O violão acústico é um dos instrumentos mais populares e reconhecidos na música ocidental. Você pode ouvir isso em todos os lugares, do folk ao pop e ao rock. No entanto, mesmo com toda sua onipresença, a busca pelo som perfeito de guitarra acústica tem sido um desafio contínuo para gerações de engenheiros.

Para quem trabalha em casa, o processo pode parecer especialmente cansativo. Você está sentado em seu quarto ou em um estúdio improvisado, com o microfone na mão, esperando conseguir a gravação perfeita, mas pode parecer impossível quando você não tem acesso aos equipamentos de última geração ou aos espaços de estúdio de milhões de dólares que os profissionais do setor usam.

É claro que nem todo engenheiro ou músico tem a mesma ideia do que é um ótimo som de guitarra acústica. O que soa “certo” pode variar muito dependendo da faixa e do artista. Não existe uma solução única para todos. É por isso que, em vez de tentar definir qual é o som perfeito e seguir em frente, vamos analisar uma série de técnicas que fornecerão as ferramentas para encontrar o som que você está procurando, independentemente da configuração.

1. Encontre o espaço perfeito

Ao procurar o espaço ideal para gravar violão acústico, há um equilíbrio entre o tamanho da sala, a acústica e o isolamento.

A primeira coisa a considerar é o tamanho e a forma da sala. Um espaço muito pequeno pode causar reflexos exagerados, fazendo com que a gravação soe quadrada, enquanto salas muito grandes podem fazer com que sua guitarra soe muito distante ou oca.

O ideal é escolher uma sala com formato irregular. Uma sala retangular ou quadrada pode causar ondas estacionárias, o que pode criar ressonâncias indesejadas. Salas de formato irregular ou com tetos abobadados ajudam a evitar isso e criam um som mais natural.

Os materiais de superfície desempenham um papel importante. Superfícies duras, como azulejos ou paredes nuas, refletem as ondas sonoras com nitidez, o que pode tornar seu som acústico áspero ou turvo. Em vez disso, procure ambientes com uma mistura de materiais, como superfícies macias (cortinas, tapetes, móveis estofados), que absorvem altas frequências, e superfícies mais duras (madeira ou tijolo), que ajudam nos reflexos de baixa frequência e adicionam calor e clareza.

Também é importante evitar paredes paralelas, para que você possa controlar as ondas estacionárias e o eco vibrante.

O ruído ambiente é igualmente crucial. Mesmo em ambientes silenciosos, o zumbido sutil dos sistemas HVAC, do ruído da rua ou do equipamento elétrico pode interferir na gravação. Para minimizar isso, escolha uma sala longe de fontes de ruído ou use técnicas de isolamento acústico, como cortinas pesadas, proteção contra intempéries ou painéis de isolamento.

Por fim, considere o monitoramento e o tratamento no quarto. Mesmo estando gravando, você vai querer ouvir o violão com uma representação precisa. Invista em bons monitores ou fones de ouvido e trate a sala com captadores de graves e difusores, para que você possa ter uma representação clara de como ela soará na gravação.

2. Obtenha o microfone certo

Quando se trata de escolher os microfones certos para gravar violão acústico, a escolha depende muito de fatores como o som que você deseja, o ambiente em que está gravando e seu orçamento.

Existem centenas de microfones exclusivos, cada um com seus pontos fortes e fracos. É importante ter uma compreensão geral do que eles são capazes de fazer para encontrar a solução certa para seu projeto.

Microfones condensadores de diafragma grande

Os microfones condensadores são altamente sensíveis e capturam uma ampla faixa de frequências. Gosto deles por gravar instrumentos orgânicos, como guitarras acústicas, porque fornecem uma representação clara, detalhada e natural do som.

