A repetição na música está no centro da produção musical e é frequentemente a força motriz de canções cativantes que ficam na nossa cabeça indefinidamente. É um fenómeno fascinante que liga todas as pessoas: uma atração atávica por estruturas melódicas e rítmicas que, de alguma forma, nos ligam a todos desde o início dos tempos.

Isto é possível graças aos padrões. Quer sejam melódicos ou rítmicos, os padrões na música são sequências de som que podem criar um efeito hipnotizante no ouvinte, mergulhando-o numa paisagem sonora definida pela repetição e evolução.

Mas o que são exatamente padrões musicais, grooves e ritmos? Embora estes possam ser conceitos que toma por garantidos (todos nós batemos os pés quando ouvimos uma batida agradável ou cantarolamos uma melodia de que gostamos), existe uma estrutura clara por detrás da vontade irresistível de dançar ao som de uma música, e é precisamente sobre isso que vamos falar hoje.

Este artigo tem como objetivo explicar a verdadeira natureza dos padrões musicais e como pode utilizá-los para melhorar a sua produção musical. Quer tenha acabado de iniciar o seu percurso na composição musical ou queira simplesmente compreender melhor a teoria musical, abordaremos tudo aqui.

Definições de padrões rítmicos e melódicos

Provavelmente já ouviu as definições abaixo várias vezes na sua carreira escolar, mas vale a pena refrescar essas ideias antes de aprofundar a forma como podemos utilizar os padrões para transformar o nosso processo de criação musical.

Padrões de ritmo

Em suma, um ritmo é uma sequência repetida de som ou movimento, com silêncio entre os sons que fazem a batida. O silêncio é tão crucial como os sons que fazem o ritmo, pois dão uma sensação de movimento à sequência de sons.

Os padrões de ritmo podem evoluir, alternar, parar e recomeçar; o resultado é um movimento complexo de ritmo que faz avançar uma canção. Podem ser simples ou complexos, longos ou curtos, mas todos servem um objetivo: ser a base de uma canção que os ouvintes podem seguir e os músicos podem elaborar.

Padrão Melódico

Os padrões melódicos, ou padrões tonais, são sequências de notas musicais dispostas em ritmos que são cativantes e repetíveis ao longo do tempo. São o aspeto cantável de uma faixa, um "gancho" que os ouvintes podem recordar. São uma parte essencial da música popular.

Estes padrões podem variar ligeiramente de cada vez que são tocados para envolver o ouvinte e diversificar a música. São um aspeto crucial para a criação de um motivo, uma passagem rítmica ou melódica curta repetida e desenvolvida ao longo de uma peça, tornando-se a base ou a parte mais crucial de uma composição musical.

O que faz com que os padrões musicais sejam... padrões?

Então, como é que todas estas notas interagem e se misturam umas com as outras? Como é que eu sei se uma secção rítmica é coerente e tem groove? Como a maioria das coisas na teoria musical, não há limites claros para o que se pode e não se pode fazer com as notas. Quando se trata de padrões, é tudo uma questão de definir a estrutura da nossa composição e depois construir sobre ela.

Em resumo, os padrões rítmicos são criados através da combinação de notas com diferentes durações e ênfases, formando um groove ou vibração únicos. Os padrões melódicos, por outro lado, são sequências de notas que se repetem na mesma altura ou em alturas diferentes, criando motivos ou temas numa composição.

Um padrão é uma combinação de vários factores que o tornam único, com cada elemento a desempenhar um papel na sua definição: uma ligeira variação num elemento ou noutro pode dar vida a um estado de espírito ou atmosfera completos.

No sentido mais lato, um padrão requer os seguintes elementos:

Repetição

O aspeto mais fundamental de um padrão é a repetição. Pode ser uma série de notas, ritmos, acordes ou mesmo uma progressão que se repete ao longo de uma peça. O que é importante é que seja reconhecível e memorável para o ouvinte.

Previsibilidade

Os padrões dão uma sensação de previsibilidade à sua canção, o que é fundamental se quiser que as pessoas gostem dela. Normalmente, os ouvintes esperam que o padrão continue ou regresse depois de estabelecido, mas também pode alterar o padrão original para criar tensão, alívio ou surpresa.

Consistência

Num padrão rítmico, a consistência pode estar na duração das notas e das pausas; num padrão melódico, pode estar nos intervalos entre as notas. Se um padrão for a base da sua canção, a sua consistência ajudá-lo-á a desenvolver a peça e a acrescentar-lhe variedade, mantendo uma base sólida.

