Har du noen gang hørt uttrykket "det er ikke hva du sier, men hvordan du sier det"? Vi kan overføre dette prinsippet til musikkinstrumenters uttrykk: Det er ikke hva du spiller, men hvordan du spiller det. Dette og et bevisst lydvalg er de grunnleggende prinsippene bak begrepet instrumentering.

Instrumentering i musikk gir liv og følelser til en skrevet komposisjon, noe som gjør det til en viktig del av det å være musiker, enten du er sanger, produsent eller instrumentalist. Nedenfor forklarer vi hvordan instrumentering fungerer, og hvordan du kan bruke disse klassiske teknikkene til å gi kunsten din et forsterket uttrykk som engasjerer lytterne dine.

Definisjon av instrumentering i musikk

Instrumentering refererer til den spesielle kombinasjonen av lydstrukturer og instrumenter i et musikkstykke, som er utformet for å understøtte sangens hovedidé. I sin enkleste form refererer instrumentering til en produsents eller komponists spesifikke valg av instrumenter til en komposisjon.

I tillegg til lyd- og instrumentvalg kan instrumentering også handle om hvordan ulike elementer kommer til uttrykk: En elektrisk gitar spilt med vibrato skaper for eksempel en helt annen følelse enn en gitar spilt rent. Ulike instrumenter ligger også i ulike frekvensområder, så instrumentering avhenger i stor grad av den lydspektrale balansen mellom flere lydelementer.

Instrumentering handler i bunn og grunn om å velge instrumenter og diktere intensiteten de skal uttrykkes med, med det endelige målet å produsere en balansert, sammenhengende miks som støtter melodien i en sang:

‍

Hvorfor er instrumentering viktig?

Når du tenker på instrumentering, tenker du kanskje umiddelbart på orkestermusikk. Kan du forestille deg at en komponist skrev et stykke der bassstemmen var fem ganger sterkere enn melodien som ble spilt på førstefiolinene? Du kan sikkert gjette deg til at dette stykket ville føles ubalansert og gjøre det vanskelig å følge hovedmelodien i musikken.

Prinsippene bak instrumentering gir oss et rammeverk for å bygge balansert, sammenhengende musikk som ivaretar sangens hovedidé. De fleste låter kan destilleres ned til trommer, bass og en melodi som holder det hele sammen. Hvis vi tenker på instrumentering som valg som er utformet for å støtte melodien, og ikke overmanne den, er vi i god form.

Ingrediensene i instrumenteringen

Så hvordan skaper man en god instrumentering? Her er hovedkomponentene i instrumentering som alle musikere bør ta hensyn til:

Lydvalg

Den største komponenten i instrumenteringen er lydvalg. Det handler ikke bare om å velge ut de enkeltkomponentene du liker; lydvalg koker ned til å ha en grunnleggende kunnskap om hvor visse instrumenter befinner seg i frekvensspekteret (ikke vær redd, vi tar for oss dette nedenfor), og bruke denne kunnskapen til å finne ut hva du tar med i komposisjonen din.

Det kan hende du må inngå visse kompromisser, for selv om noe høres bra ut alene, betyr ikke det at det vil høres bra ut sammen med resten av musikken din. Hvis det ikke støtter melodiens idé, må det ut.

Tekstur

Tekstur handler om hvor glatt, ru, skurrende eller kontinuerlig en lyd kan føles. Selv om dette er mer subjektive begreper, er det viktig å tenke på hvordan de ulike instrumentenes teksturer vil samspille med hverandre når de fremføres i en komposisjon.

Dynamikk

Dynamikk handler om hvor høyt eller lavt noe er, spesielt i forhold til hvordan lydstyrke og mykhet endrer seg over tid i en sang.

Artikulasjon

Artikulasjon handler om måten instrumentale eller vokale deler uttrykkes på. En vokal kan for eksempel synges med harde eller myke konsonanter, det er bare et spørsmål om valg av artikulasjon.

Timbre

Klangfargen beskriver tonen som instrumentale deler uttrykkes i.

Rekkevidde

Omfanget er avstanden mellom de laveste elementene i frekvensspekteret og de høyeste. Instrumenteringen din vil påvirke rekkevidden på låten din og dermed lytteopplevelsen for fansen din.

