers
• Sammenbrudd
• Kor
• Solo
• Bro
• Kor
• B Krok

Du kan ta arrangementet ovenfor og implementere det i en vanlig poplåt for å gjøre det mer interessant.

Hvis målet er å få et arrangement som er i tråd med stilen, sjangeren eller stemningen du ser for deg for den nye låten din, vil jeg selvfølgelig anbefale å finne et spor som har et stilistisk arrangement.

Når jeg skal velge et spor som referanse for arrangement, begynner jeg med å finne en sang som jeg synes har en eksepsjonell struktur. Sangen skal føles fengslende eller energigivende. Deretter importerer jeg låten til DAW-en min.

Deretter analyserer jeg arrangementet, og noterer seksjoner som intro, vers, refreng, bro og outro, og når instrumenter kommer inn, faller ut, endrer seg dynamisk osv.

Deretter lager jeg en grunnleggende skisse eller et kart over referansesporets struktur.

Dette kan være en skriftlig liste over de ulike delene på et ark, eller du kan lage spormarkører i DAW-en din. Hvis sangen du bruker som referanse, har samme BPM som sangen du lager, kan du bokstavelig talt stille den opp i DAW-en og plassere referansemarkører i starten av hver seksjon.

Etter hvert som du jobber videre med låten din, kan det hende at du må finpusse arrangementet basert på hvordan låten utvikler seg, så ikke vær redd for å gjøre justeringer hvis det føles riktig.

Akkordprogresjon

Selv om jeg har studert musikk og komposisjon på høyt nivå, har jeg ofte problemer med å finne ut hvilken akkordprogresjon jeg vil bruke til et spor jeg jobber med. Det finnes riktignok "standard" progresjoner som folk bruker i visse sjangre, for eksempel I-V-Vi-IV i popmusikk eller I-IV-V7 i blues. Men det kan være fint å bryte ut av disse forventningene for å overraske lytterne.

Jeg begynner gjerne med å velge en referanselåt i samme eller lignende sjanger som prosjektet mitt. Den bør selvfølgelig ha en sterk akkordprogresjon som jeg liker, og en melodi som også gir gjenklang hos meg.

La oss si at du liker den vanlige I-V-v-vi-IV-popprogresjonen. Da kan du eksperimentere med å tilpasse den til din egen sangs arrangement. Selv om du jobber med en enkel akkordprogresjon, betyr ikke det at du ikke kan tilpasse den etter smak og behag.

Utover selve progresjonen kan du også legge merke til hvordan referansen din går mellom ulike akkordprogresjoner.

La oss for eksempel si at du jobber med et referansespor som går fra en mollprogresjon til en durprogresjon i refrenget, for eksempel "Mr. Jones" av Counting Crows. Versene i "Mr. Jones" går i a-moll, men når du kommer til refrenget, går den over til den relative tonearten C-dur ved hjelp av en I-IV-V-progresjon.

Du kan prøve å implementere det samme relative dur-moll-forholdet i sporet ditt.

Melody

I tillegg til akkordprogresjonen kan du også analysere melodien i referanselåta og legge merke til hvordan den utfyller akkordprogresjonen, både melodisk og rytmisk.

Se hva slags fraseringsteknikker det dreier seg om. Er melodiene trinnvise eller hopper de fra tone til tone? Er refrengmelodien svevende over versemelodien, eller er den mykere og mer dempet? Starter melodiene på downbeats, pickups eller oddetakter?

Nøkkelen her er imidlertid å bare bruke referansesporet som inspirasjon. Ikke kopier det direkte, for da kan du havne i trøbbel.

Et godt eksempel er søksmålet mellom The Hollies, Radiohead og Lana Del Rey. Enten de stjal fra hverandre bevisst eller ubevisst, er det nesten umulig å ikke høre likhetene mellom disse låtene, og både Radiohead og Lana Del Rey måtte gi fra seg en del av kaken for det.