Reconhecimento

Quando é que uma melodia ou um ritmo é cativante? Quando se destaca do resto da canção o suficiente para ser vista como um ponto alto, algo em torno do qual a canção gravita ou se baseia.

Estas características são fundamentais para os padrões tonais e rítmicos: quanto mais um padrão for reconhecível e consistente, mais envolvente a peça se torna para o seu público. A diferença entre um padrão bem sucedido e um que não ressoa com os ouvintes reside na sua capacidade de ser simples mas único. Não é de modo algum fácil criar um padrão memorável, mas na próxima secção, aprenderemos mais sobre como criar um.

Como usar padrões para fazer música

Agora que já sabe o que define um padrão, está na altura de pôr as mãos na massa e perceber como criar um padrão musical sólido. Para fazer música com padrões, terá de utilizar sequências rítmicas, melódicas e harmónicas para criar uma estrutura sólida para a sua faixa.

Utilização de padrões rítmicos

Um padrão rítmico é a espinha dorsal de uma peça. É a alma do groove, por isso deve fornecer um ritmo consistente que os outros músicos possam seguir.

Em suma, um ritmo é definido pelo tempo, batida, métrica, acentuação, subdivisão, sincopação e pausas:

O tempo é a velocidade a que a música se move.

O batimento é a unidade básica de tempo.

O contador junta as batidas em conjuntos regulares.

A acentuação enfatiza determinadas batidas ou notas.

A subdivisão divide os terrenos em unidades mais pequenas.

A síncope move os acentos para criar surpresa.

Os apoios melhoram a forma e o toque de um ritmo.

Se o significado destes elementos é claro para si, está pronto para os utilizar para criar grooves diferentes. Uma ligeira variação de cada uma destas características definidoras pode dar vida a uma batida completamente diferente, por isso, analise-as uma a uma e veja como podem revolucionar o seu ritmo. Quer seja um baterista ou um produtor de batidas, assim que dominar os factores que definem o ritmo, será capaz de transformar padrões rítmicos comuns em grooves únicos e levar a sua arte para o próximo nível.

Utilização de padrões melódicos

Os padrões melódicos são sequências de notas reconhecíveis e memoráveis numa canção. Estes elementos musicais podem ser repetidos e variados ao longo de uma peça: pode mudar a tonalidade, o ritmo ou mesmo a harmonia, desde que o padrão subjacente permaneça identificável.

Os padrões melódicos podem assumir várias formas e podem ser utilizados de muitas maneiras:

Progressões harmónicas: Uma sequência de acordes repetidos ao longo de uma secção de música, como o popular I-IV-V-I nos blues. O ritmo harmónico pode ajudá-lo a dar vida a progressões poderosas e facilmente reconhecíveis.

Variações: Alteração do ritmo, da melodia ou da harmonia para cativar o ouvinte. Normalmente, é uma técnica utilizada quando o padrão já foi estabelecido e é reconhecível pelo ouvinte.

Estrutura: Por exemplo, a estrutura verso-coro de muitas canções pop baseia-se em padrões repetitivos tanto da letra como da música. Estes padrões ajudam os ouvintes a compreender e a recordar a canção.

Improvisação: Um padrão pode ser a base para a música improvisada, algo em que os músicos se podem apoiar e construir.

Composição: Os padrões podem ser uma ferramenta para estruturar ideias. As novas canções podem começar com um padrão simples e depois evoluir, adicionando camadas de outros padrões em cima do original.

Teoria musical por trás dos padrões rítmicos e melódicos

Quer esteja a trabalhar num padrão rítmico ou musical, compreender o sistema de notação musical é fundamental e pode ajudá-lo a expandir consideravelmente as suas competências. Consiste numa série de símbolos que representam diferentes durações de notas e pausas, organizados no âmbito de uma fórmula de compasso, a "estrutura" que define quantas batidas existem num compasso e qual o valor da nota que corresponde a uma batida.

Esta estrutura é o que permite aos músicos compreender o tempo e o ritmo da música, mesmo que não tenham sido eles a compor a peça, fornecendo-lhes toda a informação necessária para recriar a visão criativa do compositor original.

A métrica, que é a forma como os batimentos são agrupados, pode ser simples ou complexa e pode adicionar camadas de textura rítmica a uma peça. As batidas também podem ser divididas em partes mais pequenas, uma prática que pode ser útil, especialmente em géneros onde a sincopação ou padrões rítmicos invulgares são comuns, como os chamados géneros progressivos ou mesmo na música clássica.