Blanding

Blend eller balanse handler om forholdet mellom de ulike klanguttrykkene i komposisjonen. God instrumentering gir en konsistent blanding på tvers av de ulike elementene i en låt.

Hva er forskjellen mellom instrumentering og orkestrering?

Instrumentering og orkestermusikk er svært like, og begge refererer til den spesifikke klangen og valget av instrumenter i en komposisjon. Orkestrering er imidlertid et litt mer spesifikt begrep, som handler om lydvalg når man bygger opp orkestermusikk, vanligvis i en live-setting.

Instrumentering er derimot et bredere begrep som omfatter et større spekter av produksjons- og komposisjonsmetoder.

Du kan for eksempel si at det å velge bestemte synthesizere og trommedeler i den digitale lydarbeidsstasjonen din er en type instrumentering. Mens du med orkestrering også jobber med flere instrumenter, men i en live-setting, som å finne ut av lydbalansen for en strykekvartett.

Hvor i frekvensspekteret faller de ulike lydene?

For å skape et balansert musikkstykke må du ha en grunnleggende forståelse av hvor instrumenter og lyder generelt befinner seg i frekvensspekteret.

Hvorfor det?

Hvis ikke er det lett å overdrive i enkelte partier, noe som resulterer i dårlig instrumentering. Her kan du se hvor du kan forvente at instrumentene befinner seg i frekvensspekteret, som referanse:

Trommer

Trommer er overraskende allsidige når det gjelder dekning av frekvensspekteret. Kick-trommer er lavest, med en dunk som ligger et sted mellom 60 og 80 Hz. Snares og toms ligger først og fremst i midten av frekvensspekteret, mens hi-hats og cymbaler briljerer i den øvre enden av frekvensspekteret, ved 5 kHz+.

Strenger

Strengeinstrumenter dekker mellomområdet av frekvensspekteret, men enkelte strengeinstrumenter har elementer som strekker seg lavere eller høyere. Bassgitarer og kontrabasser dekker noe av det buldrende i den nedre delen av frekvensspekteret, mens fioliner og mandoliner strekker seg inn i det øvre frekvensområdet og dekker noen frekvenser mellom øvre mellomtoneområde på 2,5 kHz - 5 kHz.

Den elektriske bassen kan ta på seg noen av de lavere frekvensene, samtidig som den fortsatt opptar betydelig plass i mellomtonen.

Vokal

Stemmeleie vil variere fra person til person, men du kan forvente at det vanligvis ligger mellom 200 Hz og 15 Hz, avhengig av om sangeren er mann eller kvinne. Mannsstemmer kan dekke et frekvensområde mellom 100 Hz og 8 kHz. Kvinnestemmer kan dekke et mye høyere frekvensområde, selv om de starter nærmere midten av frekvensspekteret, mellom 350 Hz og 17 kHz.

Piano, keyboards og synthesizere

Alle disse instrumentene er utrolig allsidige når det gjelder rekkevidde, slik at de kan dekke det meste av frekvensspekteret. De dekker ikke alle de ultralave underfrekvensene eller de ekstra høye frekvensene som begynner rundt 5 kHz.

Det originale pianospekteret er imidlertid mer begrenset enn for eksempel elektroniske instrumenter som keyboards eller synthesizere. Vær bare oppmerksom på at disse lydene har stor spennvidde og derfor bør brukes med omtanke.

Hvor faller orkesterinstrumenter over frekvensspekteret?

Hvis du drømmer om å bli dirigent, begynner orkestrering med å forstå hvor spesifikke instrumenter befinner seg i frekvensspekteret. Gjør deg kjent med hvor de følgende instrumentene befinner seg, slik at du kan skape en god balanse i en livemusikksetting:

Kontrabass

Kontrabassen er der du får buldringen og de rike underfrekvensene i orkesteret. Fra 40 - 300 Hz danner disse instrumentene grunnlaget for den lave enden.

Cello

Celloen ligger over kontrabassen og tilfører lave og lave mellomfrekvenser opp til 1 kHz. Den kan støtte melodien ved å markere tonikaene i ulike akkorder.

Fløyte

Fløyten, som er kjent for sin lyse, til tider skingrende lyd, ligger i mellomtonen, men kan strekke seg inn i de høyere mellomtonene opp til rundt 4 kHz.

