La fel ca Nickelback, muzica minimalistă are uneori o reputație proastă. Este ușor de făcut. Este ieftină. Nu merge nicăieri. Compozitorii minimaliști sunt leneși.

Ați înțeles ce vreau să spun.

În timp ce muzica minimalistă (ca orice formă de muzică) are potențialul de a fi mai puțin stelară, realitatea este că poate fi destul de grozavă, fie că o faci, fie că o asculți.

A început, așa cum fac toate lucrurile cool, ca o reacție împotriva convențiilor principale din muzica occidentală. De la începuturile sale în New York City, genul a continuat să influențeze multe genuri și să inspire compozitori din întreaga lume.

Dacă sunteți nou în acest stil muzical, ați ajuns la locul potrivit. În acest articol, vom analiza un scurt istoric și dezvoltarea muzicii minimaliste, cine sunt compozitorii minimaliști proeminenți, caracteristicile cheie ale stilului și cum să începeți să creați propria dvs. muzică minimalistă.

Stați confortabil? Să începem....

Context istoric: Nașterea muzicii minimaliste

Influențe timpurii

Muzica minimală a apărut din creuzetul amețitor al New York-ului anilor 1960, dar dacă ne întoarcem puțin mai în urmă în istoria muzicii clasice, vom găsi compozitori experimentali care au deschis calea evoluției acestui stil.

Între sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea, Erik Satie a rupt tiparele lumii clasice cu abordarea sa în materie de compoziție. Lucrările sale timpurii pentru pian solo transmiteau o frumoasă simplitate, în timp ce alți compozitori erau foarte activi.

De exemplu, primele trei piese din Gnossiennes pentru pian solo ale lui Satie sunt în timp liber; nu au linii de bare sau semnături temporale. S-ar putea să nu vi se pară mare lucru dacă sunteți un fan al lui Brian Eno, dar la acea vreme aceasta era o abordare destul de radicală a compoziției.

Făcând un salt înainte în timp, opera lui John Cage i-a făcut pe oameni să se gândească de două ori la ceea ce constituie muzica. Celebrul său 4'33'' a fost interpretat pentru prima dată în 1952 și a stârnit rapid controverse datorită faptului că niciunul dintre interpreți nu a cântat o singură notă. Era vorba despre "absența sunetelor intenționate".

Influențele din tradițiile muzicale non-occidentale sunt, de asemenea, anterioare nașterii muzicii minimale. Ritmurile africane, muzica clasică hindusă și instrumentele "etnice" precum gamelanul existau de mult timp înainte ca muzica minimalistă americană să apară pe scenă.

Ascensiunea muzicii minimaliste

Nu este clar de unde provine termenul de muzică minimalistă, dar stilul muzical așa cum îl înțelegem astăzi a început să apară ca parte a scenei muzicale Avant Garde de pe Coasta de Vest la sfârșitul anilor 1950. Ulterior, s-a extins la New York, unde a găsit un spirit înrudit în Școala Hipnotică din New York - o formă de muzică experimentală la acea vreme.

Nu doar muzica a fost inspirată de conceptul de minimalism. Aproape toate formele de artă răspundeau ideii "mai puțin înseamnă mai mult", cu o activitate subterană fără sfârșit în literatură, pictură, sculptură și film pentru a crea artă minimală. De fapt, multe dintre primele spectacole de muzică minimalistă au avut loc în galerii de artă și mansarde, mai degrabă decât în săli de concerte tradiționale.

Pionierii: Primii compozitori minimaliști

Mișcarea muzicală minimalistă a implicat inițial zeci de compozitori anonimi. Din acest melanj, patru persoane cheie au apărut ca fiind cei mai importanți compozitori minimaliști ai vremii. Toți cei patru compozitori americani s-au născut la câțiva ani distanță unul de celălalt și toți au studiat muzica clasică occidentală tradițională.

Și, așa cum se întâmplă în general în istoria muzicii, toți acești compozitori sunt de asemenea albi și bărbați. Sigh.

La Monte Young

La Monte Young este probabil cel mai puțin cunoscut din acest grup. Numit de Brian Eno "tatăl nostru al tuturor", el este cunoscut mai ales pentru utilizarea tonurilor lungi și susținute în lucrările sale.

De fapt, în timp ce studia la Berkeley ca student absolvent, tutorele său de compoziție a refuzat să îi noteze compoziția Trio for Strings, deoarece era formată din doar trei note foarte lungi. Ei nu știau că această înclinație pentru drone va deveni mai târziu o lucrare de pionierat.

