As progressões de acordes cinematográficas têm um sabor único que as faz sobressair no mundo da composição musical.

Hoje, vamos ver o que é preciso para dar vida a essas composições mágicas, começando pela teoria musical, até às progressões de acordes que tornaram alguns filmes clássicos intemporais. No final do artigo, saberá tudo o que precisa para escrever a sua própria música cinematográfica, música de videojogos ou qualquer outra coisa em que se possa lembrar.

Compreender as progressões de acordes

Não podemos abordar de forma realista o tema das progressões de acordes cinematográficas sem saber o que é uma progressão de acordes. É um tópico complexo, por isso vou dar-vos apenas uma breve visão geral. Aqueles que já estão familiarizados com a teoria musical por detrás das estruturas de acordes podem saltar esta secção.

Para quem está a começar, concentrar-se na diatonalidade e na harmonia funcional é uma óptima maneira de começar a compreender a teoria por detrás das progressões na música.

As progressões de acordes diatónicos utilizam notas de uma única tonalidade. Por exemplo, se estiver a escrever uma canção em Lá maior, todos os acordes virão da escala de Lá maior, que contém as notas Lá, Si, Dó#, Ré, Mi, Fá# e Sol#.

A partir desta escala, é possível criar tríades, ou acordes com três notas:

• Lá maior (I): A C# E
• Si menor (ii): Si Ré Fá#
• Dó# menor (iii): Dó# Mi Sol#
• Ré maior (IV): RÉ FÁ# LÁ
• Mi maior (V): E G# B
• Fá# menor (vi): F# A C#
• Sol# diminuto (vii°): G# B D

Cada acorde é geralmente representado por um número romano: as letras maiúsculas são os acordes maiores e as letras minúsculas são os acordes menores. Isto dá-nos a progressão: I - ii - iii - IV - V - vi - vii°.

A tónica, ou acorde I (neste caso, Lá maior), é um ponto de referência para todos os outros acordes, enquanto o acorde V (Mi maior) é o que se chama a "função dominante", que tem um forte "desejo" de voltar à tónica.

Quando estudamos a forma como os acordes se relacionam uns com os outros, falamos de "voice leading", que descreve como as notas individuais se movem de um acorde para outro.

Por exemplo, ao passar de V (Mi maior) para I (Lá maior), notamos o seguinte:

• E (raiz) resolve-se em A (raiz).
• G# (terceira) resolve para A (raiz).
• B (quinta) resolve-se em C# (terceira de I).

Esta resolução faz do I - V - I uma progressão comum que soa completa e harmoniosa.

Se o V resolve bem para I, podemos procurar outros acordes que tenham uma relação semelhante.

O acorde ii (Si menor) está a uma quinta de distância do V. Adicionar ii antes do V cria a progressão I - ii - V (A - Bm - E), onde ii é um acorde predominante, conduzindo facilmente ao acorde dominante (V). Esta progressão I - ii - V é uma das mais frequentemente usadas em vários géneros musicais, incluindo jazz, clássica, pop e country.

Círculo de quintos

Se está a planear tornar-se um compositor de bandas sonoras, o próximo passo lógico na teoria musical é compreender o Círculo de Quintas.

Uma "quinta" é a quinta nota de uma escala maior. Ao tocar uma nota e depois a nota sete tons acima, está a estabelecer uma quinta. A continuação deste padrão cria um círculo que representa visualmente as relações entre as tonalidades. Quanto mais próximas duas teclas estiverem neste círculo, mais suave será a transição entre elas; da mesma forma, as teclas que estão mais afastadas podem criar um efeito mais contrastante.

Porque é que precisa de saber isto? Porque a transição entre teclas é fundamental para criar uma viagem emocional.

Os compositores de filmes alternam entre tonalidades para acompanhar as mudanças nas cenas, e o círculo de quintas mostra claramente como as tonalidades estão intimamente relacionadas umas com as outras. Por exemplo, passar de Dó maior para Sol maior é uma transição comum porque as duas tonalidades partilham algumas notas, o que faz com que a música flua naturalmente.

O círculo de quintas também permite explorar diferentes melodias com confiança, movendo-se entre tonalidades que estão distantes mas ainda assim relacionadas; passar de Dó maior para Fá# maior pode ser uma mudança bastante drástica, mas tonalidades contrastantes podem funcionar bem se a cena exigir um movimento súbito.

No que diz respeito à orquestração, os compositores também podem escolher assinaturas de clave que funcionam bem com instrumentos específicos, seguindo simplesmente o círculo de quintas, preservando a progressão harmónica.