Fioliner

Fioliner har ofte en melodi og skiller seg ut i en miks på grunn av sin gjennomtrengende, klare tekstur. De kan spenne fra 200 Hz og opp til 10 kHz eller høyere for de briljante, høye tonene.

Piano

I likhet med den moderne produksjonen som er beskrevet ovenfor, er pianoet spesielt ved at det kan spenne over nesten hele frekvensspekteret.

Klarinett

Disse varme treinstrumentene har sin plass i mellomtonen, som ligger rundt 100 Hz - 2 kHz.

Oboe

Oboen er kjent for sin nasallignende tone, som gir en interessant tekstur i orkesteret. Oboen ligger rundt 250 Hz - 4 kHz, og holder seg først og fremst i mellomtoneområdet.

Horn

Horn har en tendens til å ha et ganske stort spekter, selv om de har størst plass i den øvre delen av mellomtonen. Horn er ganske uttrykksfulle og kan lett overvelde balansen din hvis de spilles for freidig, så vær forsiktig.

Trommer

På samme måte som trommene i DAW-en din, opptar orkestrale trommeelementer hele spekteret når de spilles sammen, med enkelte elementer som opptar høyere eller lavere områder enn andre. De samme områdene gjelder for kick, snare og cymbaler som beskrevet ovenfor. Paukene har en tendens til å ligge i de lavere til midtre frekvensene rundt 50 - 400 Hz.

Slik bruker du moderne instrumentering i låtene dine

Selv om du ikke ser for deg at du skal dirigere klassisk musikk eller bruke tradisjonelle instrumenter, kan vi likevel ta med oss lærdommen om instrumentering inn i det moderne musikkskapingslandskapet. Slik kan du ta med deg instrumenteringsprinsippene inn i den digitale lydarbeidsstasjonen:

Valg og utforming av lyd

Akkurat som med orkestermusikk eller levende musikkinstrumenter, har VST-ene, instrumentene og til og med samplene du velger, stor innvirkning på den endelige komposisjonen din. Prioriter den lyden som best representerer den melodiske ideen din, og bygg deretter rundt den. Alle lyder som ligger utenfor hovedidéen din, bør velges for å understreke, ikke overta, den opprinnelige lyden.

Lydlagdeling

Du kan eksperimentere med å stable den samme lyden eller leke med forskjellige lyder, og spille lignende deler over flere oktaver. Ved å stable lag kan du få de enkelte delene til å føles bredere og mer robuste, og miksen din kan føles mer sammenhengende. Men vær forsiktig så du ikke overdriver: Melodien skal alltid være stjernen i showet.

Automatisering

Automatisering skaper en mer dynamisk opplevelse for lytteren, og skaper en opplevelse som er mer lik hvordan du kan oppleve et levende musikkinstrument. Eksperimenter med å automatisere parametere som volum, filter og individuelle komponenter i instrumentet over tid for å programmere et mer realistisk uttrykk i låtene dine.

Hastighet og andre uttrykksparametere

Utfordringen med å produsere musikk via programvare i stedet for å fremføre den og ta den opp, er at man kan miste noen av de uperfekte aspektene ved en fremføring som gjør at noe høres "menneskelig" ut.

Et eksempel på dette kan være å endre hastigheten eller intensiteten som notene uttrykkes med. Når en instrumentalist fremfører en del i en sang, spiller han eller hun vanligvis ikke alle tonene jevnt, selv om det ofte er standardinnstillingen i MIDI-deler. Ta deg tid til å justere uttrykksparametrene for å skape et mindre robotaktig uttrykk.

Instrumentering gir musikken liv

Instrumentering handler i bunn og grunn om å forstå den klanglige karakteren til de enkelte komponentene i komposisjonen din og velge dem deretter, med det endelige målet å skape et balansert stykke der én stemme ikke overstyrer en annen fullstendig. Uttrykket som bakes inn i de utvalgte lydene, kan helt klart endre stykkets generelle følelse, noe som gjør instrumentering til et kraftfullt, dynamisk verktøy.

Forhåpentligvis har denne guiden gjort det lettere for deg å mestre kunsten å instrumentere. God fornøyelse med å bygge balanserte, uttrykksfulle komposisjoner med instrumentering, enten du er komponist, produsent eller instrumentalist.