Muzica de vis a lui La Monte Young, așa cum a fost numită inițial, a format coloana vertebrală a colectivului muzical Theatre of Eternal Music, și este apreciată în notele albumului Metal Machine Music al lui Lou Reed din 1975.

Se poate spune cu siguranță că, deși La Monte Young nu a lansat prea multe materiale înregistrate în timpul vieții sale, influența sa a fost resimțită în întreaga lume.

Terry Riley

Terry Riley este prieten și colaborator al lui Young, dar explorează minimalismul prin repetiție, în special prin utilizarea buclelor de bandă și a delay-ului.

Utilizarea repetiției de către Riley nu s-a limitat la domeniul electronic; una dintre cele mai cunoscute lucrări ale sale, In C, utilizează un proces similar pentru instrumentele live. Un interpret oferă o bază ritmică (pe Do, bineînțeles), în timp ce ceilalți interpreți (care pot fi în număr nelimitat, la orice instrument) își croiesc drum prin 53 de celule melodice, având doar câteva sugestii de bază pentru a-i ghida. Rezultatul este fascinant și hipnotic.

Prin concentrarea sa asupra compoziției modulare, se poate spune că Terry Riley este Ableton-ul original. Dacă un critic muzical ar fi de acord, este o altă problemă, dar oricum Riley a influențat puternic nu numai muzica experimentală, ci și rock-ul și muzica electronică contemporană.

(Notă secundară: verificați Mescalin Mix pentru un gust înfiorător a ceea ce a sunat muzica timpurie a lui Riley.)

Steve Reich

Această abordare modulară a creării muzicii a fost, de asemenea, una dintre preferatele lui Steve Reich. În cazul lui Reich, el explorează o tehnică numită phase shifting, în care același material este interpretat, dar fiecare parte începe la un moment ușor diferit și poate fi interpretată la un tempo subtil diferit.

Steve Reich și-a început experimentele în muzica minimală folosind banda magnetică; printre primele compoziții se numără It's Gonna Rain (1965) și Come Out (1966). Ambele lucrări sunt exemple clasice de schimbare de fază în acțiune, oferind o privire timpurie asupra tehnicilor de eșantionare care vor defini ulterior muzica electronică.

Ca și Riley, Steve Reich și-a aplicat metodologia muzicii minimale la instrumentele acustice. Piano Phase (1967) recreează efectul de buclă de bandă folosind două piane. Fiecare pian cântă aceeași linie melodică la unison, dar un pian accelerează treptat. Deoarece totul este live, nu există două interpretări identice (deși, desigur, puteți asculta o înregistrare).

Mai târziu în cariera sa, Reich a devenit mai interesat de utilizarea instrumentelor de percuție în tipare ritmice interconectate, similare poliritmelor întâlnite în tobele africane.

Philip Glass

Poate că unul dintre cei mai cunoscuți compozitori americani de muzică contemporană este Philip Glass.

La fel ca Young, Reich și Riley, Philip Glass a studiat la Juilliard, în New York, în perioada în care începea să prindă contur muzica minimalistă. Abia în 1967, când s-a întors din Franța și India, Glass a început să acorde atenție și să fie influențat de munca lui Steve Reich.

Ca și Reich, Glass a fost sponsorizat la început de galeriile de artă, muzica sa fiind prezentată împreună cu artiști vizuali minimaliști în locuri neconvenționale.

Ansamblurile sale cuprind orgi, piane și instrumente de suflat, în special saxofoane, precum și instrumente mai idiosincratice, cum ar fi măsuțele amplificate. Muzica lui Glass este ușor de recunoscut, îmbinând muzica indiană, minimalismul și propriul său stil personal, născut din orele lungi în care asculta împreună cu tatăl său discuri de la magazinul de muzică deținut de familie.

Pe lângă faptul că a fost asociată cu minimalismul timpuriu, muzica lui Glass a fost auzită în filme, în teatre de operă și pe scena de pe Broadway. Acest lucru se adaugă numeroaselor piese solo și de muzică de cameră, precum și lucrărilor pentru cvartet de coarde și mici ansambluri instrumentale.

Un tip destul de prolific, pentru un minimalist.

Caracteristici ale muzicii minimaliste

Deci știm cum a apărut muzica minimalistă și cine a fost în fruntea scenei. Să aruncăm o privire asupra trăsăturilor minimaliste în muzică.