Os padrões melódicos, por outro lado, são definidos principalmente pelas alturas das notas (determinadas pela sua posição na pauta), pela armadura de clave e pela clave utilizada.

As notas estão organizadas em escalas, e a relação entre estas notas (os intervalos) define o movimento da melodia, quer passe de uma nota adjacente para outra, quer salte por várias. Esta relação é o que define a tonalidade da música.

Como praticar a criação de padrões melódicos e rítmicos

A prática leva à perfeição, certo? Vamos então discutir como um músico pode aperfeiçoar a arte de criar padrões melódicos e rítmicos.

A criação de padrões rítmicos memoráveis requer o desenvolvimento de um sentido de tempo sólido e uma compreensão dos vários valores das notas e pausas. Nesta busca, o metrónomo deve tornar-se o seu companheiro inestimável e, se tocar instrumentos "reais", a sua prática diária deve definitivamente envolver alguns exercícios baseados no metrónomo.

Com o tempo, comece a experimentar diferentes fórmulas de compasso e aprenda a sentir o ritmo caraterístico de cada uma. Isto dar-lhe-á acesso a padrões mais complexos, incluindo sincopação, fórmulas de compasso ímpares e ritmos cruzados; todos os elementos que podem tornar as suas canções únicas e inesquecíveis.

Agora, vamos concentrar-nos na prática melódica. Comece com escalas e arpejos, que são os blocos de construção de qualquer melodia. Pratique em várias tonalidades e aprenda a "sentir" o seu instrumento. Vai levar algum tempo, mas é também um processo extremamente gratificante a longo prazo.

Compreender como as melodias são construídas com base nestes intervalos é o primeiro passo para a composição musical profissional: os intervalos e as propriedades únicas que cada intervalo traz a uma melodia não são algo que se possa simplesmente inventar; baseiam-se numa estrutura musical sólida que deve aprender a desenvolver ou expandir a sua paleta sonora.

Depois de compreender estes elementos básicos, está na altura de criar a sua própria música.

Agora, o ritmo e a melodia devem trabalhar em uníssono de forma a complementarem-se mutuamente. Pode experimentar aplicar diferentes padrões rítmicos a uma melodia definida e ver como este processo altera o carácter da sua faixa. Ou faça-o ao contrário: alterar a melodia mantendo o ritmo constante pode mostrar como a melodia afecta a vibração emocional da sua música.

Nesta altura, a improvisação torna-se frequentemente um aspeto fundamental do processo de criação musical. No entanto, a sua improvisação deve agora basear-se nas regras claras da composição musical, que utilizará para criar o seu próprio som de assinatura.

Nunca te esqueças de te gravar enquanto improvisas. Não fazes ideia de quantas vezes os meus colegas de banda e eu fizemos uma sessão de improvisação de 15 minutos, apenas para descobrir que nos esquecemos de ligar o gravador. A impermanência faz parte de todas as formas de arte, por isso certifique-se de que capta os seus momentos criativos, de todas as formas que puder.

Ouvir o seu desempenho ajuda-o a apreciar a consistência dos seus padrões e dá-lhe uma ideia das áreas que precisam de ser melhoradas. Além disso, incentiva a escuta crítica: ouvir-se a si próprio a improvisar pode ser difícil, mas é crucial para avaliar o seu nível e a distância que o separa dos seus objectivos criativos.

Em última análise, a criação de padrões não é um processo mecânico, mas sim artístico: os padrões mais atraentes não são os mais complexos, mas sim aqueles que transmitem emoção e se ligam aos ouvintes a um nível mais profundo. Aprenda as noções básicas e, em seguida, utilize este conhecimento para dar vida à sua visão criativa sem pensar na sua perícia ou técnica.

Considerações finais

Espero que este guia o ajude a levar as suas capacidades de produção musical para o nível seguinte!

A minha recomendação final é que não se concentre demasiado na teoria musical, mas que tente dominar os elementos básicos dos padrões musicais e que os utilize para dar vida à sua visão artística. À medida que as suas capacidades melhoram, sentirá a necessidade de compreender melhor a teoria musical e a forma de criar padrões inesquecíveis: quando essa altura chegar, será capaz de definir os conhecimentos necessários para aperfeiçoar a sua arte e simplificar o seu processo de criação musical.

Da próxima vez que ouvir uma canção, dedique algum tempo a compreender os padrões rítmicos e melódicos e veja se consegue recriá-los utilizando as ferramentas e os conhecimentos à sua disposição. Desta forma, expandirá a sua paleta sonora e apreciará a beleza e a complexidade da música que adora.

Divirtam-se!