Lyddesign og musikalske ideer

Som jeg sa tidligere, det er ingen grunn til å finne opp hjulet på nytt når du lager egne låter. Det finnes mange sjangre som bruker de samme musikalske ideene. Tenk for eksempel på en gjennomsnittlig rockelåt. Du kan sannsynligvis forvente å finne trommer, bass og elektrisk gitar.

Hvis det er en kombinasjon av instrumenter du virkelig liker, kan du bruke dem i dine egne produksjoner!

Begynn med å velge et referansespor som er i samme stil som sangen du jobber med, siden det sannsynligvis har den instrumenteringen og de lyddesignelementene du vil ha.

Lytt nøye til referanselåta (helst med et par gode hodetelefoner), og noter deg hvilke instrumenter du hører. Hvis jeg for eksempel lytter til et EDM-spor, kan jeg skrive ned:

• Kraftig spark
• Elektronisk snare
• Hi-hats
• Klapp
• Live perkusjon
• Synth-basslinje
• Sub-bass
• Synth-akkorder
• Synth-arpeggioer
• Stigerør, sveip, støt, generell FX
• Orkesterhits
• Heldige gitarer

Når jeg har låst fast den spesifikke instrumentpaletten min, kan jeg velge hvordan jeg vil implementere disse lydene i arrangementet. Jeg vil ikke at alle disse lydene skal spilles under hver eneste del av sangen. I stedet vil jeg at de skal komme inn og ut for å gjøre sporet mer dynamisk.

Ved å lytte aktivt til en miks kan du høre hvordan sporene er lagt i lag for å skape et rikere og fyldigere lydbilde.

Mange produsenter av elektronisk musikk legger flere lyder i lag for å få en tett instrumentering. Du kan for eksempel bruke en sagbølge som hovedsynth og understøtte den med en firkantbølgelyd, en varm, klangfull pad og et høyfrekvent, lett detunet harmonisk lag i en annen oktav.

Tenk på klang og dynamikk

Du trenger ikke nødvendigvis å bruke nøyaktig de samme instrumentene i sangen din som du hører i referansen din. I stedet kan du bruke instrumenter med samme klangfarge. La oss si at hooket i EDM-låta du refererer til, har en varm, vedvarende pad og en lys, stakkato synth.

Du kan finne instrumenter med samme klanglige variasjon for å skape samme frekvenssammensetning som referansen din med instrumenter du liker. Du kan for eksempel bruke et Rhodes-keyboard i stedet for den varme, vedvarende puten og en kraftig elgitar i stedet for staccato-synthen.

På samme måte kan du observere hvordan dynamikken endrer seg gjennom referansen, og prøve å innlemme lignende dynamiske kontraster i ditt eget arrangement.

"A Day in the Life" av The Beatles er et godt eksempel på en låt med dramatiske dynamiske skiftninger. Refrengene er stille og reflekterende før de kulminerer i totalt kaos.

Lyddesign og effekter

Jeg liker å legge merke til unike lyddesignelementer eller effekter som brukes i referansesporet mitt.

Til å begynne med vil jeg lytte nøye til hvordan romlige effekter som romklang og delay brukes i referansesporet. Du kan stille deg selv flere spørsmål mens du lytter:

• Er det noen romklang på sporet, og hvilken type? (plate, hall, rom, fjær, osv.)
• Hva med forsinkelse (slap, ping-pong, kvartnote osv.)?
• Hvor utbredt er disse effektene i miksen i forhold til instrumentene de brukes på?
• Er de spredt over hele stereospekteret eller i mono?
• Er det flere forekomster av effekter på enkelte elementer? For eksempel vil mange popvokaler ha en kombinasjon av romklang, plateklang, slap delay og stereo delay.
• Hvordan er disse effektene behandlet? Har de blitt EQ'et, komprimert eller forvrengt?

Jeg liker også å spørre hvordan elementene i miksen er panorert.