• Prós:
  • Som quente: os LDCs geralmente capturam um som cheio e quente com graves ricos, o que os torna ótimos para adicionar profundidade ao tom de um violão acústico.
  • Versátil: ótimo para uma variedade de sons, incluindo vocais e instrumentos.
  • Alta sensibilidade: eles captam detalhes intrincados e nuances sutis, o que é perfeito para capturar toda a gama de tons de um violão acústico.
• Contras:
  • Propenso a sobrecarga: sua alta sensibilidade pode ser uma desvantagem em ambientes não tratados, pois captam muito ruído ambiente.
  • Caro: geralmente são os microfones mais caros do grupo, especialmente em fabricantes sofisticados como Neumann e Telefunken.

Pessoalmente, sou um grande fã de um Nuemann U87 pelo som clássico do LCD!

Microfones condensadores de diafragma pequeno

• Prós:
  • Preciso e detalhado: os SDCs oferecem uma resposta de frequência muito mais plana e uma representação mais precisa do som de um violão acústico. Eles tendem a capturar o brilho natural melhor do que seus equivalentes de LCD.
  • Melhor para instrumentos de cordas: os SDCs costumam ser usados para instrumentos como guitarras acústicas porque captam muitos detalhes nos agudos e médios.
• Contras:
  • Menos calor: eles têm menos probabilidade de emitir um som quente do que os países menos desenvolvidos. O som pode ser percebido como muito forte ou forte, dependendo da guitarra.
  • Sensíveis à acústica da sala: semelhantes aos LDCs, eles também podem captar o ruído do ambiente se não forem colocados com cuidado.

Sempre fui um grande fã do Shure SM81. Tem um som agradável e brilhante que é perfeito para música pop e um design direcional lindo.

Microfones dinâmicos

Os microfones dinâmicos são menos sensíveis do que os condensadores, o que significa que eles capturam menos detalhes.

No entanto, eles são conhecidos por sua durabilidade e capacidade de lidar com altos níveis de pressão sonora sem distorcer.

Prós:

• Durabilidade: os microfones dinâmicos são robustos e podem suportar altos volumes, o que os torna ótimos para estilos de reprodução mais altos.
• Menos ruído ambiente: como eles têm um padrão de captação mais estreito (normalmente cardioide), os microfones dinâmicos tendem a rejeitar mais som ambiente e são menos sensíveis aos reflexos da sala.
• Acessível: geralmente mais econômico do que microfones condensadores.

Contras:

• Menos detalhes: eles não capturam o mesmo nível de detalhes dos microfones condensadores, o que os torna menos adequados para capturar as sutilezas e a ressonância natural de um violão acústico.
• Resposta de frequência limitada: eles normalmente não capturam toda a faixa de frequência de um violão acústico tão bem quanto os condensadores.

Embora muitas vezes seja uma escolha padrão para amplificadores de guitarra elétrica, um Shure SM57 também pode ser uma opção decente para um violão acústico se você não precisar de um som super detalhado.

Na verdade, o álbum mais popular de Bon Iver até hoje, que ganhou disco de platina, foi gravado usando apenas um microfone, um Shure SM57, mostrando o quão versátil esse microfone pode ser.

Microfones de fita

Os microfones de fita são conhecidos por seu som “vintage” e geralmente são mais frágeis do que os microfones dinâmicos ou condensadores.

Prós:

• Som suave e natural: os microfones Ribbon têm um som quente e vintage com um efeito natural nas altas frequências, o que pode ser muito agradável para guitarras acústicas.
• Excelente para estilos específicos: se você estiver gravando violão acústico em um contexto mais vintage ou suave, os microfones de fita são ótimos!

Contras:

• Delicado: os microfones de fita são mais frágeis do que os condensadores ou dinâmicos. Eles podem ser danificados por altos níveis de pressão sonora, como guitarras acústicas altas com microfone próximo ou determinadas configurações de desempenho.
• Menos detalhes nos agudos: embora forneçam um tom suave e vintage, eles tendem a não ter detalhes e brilho de alta qualidade.

Sou um grande fã do Royer R-121, especialmente por esse som de fita reconhecível.

3. Determine seu estilo de microfone

Depois de ter seus microfones, você pode determinar se deseja usar um único microfone ou uma configuração estéreo.

Ambas as opções têm suas vantagens, e a escolha realmente depende do som que você deseja.