Em última análise, a composição de bandas sonoras resume-se a tensão e libertação, e a compreensão do círculo de quintas fornece aos compositores uma estrutura para criar tensão de forma eficaz. Quer seja através da resolução de um acorde dominante de volta ao acorde principal, ou utilizando dominantes secundárias e intercâmbio modal, poderá adicionar mais profundidade à sua música seguindo este sistema.

Melhores exemplos

Vamos examinar como algumas das partituras mais icónicas utilizam estas progressões:

Interstellar - Hans Zimmer

Uma banda sonora fenomenal de um dos maiores compositores vivos de música para cinema. O tema principal de Interstellar está na tonalidade de Lá menor, mas começa com o acorde de VI, Fmaj7, seguido do acorde de V menor, Mi menor, que tem Sol no baixo.

O terceiro acorde é Lá menor, o que dá uma sensação óbvia de resolução. Depois, a progressão regressa a Mi menor, novamente com Sol no baixo, mas desta vez com uma nota Ré na melodia. A progressão de acordes menores, com as ocasionais inversões de acordes, cria uma atmosfera de admiração e mistério, que se adequa perfeitamente a esta ópera espacial visionária e alucinante.

Stranger Things - Kyle Dixon e Michael Stein

O tema principal de Stranger Things é outro grande exemplo porque apresenta uma forma simples mas eficaz de criar tensão.

O tema utiliza apenas dois acordes: Dó maior 7 e Dó maior 7/E. No entanto, a mudança entre estes acordes é particularmente suave, com apenas as raízes de cada acorde tocadas em oitavas diferentes no baixo.

Dó maior 7 e Dó maior 7/E têm as mesmas quatro notas, mas a alteração da nota do baixo dá a cada acorde um som diferente. O efeito da alternância das notas graves por baixo de um acorde cria uma atmosfera inquietante que funciona na perfeição com a história.

Tema da Princesa Leia (Guerra das Estrelas) - John Williams

Sempre gostei mais de Star Trek, mas não posso negar que os filmes da Guerra das Estrelas apresentam algumas das melhores composições musicais feitas para o cinema. De todas as obras-primas compostas ao longo das décadas, o Tema da Princesa Leia de John Williams é o pináculo da narrativa musical.

Escrita em Ré maior, a progressão de acordes do tema segue um padrão de I-iv-I-iv-II-vi-i-VI-iv-V-II dom 7. Como tal, a música alterna entre acordes maiores e menores, o que dá uma aura de saudade à música.

O que mais me agrada no Tema de Leia é a forma como transita de um acorde de Ré maior para um acorde de Fá menor (Sol menor). A mudança dá à música uma textura agridoce, matizada e majestosa.

Williams usa Sol menor em vez de um acorde de Sol maior, para dar um tom mais sombrio e emocional à banda sonora. Além disso, à medida que o tema avança, a tonalidade desce meio passo, o que aumenta a profundidade da peça. O tema passa por estes acordes duas vezes, antes de regressar a Ré maior.

9 acordes cinematográficos que pode utilizar nas suas bandas sonoras

I - V - vi - IV: Melhor para bandas sonoras pop

Exemplo: Dó - Sol - Am - Fá

I - V - vi - IV é de longe a progressão mais popular na música ocidental. Começa com o acorde I (a tónica), passa para o acorde V (a dominante), desce para o acorde vi (a sexta menor) e termina com o acorde IV (a subdominante).

Para além de ser perfeita para intercalar o centro tonal, esta progressão cria intrinsecamente uma sensação de elevação, com um fluxo de emoções que se move gradualmente em direção à esperança. Toda a vibração parece completa e fortalecedora, e é por isso que tem sido usada inúmeras vezes ao longo das décadas.

vi - IV - I - V: A peça épica

Exemplo: Am - F - C - G

Outra sequência comum é vi - IV - I - V, que segue um padrão semelhante a I - V - vi - IV, mas começa com o acorde sub-mediante, o acorde vi, antes de chegar a uma resolução forte.

Cria uma mudança de tom emocional que é bastante pungente, especialmente porque o V proporciona uma poderosa libertação emocional para a viagem de uma personagem.

vi - iii - V - II: Positividade e esperança

Exemplo: Am - Em - G - D

Esta sequência funciona bem em momentos emocionais, quando o equilíbrio entre tristeza e esperança é crucial.