De fleste moderne rockemikser har for eksempel lignende panoreringsteknikker - hovedvokal, bass, kick og snare i midten, overheads, elektriske gitarer og akustiske gitarer panoreres hardt til venstre og høyre, og tangenter, perkusjon, hi-hats, toms og andre mikseelementer panoreres et sted til venstre eller høyre i sitt eget rom.

Det er selvfølgelig ingen grunn til at du ikke kan være kreativ med panorering heller, og noen spor kan være gode referanser for hvordan du kan gjøre det.

Ta for eksempel "Altered Beast III" av King Gizzard and the Lizard Wizard. Hvis du lytter med hodetelefoner, kan du høre de to innspilte trommesettene som er panorert hardt til venstre og hardt til høyre, et svært uvanlig valg som gir dette sporet sitt unike lydbilde.

Til slutt bør du lytte etter lyddesignteknikker i referansen din som du kan bruke.

La oss ta Flume, for eksempel. Da han kom på den elektroniske musikkscenen i 2012, ble det starten på Future Bass-scenen.

Han brukte en unik blanding av granulær syntese for å skape tekstur, tidsforlengede og modulerte vokaleffekter, og stereomodulering av delays og reverbs for å skape oppslukende lytteopplevelser. Resultatet var intet mindre enn fenomenalt, og den dag i dag er disse lyddesignteknikkene fortsatt en viktig del av lydbildet hans.

Blanding

Når jeg er ferdig med musikkproduksjonen, velger jeg ut referansespor til mikseprosessen. Jeg synes alltid det er nyttig å bruke profesjonelt miksede referansespor til miksingen, fordi det gir en referanseramme for hvordan miksen din skal høres ut.

Ulike lyttemiljøer har sine egne særegenheter. Hvis du for eksempel mikser i et dårlig behandlet soveromsstudio, er det lett å legge til for mye eller for lite bass. Noen rom har også moduser i de lave mellomtonene, noe som kan få deg til å tro at du må øse en haug med "gjørme" ut av alle elementene.

Men når du tar med deg miksen ut i bilen, kan det hende at du oppdager at miksebeslutningene dine ble påvirket av lyden i rommet du jobbet i. Ved å bruke referansespor blir du tryggere på tonalbalansen i miksefasen, og du sikrer at sporet høres ut som det skal på ulike avspillingssystemer.

Når du skal velge en referanse for miksefasen, bør du finne en som er i tråd med sjangeren og stilen til din egen låt. Dette kan være den samme sangen som du brukte som produksjonsreferanse, hvis det gir mening lydmessig.

Det viktigste er å sørge for at sporet du refererer til, er godt mikset og mastret.

Jeg har noen utvalgte referanselåter i ulike sjangre som jeg har samlet opp gjennom årene, og hver av dem har lydkarakteristikker som jeg liker. Jeg anbefaler å gjøre det samme!

Når du har referansen din, laster du den inn i DAW-en på et separat spor fra resten av miksen, slik at den ikke kjører gjennom noen prosessering, spesielt ikke bussprosessering.

Volumbalanse

Nøkkelen når du refererer til en miks, er å sørge for at referansen samsvarer med den opplevde lydstyrken i miksen din. Sporet du refererer til, er sannsynligvis mastret. Du bør imidlertid ikke mikse til samme volum som et mastret spor, for da har du ikke noe headroom igjen til mastring.

Jeg pleier å senke referansesporene mine med rundt -6 dB og begynne å justere volumet på mikseelementene mine derfra, ettersom jeg synes det vanligvis gir meg det takhøyden jeg trenger.

Selv om prosessen varierer fra låt til låt, er det lurt å begynne med hovedelementene i låten, inkludert vokal, kick, snare og bass. Vær oppmerksom på hvordan de sitter i miksen, og prøv å matche volumet og tonekarakteristikken til disse elementene i sporet ditt. Deretter tar du inn resten av instrumenteringen rundt, og A/B-tester referansen for balanse etter hvert som du går videre.