Gravar com um único microfone é o método mais fácil, especialmente se você procura um som nítido e focado. Você também não precisa se preocupar com problemas de fase ou encaixar sua gravação em uma mixagem mais movimentada.

Por outro lado, usar dois microfones em uma configuração estéreo adiciona um novo nível de profundidade à sua gravação. Ele captura a largura natural do violão acústico, fazendo com que pareça mais envolvente. Isso pode ser especialmente útil quando você tem um arranjo despojado e deseja que o violão ocupe mais espaço.

O desafio aqui é que ele exige um pouco mais de sutileza em termos de posicionamento do microfone. Você precisará considerar os problemas de fase e garantir que seus microfones estejam alinhados adequadamente para obter o som que você está procurando.

4. Posicionamento do microfone

Antes de mergulhar nas técnicas comuns de posicionamento do microfone, vamos falar sobre alguns erros comuns que podem confundir você ao gravar violão acústico.

Um dos erros mais frequentes é colocar o microfone diretamente na frente do orifício de som. Embora possa parecer uma escolha lógica, isso tende a exagerar os graves e geralmente resulta em um som abafado e estrondoso.

Outro erro é colocar o microfone muito perto da guitarra. Isso pode causar o que é conhecido como efeito de proximidade, em que as frequências baixas aumentam demais, tornando o som excessivamente turvo e desequilibrado. Portanto, evite ficar muito perto e sempre experimente a distância do microfone para encontrar esse ponto ideal.

Configuração de microfone mono

Agora, se você estiver trabalhando com uma configuração de microfone mono, um bom ponto de partida é colocar o microfone a cerca de 6 a 12 polegadas de distância do 12º ao 14º traste. Essa área captura um bom equilíbrio entre o corpo da guitarra e das cordas, proporcionando um tom limpo e completo.

A partir daqui, você pode ser criativo. Aponte o microfone mais para o pescoço para obter um som mais fino e arejado, ou incline-o em direção ao orifício de som para um ataque mais focado, onde você captará as nuances da palheta ou dos dedos.

Se você procura algo um pouco mais rico e robusto, pode usar um único microfone para capturar o corpo da guitarra. Ao posicionar o microfone um pouco mais abaixo, próximo à parte inferior da guitarra (o corpo), você captará mais médios e graves, proporcionando um tom mais quente e cheio.

Por outro lado, se você quiser um som mais fino e percussivo para partes ou texturas de fundo, apontar um pequeno condensador de diafragma para o pescoço é uma escolha fantástica. Essa técnica é ótima para obter brilho de alta qualidade e capturar as qualidades percussivas das cordas.

Se você estiver optando por uma configuração estéreo, existem algumas técnicas de posicionamento de microfone que podem ajudá-lo a obter um som mais amplo.

Par espaçado (A/B)

Essa configuração estéreo envolve colocar dois microfones a alguns metros de distância, apontando-os para a guitarra em ângulos diferentes. A distância entre os microfones oferece um efeito estéreo natural, que captura a guitarra em toda a sua largura.

A chave aqui é posicionar os microfones de uma forma que capturem a guitarra igualmente, ao mesmo tempo em que permita algum espaço para a acústica natural da sala. É uma configuração fácil que funciona particularmente bem em espaços maiores, onde você deseja capturar o personagem da sala ao lado da guitarra.

Par coincidente (X/Y)

O método X/Y envolve colocar dois microfones em um ângulo de 90 graus entre si, com as cápsulas o mais próximas possível, normalmente no mesmo ponto (ou “coincidente”). Essa técnica é ótima para obter o som estéreo e evitar problemas de fase.

Principalmente em espaços menores ou quando você precisa de uma imagem estéreo focada sem capturar muito da acústica da sala.

5. Grave um D.I.

Embora eu sempre recomende gravar guitarra acústica com um microfone, nunca subestime o poder de gravar uma entrada direta (D.I.) ao lado ou como alternativa ao som do microfone. Um sinal D.I. é retirado diretamente da saída da guitarra, oferecendo uma versão limpa e sem cor do som, sem qualquer influência do ambiente ou coloração do microfone.