Materiale limitate sau minime

Prin însăși definiția sa, muzica minimală poate include orice creat pentru instrumente foarte limitate. Acesta poate fi un zgomot electronic de bază sub un sunet de saxofon în buclă sau un grup de instrumente eclectice cu "sunete găsite", precum o cratiță și o centură de siguranță.

Piesele care folosesc doar câteva cuvinte de text (cum ar fi It's Gonna Rain a lui Steve Reich, menționată anterior ) sunt, de asemenea, minimaliste, la fel ca și piesele care folosesc doar câteva note pe parcursul întregii piese (nu tu Nickelback).

Repetiție și cicluri

Muzica care include modele muzicale scurte sau celule repetate pe perioade lungi poate fi considerată minimalistă. Terry Riley și Steve Reich au îmbrățișat ideea de repetiție în lucrările lor, iar Philip Glass este bine cunoscut pentru utilizarea structurilor repetitive, muzica sa mișcându-se în cercuri nesfârșite.

Evoluție graduală

Simpla repetare a unei fraze la nesfârșit îmbătrânește rapid, astfel încât ideea de a introduce variații sau adăugiri subtile în timp este una dintre caracteristicile principale ale minimalismului. Steve Reich a fost un maestru în acest sens cu tehnica sa de schimbare a fazei.

Ritmuri conduse de impulsuri

Ritmurile simple, pulsate, care emană o calitate hipnotică sunt, de asemenea, o caracteristică a muzicii minimale. Philip Glass este binecunoscut pentru calitățile ritmice din muzica sa, o calitate care a continuat să influențeze stilurile contemporane de muzică, precum rock și EDM.

Percepția audienței

Încercarea de a identifica un anumit stil sau gen de muzică este întotdeauna dificilă. Nimic nu se va potrivi în mod convenabil într-o gaură în formă de "muzică minimalistă" sau "muzică pop". În mod similar, nu toate caracteristicile de mai sus trebuie să fie prezente pentru ca muzica să fie minimalistă și nici faptul că aceste caracteristici sunt prezente într-o măsură mai mare sau mai mică nu face ca o piesă muzicală să fie minimalistă.

Poate cel mai important aspect al muzicii minimale este modul în care permite publicului (sau îl obligă, în funcție de cum privești lucrurile) să se concentreze asupra a ceea ce se întâmplă în muzică.

Spre deosebire de divertismentul muzical prezentat sub forma unei povești sau a unei călătorii, experiența de a asculta muzică minimală implică acordarea de atenție la ceea ce se întâmplă în muzica însăși.

O piesă muzicală care constă din doar două sau trei note interpretate, să zicem, timp de cincisprezece minute, obligă ascultătorul să se concentreze cu adevărat asupra interpretării și îl face pe acesta să joace un rol activ în muzică.

Aș spune că asta este ceea ce face muzica minimalistă.

Cum să creați muzică minimalistă

Dacă vrei să devii următorul Philip Glass sau John Adams, va trebui să începi să scrii muzică minimalistă! Iată câteva idei pentru a începe.

Alegeți-vă obiectivul

Decideți care este elementul de bază al piesei dumneavoastră. Acesta ar putea fi:

• un ritm
• o armonie, cum ar fi o cvintă deschisă sau o terță majoră
• o melodie
• un fragment de discurs (asigurați-vă că aveți drepturile de a face acest lucru dacă intenționați să vă publicați lucrarea!)

Compozitorii minimaliști își construiesc adesea întreaga compoziție pornind de la o singură idee, așa că alegeți un element de bază ca piatră de temelie pentru piesa dvs.

Orice ați alege, asigurați-vă că este scurt. Dacă mergeți pe calea La Monte Young cu note lungi susținute, este în regulă - ideea inițială va fi totuși scurtă!

Creați un model repetitiv

Odată ce v-ați ales fundația, folosiți-o pentru a crea un model repetitiv.

Dacă folosiți un ritm, programați-l sau înregistrați-l folosind instrumente de percuție neacordate - puteți adăuga oricând instrumente mai acordate mai târziu.

Dacă este o melodie, înregistrați-o și puneți-o în buclă.

Dacă este vorba de o armonie, utilizați un sunet susținut, cum ar fi un synth pad, pentru a programa armonia, susținând-o pe o perioadă de timp. (Sfat profesional: Transmiteți acest lucru ca sunet, mai degrabă decât să utilizați MIDI, astfel încât să auziți sunetul oriunde ați începe redarea).

Efectul hipnotic al minimalismului provine din repetiția constantă, creând un sentiment meditativ.