Evaluering av tonebalanse, dynamisk område og stereobilder

Neste del av prosessen er å sikre at frekvensbalansen i miksen din er lik den i referansen. Er det områder der miksen din mangler noe? Da må du kanskje gjøre justeringer.

Begynn med å lytte til begge sporene som helhet, og sammenlign de ulike overordnede frekvensområdene i miksen din med referansemiksen.

Har du for mye eller for lite low-end? Hva med high-end? Mellomtoner? Lav-mellomtone?

Når du har funnet en god frekvensbalanse som du synes høres bra ut, kan du begynne å finpusse på ulike instrumenter.

Kanskje har vokalen i referansemiksen din en fin, sprø high-end som vokalen din ikke har. For å bøte på problemet kan du kanskje gi vokalen din en 10 kHz high-shelf-boost. Kanskje låter kick og bass boomy og udefinert sammenlignet med referansen. I så fall kan du prøve å pusle sammen EQ-en slik at de spiller fint sammen.

Når frekvensbalansen høres riktig ut, liker jeg å lytte etter det dynamiske området og kompresjonen som brukes i referansen min. Som amatørmikser er kompresjon noe av det vanskeligste å få til, siden det kan være noe av det vanskeligste å høre. Men med litt øvelse vil du kunne finne ut mye om hvilken type kompresjon du trenger for å stå seg mot profesjonelt miksede spor.

Det er for eksempel ikke uvanlig å bruke 10-20 dB kompresjon på en vokal i en popmiks for å låse den. Analyser omtrent hvilken som helst topp-40-poplåt på radio i dag, og jeg garanterer at du vil kunne høre hvor komprimert vokalen er.

Til slutt gjør du en siste gjennomgang mens du lytter til stereobredden til referansen. Se hvordan miksen din står seg. Er elementene plassert riktig i stereofeltet? Kanskje er referansen smal i versene og åpner seg opp i refrengene. Kanskje er vokalreverbet i mono for å gi plass til det tette stereoarrangementet. Kanskje noen instrumenter har auto-pan for å gjøre dem mer interessante.

Ved å lytte til hvordan hvert element er panorert, kan du ta tryggere beslutninger i stereomiksen.

Mastering

Jeg pleier å bruke referansespor under mastring på samme måte som under miksing.

Velg et godt mastret referansespor som er i samme stil som sporet ditt.

Legg den inn i masteringssesjonen på et separat spor, uten ytterligere prosessering, og analyser hvordan sporet ditt står seg i forhold til lydstyrke, frekvensbalanse, stereobredde, dynamikk og klanglige egenskaper.

Jeg pleier å bruke en spektrumanalysator til å sammenligne frekvensbalansen i masteren med differansen, slik at jeg kan se hvor det er forskjeller i lav-, mellom- og høyfrekvensområdet.

På samme måte kan du bruke verktøy som REFERENCE, som jeg skrev om ovenfor, for å få informasjon om alle de tre viktigste lydegenskapene - frekvensbalanse, dynamikk og stereobredde.

Vi har også en referansefunksjon i AI-mastringsalgoritmen vår her på eMastered, slik at du kan laste opp din egen referanse og få en skarp, ren master som samsvarer med sanger du liker.
Prøv det gratis!

Avsluttende tanker - bruk av referansespor for profesjonell musikk

Enten det gjelder arrangementer, akkordprogresjoner, musikkproduksjon, miksing, mastring eller en kombinasjon av alt det ovennevnte, er det ingen grunn til ikke å bruke referansespor til originalmusikken din.

Når du velger referansespor, bør du se etter spor som er i samme sjanger som sporet du jobber med. Det vil utgjøre en enorm forskjell i den kreative arbeidsflyten din og optimalisere effektiviteten når du mikser og mastrer.