Gravar um D.I. pode ser particularmente útil quando você quer um som mais percussivo e rico em transientes. O sinal direto captura o ataque das cordas, o toque da palheta e todos os detalhes de como o músico está interagindo com o instrumento. É uma ótima maneira de obter uma energia firme e focada que a configuração de um microfone pode não transmitir totalmente, especialmente se o microfone estiver mais para trás ou mais inclinado em direção ao corpo da guitarra.

A beleza de gravar um D.I. é que ele oferece total flexibilidade na pós-produção. Por exemplo, se você já tem uma gravação com microfone, adicionar uma faixa D.I. pode lhe dar um controle extra sobre o som. Você pode misturar apenas um toque do D.I. para aprimorar os elementos percussivos ou adicionar uma definição extra ao ataque das cordas sem perder o calor e o caráter natural da gravação do microfone.

Se você estiver optando por uma gravação de DI pura, a falta de tom ambiente pode fazer com que pareça um pouco seca.

No entanto, você pode usar um reverb de convolução para simular o som da sala ao redor da guitarra. Isso permite que você adicione um pouco do espaço e do ar que você pode perder sem um microfone.

6. Entre na mentalidade de “gravação”

Se você já gravou em um estúdio ou até mesmo em casa, provavelmente conhece a sensação de “febre do sinal vermelho”. É aquela onda de pressão que surge quando você sabe que está sendo gravado. De repente, tudo parece mais intenso e os menores erros parecem ampliados. É fácil se envolver com o desempenho e esquecer de se concentrar no panorama geral.

A melhor maneira de lidar com isso? Experiência. Quanto mais você grava, mais fácil se torna se livrar dos nervos e tocar da melhor maneira possível. Com o tempo, você se acostumará com o fato de poder sempre corrigir pequenos erros na fase de edição. Se você perder uma nota ou tocar levemente no acorde errado, lembre-se de que você tem a liberdade de regravar quantas tomadas precisar.

Dito isso, quando você está gravando, muitas vezes pode parecer que você está sob um microscópio.

Cada nuance sutil, o som de sua palheta batendo nas cordas, um leve zumbido em uma nota, o barulho de seus dedos se movendo no braço da guitarra, se torna mais óbvia. Essas pequenas imperfeições que podem funcionar bem em uma apresentação ao vivo podem distrair quando você está ouvindo sua gravação.

Uma coisa que geralmente ajuda é ajustar um pouco seu estilo de tocar durante a gravação. Tocar ao vivo e gravar nem sempre são a mesma coisa e, às vezes, uma pequena mudança na forma como você aborda o instrumento pode fazer toda a diferença.

Por exemplo, você pode descobrir que, ao gravar, um toque um pouco mais leve ou um ataque mais controlado ajudam a produzir um som mais limpo. Você deve estar atento à forma como sua dinâmica e seu fraseado surgem, pois o microfone capturará até mesmo as menores flutuações.

Outra dica é gravar com uma pequena quantidade de reverberação nos fones de ouvido. Isso pode ajudar a recriar aquela sensação de “ao vivo” e oferecer o espaço necessário para relaxar durante a apresentação.

7. Considere suas cordas

Um dos fatores mais negligenciados é, na verdade, algo sobre o qual você tem controle todos os dias: suas cordas.

A condição de suas cordas pode ter um grande impacto em seu tom e, se estiverem velhas ou desgastadas, podem fazer com que uma boa performance soe monótona e sem vida na gravação. Mesmo que ainda “soem bem” para você enquanto toca, os microfones têm uma maneira engraçada de revelar cada pequena imperfeição.

Cordas novas são a única maneira de obter um som verdadeiramente brilhante e completo.

8. Use a compressão em andamento

Usar um pouco de compressão leve na entrada, seja com uma peça de hardware ou com um plug-in, pode ajudá-lo a controlar sua dinâmica durante o processo de gravação.

Uma configuração de compressão leve com uma proporção de cerca de 2:1 ou 3:1 e apenas alguns dB de redução de ganho pode fazer maravilhas em sua gravação.