Limitează-ți paleta

Acum, că ați trasat fundația, este timpul să începeți să vă gândiți la modul în care lucrurile vor evolua în timp. Pentru început, va trebui să vă construiți paleta sonoră.

Fie că folosiți instrumente electronice sau înregistrați acustic, limitați numărul de instrumente pe care le folosiți în piesă la doar câteva. Acest lucru vă va ajuta să intrați în mentalitatea minimalistă și va preveni aglomerarea prea mare a lucrurilor. Vă va forța să vă gândiți mai profund la modul în care lucrurile se pot schimba în timp.

Chiar dacă intenționați să construiți un zid sonor tot mai mare în jurul unei armonii, este o idee bună să folosiți mai multe versiuni ale câtorva instrumente diferite.

Introduceți mici variații

Alegeți un element și schimbați-l treptat.

Dacă ați început cu un instrument care cântă o melodie simplă ostinato, încercați să introduceți treptat un al doilea instrument, apoi un al treilea.

Alternativ, experimentați adăugând sau eliminând o notă din model sau, dacă aveți două instrumente care cântă același motiv, ajustați sincronizarea unuia dintre ele astfel încât să se decaleze.

Dinamica este o altă modalitate bună de a introduce variații subtile într-o idee repetitivă, menținând în același timp identitatea de bază a muzicii.

Experimentați cu stratificarea

Dacă ați început cu un instrument care cântă o melodie simplă ostinato, introduceți treptat un al doilea instrument, apoi un al treilea.

Combinați acest pas cu cel anterior prin introducerea de variații în aceste straturi noi.

Adoptați tehnologia

Instrumentele electronice precum DAW-urile, secvențierele hardware și pedalele de looper fac ca crearea muzicii minimale să fie accesibilă tuturor, așa că folosiți-le. Există o mulțime de instrumente gratuite pentru a vă ajuta în acest sens!

În plus față de capacitățile de eșantionare și looping oferite practic de fiecare DAW, efectele digitale pot fi utilizate pentru a crea o senzație de spațiu. Explorați modul în care modificarea parametrilor unui plugin de delay sau reverb cu ajutorul automatizării poate genera muzică minimalistă sălbatică și minunată pornind de la o singură idee.

Provoacă-te

Stabiliți-vă limite pentru fiecare proiect la care lucrați, de exemplu:

• înregistrați folosind doar vocea dvs.
• înregistrați 30 de minute de muzică fără editare
• utilizați un singur sunet și efecte multiple
• utilizați mai multe sunete și un singur efect
• schimbați semnătura timpului pe fiecare măsură

Dacă nu ați încercat niciodată să scrieți în stil minimalist, s-ar putea să fiți surprinși cât de dificil poate fi să reduceți lucrurile. Cheia minimalismului este simplitatea și numărul redus de instrumente implicate. Pentru a face muzică experimentală trebuie să continuați să experimentați!

Moștenirea muzicii minimaliste

Muzica minimalistă a parcurs un drum lung de la diverși compozitori anonimi și piese de artă performance neidentificate în New York-ul anilor 1960. Minimalismul a făcut o impresie de durată asupra muzicii clasice, EDM, rock și chiar asupra muzicii de film.

Compozitori precum Max Richter și Jóhann Jóhannsson îmbină repetiția minimalistă cu orchestrația luxuriantă pentru a crea lucrări cu rezonanță emoțională care au ajuns la un public larg. Sleep de Richter este o prezentare a fluidității expresive și a calităților meditative ale minimalismului.

Muzicienii electroniști au fost, de asemenea, profund influențați de minimalism. Jon Hopkins, Nihls Frahm și, bineînțeles, Brian Eno au adoptat tehnici de proces minimaliste precum repetiția, modelele în buclă și schimbările texturale treptate pentru a crea peisaje sonore captivante.

Chiar și regele actual al muzicii de film, Hans Zimmer, folosește tehnici minimaliste. Uitați-vă la partitura sa pentru Interstellar pentru a auzi schimbări armonice lente care amintesc de experimentele de phasing ale lui Steve Reich.

Accentul pus de minimalism pe repetiție, simplitate și transformare treptată continuă să inspire nu puțini compozitori din mai multe genuri, demonstrând că impactul său este la fel de durabil pe cât este de expansiv.

Dacă sunteți în căutare de inspirație pentru a compune muzică nouă în stilul minimal sau pur și simplu doriți să vă scufundați în acest gen, vă recomand să ascultați acest excelent playlist introductiv.

Acum mergeți mai departe și minimalizați muzica!