A progressão de acordes vi - iii - V - II leva os ouvintes numa viagem emocional. Começa com um acorde de vi que exala solenidade, e o acorde de iii continua este sentimento mas começa a sugerir uma mudança. Quando a progressão chega ao acorde de V, há uma sensação de saudade que culmina no acorde de II, acrescentando um toque surpreendente e positivo.

vi - IV - V - iii: Tristeza com Aceitação

Exemplo: Am - F - G - Em

Esta progressão começa novamente com o acorde de vi, mas o acorde de IV que se segue traz uma sensação temporária de estabilidade. O acorde de V seguinte cria tensão, mas a progressão termina com o acorde de iii, que dá uma sensação agridoce.

Os dois acordes menores fazem-no soar triste, e especialmente o acorde iii é responsável pela sensação de movimento que define a progressão.

Para mim, esta estrutura é perfeita para momentos de aceitação e perda. Deixa o público com uma sensação de emoção não resolvida, o que pode funcionar bem quando se retrata a luta de uma personagem principal.

I - IV - vi - V: A banda sonora do herói

Exemplo: Dó - Fá - Am - Sol

A progressão I - IV - vi - V é outro padrão na narrativa de filmes que funciona bem com personagens heróicos. Começa forte com o acorde I, e depois o acorde IV aumenta ainda mais a sensação de poder da música.

A seguir, o acorde de vi acrescenta um elemento subtil de vulnerabilidade a esta progressão de acordes maiores, e o acorde de V cria tensão antes de regressar ao acorde de I fundamental.

ii - IV - vi - V: Progressão majestosa

Exemplo: Dm - F - Am - G

Esta progressão é perfeita para cenas épicas. Começa com o acorde ii, o que lhe dá uma sensação de movimento. O acorde IV acrescenta estabilidade, enquanto o acorde vi traz alguma vulnerabilidade. Finalmente, o acorde V resolve com força.

vi - IV - V - II: Vibração edificante

Exemplo: Am - F - G - D

Esta progressão está presente em provavelmente todos os vídeos do YouTube com música de natureza e relaxamento!

Começa com o acorde vi, que por si só exala uma vibração pensativa e triste. No entanto, os acordes IV e V criam uma sensação de antecipação que é inspiradora e positiva. A sequência termina com o acorde II, que acrescenta uma sensação de esperança à progressão.

I - IV - ii - V: Uma nova aventura

Exemplo: C - F - Dm - G

Eis uma progressão que funciona muito bem para cenas de ação e de viagem.

A progressão I - IV - ii - V é bastante otimista e começa com o acorde I, que dá uma base forte. O acorde IV seguinte expande a música, enquanto o acorde ii acrescenta alguma tensão. Finalmente, a progressão resolve-se no forte acorde de V, que dá uma sensação de excitação e energia.

I - iii - V - II: Expansivo

Exemplo: Dó - Mi - Sol - Ré

A progressão I - iii - V - II começa com o poderoso acorde I, passando para um acorde iii mais inesperado. O acorde de V cria antecipação, enquanto o acorde de II traz finalmente uma sensação de possibilidades infinitas.

Os dois acordes maiores no final desta progressão criam uma vibração positiva que pode ser utilizada em muitos contextos cinematográficos.

Dicas finais

Criar uma progressão de acordes cinematográficos que ressoe com as pessoas requer um vocabulário sonoro que soe simultaneamente profundo e familiar, por isso certifique-se de que escreve música com a qual as pessoas se possam relacionar e que expanda o significado do que está a acontecer no ecrã.

No que diz respeito às bandas sonoras de filmes, as opções são praticamente infinitas: por exemplo, aprender mais sobre os tons menores pode acrescentar muita profundidade emocional à sua partitura, ou mudar de um tom maior para a sua versão menor para criar um forte contraste que pode aumentar o drama.

O mesmo se aplica aos acordes emprestados da escala paralela menor, como substituir um acorde vi numa tonalidade maior pelo acorde iv da escala menor. Ou dominar o movimento da raiz para se mover entre acordes que partilham uma nota comum.

Finalmente, adicionar um acorde diminuto às suas progressões pode criar suspense e levar a uma resolução significativa, especialmente quando o utiliza como transição entre dois acordes na harmonia tradicional.

Muitas bandas sonoras utilizaram acordes diminutos para acrescentar surpresa a progressões simples. Este truque, juntamente com dominantes secundárias e mudanças de tonalidade, ajudá-lo-á a construir uma paleta sónica que dará vida a novas emoções.

Boa sorte e mantenha-se criativo!