A vantagem de aplicar essa compressão leve durante o processo de gravação é que ela fornece um ponto de partida sólido em termos de nível e ajuda a manter tudo sob controle. Você também não precisará se esforçar tanto para gerenciar a dinâmica durante o processo de mixagem, o que pode economizar tempo e energia.

9. Teste diferentes escolhas

Assim como as cordas, sua escolha também pode ter um grande impacto no processo de gravação. Escolhas diferentes produzirão qualidades tonais diferentes, portanto, experimentar algumas opções pode ajudar você a obter o som que está procurando.

Por exemplo, se você está tentando obter um som de dedilhado mais leve e perfeito para preencher o fundo, você pode optar por uma palheta mais fina.

Por outro lado, se você quiser um som mais percussivo com padrões rápidos de nota única, uma palheta mais grossa é a melhor opção.

O material também pode ter um grande impacto. Palhetas feitas de materiais mais duros, como Delrin (usado nas palhetas Tortex), aço inoxidável ou acetal, produzirão um som mais nítido, enquanto palhetas feitas de materiais mais macios, como náilon, borracha ou casco de tartaruga, são ótimas quando você quer mais calor.

10. Entenda o som que você procura

O processo de gravação é inerentemente dependente do contexto. Na verdade, você tem a liberdade de abordá-lo da maneira que quiser - não há uma maneira “certa” ou “errada”, apenas ferramentas e técnicas diferentes que funcionam para objetivos diferentes.

A coisa mais importante a ter em mente ao se preparar para gravar é fazer a si mesmo uma pergunta simples: Como você quer que soe?

Um som natural “na sala”

O som folclórico clássico “na sala” é caloroso e simples. Um único microfone condensador colocado ao redor do 12º traste (cerca de 6-12 polegadas de distância) fornecerá uma captura completa do corpo e das cordas da guitarra.

Eu recomendo usar um microfone que não enfatize demais a alta qualidade, como um condensador de diafragma grande (por exemplo, Neumann U87).

O som acústico “pop”

As faixas acústicas pop geralmente exigem um tom mais limpo e polido. O foco aqui deve estar na clareza, definição e brilho.

Para um som mais definido, um par estéreo de condensador de diafragma pequeno é uma excelente escolha. Experimente a técnica de par espaçado (A/B) para capturar a largura da guitarra e sua faixa tonal completa. Posicione os microfones a cerca de 3-4 pés de distância no 12º traste para garantir que cada microfone capture um aspecto diferente da guitarra.

O som acústico “Bluesy”

A acústica do blues é ótima quando você precisa de personalidade, coragem e um pouco de rosnado. O violão deve parecer cru, mas articulado, com muita ênfase nos elementos percussivos e na tensão das cordas.

Para esse tipo de som, adoro um microfone dinâmico como um Shure SM57 ou Sennheiser 421 colocado mais perto do orifício de som. Você também pode experimentar adicionar uma faixa D.I. para capturar o sinal direto e limpo da guitarra e mesclá-lo com a gravação do microfone para obter uma definição extra.

O som do “rock”

No rock, um violão acústico geralmente precisa de energia, força e presença para tocar na mixagem.

Um microfone dinâmico é bom para esse tipo de som, especialmente um com um tom intermediário um pouco mais agressivo, como um SM57. Você vai querer um pouco do som, especialmente se a guitarra estiver presente em uma mixagem de banda completa.

Considerações finais - Arrancando sua gravação acústica

Conseguir um bom som de guitarra acústica não precisa ser um desafio.

É tudo uma questão de entender as técnicas de gravação corretas e como capturar a fonte sonora natural do seu instrumento. Esteja você em um estúdio de gravação ou trabalhando em casa com configurações de microfone decentes, o objetivo quase sempre é criar um som equilibrado que represente o verdadeiro caráter da guitarra.

É claro que, como acontece com qualquer coisa na música, a experimentação às vezes pode produzir os melhores resultados. Então, divirta-se e experimente coisas diferentes!